Un reggaetón hecho con el texto de un libro. Esta fue la idea que le ocurrió al Instituto de Investigaciones Filológicas de la UNAM para combatir el miedo de la nueva juventud por la lectura, así como la trágica posición de México como el penúltimo lugar de 108 naciones según los índices de consumo de lectura.
Se trata de un video de dos minutos que muestra la producción de una canción de este subgénero latino (como parte de la campaña “Perrea un libro” del IIF), misma que adecua a su ritmo fragmentos del libro Tren Subterráneo de Fernando Curiel, escritor e investigador del Instituto. "La poesía es ritmo y la prosa es musicalidad", dice Curiel en el video. La canción, producida por Dj Chango en compañía del cantante panameño Baby Killa, fue parte de una prueba realizada en una fiesta de perreo, en donde se regaló el libro a los adolescentes después de haber cantado y bailado el experimento.
Lo que a muchos les pareció una brillante idea para incentivar el hábito de la lectura, a otra buena cantidad le pareció prejuiciosa y ofensiva. "A los jóvenes no les gusta leer libros. Pero les gusta bailar", asegura el IIF en el video. Este discurso fue un tanto peligroso de afirmar ya que fue precisamente la hipótesis controversial que dio a la crítica de qué hablar. Preguntas como si realmente a los jóvenes no les gusta leer según sus preferencias musicales, si es este el único medio para hacerlos leer y si en verdad es el deseo y no la supuesta "necesidad" la que orilla a los más jóvenes a tomar un libro, fueron algunas de las premisas de mayor énfasis.
Un punto interesante dentro de los comentarios espesos fue este último análisis, ya que cualquier punto de vista con el que se mira la relación entre joven-lectura se señala bajo la misma perspectiva: esperando que la juventud sea lectora literaria, juzgándosele por su manera de abordar ideas escritas y afirmando que se trata de una necesidad básica la de conocer ciertos elementos literarios que se enseñan en las escuelas de manera coercitiva. ¿Bajo qué criterios pones determinados libros en las manos de un adolescente?, nos dice acertadamente Alejandra Quiroz Hernández, bibliotecaria y profesora. Recordemos fugazmente al sistema educativo finlandés, uno de los mejores en el mundo que puso en operación recientemente una modificación total de su método de estudios básicos. La situación es bastante arriesgada: dejarán de enseñar materias para enfocarse en fenómenos; por ejemplo, ya no habrá más Historia de Europa, sino el por qué del fenómeno Unión Europea. Esta revolución pedagógica aún no vislumbra sus frutos o desastres, sin embargo ejemplifica una de las posibilidades de enseñar a los niños y jóvenes a utilizar su capacidad cognitiva con maneras alternativas para abordar las lecturas.
Por otro lado se encuentra el deseo de incentivar en algún tópico por cuenta propia. Una lectura resulta más apasionante si es de interés, si realmente es el pensamiento o reflexión que encaja en ese momento complejo de tu vida ?como lo puede ser la adolescencia. En este sentido, cabría resaltar a los intermediarios, los culpables de que un adolescente incurra o no en el mundo de los libros. Los mediadores no necesariamente son los más doctos, puede ser el padre, un compañero de clase e incluso un músico. Dado que la música, en este caso el reggaetón, resulta un aliado de los deseos y propiamente de la inteligencia emocional de las personas, utilizarla como método de fomento a la lectura no es una idea nada desubicada, de hecho todo lo contrario. El reggaetón, que posa sus raíces más profundas en la cumbia y (más importante para este caso) en el rap, podría resultar un estimulo de la lectura trascendental para un cierto sector de la sociedad latinoamericana si se llevara a cabo por muchos de los mesías del fenómeno perreo. Cabe señalar que el rap, específicamente en sus orígenes con The Black Poets, fue la voz de la revolución ideológica, un símbolo de protesta que llevó a una serie de rebeliones necesarias en 1960, y un excelente ejemplo sobre cómo enseñarle al mundo textos literarios con ritmos de su interés. La música es también una metáfora de libertad, un deseo cual la literatura, de hacer visible nuestra capacidad anímica como seres humanos.
