¿Eres fanático de lo verde? La sexta edición del festival de consumo sustentable más alucinante de la ciudad está a unos cuantos pasos de comenzar. Durante dos días, el corredor cultural Roma se pigmentará de verde con más de 200 expositores de productos artesanales bajo la calidad de "sustentabilidad", compras y servicios verdes, que intentarán recordarnos por qué es más beneficioso (y mucho más barato) el consumo de esta calidad. Además se incluirán actividades culturales peculiares, como es el caso del stand que nos promete enseñarnos a construir nuestros propios instrumentos musicales con material reciclado (por cierto que todos los desechos generados al final del evento serán reciclados).
Este es uno de los festivales que merecen la pena asistir en la ciudad de México, pues se trata de una oferta comercial que además de beneficiarnos a todos, manifiesta la creatividad artesanal mexicana, inclusive en la elaboración de proyectos microempresariales sustentables. Un umbral al imaginario de las comunidades verdes: las ciudades del futuro.
EcoFest contará con las siguientes clasificaciones:
1) Área de stands de productos y servicios sustentables: Conformada 180 y 200 expositores que muestran su oferta a los consumidores que desean tener un estilo de vida más verde
2) Área de bazar de artesanos y productores locales: Conformada por 30 productores locales de alimentos orgánicos que ofrecen artesanías relacionadas con la sustentabilidad (panadería, repostería, bebidas, entre otros)
3) Área de alimentos: Está formada por 10 stands que ofrecen alimentos orgánicos preparados para comer en el lugar
4) Área de talleres y conferencias: Contemplará más de 70 actividades gratuitas para los visitantes, impartidas por los mismos emprendedores que forman el festival (para asistir deberás registrarte en la página del evento)
5) Área de actividades culturales y deportivas
Información del evento:
Fecha: 21 y 22 de marzo 2015
Corredor Cultural Álvaro Obregón
Entrada Gratuita
Evento en Facebook
Página de ECOFEST
Foto destacada: Mara González/Agencia Enfoque
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Puebla está haciendo una gran labor de restauración de muchos lugares históricos, así que desde hace algunos años muchos destinos están siendo intervenidos por el gobierno del estado, bajo la asesoría de la Secretaría de Cultura del Gobierno de México, a través de especialistas del Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH).
De hecho, se creó un programa llamado “Recuperación de espacios comunes”, con la idea de devolverle los ciudadanos lugares emblemáticos en la historia local, y generar más destinos turísticos. Aquí te dejamos las últimas grandes restauraciones para que tu visita a Puebla sea más agradable e histórica.
Estos los 96 lavaderos fueron construidos desde principios del siglo XVI. Los lavaderos públicos fueron lugares de convivencia e intercambios culturales, donde la vida cotidiana forjó la historia de las ciudades, tal es el caso de los ubicados en el Barrio de El Alto. Este sitio se caracteriza por tener pasillos abovedados como túneles.
Este rescate histórico tiene miras para la restauración, y generar otras excavaciones arqueológicas en espacios de la ciudad de Puebla. Este sitio es ejemplo de los espacios del día a día, donde sucedía la vida comunitaria y eran necesarios para el desarrollo de las funciones de las familias de una ciudad en crecimiento.
Dónde: Callejón. de la 10 Norte, Barrio del Alto, Puebla, Puebla.
Las joyas del Barroco La Ultima cena, Lavatorio de pies y Virgen de los Dolores, además de un marco novohispano, que han sido restaurados como parte de los trabajos de conservación al interior del templo de San Francisco Acatepec, una de las joyas del barroco poblano.
Con una inversión de 500 mil pesos provenientes del gobierno de Puebla, y bajo la supervisión del Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH), la intervención a estas obras forma parte de un proyecto de restauración que contempla a 11 óleos de este templo ubicado en San Andrés Cholula.
Estas piezas decoran la nave principal de la iglesia, un monumento religioso del siglo XVIII característico de la arquitectura barroca de México. Algunos de los óleos están fechados y firmados, a la par que presentan una serie de daños que son evidentes en el lienzo, en sus colores y barnices.
Los trabajos de restauración, en su mayoría hecho por mujeres, están bajo vigilancia del INAH que se encarga de asesoramiento y las autorizaciones correspondientes. Los trabajos de conservación y restauración están a cargo del Departamento de Restauración de Bienes Muebles.
En estos trabajos son utilizados materiales compatibles a los originales, de acuerdo a los criterios básicos de restauración, con la mínima intervención, a fin de respetar la historia de cada una de las piezas, así como su autenticidad.
