Arte y Cultura
El museo en la Luna y la insospechada irreverencia de Andy Warhol
Benjamin Malik
La increíble hazaña de introducir el concepto de un Museo en la Luna y una picardía extravagante para burlarse tácitamente del cosmos.
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A un mes de la exhibición de la importante obra de Andy Warhol en el Museo Jumex, resulta pertinente hablar de una de sus más rebeldes hazañas.

Por milenios el ser humano ha soñado con explorar el espacio exterior, navegar junto a las estrellas y obtener una perspectiva cósmica de nuestro origen. Fue hasta los años sesenta que los avances tecnológicos abrieron la posibilidad de realizar el primer viaje sideral y con ello, la misión prometéica de caminar sobre el astro más cercano a nuestro planeta, la Luna.

El signo humano más representativo para señalar la conquista de un territorio es el de alzar una bandera, y así, el 20 de julio de 1969, los tripulantes de Apollo 11 levantaron la bandera de E.U.A sobre la superficie de la luna, pero como bien señaló Arthur C. Clark “Hay un simbolismo esperanzador en el hecho de que las banderas no ondulen en el vacío”, queda en evidencia que para mentes más sensibles la mejor forma de dejar huella en el universo no era a través de símbolos nacionalistas, sino con la más prístina característica de nuestra especie, la expresión artística.

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Apollo 12 fue la segunda misión espacial encargada de visitar nuestro satélite natural y con ella se conspiró para lograr establecer en completo secreto, el primer y único Museo en la Luna. El concepto fue idea de Forrest “Frosty” Myers quien reuniría a seis grandes artistas para crear un minúsculo museo con obras de cada uno de ellos. En lugar de pasar por los canales oficiales, se vio obligado a tomar la ruta clandestina e introducirlo como contrabando dentro de la nave.

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El Museo de la Luna es una pequeña oblea de cerámica que presenta el arte de Andy Warhol, Claes Oldenburg, David Novros, Forrest Myers, Robert Rauschenberg y John Chamberlain. Los artistas contribuyeron en la creación de este pequeño chip con la esperanza de que se convirtiera en la primer expresión artística humana fuera de la Tierra. Y ese deseo puede muy bien haberse hecho realidad. Según los rumores, un ingeniero que trabajaba en la misión Apolo 12, colocó ilegalmente el chip en la pierna del módulo antes del despegue. El informante sin nombre de la NASA luego envió un telegrama al escultor y los cerebros detrás de la operación, para confirmar que el chip estaba en el módulo, sin el conocimiento de ningún otro miembro de la NASA.

La existencia de la obra no fue revelada hasta que Myers informó a The New York Times, dos días después de que Apolo 12 dejó la luna, y dos días antes de que la misión regresara a la Tierra, el reconocido medio publicó un artículo y la fotografía sobre la increíble historia.

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La historia es muy probable de ser cierta, y es posible que exista un museo en la luna que contiene una línea recta de Rauschenberg, un dibujo de Mickey Mouse realizado por Oldenburg, un diagrama simétrico de Chamberlein, una caja negra de Novros y una abstracción serpentina de Meyers. Pero lo más destacable del museo es la obra realizada por Andy Warhol, quien todo lo que hizo fue inocentemente grabar sus iniciales en la oblea al estilizar una letra A convergiendo con la letra W.

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El resultado es uno de los actos de mayor rebeldía artística en su interpretación fálica, una picardía extravagante para burlarse tácitamente del cosmos o quizá fue un gesto revolucionario del icónico artista pop, para señalar en nombre de la humanidad y de la forma más irreverente que; “Estuvimos aquí, vivimos e importamos”, una clara invitación a transgredir el universo a través del arte.

Museo Internacional del Barroco: una joya del arte y la arquitectura en México
Mariana Gaxiola
El Museo Internacional del Barroco constituye un maravilloso ejemplo de la arquitectura moderna, pero también de la curaduría de arte clásico.
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Un edificio que busca explicar la historia del barroco a través de distintas expresiones artísticas.