A la campaña se le señaló de ofensiva por resaltar que es dentro de este círculo musical que encontramos a los "jóvenes que no leen" y, viniendo semejante afirmación de un Instituto de Investigación, mucho dio a denotar sobre su falta de indagación de campo, pero sobre todo de actualización y/o modernización de su perspectiva. A pesar de ello, las cifras que marcan los niveles de pobreza en México (que es un poco más de la mitad de los 120 millones de habitantes en total) le dan una cierta razón al instituto, ya que la realidad devela que la música, la educación y cierto tipo de lecturas inaccesibles económicamente para muchos, se vuelven propias de ciertos sectores sociales.
Las estadísticas de la UNESCO arrojan la cifra aproximada de 3 libros extraescolares leídos por un mexicano en comparación con Alemania con un promedio de 12. Si recordamos que nuestras bibliotecas tampoco son suficientes para todos los habitantes (existen en promedio una por cada 15 mil habitantes), la situación se vuelve cada vez más cerrada a sus posibilidades.
Hay algo de prejuicioso también en los comentarios que satanizaron la campaña de manera categórica, ya que se critíca más no se propone una opción plausible que contribuya a combatir la ignorancia que después de todo, es el problema central que debe resolverse. Subestimar la capacidad de lectura de los jóvenes es la cuestión controversial y no la de apoyar las formas que se idealizan para adentrarlos a este proceso. La cuestión, me parece, debería ser ¿cómo lograr introducir a los más jóvenes en su desarrollo cognitivo, que además de enriquecer la imaginación, la capacidad de análisis y la perspectiva, ayuda a forjar seres anímicos libres?
Se habla de que la lectura y la educación son las únicas dos fuentes que tienen los mexicanos para mejorar su formación cívica y con ello mismo la cultura, sin embargo, pocas son las propuestas que ayudan a incentivar estos dos caminos de manera alternativa, por ejemplo, adecuándolos a los sucesos contemporáneos ?como ocurrió en el caso de "Perrea un libro". A pesar de que a muchos les parezca molesto y totalmente contradictorio (a lo que sea que signifique para muchos "leer") el intento de fusionar la lectura con el reggaetón, en realidad el género existe en el panorama mental de nuestro país, el fenómeno perreo existe como una mayoría que creemos es la minoría, existe y esa mayoría de jóvenes bombardeados por lo que tienen a su alcance -la música-, tienen los mismos derechos de conocer la lectura que cualquier otro mexicano que se siente ofendido por la afirmación de que los jóvenes mexicanos no leen. Tal vez lo que el Instituto de Investigaciones Filológicas mostró, involuntariamente, no fue en sí su perspectiva “degradante” sobre la intelectualidad de los más jóvenes o incluso de cierto sector social-musical, sino la notable individualización que cosecha la ignorancia y esto, definitivamente no es sólo un problema de los "más jóvenes".
Me parece que, en en vez de generar polémica a través de este tipo de campañas, no nos vendría mal idearlas (como por ejemplo, los booktubers que sugiere Alejandra en su texto) ya que como decía Thoreau: en nuestros días hay profesores de filosofía pero no filósofos; en nuestros días hay críticos pero no pensantes.
"La promoción de la lectura empieza con la divulgación de la lectura, ¿cuál es el mensaje? El texto mismo", nos dice Curiel, un aspecto que debería ahondarse tan analíticamente como se ahondó en su discurso -malamente manejado-, de algo que quizás puede ser un buen experimento: perrear un libro.
Fotos cortesía de INAH
Esta instalación forma parte de la celebración de los 60 años del Museo Nacional de Antropología.
El Museo Nacional de Antropología (MNA) celebra 60 años, con la pieza monumental Tú del artista jalisciense José Rivelino Moreno Valle (1973) una de sus obras escultóricas monumentales más emblemáticas. Dicha pieza se encuentra expuesta en la explanada principal del recinto capitalino y ya es posible visitarla.
Se trata de un conjunto escultórico que consta de dos dedos índices de color blanco, elaborados en bronce, acero y concreto, los cuales se apuntan uno al otro, y pesa 30 toneladas, sumándose a la Piedra del Sol como una de las obras más pesadas exhibidas en Ciudad de México.
