Arte y Cultura
11 géneros musicales que han permeado el imaginario colectivo de la Ciudad de México
Jaen Madrid
Un recorrido por la música que ha personificado la realidad capitalina y su estilo de vida a lo largo de la historia.

"La historia de México es la del hombre que busca su filiación, su origen. Sucesivamente afrancesado, hispanista, indigenista, ?pocho?, cruza la historia como un cometa de jade, que de vez en cuando relampaguea. En su excéntrica carrera ¿qué persigue?" ? Octavio Paz.

 

A excepción de Freud, Nabokov, Quignard y las personas que sufren Amusia, todos alguna vez nos hemos considerado amantes de la música. Tal vez sea su grandiosa capacidad de exudar dopamina, o que en ciertas ocasiones funge como un brebaje maravilloso para combatir la ansiedad, el dolor y el estrés. La música es una especie de catalizador de la percepción, escucharla -según su sonido-, siempre definirá la dirección de la realidad que se experimenta. La Ciudad de México, por ejemplo, no sería la misma si sus raíces hubieran brotado del jazz o el blues. Los géneros musicales que han personificado el imaginario colectivo de la capital son aquellos que han definido también el estilo de vida de sus habitantes.

De la música, de su armonía, no hay mucho que explicar más si escuchar, pues se trata de un lenguaje simbólico-sonoro, que a diferencia de muchas artes no intenta probar nada, su mensaje siempre será  pareidólicamente personal.

En México hay una afinidad mística por los sonidos nostálgicos; los de lamento, tristeza, soledad y desamores, al mismo tiempo que ocurre un extraño sincretismo con los sonidos tropicales, que generalmente secretan beatitud (por algo Bretón nos llamó el lugar surrealista por excelencia).

Estos son los géneros musicales que han permeado la realidad capitalina a lo largo de la historia:

 

Danzón

El danzón llegó a la ciudad de México desde los estados de Veracruz y Yucatán, que adoptaron el género por inmigrantes cubanos en 1890. Los salones de baile -donde se presentarían orquestas en vivo- y la aparición de la radio popularizaron el género. A la par que la ciudad evolucionaba tecnológica y arquitectónicamente de forma afransesada, las noches en la ciudad se disfrutaban tropicosamente con un compañero, en la pista de baile.

 

Bolero

También de origen cubano. Se dice que México es la “meca” de los músicos de bolero. Con una ligera influencia en la balada o música romántica, el bolero fue uno de los medios por el cual se expresaba la melancolía, los desamores, la aflicción. La primera canción categorizada como bolero fue “Tristezas” de José Sánchez, Cuba 1885. En México (1930 y 50) el cine y la televisión fueron su herramienta para divulgarse. Agustín Lara como principal exponente y ulteriormente los llamados “tríos”, que adquirieron fama por sus letras nostálgicas y poéticas, conducidas por armonías complejas realizadas principalmente con instrumentos de cuerda.

 

Ranchera

El folclor mexicano por excelencia. La ranchera es la música del dolor, de las emociones en la vida campestre post revolución; los caballos, las cantinas y los desamores. Proviene del mariachi y fue y seguirá siendo la música popular que resguardó las costumbres autóctonas del país. Pedro Infante, Antonio Aguilar, Jorge Negrete y José Alfredo por mencionar a unas cuantas de las innumerables voces que hoy en día se siguen recordando en cada juerga con sentimiento.

 

Norteño

El norteño es una de las bifurcaciones de la ranchera mezclada con la polca europea, cuya simbiosis se proyectó gracias a la migración de europeos a México, provenientes principalmente de la zona escandinava, bretona e italiana. El sonido del acordeón, la tuba, el bajo eléctrico y la tarola armonizaron letras mexicanas que en realidad eran más descriptivas y contaban historias sobre las vivencias en el norte del país.