A la par, dijo que se están haciendo trabajos en la fachada de la iglesia y cúpula, pues la idea es que se vaya trabajando de manera conjunta. De San Francisco Acatepec destaca por su fachada revestida de ladrillo rojo y talavera, la cual fue totalmente elaborada a mano. Se sabe que comenzó a construirse en 1560, mientras que su fachada se culminó en 1760.
Aunque su atrio no es tan grande como el de otras iglesias franciscanas, se singulariza por ser de forma octagonal y tener una entrada que forma un arco. Sus retablos de estilo barroco se perdieron en un incendio ocurrido en diciembre de 1939. Éstos, se reconstruyeron con un trabajo de yesería que corrió a cargo de la familia choluteca Pantle, quienes emplearon 25 años para terminarlos.
Su fachada consta de dos cuerpos y un remate orlado con volutas y con flameros que se repiten en la espadaña y en la torre, dando la impresión de una fina repostería. El historiador Manuel Toussaint ha mencionado de esta iglesia: "La magnificencia de la fachada sea tal que, parece un templo de porcelana digno de ser guardado bajo un capelo de cristal".
Dónde: Puebla 6, La Purísima, San Francisco Acatepec, San Andrés Cholula, Pue.
Foto destacada: Dario Escobar y Eyeshenzhen
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Todos estos monumentos y esculturas mayas conforman el universo estético de esta cultura, y muestran la capacidad y destreza de sus artistas. En la primera mitad de este siglo se pensaba que era imposible identificar a los artistas que esculpieron las estelas, altares y dinteles, o a los que pintaron complejas escenas en muros o vasijas, ya que se creía que las obras de los artistas mayas eran anónimas.
Pero en la actualidad no es nada novedoso hablar de este tópico, pues el avance en el desciframiento de la escritura jeroglífica ha permitido reconocer firmas y nombres de algunos pintores y escultores.
Aquí te dejamos algunas de las piezas más representativas del mundo maya.
Los mayas construyeron grandes ciudades y tenían un conocimiento avanzado de astronomía, siendo el sitio de Aguada Fénix el más grande hasta la fecha. Este sitio fue descubierto haciendo un estudio aéreo con detección remota que usa láseres para crear un mapa 3D de la superficie debajo de la tierra, con lo que fue posible escanear el suelo de Tabasco.
En Aguada Félix fueron encontrados 21 sitios para realizar ceremonias mayas, todos centrados en plataformas rectangulares de tierra que corren de norte a sur y tiene 1,413 metros de largo, 399 metros de ancho y 10 a 15 metros de altura.
Esta pieza representa cuatro escenas con tres jaguares con un animal sentado en la hendidura frontal de un mascarón del monstruo de la tierra, la cabeza volteada hacia atrás, la boca abierta a 180º, da paso a un rey sentado sobre su trono. El friso de estuco pintado mide 16,8 m y se encuentra custodiado por personal de seguridad durante todo el día. Los símbolos reflejan cada uno de estos lugares sagrados.
Estas estelas son inusualmente grandes, talladas de un solo bloque de piedra arenisca roja, que permitieron a los escultores producir esculturas de bajo relieve en tres dimensiones. Las enormes estelas de Quirigá habrían sido visibles desde muy lejos y los monumentos incluyen largos paneles de texto glífico que se consideran entre los más complejos y los más hermosos de todas las inscripciones en piedra de los mayas.
Los mayas investían las estelas con santidad y creían que las estelas poseían una esencia divina parecida a un alma que casi las hacía seres vivos. A unas estelas dieron nombres propios en los textos jeroglíficos y consideraban que eran participantes en los ritos que realizaban en su cercanía. El acto de atar las estelas está relacionado con la costumbre moderna de los mayas k’iche’s de envolver piedras pequeñas divinatorias en un bulto.
Los aros realizados en piedra y colocados en el centro de los campos de juego de pelota como Copán, Chinkultic y Toniná, representaban a la Luna. Entre otras esculturas están el tablero de los Esclavos.
Esta destacada pieza de la cultura maya muestra la figura de un jugador de pelota en una de sus posturas características; el disco se colocaba en medio de la cancha para dividir el terreno de juego y servía al mismo tiempo para consagrarlo. Fue localizado en 1936 en Chinkultic, Chiapas.
Es una efigie de una figura humana reclinada que sostiene con sus manos un recipiente sobre su vientre, simboliza al mensajero de los dioses. Fue una imagen que respetaron los toltecas cuando llegaron a Chichén-Itzá, y que los obligó a convivir con sus creencias. En este sentido, muchos historiadores la califican como una escultura maya-tolteca.