Esta instalación fue revelada por primera vez en Trafalgar Square, Londres, en Reino Unido, en 2015, y desde entonces ha formado parte del espacio público de latitudes como Alemania, Bélgica, Rusia, España, Italia y Estados Unidos. En México, esta pieza ha visitado la Macroplaza de Monterrey, el Patio Mayor del Instituto Cultural Cabañas y los centros históricos de las ciudades de Puebla y San Luis Potosí.
Por su parte, Rivelino es un artista que divide su tiempo entre la creación, la investigación y el activismo en los ámbitos de economía, cultura y desigualdad, y destacó la relevancia de la presentación de su obra en el museo más visitado de Latinoamérica. La intención de esta pieza es que el público pueda interactuar en diversas formas: "Que el individuo esté frente a frente del otro. De ellos frente a mí y de todos juntos, en el paso del yo al nosotros".
Esta pieza es polisémica, interactúa con el espacio en el que se instala y, al mismo tiempo, con el público. Visibiliza lo que las personas a veces quieren decir, en el espacio que hay entre los dos dedos que se señalan entre sí, puntualizó, caben todas las ideologías, las conversaciones y todo tipo de personas.
Además de admirar la instalación artística, las y los visitantes del MNA podrán tocarla e interactuar con ella, fotografiarse o mirarla a detalle y reflexionar sobre la propuesta del artista.
Tú de Rivelino
Dónde: patio del Museo Nacional de Antropología; Paseo de la Reforma y Gandhi, Chapultepec, Polanco, Miguel Hidalgo.
Cuándo: hasta 26 de agosto de 2024, lunes a viernes desde las 07:00.
Entrada libre
Fotos cortesía de Procine
Nudus es una de las cintas mexicanas más perturbadoras de los últimos años.
Nudus significa "desnudo" en latín, y es una analogía de estar desnudos en las redes sociales, vulnerables o con la falsa seguridad de privacidad, muy a pesar de que todo el internet está siendo vigilado por terceros, según el cineasta Gibrán Bazán cuando habla de su nuevo filme.
Esta historia llega a fortalecer el cine mexicano, que demuestra su variedad de estilos, directores, talentos e historias que enriquecen a la industria fílmica, a la cultura e identidad del país.
Nudus es un film de terror psicológico, que nos sumerge la superstición, la religión y las creencias populares, agregando capas de complejidad a las narrativas y generando una mayor sensación de inquietud en la audiencia. Pero esta ocasión, la cinta se centra en los avances digitales y el terror tecnológico; ofreciéndonos una ventana hacia el hackeo mundial, en un mundo postapocalíptico en donde no existe la privacidad en internet.
Asimismo, Nudus aborda a nuestro mundo hiperconectado: cibercrimen, espionaje global, falta de privacidad y vulnerabilidad de la información. Se trata de poner bajo el reflector el poder de las redes sociales, que concentran miles de millones de datos de los usuarios, en una sociedad cada vez más vigilada.
Carla Hernández, Alex Crusa y Sayaka Yokoyama, son los protagonistas de la cinta de escrita y dirigida por Gibrán Bazán, además de otros trabajos como "Los rollos perdidos" (2012), "Generación Spielberg" (2014) y "El buquinista" (2018); discípulo de Juan López Moctezuma, colaboró con el cineasta en varios proyectos.
Esta cinta se estrenó primero en Estados Unidos, debido a que el tema llamo la atención, además de reflejar el poder de la Inteligencia Artificial, sobre todo con toda la polémica de la huelga de Hollywood, la intromisión cada vez mayor de las redes sociales en nuestras vidas y el gran hackeo es algo que ya comenzó y que tendrá mayor impacto en unos cinco o siete años.
La premisa de su película es que los datos de miles de millones de personas estarán disponibles y abiertos en la red para consulta libre gracias a la poderosa tecnología de las computadoras cuánticas que serán capaces de vulnerar cualquier contraseña o sistema de seguridad online, dejando expuestas nuestras búsquedas, llamadas, mensajes de WhatsApp, passwords, transacciones y cualquier acción que realicemos en internet, es ya una terrible realidad.
Fotos cortesía de Betsabeé Romero
La artista Betsabeé Romero forma parte de una exposición conjunta de la 60 Bienal de Venecia.