 

Banda

El ensamble de la banda sinaloense es también el resultado de una mezcla euroamericana que se desarrolló en los años 20 con la adecuación de instrumentos de aire, utilizados principalmente en la fanfarria europea. Las orquestas de banda son lideradas por un trombón, tuba o trompeta que mucho recuerda al estilo bávaro alemán, heredado de inmigrantes europeos a la ciudad de Mazatlán. Otra versión menos conocida afirma que el estilo de la banda fue heredado de los franceses; por un lado, de las bandas militares del ejercito de Aquiles Bazaine y por otro la afrancesada transformación del país durante la presidencia de Porfirio Díaz.

 

 Salsa

De los años 50 a los 70 sucedió mucho para los oídos sudamericanos. Danzón, cha cha chá, jazz y algunos híbridos afrocubanos volátiles llegaron hasta la zona Centro y Norte de América; Nueva York y México los acogió con especial efervescencia. La salsa (picante), adquiere un lugar en la música gracias al viaje del cubano Cheo Marquetti a México y su divulgación a través de sus discos los cuales, de manera casi sinestésica, contrastaron los ritmos tradicionales del son con el tropicoso sabor del aderezo culinario. Cabe destacar que mucho antes de ser llamada como tal, la salsa ya se tocaba por muchos interpretes cubanos, caribeños, colombianos y venezolanos, principalmente.

 

Cumbia

Colombiana por excelencia. La cumbia en la ciudad de México se llamaba música tropical y mezclaba los ritmos del son cubano, el porro caribeño, la rumba y el mambo. Nació en 1950 pero no fue sino dos décadas más tarde que en la capital se escucharía transmutada con algunos instrumentos de “rock” como la guitarra y el bajo eléctricos. De igual forma se adaptó a las necesidades de los mexicanos y una década más tarde se podía oír hablar en casi todos los barrios de la cumbia sonidera, que se daba con la creación de fiestas y DJs que mezclaban las canciones mientras el patio de una casa o la calle misma se convertían en la pista de baile.

 

Balada

En México la balada no fue más que reinterpretaciones de muchas canciones románticas europeas que a su vez no eran compuestas en su mayoría por los interpretes. Tal vez fue en esta época que comenzaron los “covers” en tu idioma, y con el éxito que figuraban las melodías de amor y desamor era de esperarse que hoy en día el pop mexicano siga manteniendo las bases de aquellos grandes solistas.

 

Rock n’ Roll

La Ciudad de México también tuvo su época de chaquetas de cuero y riffs apabullantes. Fue a  lo largo de la década de los 60 que la mayoría de interpretes famosos de baladas mexicanas como Angélica María y Enrique Guzmán dieron ese gran salto a la música que aderezaba realidades en Norteamérica con Bill Haley & His Comets, Elvis y The Beach Boys. Y aunque muchos apostarían que Guzmán y Los Locos del Ritmo son los artistas alegóricos de la época, el lado B del rock n’ roll en la ciudad sonaba más o menos así:

 

Un segundo momento del rock fue la psicodelia. En la capital fue crucial asistir al festival de Avándaro y leer  la literatura de onda. Al final de la época, algunos músicos puritanos terminaron por componer algo más que un rock and roll o una balada:

 

Y otros más decidieron arriesgarse a probar un rock más ácido:

 

High Energy

Una extraña y sin embargo fuerte época en la ciudad fue sin duda la del High Energy, una especie de electrónica-disco de origen inglés que a inicios de los 80 se convirtió en la música de las fiestas y los nuevos sonideros “del barrio” en la ciudad. Fue el DJ Patrick Miller (Roberto Devesa) y Polymarch quienes encabezaron una movimiento musical con canciones de Hi-NRG frescas, que de menos en la capital no se escuchaban ni en la radio. La puesta en escena de este género fue la siguiente: demostrar en la pista de baile tus mejores pasos y competir por el título de mejor bailarín. Lo trascendental del high energy fue que por primera vez las personas bailaban solas. Hoy en día el Patrick Miller ubicado en la colonia Roma le hace homenaje a esta época, ahora fantasmagórica, que muchos siguen sin olvidar.