 

El arte barroco, sin lugar a dudas, ha sido uno de los periodos más prolíficos en la historia de Occidente. Se trata de una corriente que no solo permeó disciplinas como la pintura y la escultura, sino que durante los siglos XVII y XVIII se encargó de influenciar la organización política, la producción económica y la concepción de la naturaleza.

Mediante nuevas formas de pensar, crear, ver y convivir, la sensibilidad barroca dio cabida al desarrollo de la creatividad de toda una época. Se reveló ante los ojos de filósofos e intelectuales, pero también ante la moda, la literatura, la ciencia y hasta la publicidad.

Para enaltecer y difundir esta noción se inauguró, en febrero de 2016, el Museo Internacional del Barroco en Puebla de Zaragoza, con el objetivo de dar a conocer la compleja identidad barroca a través de plausibles obras. Se trata de un espacio que permite las manifestaciones de esta corriente artística en todas las dimensiones del hombre, con el propósito de que descubra sus pliegues, tensiones y teatralidad.

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La premisa del museo es narrar este periodo tan esencial de la historia universal y el impacto que tuvo en los diferentes ámbitos de la sociedad europea y latinoamericana. Y es que los contenidos que se desdoblan por el recinto invitan a una reflexión sobre los lenguajes propios del barroco, pues están compuestos por elementos didácticos y de alta tecnología audiovisual que embelesan a cualquier empedernido del arte.

Lo cierto es que el edificio que integra el museo es una de las piezas más llamativas del mismo. Está hecho con formas curvilíneas que se van retorciendo para encerrar una superficie de 18 mil metros cuadrados. Se ubica junto a la Vía Atlixcáyotl, en la Zona Angelópolis. Cabe mencionar, que el museo forma parte del Parque Lineal que conecta con el Ecoparque Metropolitano.

La construcción se basó en tres ideologías: la impresión de fluidez, la luz claro oscuro como guía del camino y el movimiento ecológico. Todo esto fue concebido por el arquitecto japonés Toyo Ito, acreedor al Premio Prizker de Arquitectura en 2013. A este artífice se le conoce como un creador de edificios atemporales, con los que propone nuevos caminos; ligeros, alegres, unidos y universales.

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Los ejes temáticos que rigen al museo son tres. El primero es El Arte y la Historia, que promueve el conocimiento científico y cultural a lo largo de los siglos que tuvieron repercusión con el barroco. Aquí se puntualiza la proximidad entre la metrópoli española y el virreinato de la Nueva España.

Después está El Arte y la Sociedad, que ilustra aspectos sociales de relevancia que encontraron inspiración en el arte. Por último se encuentra El Arte y el Espacio, una noción que difunde la diversidad geográfica del barroco y cómo fungió como precedente de la globalización.

Pese a que el Museo Internacional del Barroco cuenta con exposiciones permanentes, en ocasiones, también aloja muestras temporales que conviene ir a apreciar. Este increíble sitio será la excusa perfecta para visitar Puebla y descubrir su oferta museográfica.

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Museo Internacional del Barroco

Dirección: Vía Atlixcáyotl 2501, Reserva Territorial Atlixcáyotl, 72830 Puebla, Pue.

Teléfono: 01 222 326 7130

Web: mib.puebla.gob.mx/en/

Ciudades y Felicidad: el arte de disfrutar nuestra capital
Mare Loustaunau
Se trata de un encuentro, organizado por la Alianza Francesa de México, que busca cuestionar la forma en que vivimos en grandes ciudades.
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Un fantástico festival franco-mexicano de cine al aire libre.

 

En los últimos años, el planeta ha experimentado un crecimiento urbano muy significativo. En 2015, se estimaba que el 54% de la población mundial vivía en ciudades, y según estadísticas, se cree que el número aumentará hasta 5 mil millones para el 2030.