La artista Betsabeé Romero lleva su exposición "La espiral sin fin" a la Galleria Piazza San Marco, como parte de la 60 Biennale di Venezia presentada por el Museo de Arte Latinoamericano (MOLAA) con la Fundación Bevilacqua La Masa y el apoyo de los main partners William S. Y Michelle Ciccarelli Lerach e Itaca Arts, cuyo CEO es Santiago García Galván.
Diversos medios italianos han hablado de la exposición, tanto como de la trayectoria de Betsabé y los hallazgos de "La espiral sin fin". Esta exposición explora las prácticas artísticas de Betsabeé Romero a través de obras de arte encargadas y nuevas instalaciones, que también se presentará en el Museum Of Latin America Art (MOLAA) en 2025, en Long Beach, California, EU.
Según, Santiago García Galván, la exposición que Betsabeé Romero "a través de sus imágenes poderosas y su simbolismo profundo, ha capturado la esencia de la experiencia migratoria, entretejiendo los hilos de la cultura, la identidad y la resiliencia. Su obra sirve como testimonio del espíritu humano, recordándonos nuestra humanidad compartida y la importancia de la empatía y la compasión".
Betsabeé Romero ha dicho sobre esta exposición que ya está montada y lista para su inauguración en la Galleria Piazza San Marco, que la selección tomó muchos meses, es un formato muy complicado para participar, participan muchos proyectos paralelos de todo el mundo, y al final, fuimos uno de los 30 proyectos seleccionados para hacer una exposición paralela.
En esta exposición, que está muy en la línea del tema general de la bienal, pero más específicamente desde lo que significa la imposición de fronteras, de bordes, de líneas casi punzocortantes que hieren la identidad cultural, de género, la identidad personal y comunitaria, cultural e histórica.
Buena parte de esta exposición reflexiona sobre la Cultura como el hogar que llevamos dentro y que sobrevivió a la sombra de todos los poderes; la forma en que se reproducen las fronteras, las polarizaciones han dividido incluso la cama en el paisaje familiar.
Fotos cortesía de Tany Folgoso
Un nuevo museo en la CDMX mostrará la riqueza musical de Los Ángeles Azules.
El Museo Comunitario Ocho Barrios es uno de los museos que se suma a la CDMX y poco a poco llegaremos a ser la ciudad con más museos del mundo, aunque todavía estamos por detrás de Londres. Para inaugurar este recinto, se abrió la exposición dedicada a la música que muestra las tradiciones y manifestaciones culturales de las comunidades originarias de Iztapalapa.
La exposición de este museo está dedicada a la Música y Músicos de Ixtapalapa, en donde podremos conocer la historia de algunas agrupaciones de esta región, siendo una de las más conocidas, Los Ángeles Azules; que han dejado un impresionante legado en muchas generaciones, musicalizando bailes, ceremonias religiosas, conformado orquestas tradicionales o puesto en alto el nombre de Iztapalapa.
Así que uno de los atractivos de esta exposición es justo ver las fotografías, acetatos firmados, trajes y notas de periódicos sobre grupos musicales emblemáticos de la demarcación, y sobre todo de Los Ángeles Azules. Ya que el Museo Comunitario de los Ocho Barrios busca reconocer la importancia de esta gran banda originaria de Iztapalapa.
Esta agrupación, ya reconocida en muchas partes del mundo, comenzó con la familia Mejía Avante a finales de los 70, aunque debutaron oficialmente en 1980 y desde esa fecha han sido "de Iztapalapa para el mundo". Sus primeros instrumentos fueron sacados con ayuda de Mamá Martha, madre y fundadora del grupo musical, quien fue aval y obtuvo un préstamo para que sus hijos tuvieran guitarras, un bajo y una tarola. Incluso tuvieron que vender la camioneta de su papá para comprar bocinas. Cuarenta años después, Los Ángeles Azules llevan la cumbia de Iztapalapa a muchas partes del mundo y a todas las fiestas mexicanas.
Música y Músicos de Ixtapalapa
Dónde: Museo Comunitario de los Ocho Barrios; Ermita Iztapalapa 100, San Pablo, alcaldía Iztapalapa.
