Hay mucha especulación alrededor de la figura de Parménides Garcia Saldaña, rebelde de la contracultura mexicana llamada "literatura de onda" en los años 60. Parménides era un anarquista ascético iluminado por el incendio social y las supersticiones en demasía de un país que para entonces se encontraba en una especie de criogenización de la libertad de expresión.
Un personaje como cualquier otro en la literatura americana de los beatniks, salvo que su atmósfera resultó aún más decadente a la de aquellos. Para muchos sus textos experimentales resultaban ser un estanque de ideas contrarias a las buenas costumbres de la ciudad, términos de la juventud mal hablados en las calles que destruía los esquemas literarios conocidos al menos en México. Un tipo con los tornillos flojos por su obsesiva ingesta de alcohol y drogas, quizás.
Poco de todo esto aunado a una ciudad que estaba justo en medio del salto a la "modernidad" de la globalización, fue precisamente el detonante que lo llevo al abismo de su locura.
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En la sintonía de novedosos sonidos que literalmente estaban volando las mentes de la juventud mexicana precoz (blues y rock n? roll, principalmente), miles de migrantes de provincia comenzaron a asentarse en la capital del "sueño moderno", una nueva realidad a la que terminaron por sumarse, arrastrados por las condiciones de necesidad en las que se veían obligados a formar parte de algo, lo que fuese.
No había un líder literario para los jóvenes, nadie se levantaba y asumía la responsabilidad de gritar una verdad con versos sublimes, como pasaba entonces con los beatniks en Norteamérica (aunque muy poco se sabía de ellos en la urbe mexicana). Y con el efecto imán que parecía tener la capital llegaría entonces el vocero de tal generación: Parménides, desde Orizaba, Veracruz.
The Rolling Stones (específicamente entre los años 1965 y 1967) fueron la premisa central para comprender al escritor; verbigracia, se pueden visualizar epígrafes con los títulos de canciones de la banda en la obra: El Rey Criollo. La influencia de la música "psicodélica" -específicamente de esta banda-, reina el trasfondo del escenario en su obra autobiográfica Pasto Verde, algunas veces como puntos clave de referencia que nos sirven como pequeños análisis importantes en el entendimiento de su carácter cuando escribió esta novela. En la Ruta de la Onda, uno de sus ensayos-manifiestos sobre la contracultura mexicana nos habla de un evento decisivo que dictó los ideales de la década de los 60, coronando por supuesto, a la banda emblema, The Rolling Stones como vórtice cataclísmico y desbordante de ideas. Parménides fue de los primeros periodistas musicales en México, e incluso se le acuña el termino hoyo funky, lugar donde se escuchaba rock y refugio de los inadaptados con tendencias psicodélicas.
Claro está que su especie de "literatura alternativa" que ofrecía a los jóvenes de la época llamaba la atención por su sentido radical, grotesco y para algunos, hasta vulgar, aunque totalmente auténtico. Era la época justa para decirlo, la época idónea para escribirlo e inmortalizarlo.
García Saldaña creció en la colonia Narvarte en un núcleo familiar con una visión coercitiva sobre cómo debía llevar su vida, puesto que gozaba de una posición económica solvente de la que debía responsabilizarse algún día. Estudió Economía y no pasó mucho tiempo para que su inquietud real abrasiva le desprendiera de ese mundo cúbico “amolda mentes” que empezaba a asfixiarlo y al mismo tiempo a despertarlo para buscar destinos alternativos; el lenguaje poético de la expresión, su verdadera vocación, las letras. Fue así que viajo a Louisiana para estudiar Letras Inglesas, hecho que terminaría por influir crucialmente en el curso de su vida y de la de todo un movimiento literario en su país.