Lo cierto es que el concepto de ciudad es más que un lugar, se trata de nuestro hogar. Es por este motivo que la Alianza Francesa de México organiza el Festival Ciudades y Felicidad, un punto de reunión para aprender a construir la alegría en todas las urbes.

Este cometido se logrará a través de proyecciones fílmicas de cine francés contemporáneo al aire libre, que invitarán a los asistentes a sumergirse en la noción de ciudad, con cintas que narran historias tanto en suburbios como en banquetas. Este evento pretende congregar a artistas y activistas franceses y mexicanos que cuentan con trayectoria urbanística en todo el mundo.

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Ciudades y Felicidad se llevará a cabo durante cuatro días temáticos, con más de 20 actividades en espacios abiertos para todos. Durante el día de las Mujeres y la Sororidad, la cabaretera Minerva Valenzuela se encargará de la parte cultural, mientras que la artista de jazz Caloé deleitará al público con su cuarteto oriundo de París.

Otro día se llama Movilidad y Culturas Urbanas, donde actores nos proporcionarán las herramientas para transgredir la ciudad. También se impartirán talleres de parkour y se ofrecerá una noche de música electrónica franco-mexicana. El cierre de este día será con un paseo de bici multimodal nocturno.

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Y porque los niños son el verdadero futuro de nuestras ciudades, el domingo será el día de las Iniciativas Ciudadanas y Niños, con actividades didácticas dedicadas a toda la familia. Los asistentes podrán disfrutar de música y gastronomía, además de sesiones de cuentos, patinetas y arte urbano.

El Festival Ciudades y Felicidad invita a la ciudadanía pensar, aprender y crear nuevas dinámicas diarias, con mesas redondas, talleres, cine y música, todo en pos de cultivar proyectos concretos para el desarrollo de la ciudad.

Además de ser un espacio divertido, el festival se volverá en una oportunidad especial para aprovechar el espacio público como encuentro cultural y lugar de creación artística. No dejes de ir a este grandioso evento con familia y amigos, serán cuatro días vibrantes, maravillosos e inolvidables.

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Festival Ciudades y Felicidad

Lugar: Jardín Pushkin. Cuauhtémoc 104, col. Doctores.

Fechas: Del 23 al 26 de noviembre.

Entrada libre

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Japón, el accidente nuclear, el tsunami: la exhibición de Naoya Hatakeyama
MXCity
El Museo Archivo de la Fotografía presenta la muestra Rikuzentakata, del artista japonés Naoya Hatakeyama.
Hatakeyama

Un registro del reciente tsunami y sus devastadoras consecuencias en Japón.

 

Como parte de la segunda edición del Festival FotoMéxico (organizado por el Centro de la Imagen), el Museo Archivo de la Fotografía inauguró hace pocos días la muestra Rikuzentakata del fotógrafo japonés Naoya Hatakeyama, una serie de fotografías que hacen un registro de las consecuencias fatales del tsunami y el terremoto que resultó en la explosión en la planta nuclear de Fukushima en Japón.Hatakeyama

Esta exposición plasma, de una manera profundamente cercana y a través de 50 formidables fotografías, la destrucción que vivió el pueblo natal del artista, Rikuzentakata Iwate, tras el terremoto y el tsunami que causaron el famoso accidente nuclear en 2011. El paisaje destruido nos recuerda la fragilidad de la naturaleza y, también, la fragilidad del hombre ante ésta, asimismo provoca un sentimiento desolador y recuerda la responsabilidad del hombre en este desastre ecológico de proporciones incalculables, una verdadera tragedia.Hatakeyama

En estas imágenes, tomadas en un lapso de cinco años, el espectador puede adentrarse en una realidad en la que la industrialización y sus consecuencias inundan campos, mares y bosques: la mano del hombre sobre la naturaleza y sus ecosistemas. De esta manera, la fotografía nos ayuda a no olvidar, a darle a nuestras acciones la dimensión histórica que tienen, además de recordarnos la posibilidad de encontrar belleza en los lugares más desoladores, a través de la mirada del artista.Hatakeyama