Cuándo: martes a domingo de 10:00 a 18:00 horas
Entrada libre
Foto destacada: Ñuu Savi: Pasado, Presente y Futuro
El seku es una variante de la Pelota mixteca que se preserva en Oaxaca.
Es seku es un deporte que se practica en la comunidad de Yucunani, municipio de San Juan Mixtepec, Oaxaca. Yucunani es una pequeña comunidad con apenas 130 personas con un alto índice de migración, ubicada en la montaña de la región de la Mixteca, en el municipio de San Juan Mixtepec, en el estado de Oaxaca.
Es un juego que se ha retomado en los últimos años, con el fin de preservar la cultura y transmitirlo a las nuevas generaciones de jóvenes que se han integrado en los equipos de seku, además de que ya es un juego con apertura a las mujeres que toman la estaca y meten una bola de madera entre dos banderas que simulan una portería, con el fin de obtener puntos.
Este deporte prehispánico de los pueblos de Ñu?u Savi, estuvo a punto de extinguirse a finales de los años 90, pero un grupo de pobladores, en coordinación con profesores de San Juan Mixtepec, comenzaron a promoverlo y a rescatarlo en la comunidad de Yucunani y en otros espacios. Ahora, los vecinos les enseñan a sus hijos a jugarlo, se resisten a la extinción del deporte de sus abuelos.
El seku es el juego de los ancestros. Es por eso que es un deporte básico en donde solo son necesarios dos equipos de cinco personas en cada una; cada persona usa un bastón de madera con la base curvada, una bola de madera de algún árbol. Además, de estacas con antorchas encendidas colocadas sobre la orilla del perímetro donde se desarrolla el juego.
Cada partido dura 20 minutos con descansos de 10 minutos, aunque algunas veces los partidos pueden llegar a durar hasta media hora. Los pobladores explican que la bola con la que se juega está hecha del tallo del colorín, un árbol escaso en la zona, por lo que en ocasiones lo sustituyen por otros árboles de la región.
La antorcha, que todavía se prende en este juego, sirve para definir las líneas que conforman el campo. Además, como es un juego que tradicionalmente se jugaba de noche, el fuego es para guiar a los jugadores y que no se salgan del campo. Es un juego nocturno porque antes no había tiempo para jugar, y todos se dedicaban a trabajar en el campo.
Asimismo, este juego ya forma parte de las actividades del pedimento de la lluvia que realizan cada año los pueblos de la nación Ñu´u Savi. Hoy en día se abren torneos, y se dan premios y otros estímulos para que haya cada vez más participantes en este juego ancestral.
Además, el torneo está programado a la par de la feria anual de Yucunani, así que se invitan pueblos vecinos como Santiago Juxtlahuaca, Yanhuintlán, Nochixtlán, Tamazulápam, a la competencia, para que sea posible observar los encuentros de cerca, incluso se explican las reglas de este juego que preserva la identidad de Oaxaca.
Fotos cortesía de Marina Baysands
Frida Kahlo supera las fronteras y llega al Museo de arte de Singapur.
Dese hace muchos años, la visión creativa de Frida Kahlo dejó ser un impacto en la cultura popular mexicana para formar parte de algo más global; e incluso para llegar a tierras tan lejanas como la República de Singapur, es una pequeña ciudad-Estado y país insular, situado en el corazón del Sudeste asiático.
Hasta dicho país llega la historia de vida de la artista mexicana a través de ‘Frida Forever’, que incluye dos cautivadoras exposiciones de Frida Kahlo y una experiencia de realidad virtual en el ArtScience Museum Singapore.
Y es que la influencia de Frida Kahlo va más allá de su arte y de su simbolismo; porque miles de personas pueden identificarse con sus experiencias personales y reflexiona sobre sus pasiones, luchas y creencias. Sobre todo sus autorretratos ha sido muy elogiados, pues logran romper límites con su descripción cruda y sin complejos de la feminidad, el dolor, la muerte, el cuerpo humano y la identidad.
‘Frida Forever’ también celebra el importante impacto que sigue teniendo, 70 años después de su fallecimiento, no solo en el arte, sino en la moda, la cultura popular, el feminismo y más.