Al llegar a Norteamérica se deslumbró totalmente de aquella cultura -sobre todo de la liberación Young que iba en ascenso-, y en especial, por un nivel de conciencia que retrataba a la libertad de pensamiento en su estado más puro: The Beat Generation. En su ensayo, Elegía por Jack Kerouac, Parménides nos escribe: No suponía de lo que trataba. Leía entonces literatura norteamericana, pero fresa: Hemingway, Faulkner, Salinger, Fitzgerald. No sabía de la existencia de la Beat Generation. Compré On the Road, editada en español por la editorial Losada. En parte, me identifiqué con el modo de vida de la novela y yo había querido vivir.
Claramente demostró que estaba preparado para conducirse hacia al desapego del nido familiar y sumergirse en su propia percepción de la filosofía del mundo real, con todo lo que esto conllevaría. La decadencia, el caos, el éxtasis; el conocimiento, la ira, la intoxicación.
En su regreso a la Ciudad de México se instaló en el la colonia Narvarte en casa, su "agujero" como lo hacía llamar, en donde formalmente y a nivel profesional, escribió incesantemente para dar a luz en 1968 a Pasto Verde, una novela por muchos desaprobada debido a su lenguaje de índole iconoclasta que abordaba tan naturalmente los tres clásicos axiomas de la vida de un subversivo moderno: Sexo, drogas y por supuesto rock n? roll. Esto, inesperadamente, sería un parte aguas en la nueva literatura Mexicana, la cual hasta esos días había tenido connotaciones más clásicas y no irrumpían ningún planteamiento moral.
Con tal vehemencia siguió relatando el cambio generacional que se gestaba en todo el mundo, y a nivel local involucraba la marginación y decadencia social que en particular México vivía con respecto a la vida estudiantil. Con Elena Poniatowska tendría una relevante amistad, también con José Agustín y Gustavo Sainz quienes formarían su corriente de La Onda, a pesar de que nunca aceptaron formalmente dicho movimiento.
Al paso de la creciente ola de música e inmerso en una profunda adicción comenzó a desarrollar un pensamiento psicotrópico que le iría detonando un patrón de conducta fuera de sí conforme los años golpeaban su cabeza. Fue entonces que engendró El Rey Criollo, que además de su contexto musical ya mencionado, expone puntualmente y de manera casi milimétrica, el léxico mexicano, los modos y modas de la juventud underground, la que empezaba a sumergirse en la evolución material de la globalización con cierta mimetización a la cultura Americana, aquella que ofrecía libertinaje y no libertad, y a su vez una liberación aún más importante: la de prejuicios.
La locura al servicio de la autenticidad
La autenticidad es quizás la semántica clave que debemos comprender de Garcia Saldaña. Algunos analíticos de sus obras afirman que su autenticidad surgió a raíz de dos aspectos principales: su abierta reverencia por los artistas negros del blues y el hecho de que lograron -como los Dadaístas cuarenta años antes-, fusionar realidad y arte al punto que fuese prácticamente indistinguible uno del otro.
Sin embargo, su inestabilidad y su comportamiento lo llevaron a tener episodios violentos, a empezar su propia decadencia. En voz de su hermano quien cuenta que Parménides había perdido el control, hechos violentos lo llevaron a pisar la prisión y aun así, siguió escribiendo notas en periódicos así como un poemario llamado Mediodía y su ensayo La Ruta de La Onda, donde avistaba más claramente no encontrar lugar en esta sociedad, optando por perder la lucidez y brincar hacia la locura.
Literalmente loco, Parménides fue internado en clínicas de rehabilitación mental dejando en claro que no sólo había renunciado a la fama intelectual e incluso al dinero, sino también al brillo de su propia genialidad, a la lucidez y hasta la propia vida.
En septiembre de 1982 su cuerpo fue encontrado sin vida en la azotea de su departamento en Polanco. Su muerte la acuñan a un "pasón", otras versiones aseguran que fue pulmonía (aunque claro está que en una sociedad que practicaba la pretensión, asegurar que el muerto joven de la familia había terminado su vida por causas naturales como la enfermedad, era mucho más fácil para la tranquilidad de las élites).