La Ciudad de México y los desastres naturales que ha vivido en meses recientes nos sensibilizan de una forma muy profunda ante imágenes como estas, cargadas de una fuerza y de una profunda esperanza, que nos acerca a la destrucción pero también al poder de la reconstrucción y la solidaridad. Las imágenes de Naoya Hatakeyama son un llamado al futuro de la tierra y el de los hombres, uno que no puede imaginarse sin el arte y la unión que sucesos de esta naturaleza requieren.Hatakeyama

Naoya Hatakeyama: Rikuzentakata

Lugar: Museo Archivo de la Fotografía. República de Guatemala # 34, Centro Histórico, Cuauhtémoc.

Fechas: 1 de noviembre de 2017 al 5 de febrero de 2018.

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Octavio Paz, sus últimos días y la casa donde murió
MXCity
La historia los últimos meses de vida de Paz y la gran casona, hoy la Fonoteca Nacional, que lo vio partir de este mundo…
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Octavio Irineo Paz Lozano (1914-1998).

 

Estoy presente en todas partes, y para ver mejor, para mejor arder, me apago.

—Octavio Paz

 

El 19 de abril de 1998, Octavio Paz, uno de los escritores más grandes que ha tenido nuestro país murió en Coyoacán. Un México desgarrado despidió aquel día a su Premio Nobel de Literatura, uno de los más importantes intelectuales de la historia de la cultura mexicana, el autor de tantos libros espectaculares, probablemente, uno de los poetas más grandes de la lengua hispana. Por azares del destino, Paz murió en una casa que no era la suya, una preciosa y antigua residencia que hoy es la sede de la Fonoteca Nacional.octavio

Un poco más de un año antes de la muerte de Paz, en diciembre de 1996, un incendio en el departamento de la calle Río Elba (en la colonia Cuauhtémoc) donde vivía con su esposa María José los obligó a mudarse, además de destruir una buena parte de la biblioteca del escritor; este suceso lo sumió en una profunda depresión, misma que causó el avance rápido y fatal de la enfermedad que tenía: cáncer. “Los libros se van como se van los amigos”, declaró el poeta lleno de tristeza después del incendio en el que, dicho sea de paso, perdió volúmenes de Rubén Darío, Manuel Díaz Mirón y Manuel José Othón, y cuadros de sus amigos Juan Soriano, Gunther Gerzso o Roberto Malta, además de la biblioteca de su abuelo Irineo Paz.Octavio

Tras haber pasado unas cuantas semanas en un hotel de Polanco, en enero de 1997, la Presidencia de la República trasladó a un Paz viejo y enfermo (tenía entonces 82 años) a la Casa Alvarado, la vieja residencia localizada en una de las calles más bellas de la Ciudad de México, Francisco Sosa, en el Barrio de Santa Catarina, Coyoacán. Así, el último año de vida del intelectual, lo pasó en esta antigua edificación, habitada por la belleza y los fantasmas del pasado.octavio

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Durante un tiempo, después de la muerte del artista, la Casa Alvarado fue la sede de la renombrada Fundación Octavio Paz, para después convertirse en la Fonoteca Nacional. Los pasillos y jardines de esta preciosa edificación del siglo XVIII aún murmuran, a quien presta atención, secretos de los últimos meses de vida del gigante de las letras mexicanas y nos recuerdan algo que éste ya había dicho muchos años antes de morir: “La muerte no está fuera del hombre, no es un hecho extraño que le venga del exterior. La muerte es inseparable de nosotros. No está fuera: es nosotros. Vivir es morir. Vivir es dar la cara a la muerte. La muerte es el vacío, el espacio abierto, que permite el paso hacia delante.”octavio