En Yaxchilán en particular es muy conocido por un grande número de dinteles en relieve profundo que posee, de los cuales algunos de los principales muestran encuentros con ancestros que fueron divinizados o también deidades locales. Entre otras muchas esculturas mayas están frisos de Homul, altar de la Tortuga y el tablero de los Esclavos
Con el modelado se crean retratos realistas de una calidad equivalente a la de los antiguos romanos, como lo demuestran los ejemplos destacados de los retratos de estuco de tamaño natural de los gobernantes de Palenque y los de dignatarios de Toniná. Algunos de estos retratos de cabezas eran parte de figuras de estuco de tamaño natural que adornaban las cresterías de los templos.
Foto destacada: Dgcs.unam
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En la antigua ciudad huasteca de Tamtoc, cerca del yacimiento arqueológico, fue hallada la piedra labrada más grande de Mesoamérica, según el arqueoastrónomo universitario Jesús Galindo Trejo. Al parecer, se trata de un marcador del transcurrir del tiempo, es decir, del movimiento aparente del Sol a lo largo del año, y no un observatorio lunar como se estableció en algún momento.
El integrante del Instituto de Investigaciones Estéticas (IIE) de la UNAM recordó que el monolito de cuatro metros de alto, por siete metros de largo y más de 27 toneladas de peso, descubierto en febrero de 2005 partido en tres partes, permaneció durante casi dos mil años sumergido en un cuerpo de agua y cubierto por depósitos de lodo.
La estela del sitio arqueológico de Tamtoc, ubicado en el municipio de Tamuín, en San Luis Potosí, sigue siendo una incógnita, reconoció el experto. Aunque fue reconstruida y colocada en su lugar original, su mensaje permanece oculto porque la Huasteca carece de fuentes etnohistóricas y tampoco ha sido estudiada por la arqueología como otras regiones, el centro del país o la zona maya, reconoció el experto.
En la estela aparecen tres personajes que no son fácilmente identificables con deidades del centro de México, como Tláloc a Tezcatlipoca. La pregunta es qué podría estar señalando esta gran piedra que en la parte de arriba tiene 12 entrelaces o inscripciones cuyo mensaje se desconoce.
Por supuesto, toda la estela debe tener algún significado, pero sigue siendo desconocido. Se piensa que está inscrito en teenek, en huasteco, idioma mayense. Pero no se sabe cómo fue que llegó hasta ese lugar los integrantes de un pueblo que habla una de las 30 variantes del maya.
En términos generales, la estele tiene calaveras, una forma más grande con características femeninas y masculinas; los otros dos, de menor tamaño, no tienen cabeza y sostienen un objeto parecido a una corona; de sus cuellos surge algo parecido a un líquido, agua o sangre.
La parte trasera de la estela es lisa y es una pieza de más de 27 toneladas. Se cree que el monumento marca la mitad del año: del equinoccio de primavera al de otoño, la parte labrada del monolito es iluminada por el Sol, y del equinoccio de otoño al de primavera del siguiente año se ilumina, pero por su parte trasera, donde no tiene algún dibujo labrado.
Si se conociera mejor la cosmogonía y deidades de los teenek se tendría la posibilidad de interpretar la estela con mayor precisión. Pero a la fecha, tampoco se sabe de los jeroglíficos de la esta, porque no existe evidencia suficientemente amplia para descifrarlos.
Cuando se pensó que era un observatorio lunar porque debajo de la estela se encontró una ofrenda, el cuerpo mutilado de una mujer que fue cortada a propósito. Se trata de una pieza dedicada astronómicamente al equilibrio temporal que define el movimiento aparente del astro luminoso.
La estela y la escultura femenina son manifestaciones locales del arte huasteco y piezas únicas de su tipo. Eso es lo maravilloso de este hallazgo, que a pesar de no haber sido estudiado suficientemente, la Arqueología revela datos interesantes de los objetos.
Foto destacada: Oro Radio
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María Sabina Magdalena García es la curandera y chamana mexicana más reconocida del mundo. Mazateca del estado de Oaxaca y fue convertida en celebridad internacional ? luego de que sus conocimientos tradicionales sobre el uso ceremonial y curativo de los hongos alucinógenos fueran difundidos por el banquero y micólogo amateur Robert Gordon Wasson.
María Sabina llamaba “niños santos” a los hongos que crecían en su región; creció en extrema pobreza y desnutrición, sin recibir educación formal y se dedicó a realizar actividades agrícolas. Su primer contacto directo con la ingesta ritual de hongos, lo tuvo entre los cinco y siete años durante una ceremonia para sanar a uno de sus tíos. Pero fue en 1952, cuando un banquero aficionado a la micología llamado Robert Gordon Wasson, encontró un reportaje de Robert Graves, publicado en el periódico Ciba de Nueva York, sobre el uso de hongos en México.