Nunca se supo cómo murió, la resonancia al respecto fue poca y sólo un par de notas en el periódico para el que trabajó avistaron el asunto. Así vivió y así murió, misántropo y solitario, alejado del "pensamiento de molde". Quizás ahora esté fumando pasto verde junto con Jack Kerouac o bebiendo un buen trago con Bukowski, recitando poemas con Ginsberg, escuchando rock con Brian Jones: quizás siga perdido en la rebeldía del infierno de los creadores o en el paraíso de los iluminados. Parménides García Saldaña fue un espíritu musical atrapado en el cuerpo de un escritor que inmanentemente tocaba los acordes del espíritu de las letras, del realismo y la crónica contextual; nació para morir como un chavo de onda.
Fotos cortesía de Marina Baysands
Frida Kahlo supera las fronteras y llega al Museo de arte de Singapur.
Dese hace muchos años, la visión creativa de Frida Kahlo dejó ser un impacto en la cultura popular mexicana para formar parte de algo más global; e incluso para llegar a tierras tan lejanas como la República de Singapur, es una pequeña ciudad-Estado y país insular, situado en el corazón del Sudeste asiático.
Hasta dicho país llega la historia de vida de la artista mexicana a través de ‘Frida Forever’, que incluye dos cautivadoras exposiciones de Frida Kahlo y una experiencia de realidad virtual en el ArtScience Museum Singapore.
Y es que la influencia de Frida Kahlo va más allá de su arte y de su simbolismo; porque miles de personas pueden identificarse con sus experiencias personales y reflexiona sobre sus pasiones, luchas y creencias. Sobre todo sus autorretratos ha sido muy elogiados, pues logran romper límites con su descripción cruda y sin complejos de la feminidad, el dolor, la muerte, el cuerpo humano y la identidad.
‘Frida Forever’ también celebra el importante impacto que sigue teniendo, 70 años después de su fallecimiento, no solo en el arte, sino en la moda, la cultura popular, el feminismo y más.
Frida Kahlo: La vida de un icono es la segunda exposición biográfica inmersiva, desarrollada por Layers of Reality y Frida Kahlo Corporation, que se estrenará en el sudeste asiático con proyecciones de 360 ??grados y un espacio creativo que da vida a sus dibujos. Además de recorrer la rica tradición mexicana.
Esta exposición es curada por el ArtScience Museum con el apoyo de Cristina Kahlo Alcalá, sobrina nieta de Frida Kahlo, y muestra archivos íntimos de su relación con su cuerpo, sus dolencias médicas y el profundo impacto que estas luchas tuvieron en su trabajo artístico.
Los visitantes podrán ver cerca de 40 fotografías, páginas de diarios, obras de arte contemporáneas, registros médicos y entrevistas exclusivas con Cristina Kahlo Alcalá. Esta última revelará cómo adquirió estos documentos médicos del American British Cowdry Hospital donde estuvo internada Frida Kahlo.
La cereza del pastel es una experiencia de realidad virtual que se lleva a cabo dentro de la Galería VR del Museo ArtScience, donde los visitantes pueden ingresar a las pinturas de Frida para sumergirse en su estética, la paleta de colores de sus obras y las diversas texturas que utilizó. Las exposiciones y eventos de ‘Frida Forever’ se llevarán a cabo en el ArtScience Museum del 4 de mayo al 1 de septiembre.
Fotos cortesía de Google Arts & Culture
Estos artistas lograron construir un movimiento que le dio identidad a los chicanos.
El arte chicano forma parte de los movimientos culturales desde los años 50 del siglo XX, pero fue 1960 que se da el boom, junto con las protestas de la guerra de Vietnam, el movimiento Black Power a favor de los derechos civiles. De ahí, que la lucha chicana desafió la categorización y los estereotipos divulgados entre la población anglosajona.