 

Rock Alternativo

Aquello que se llamó y se sigue llamando “rock alternativo” es, al menos a mi parecer, un hoyo negro en el diccionario musical de aquellos que gustan categorizar todo lo que ven y no pueden comprender. El llamar alternativa a la música y en general a un cierto tipo de arte, resume ofensivamente el progreso de toda una generación que eligió no seguir la tendencia de un género activo. El rock alternativo comprende a un sin número de bandas que de los 80 a los años 2000 fabricaron híbridos de muchos subgéneros musicales distintos: desde el post punk (como es el caso de The Cure), space rock (The Verve), el brit pop con ligeros coqueteos de electrónica (en el caso de Radiohead) hasta el esotérico de lo alternativo: el shoegazing (de bandas como My Bloody Valentine). Todo aquello que sonaba a rock no convencional estaba situado dentro del género.

En la ciudad de México se abusó por mucho de esta categoría que enclaustró a bandas de culto como los Caifanes, en el mismo círculo que Café Tacuba o Maldita Vecindad que sencillamente contenían un sonido totalmente diferente. Independientemente de esto, Caifanes son realmente el emblema nacional del rock alternativo; su sonido -algunas veces más cerca del folclor mexicano, otras más cerca de The Cure-, sus letras -inevitablemente poéticas y expresivas-, y su aparición, en el momento justo en que se necesitaba escuchar algo más profundo en esta ciudad.

 

Twitter de la autora: @surrealindeath

Exhibe Munal la extraordinaria transformación de la Ciudad de México
MXCity
Estas fotografías, estampas y documentos hemerográficos, conforman la colección que muestra la transformación de la CDMX en el Munal.

Foto cortesía Munal

Esta muestra aborda los cambios arquitectónicos, urbanos y sociales de la CDMX en el siglo XX.

 

El Museo Nacional de Arte (Munal) es uno de los recintos de la CDMX, que resguarda, exhibe y difunde muchos óleos, acuarelas y dibujos, siendo el paisajista mexicano José María Velasco (1840-1912) una de sus colecciones más apreciadas. De hecho, es la más grande que se conoce sobre el artista, reconocido por su apropiación visual del paisaje nacional y por la interpretación sugestiva del naturalismo científico.

Esa muestra es permanente en este museo, así que siempre podrás visitarla. Lo que más se destaca de Velasco, como de toda la constelación de artistas que orbitan en las múltiples dimensiones estilísticas sobre México, es que nos muestran los cambios que ha tenido el país a lo largo de los años.

A esta colección de Velasco, se suma otra muestra permanente, llamada Ciudad de contrastes. Fotografía y gráfica; que será exhibida por primera vez e integra a las salas del primer piso del museo. La exposición ya se puede conocer por el público, que podrá dimensionar la evolución de la gran urbe mexicana, a través de la mirada y sensibilidad de grandes artistas nacionales y extranjeros.

La Ciudad de México se acompaña de un recorrido por los procesos de transformación, que la construyen y (re) significan en la vida cotidiana de sus habitantes.

Con la selección curatorial de David Caliz y Ramón Avendaño, y la investigación de Claudia Coronado García, la sala integra 38 piezas, entre fotografías, estampas y documentos hemerográficos. Resalta la presencia en paridad de artistas hombres y mujeres, quienes, a través de sus obras, buscan dar expresión al complejo fenómeno de la modernidad, sus tensiones y contradicciones.

Ciudad de contrastes aborda desde la temprana albúmina de Alfred Briquet hasta la Anarquía arquitectónica de la Ciudad de México, de Lola Álvarez Bravo.

La exposición, asimismo, destaca la reproductibilidad técnica que comparten las artes gráficas y la fotografía, así como los diversos usos y significados del universo de la imagen en su factura, exhibición y montaje. Una muestra que permanecerá en las salas del Munal, para mostrarnos que todo cambia, y que esos cambios son bastante agradables la mayoría de las veces. ¡No te la pierdes este fin de semana!

Ciudad de contrastes. Fotografía y gráfica

Dónde: Museo Nacional de Arte; Tacuba 8, Centro Histórico, Cuauhtémoc.

Cuándo: martes a domingo de 10:00 a 18:00 h.