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? En 1955 realizó un viaje a la sierra Mazateca donde recibió de María Sabina la enseñanza de los hongos. Varios días grabaron pláticas en cintas magnetofónicas, las cuales fueron transcritas a un sistema fonético de escritura y traducidas al español e inglés. También tomaron fotografías de las ceremonias con luces estroboscópicas. Esto dio lugar a que un gran número de personas se aventurara a las regiones montañosas y boscosas de México, con el fin de descubrir por sí mismos las setas con poderes visionarios. ?
María Sabina murió en 1985 en una condición económica de pobreza, ya que no tenía ningún sistema de cobro establecido por sus servicios. Solo recibía de sus pacientes lo que estos querían darle.
Este documental es una mirada sincera a la vida cotidiana de María Sabina. Durante el rodaje del documental, la curandera tenía más de 80 años. Fue la primera y única vez que se dejó retratar y autorizó a un equipo de camarógrafos acompañarla y grabar sus rituales de curación con hongos alucinógenos.
En la cinta, María Sabina habla de su vida desde niña y del suceso que la llevó a convertirse en curandera. A la par, se presentan imágenes de su vida cotidiana, y también es un acercamiento al paisaje de la Sierra Mazateca, envuelta en neblina casi todo el tiempo. Además de las entrevistas, escuchamos a María Sabina recitando poemas y cantando. El documental es un testimonio visual de todas aquellas personas que recurrieron a María Sabina para curar sus males, y un testimonio de su sabiduría.
El director, Nicolas Echevarría, se caracteriza por su trabajo de exploración del mundo indígena, especialmente aquel en donde las prácticas católicas y las tradiciones prehispánicas se mezclan. Echevarría también dirigió Cabeza de vaca, largometraje que fue reconocido a nivel mundial, y más recientemente, Eco de la montaña.
Foto destacada: Margin London y Gabriel Dawe
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La Ciudad de México es uno de los destinos artísticos más inquietantes del mundo, un paraíso para los creativos latinoamericanos que pueden exponer en las diversas ferias de arte, museos, galerías, espacios de proyectos, coleccionistas y artistas que cada día más comienzan a generar revuelo a nivel internacional.
Aunque a la distancia, mucha gente interesada en arte piensan, sobre todo en Frida Kahlo, Diego Rivera, Tamayo o Luis Barragán, uno de los más constantes y halagadores elogios que ha recibido México en años recientes alude al movimiento de arte contemporáneo que se está forjando en el país. El halo surrealista que tradicionalmente la cobija, combinado con una inquietud creativa de las actuales generaciones y la llegada de personas propositivas que la eligen como destino, resulta en una estimulante mezcla, suficientemente fértil para convertirse en uno de los pulsos más activos de arte contemporáneo alrededor del planeta.
El fenómeno anterior nos sugiere una pregunta interesante: ¿Quiénes son los máximos exponentes mexicanos dentro de la actual escena del arte? Responderla seguramente nos ayudará a enriquecer ese marco referencial que nos permitirá entender, y disfrutar, este momento especial en la historia creativa de nuestro país.
Su voz habla a través del espectro de la luz, de la luz rota, de los colores que integran el arcoíris, todos ellos encarnados en textiles y finos hilos que crean extrañas cuevas habitadas por una buena dosis de psicodelia. Así, el artista mexicano Gabriel Dawe, hoy radicado en Dallas, crea instalaciones que hacen reflexiones necesarias sobre la conexión entre la moda y la arquitectura, hablándonos también sobre la necesidad que tiene el ser humano de tener un refugio.
Esta artista “famosa de Internet” tiene una personalidad amplificada de su trabajo en toda la web, fusionando videos musicales, publicaciones de Snapchat, GIF con una crítica basada en objetos de la misma muestra de narcisismo que proyecta en línea. Usando materiales como crema para blanquear la piel y cosméticos antienvejecimiento, Lario crea piezas de pared pictóricas que simbolizan las presiones que enfrentan las mujeres jóvenes para modificar sus cuerpos a fin de cumplir con los estándares de belleza occidentalizados y poco realistas.
Tatuador, coleccionista de grabados antiguos y objetos efímeros, Dr. Lakra superpone tatuajes y dibujos a pluma sobre imágenes de chicas pin-up, empresarios mexicanos de la década de 1940 y luchadores. Las obras de medios mixtos resultantes tienen un toque serio y tortuoso, que refleja la fascinación del artista por el tabú, el fetiche, el ritual y el mito.