Se trató de un movimiento de artistas chicanos, sobre todo del sureste de California, siendo uno los más representativos el Colectivo de Los Four ( Los cuatro) integrado por Beto de la Rocha (California, 1937), Frank Romero (California, 1941), Carlos Almaraz (Ciudad de México, 1941-California, 1989), Gilberto Sánchez Luján (California, 1940-2011)
En 1974 se unió Judithe Hernández (California, 1948) al colectivo, y todos se caracterizaban por ser activistas de origen mexicoamericano, educados en universidades de Estados Unidos, y sobre todo por ser los primeros artistas en romper las barreras que los museos tenían para el arte chicano, cuando en 1974 el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles (LACMA) incluyó una exposición sobre su obra.
También se caracterizan por impulsar el ?muralismo chicano?, expresión que se desarrolló sobre todo a partir de la década de 1970 en los estados fronterizos del suroeste de los Estados Unidos, y que son reconocidos por representar la vanguardia intelectual del movimiento y de forjar una nueva sensibilidad artística chicana.
Los Four lograron construir muchos puentes híbridos entre la cultura mexicana y estadounidense, plasmando la dualidad cultural de ambos países, superando la geografía, y también creando técnicas y formatos que fueron muy característicos de esa época.
Hoy en día, Los Four no representan la visión definitiva del arte chicano; pero en su momento sí fueron los que abrieron paso a la exploración del arte de Los Ángeles, tuvieron la osadía de crear un diálogo con México, resignificar las piezas en un dicho momento histórico y presentar un arte chicano único, una escuela original que no era ni mexicana, pero tampoco ?gringa?.
En efecto, el movimiento de arte chicano representa los miles de intentos de los artistas estadounidenses de origen mexicano para establecer una identidad única. Es un movimiento que trabajó para resistir y desafiar las normas sociales dominantes y los estereotipos de la autonomía cultural y la autodeterminación, en donde los chicanos han utilizado el arte para expresar sus valores culturales, como una forma de protesta con un valor estético fascinante.
De los cinco artistas, quizá el que ha sido más reconocido a lo largo de los años es Frank Romero, de ascendencia española y mexicana. Algunos se lo atribuyen a que hablaba inglés en casa y Romero aprendió a hablar español más adelante en la vida. Pero no hay duda que todos son grandes artistas y que poseen su propia identidad.
Fotos cortesía de Museo de Bellas Artes
Damián Ortega: Pico y elote, más de 82 obras del artista mexicano en el Palacio de Bellas Artes.
Es la primera vez que la obra de Damián Ortega, una de las figuras centrales del arte contemporáneo latinoamericano, es puesta en una retrospectiva institucional en México; nada más ni nada menos que en el majestuoso Palacio de Bellas Artes de la CDMX.
Damián Ortega: pico y elote, es el nombre de esta revisión de la poética del escultor mexicano, que confirma el nuevo impulso del arte mexicano contemporáneo en México. Esta exposición ya está abierta al público, y en la inauguración, el artista comentó: "Ha sido muy emocionante todo lo que ha sucedido aquí. Llegar al Palacio de Bellas Artes significa mucho para mí, porque fue un largo camino andado y lo entiendo como un reconocimiento no solo para mí, sino también para toda la gente con la que he colaborado".
Asimismo, el expositor agradeció a Abraham Cruzvillegas, Gabriel Orozco, Abel Kuri, Dr. Lakra; Guillermo Santamarina y a todos los que han colaborado para esta exposición, "con quienes se fue haciendo un colegio de ideas y han sido como pilares de todo este trabajo".
"La exposición comenzó hace alrededor de un año y medio en Monterrey, donde su directora Taiyana Pimentel rompió inercias y se esforzó en dar espacio al trabajo para poder traerlo a México. Pidió la beca de Efiartes, un esfuerzo sostenido también por el Estado, y entonces se hizo una ecuación y se alinearon muchos elementos para que finalmente el Museo del Palacio de Bellas Artes reciba esta exposición, en la Ciudad de México, de donde soy oriundo".