Cuánto: $90

Entrada libre a Inapam, menores de 13 años, personas con discapacidad, maestros y estudiantes con credencial vigente.

Domingo entrada libre.

Lum: la experiencia inmersiva con meditación, imaginación y sonidos
MXCity
Sumérgete en los mundos alternos de Lum, la nueva experiencia inmersiva que se apoderó de la CDMX.

Fotos cortesía de IntusTV

Lum es una experiencia multisensorial que te mostrará el poder de la luz.

 

Lum es una experiencia inmersiva creada por artistas de México, Colombia y Bélgica. Tendrás la oportunidad de descubrir cinco instalaciones inmersivas que se transforman en paisajes lumínicos, que te envolverán con colores vibrantes y animaciones impactantes.

Además, podrás disfrutar de cautivadores ambientes sonoros para tener una conexión única contigo mismo, a través de la magia de la luz. Estos “mundos alternos” se apoderan de la CDMX, con esta experiencia multisensorial, a través de instalaciones vanguardistas.

Por medio de una magnífica combinación de arte, luz, tecnología multimedia e iluminación inmersiva, explorarás espacios para tener fotos magníficas. Además, cuenta con música original, que ha sido compuesta exclusivamente para su puesta en escena en la Ciudad de México, por el músico de Bélgica conocido como Before Tigers, bajo la dirección artística y creativa de Josue Ibañez y la producción ejecutiva de Gilberto Castro.

Asimismo, esta experiencia cuenta también con la colaboración del artista contemporáneo colombiano Mario Arroyave, y la participación de Immersive Creators y LEDpulse que presentan el Dragon02, un display volumétrico tridimensional, conformado por miles de neuronas LED inteligentes que procesan información de manera interconectada, donde también, Gilberto Castro apoyó en el desarrollo y diseño de esta tecnología.

LUM es una producción a cargo de INTUS, un equipo mexicano pionero en la creación de experiencias inmersivas, integrado por: Emmanuel Palacios, Juan Manuel Ponce, Alexander Kursanov, Ana Betancourt, Javier Martínez, Natharen Rosa, Luis Ocampo, Luz Vega, Erick Solís, Gerardo Villegas, Eduardo García, Edgar Soto, Sergio Domínguez y Emilia Pérez.

Cada una de las cinco salas de LUM están diseñadas para provocar momentos de asombro e inspiración. Es un recorrido con una duración de 45 minutos, que promete ser el escenario perfecto para las fotos perfectas. Y después, no te pierda la selección de cócteles diseñados especialmente para completar la experiencia de LUM.

Lum, Experiencia inmersiva

Dónde: InSpace; C. J. Enrique Pestalozzi 35, Piedad Narvarte, Benito Juárez, CDMX.

Cuándo: hasta 15 de agosto, desde las 14:00 entre semana, 12:00 fin de semana

Cuánto: $270 martes, miércoles y jueves

$360 viernes, sábado, domingo y días festivos

Estudiantes $150 solo en taquilla día jueves

Tickets

Parafraseando a Picasso: una oda a uno de los grandes pintores del siglo XX
MXCity
Parafraseando a Picasso es una exposición que rinde homenaje a uno de los grandes maestros del siglo XX.

Fotos cortesía de Colegio de San Ildefonso

Parafraseando a Picasso es una exposición que reúne la obra de 52 artistas homenajeando al maestro.  

 

Parafraseando a Picasso es un experimento artístico que surgió del ejercicio de varios artistas mexicanos y extranjeros que reflexionan sobre el legado del gran artista Pablo Picasso, quien el año pasado cumplió 50 años de fallecido.

Esta exposición la podrás ver en la sala 17 del Colegio de San Ildefonso, en un homenaje que hicieron 52 artistas a la obra del artista español, que consiste en pinturas, esculturas y fotografías, todas hechas especialmente para la muestra.