Las trabajadoras sexuales impregnan la obra de Chelsea Culprit, ya sea representadas literalmente, como en el caso de sus esculturas figurativas de gran tamaño, o más simbólicamente, como en el caso de sus zapatos de tacón alto fundidos en cristal de plomo. Culprit es uno de los grandes talentos poco conocidos en el país.
Javier Pulido es un constante recordatorio de que todos somos individuos en mal estado fingiendo nuestro camino al consumir todo lo que podemos y reprimir nuestros deseos alternativamente. Una de sus obras más gloriosas es la del cerdo como sustituto de la cultura de consumo y del propio consumidor es lo que los une. Son un espejo grotesco que se sostiene a sí mismo y del que uno difícilmente puede apartarse. En esencia, abordan el capitalismo notando el control de este último sobre nuestros frágiles egos.
Esta artista tijuanense obtuvo su título en Bellas Artes en el California College of Fine Arts, San Francisco, el Art Center College of Design, Pasadena, donde aprendió mucho del legendario artista Mike Kelley y sus pinturas sobre cerámica representan la poesía de los seres vivos, sus esculturas son decorativas y a veces funcionales, y combina otros materiales como colgantes para agregar aún más color a sus esculturas.
Las obras de Segura son escultóricas y basadas en objetos, sobre todo, Gringo Loco es una escultura a gran escala que imita el famoso cartel de bienvenida de Las Vegas y se burla del colonialismo cultural estadounidense.
Sus piezas forman parte de colecciones como la del MOMA en Nueva York, la Jumex o la del Philadelphia Art Museum. Su inquietud creativa termina encontrando cauces disímiles para expresarse, que van de la exploración tipográfica a experimentos cinematográficos, pasando por casi cualquier disciplina que se encuentre en el trayecto.
Iñaki es un artista nacido en la Ciudad de México que a los 22 años ya formaba parte de " Estación Utopía " la 50° exposición anual de arte en Venecia, y otras muestras colectivas en Berlín, representando sin duda a famosos artistas mexicanos y su evidente talento. Si bien muchos considerarían a Iñaki solo como un fotógrafo, la esencia de su enfoque artístico radica en la producción de sus fotografías. Se apoya en la técnica y la selección de formatos para obtener imágenes que fusionan colores, tamaños, contrastes e incluso calidad.
Esta artista oaxaqueña es famosa elige la cerámica en su expresión de arte, aunque originalmente se formó como doctora en medicina. Sus esculturas se destacan por el uso impecable del barro negro al moldearlo en figuras femeninas ataviadas con los trajes típicos de las regiones del estado de Oaxaca. Como era de esperar en un país con tanto orgullo por sus raíces, afirma que su arte implica hacer su parte para preservar su maravillosa cultura y tradiciones.
Las obras de Duque son aparentemente alegres y proponen un escenario narrativo que nunca se aclara del todo. Son piezas que marcan la línea entre los sueños y la vida cotidiana. No forman una historia unificada, sino que vinculan elementos como la ciencia ficción, la arquitectura, el lenguaje y el béisbol.
Artista electrónico, instalacionista y escultor cinético, Lozano-Hemmer es uno de los más intrigantes y reconocidos exponentes del arte contemporáneo en México. La profundidad con la que aborda la triada compuesta por arte, tecnología y espacio público, le han valido una destacada identidad creativa a nivel internacional.
Sus instalaciones de site specific se caracterizan por conjugar mensajes con cierto énfasis político o social. Sus piezas se incluyen en colecciones como la del Modern Tate, el Van Abbemuseum, el Pompidou y recientemente el MUAC. Generosa con su crítica, Cuevas es una de las más destacadas exponentes de la generación de artistas contemporáneos en el país.
Es difícil clasificar la obra de este artista conceptual, quien a partir de su presentación en la Bienal de Venecia de 2003 se propulsaría a las grandes ligas de la escena. Sus instalaciones han sido aplaudidas en algunos de los más exigentes foros del planeta, y su honestidad creativa rara vez deja de atrapar la atención de propios y extraños.
Tania Candiani trabaja en diversos proyectos que se relacionan con la artesanía, la tradición, sonido, sinestesia y ritmo. Es un referente en el extranjero ya que recrea las diversas posibilidades del lenguaje además de transformar máquinas y aparatos anticuados en objetos sonoros no tiene que ver con la nostalgia, sino con una arqueología de los medios y con un acto de resistencia ante la promesa de su obsolescencia.