La exposición "Damián Ortega: Pico y elote" consta de 82 obras que recorren más de tres décadas de trabajo ininterrumpido. Es un recorrido no cronológico a través de tres ejes curatoriales: cosechar, ensamblar y colapsar, los cuales favorecen criterios de carácter plástico y conceptual, manteniendo un escepticismo ante la idea de progreso en México.
Lo que caracteriza esta exposición, es que al menos 20 piezas pertenecen a la obra inédita de Damián, entre las que se encuentran Demonio alucinado (2022), Mascarón (2024), además de la Pieza de la serie Torre Latino (2007) y los uniformes de papel Kraft de la serie Utopía mexicana (2019).
De igual manera, se ha editado un catálogo que reúne una serie de textos escritos exprofeso para la muestra, realizados por José Esparza Chong Cuy, Aurora Gómez Galvarriato, Julieta González y Guillermo Osorno, especialistas y conocedores de la obra de Ortega.
Damián Ortega: Pico y elote
Dónde: Museo Palacio de Bellas Artes; Av. Juárez s/n esq. Eje Central Lázaro Cárdenas
Centro Histórico, CDMX.
Cuándo: marte domingo, en horario de 10:00 a 18:00 h.
Cuánto: $90
Estudiantes, maestros, INAPAM, empleados de la Secretaría de Cultura e INBA con credencial vigente: entrada libre
Entrada libre los domingos
Fotos cortesía de Ballet Nepantla
El Ballet de Nepantla lleva el folclor mexicano a diversas partes del mundo.
El Ballet Nepantla es uno de los grupos de danza folklórica más reconocidos fuera de México, nacido en la comunidad mexicana, pero siendo una compañía que rescata la identidad mexicana para muchos de los habitantes en Estados Unidos. De hecho, su nombre proviene de San Miguel Nepantla, una población mexicana ubicada en el municipio de Tepetlixpa, donde nació la poeta Sor Juana Inés de la Cruz, una de las figuras más relevantes de la literatura hispánica de corte Barroco.
Una de las producciones más representativas de este ballet es Valentina; inspirado en María Valentina de Jesús Ramírez Avitia, La Leona de Norotal, una revolucionaria mexicana que a principios del siglo XX se habría hecho pasar como hombre para poder luchar contra la dictadura de Porfirio Díaz.
Este ballet habla de la importancia de la mujer en la revolución mexicana, y visibiliza a las mujeres que combatieron mano a mano con los hombres, a pesar de que muchas de ellas tuvieron que simular ser hombres para poder pelear en los más de diez años que duró el conflicto armado en México. De este modo, la interpretación que hace el Ballet Nepantla de ese momento de la historia mexicana no podía ser más crucial, en este contexto contemporáneo del empoderamiento femenino.
Valentina es un ballet que se ha presentado varias veces en Nueva York, al grado de que se ha dicho que lo que George Balanchine del New York City Ballet hizo con las danzas folclóricas de su Rusia natal, el Ballet Nepantla lo está haciendo con las danzas folclóricas de México; además de ser comparada con el Ballet Folklórico de México de Amalia Herández.
Valentina del Ballet Nepantla es un gran arte para nuestro tiempo. Si las mexicanas de la revolución tuvieron que verse obligadas a defenderse con armas de fuego; hoy en día, se defiende a través de la fuerza de las comunidades y la riqueza de la cultura. Valentina, además, es un gran ballet que solo podría haber sido creado en la ciudad de Nueva York.
Para los diletantes del arte, ya sea en cualquiera de sus representaciones como las esculturas, arquitectura, música, pintura, literatura, danza o cine, alrededor del mundo hay grandes recintos que resguardan estas riquezas.