Los curadores de la exposición son el fotógrafo Rogelio Cuéllar y la editora María Luisa Passarge, quienes aclaran que se trata de un homenaje al legado artístico de Picasso; al margen de las discusiones  que podrían aparecer sobre la supuesta “misoginia de Picasso”, así como de ni sus “actos de maltrato hacia las mujeres”. Se espera que esta exposición pueda abrir un diálogo ante el dilema de si es posible separar el arte del artista.

"En el escenario de la memoria colectiva, su producción artística no puede ser relegada a la periferia de este debate, pues su influencia y trascendencia han reverberado a lo largo de las generaciones", escribieron los curadores para el texto de sala. "Pienso que no se puede calificar y evaluar con criterios de ahorita algo que se hizo hace 50, 100 o 200 años", recalca María Luisa Passarge durante el recorrido de prensa.

Para hacer esta exposición, se les pidió a los artistas que trabajaran en un formato de 50 por 50 centímetros, en caso de ser bidimensional, y en uno de 40 por 40, tridimensional; pero algunos fueron más audaces al rendir tributo a la sinfonía visual que Picasso concibió, cuyos acordes han resonado en la historia e incitado una exploración sensorial y emotiva.

Algunos de los participantes en la muestra son Per Anderson, Jordi Boldó, Arturo Buitrón, Lorena Camarena, Miguel Casco, Héctor de Anda, Claudia Doring Baez, Laura Echevarría, José Antonio Farrera, Demián Flores, René Freire, Claudia Gallegos, Vanessa García Lembo, Javier Guadarrama, Manuela Generali, Jazzamoart, Arturo Lazcano, Antonio Luquín, Adán Paredes, Néstor Quiñones, Paloma Torres y Gustavo Monroy.

Picasso tejió un tapiz de significados que refleja no su perspicacia como artista, y también la evolución de la sociedad y la cultura en su época. Es un  montaje nos recuerda que el arte constituye un lenguaje universal que conecta a las personas a través de las generaciones y las culturas.

Al respecto, María Luisa Passarge puntualizó: "Picasso es sinónimo de creatividad. Es uno de esos genios que siempre usó el tiempo para realizar lo que más quería: pintar. Pintaba cuando comía, cuando iba al baño e incluso en sus momentos de ocio. Más allá de apreciar sus obras, me emocionó mucho descubrir su proceso de creación.

Parafraseando a Picasso

Dónde: Colegio de San Ildefonso; Justo Sierra 16, colonia Centro Histórico

Cuándo: hasta 30 de junio de martes a domingo de 11 a 17:30 horas

Cuánto: $50 

Estudiantes y maestros con credencial vigente $25; niños menores de 12 años, adultos mayores con credencial Inapam entran gratis.

 

Museo Casa del Risco celebra 60 años con obras de Carrigton, Beloff y O’Higgins
MXCity
El Risco exhibirá 63 obras de la Colección Muñoz-Kuri, además de un ciclo de conferencias magistrales y visitas guiadas y talleres.

Foto destacada:

El Museo Casa del Risco celebra su 60 aniversario con la exhibición de su gran colección privada.

 

El Museo Casa del Risco se encuentra en una imponente casona del siglo XVIII, en el barrio de San Ángel de la CDMX, y es uno de los destinos que albergar una gran colección e identidad, que durante estos años, se ha ocupado de preservar los valores artísticos y estéticos de los compradores mexicanos.

Para celebrar sus primeros 60 años, “El Risco” expondrá la colección del doctor Luis Muñoz Castellanos y a la doctora Magda Kuri Nivón; que desde 1964 tienen un acervo fascinante. Además, es una obra que presenta la selección curada por el arquitecto, docente en historia y teoría del arte Jorge Reynoso Pohlenz, titulada "Visitas a la Suave Patria.

Esta colección de arte moderno mexicano pertenece a la Colección Muñoz-Kuri, integrada por 64 piezas realizadas entre 1932 y 2000, entre las que destacan numerosos paisajes, bodegones y retratos de los dueños del acervo y sus hijos, en el conjunto sobresalen óleos de Arturo Estrada, Olga Costa, José Chávez Morado, Rina Lazo, Pablo O?Higgins y Jesús Guerrero Galván.