Frida Kahlo: La vida de un icono es la segunda exposición biográfica inmersiva, desarrollada por Layers of Reality y Frida Kahlo Corporation, que se estrenará en el sudeste asiático con proyecciones de 360 ??grados y un espacio creativo que da vida a sus dibujos. Además de recorrer la rica tradición mexicana.
Esta exposición es curada por el ArtScience Museum con el apoyo de Cristina Kahlo Alcalá, sobrina nieta de Frida Kahlo, y muestra archivos íntimos de su relación con su cuerpo, sus dolencias médicas y el profundo impacto que estas luchas tuvieron en su trabajo artístico.
Los visitantes podrán ver cerca de 40 fotografías, páginas de diarios, obras de arte contemporáneas, registros médicos y entrevistas exclusivas con Cristina Kahlo Alcalá. Esta última revelará cómo adquirió estos documentos médicos del American British Cowdry Hospital donde estuvo internada Frida Kahlo.
La cereza del pastel es una experiencia de realidad virtual que se lleva a cabo dentro de la Galería VR del Museo ArtScience, donde los visitantes pueden ingresar a las pinturas de Frida para sumergirse en su estética, la paleta de colores de sus obras y las diversas texturas que utilizó. Las exposiciones y eventos de ‘Frida Forever’ se llevarán a cabo en el ArtScience Museum del 4 de mayo al 1 de septiembre.
Fotos cortesía de Google Arts & Culture
Estos artistas lograron construir un movimiento que le dio identidad a los chicanos.
El arte chicano forma parte de los movimientos culturales desde los años 50 del siglo XX, pero fue 1960 que se da el boom, junto con las protestas de la guerra de Vietnam, el movimiento Black Power a favor de los derechos civiles. De ahí, que la lucha chicana desafió la categorización y los estereotipos divulgados entre la población anglosajona.
Se trató de un movimiento de artistas chicanos, sobre todo del sureste de California, siendo uno los más representativos el Colectivo de Los Four ( Los cuatro) integrado por Beto de la Rocha (California, 1937), Frank Romero (California, 1941), Carlos Almaraz (Ciudad de México, 1941-California, 1989), Gilberto Sánchez Luján (California, 1940-2011)
En 1974 se unió Judithe Hernández (California, 1948) al colectivo, y todos se caracterizaban por ser activistas de origen mexicoamericano, educados en universidades de Estados Unidos, y sobre todo por ser los primeros artistas en romper las barreras que los museos tenían para el arte chicano, cuando en 1974 el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles (LACMA) incluyó una exposición sobre su obra.
También se caracterizan por impulsar el ?muralismo chicano?, expresión que se desarrolló sobre todo a partir de la década de 1970 en los estados fronterizos del suroeste de los Estados Unidos, y que son reconocidos por representar la vanguardia intelectual del movimiento y de forjar una nueva sensibilidad artística chicana.
Los Four lograron construir muchos puentes híbridos entre la cultura mexicana y estadounidense, plasmando la dualidad cultural de ambos países, superando la geografía, y también creando técnicas y formatos que fueron muy característicos de esa época.
Hoy en día, Los Four no representan la visión definitiva del arte chicano; pero en su momento sí fueron los que abrieron paso a la exploración del arte de Los Ángeles, tuvieron la osadía de crear un diálogo con México, resignificar las piezas en un dicho momento histórico y presentar un arte chicano único, una escuela original que no era ni mexicana, pero tampoco ?gringa?.
En efecto, el movimiento de arte chicano representa los miles de intentos de los artistas estadounidenses de origen mexicano para establecer una identidad única. Es un movimiento que trabajó para resistir y desafiar las normas sociales dominantes y los estereotipos de la autonomía cultural y la autodeterminación, en donde los chicanos han utilizado el arte para expresar sus valores culturales, como una forma de protesta con un valor estético fascinante.
De los cinco artistas, quizá el que ha sido más reconocido a lo largo de los años es Frank Romero, de ascendencia española y mexicana. Algunos se lo atribuyen a que hablaba inglés en casa y Romero aprendió a hablar español más adelante en la vida. Pero no hay duda que todos son grandes artistas y que poseen su propia identidad.