Hay ciudades que son reconocidas y llamadas como ciudades que son capitales culturales, las cuales concentran gran parte de museos. Las ciudades resguardan obras de artistas importantes, así como los hogares, sitios importantes donde se llevaron a cabo los trabajos o donde surgieron las ideas de estos personajes. Toma nota de las ciudades que tienen una amplia oferta artística para tu próximo viaje.
Los museos en la ciudades de todo el mundo forman parte del atractivo turístico y de entretenimiento que estas ofrecen, sin embargo, no todas las metrópolis del cuentan con una amplia oferta de estos espacios. La Ciudad de México (CDMX), además de ser conocida como el lugar ideal para comer y disfrutar de la cultura mexicana, también es conocida porque tiene muchos museos, pero no es la única.
A continuación te diremos cuáles son las ciudades con más museos en el mundo.
Londres
Con más de 200 museos, Londres encabeza la lista de ciudades con más museos en el mundo, siendo el Museo Británico el más famoso. Éste alberga más de 8 millones de objetos de las culturas orientales, egipcias, griegas, etruscas, romanas, chinas y europeas. Cabe mencionar que la Piedra Rosetta se encuentra en este recinto.
Ciudad de México
En los últimos años, la Ciudad de México se ha posicionado como la segunda ciudad con más museos en el mundo. Con 170 museos y 43 galerías, el Museo Nacional de Historia, el Castillo de Chapultepec, el Museo de Antropología ocupa y el Museo de Templo Mayor, son algunos de los más visitados.
París
París no es solo la ciudad del amor, sino una de las que más museos alberga en el mundo. El más famoso sin duda es el Museo de Louvre, el cual es uno de los más grandes y más visitados a nivel internacional, cuya obra más reconocida es "La Gioconda", mejor conocida como la "Mona Lisa" de Da Vinci.
Moscú
Otra de las ciudades con mayor número de museos en el mundo es Moscú, siendo el Museo del Kremlin el más visitado, ya que alberga importantes piezas históricas y armería rusa, además de tener una arquitectura impresionante.
Los Ángeles
No es casualidad que Los Ángeles sea una de las ciudades con más museos, ya que Estados Unidos es el país que encabeza la lista a nivel mundial. El Museo de Arte Contemporáneo, el Museo Getty y el LACMA, son tan solo algunos de los más visitados.
Seúl
La capital de Corea del Sur es también una de las ciudades con más museos, siendo el Museo Nacional de Corea un emblema del país y uno de los museos más visitados de Asia y del mundo, gracias a sus impresionantes colecciones.
Tokio
Tokio en Japón es una de las ciudades culturales más importantes, con gran cantidad de museos y galerías. El Museo Nacional de Tokio es el museo más grande del país, con cinco edificios donde se exponen piezas japonesas y de otras culturas asiáticas.
Chengdu
Famoso por su centro de conservación de osos panda, Chengdu en China es una de las ciudades con más museos en el mundo. Algunos de los más importantes son el Museo Guanghan Sanxingdui, el Museo Jinsha Site y el Museo de Chengdu.
Nueva York
Aunque no encabeza la lista, Nueva York es una de las ciudades con más museos y galerías en el mundo. El Museo Metropolitano de Arte, el MoMa, el Museo Americano de Historia Natural y el Museo Solommon R. Guggenheim son algunos de los más visitados.
Fotos cortesía de Darcstudio
Este complejo es el segundo proyecto de Frida Escobedo en New York.
Frida Escobedo está rediseñando la nueva ala del Museo Metropolitano de Arte de New York y al mismo tiempo incursiona en el proyecto Bergen: un edificio de 209 mil metros cuadrados, que contará con 105 viviendas de lujo, con estudios, residencias de cinco dormitorios distribuidas en 53 plantas únicas en el corazón de Brooklyn.
El concepto arquitectónico de la urbanización Bergen, es el resultado de la colaboración entre el Taller Frida Escobedo y el estudio DXA. Escobedo se aseguró de que Bergen rindiera homenaje a su contexto, al tiempo que forjaba su propia identidad en el horizonte de Brooklyn. El edificio está situado en una calle arbolada de postal y expresará las influencias de Boerum Hill.
Proyecto residencial Bergen
Tiene una fachada plisada, construida con bloques hechos a medida, en donde Escobedo aprovechó la orientación del edificio para maximizar la luz natural tanto del este como del oeste. El diseño general sigue un ritmo coherente en términos de escala, materialidad y color, con porosidad y transparencia entretejidas en toda la forma del edificio.
Asimismo, Bergen ofrece a sus residentes más de 14 mil 500 metros cuadrados de servicios en cuatro niveles. Tiene una escalera cilíndrica, piscina de agua fría, un estudio de podcast y sala de vapor. Además de las excepcionales instalaciones interiores, los residentes pueden relajarse y socializar en más de 4 mil metros cuadrados de espacios exteriores con dos terrazas comunes en la azotea diseñadas por el equipo de paisajismo. También se puede adquirir aparcamiento, trastero y espacio para guardar bicicletas.
El estudio mexicano Taller Frida Escobedo ha conseguido algunos de los proyectos más interesantes de los últimos años. Desde su fundación en 2006 en Ciudad de México consiguió ser la arquitecta más joven en proyectar el Pabellón de la Serpentine en Londres (2018) el Metropolitan Museum of Art (Met), y ahora este segundo proyecto residencial en Nueva York, después de su colaboración con Handel en la promoción de uso mixto del National Black Theatre en Harlem. El proyecto para el nuevo complejo residencial se entregará el próximo 2025.
Foto destacada: INAH
La restauración de los azulejos de la embajada mexicana en Portugal se llevaron a cabo por especialistas del INAH.
Los muros de la embajada mexicana en Portugal, están decorados con preciosos paneles de azulejos que integran escenas bucólicas, satíricas y fabulísticas elaboradas en el siglo XVIII. Este inmueble fue adquirido por el Estado mexicano en 1976, y se trata de una antigua quinta ubicada en el Parque Forestal de Monsanto de Lisboa.
La producción de azulejos del barroco en Portugal surgió influenciada por las cerámicas china y holandesa, especialmente de Delft. Pintores de caballete portugueses como Gabriel del Barco, António de Oliveira Bernardes, Raimondo du Couto y Manuel dos Santos, por citar algunos, crearon verdaderas composiciones sobre cerámica.
Este arte alcanzó su apogeo en el último cuarto del siglo XVII y las primeras décadas del XVIII, bajo las monarquías de Pedro II y Juan V. La bonanza de la Corona por el usufructo de su colonia americana, Brasil, que permitió el patrocinio de estas obras monumentales con pintores preciosistas, de ahí que se le nombre a este periodo como el "ciclo de los maestros".
Los paneles están atribuidos por los estudiosos del azulejo portugués como piezas pintadas por artista desconocido, y se caracterizan por un estilo más libre que el de sus contemporáneos, al retratar escenas de la vida palaciega, fábulas y sátiras, en colores blanco y azul, este último extraído del óxido de cobalto.
"Estos bienes son patrimonio mexicano desde hace casi 50 años, aunque estén fuera de nuestras fronteras", señaló la restauradora-perito del INAH, Renata Schneider, quien coordina el proyecto de conservación y restauración de los paneles de azulejos; y prevé concluir el trabajo en septiembre.
El trabajo que se llevó a cabo en las 158 piezas intervenidas, fue el de la desalinización y limpieza mecánica y química, organización de escamas desprendidas, pruebas de sustratos para mitigar la colonización de microorganismos adhesión de fragmentos y resanes. Asimismo, bajo la asesoría de Lurdes Esteves, se incursionó en la manufactura de fragmentos cerámicos para la reposición de faltantes.