Entre la obra en papel se encuentra una  xilografía de Leopoldo Méndez de 1932, dos estampas, una acuarela de Angelina Beloff, grabados de Leonora Carrington, una litografía de Guerrero Galván y paisajes de Erasto Cortés.

Otra de las cosas que destaca de esta exposición, son las obras de artistas poco conocidos como Luis Muñoz, Olga Méndez, Aurelio Pescina y Rosa Castillo. Artistas olvidados por la historiografía del arte mexicano, pero que sin duda darán inicio a la reflexión en esta exposición.

Además de esta exposición, se llevarán a cabo actividades complementarias relacionadas con: la pintura y la poesía, la preservación de patrimonio, la importancia del coleccionismo, el arte moderno mexicano, y también sobre la relación del arte y las visiones de lo nacional, entre otros temas.

Asimismo, habrá charlas, conferencias magistrales y visitas guiadas y talleres y, por supuesto, las 63 obras de la Colección Muñoz-Kuri de 26 artistas activos en nuestro país durante la primera mitad del siglo XX, cuyo trabajo fue fundamental para la consolidación del repertorio visual del México postrevolucionario.

Suave Patria

Dónde: Museo Casa del Risco; Plaza de San Jacinto No. 5 y 15 San Ángel Alcaldía Álvaro Obregón.

Cuándo: hasta noviembre de 2024, de martes a domingo de 10:00 a 17:00 h.

Entrada libre

 

Tlanchana: la leyenda sobre la vengativa dueña de las aguas
MXCity
La Tlanchana es la leyenda otomí, de una mujer enigmática que sigue presente hasta nuestros días en muchas representaciones artísticas.

Foto destacada: @iuem_oficial

La leyenda de la Tlancha tiene su origen en un hermoso relato otomí del Estado de México. 

 

La “hechicera de la laguna”, madre de los peces, Atl tonan Chane, Atlanchane o Tlanchana; tiene su origen en una antigua leyenda de la cultura otomí, que ha formado parte de la cultura del Estado de México, particularmente de Metepec, desde hace muchos años. La Tlanchana es una criatura mitológica cuyo nombre proviene del náhuatl “tlalli”, que significa tierra, y “chana”, que se traduce como mujer.

Toluca la Bella

De acuerdo con las historias que se cuentan de la Tlanchana, se dice que era una mujer que habitaba los ríos y canales, por lo que la Comisión Nacional del Agua (Conagua), afirma, en su blog, que la Tlanchana data de hace más de 11 mil años en lo que antes fue era una zona lacustre llena de pantanos y nueve lagunas que estaban custodiadas por comunidades matlatzincas, cerca de Xinantécatl (Nevado de Toluca) y Chignahuapan (Río Lerma).

Cuenta la leyenda que esta deidad tenía en control de toda la región con su belleza, que deslumbraba a cualquiera. A pesar de que su rostro, torso y brazos eran de un ser humano, en vez de piernas tenía una cola de serpiente. Se dice que los lugareños que la veían, escondidos detrás de los árboles de tule que había en la laguna, veían la hermosura de esta mujer que estaba desnuda y llevaba consigo una corona y varios collares, así como un cinturón adornado con peces, acociles y ajolotes.

Toluca la Bella

Pero la Tlanchana era voluble, posesiva y vengativa. Cuando estaba de buen humor presumía su cola de serpiente negra y esto era algo que esperaban los pescadores, pues al mover su cola se auguraba que tendrían abundancia de peces en sus redes. Pero en otras ocasiones, la reina convertía su cola en un par de piernas y salía del agua para buscar a aquel hombre que la había visto, con el fin de llevarlo a la mitad del lago donde los ahogaba.

A medida que las lagunas se secaron, que se terminó el trabajo de pesca, y sus apariciones poco a poco fueron menos constantes. Pero la leyenda de la Tlanchana ha trascendido el paso del tiempo y hoy en día, continúa siendo parte integral de la identidad de Metepec. Además, esta sirena ha inspirado la creación de varios museos y exposiciones culturales en Metepec.

Quadratin

Es por eso, que al día de hoy, los maestros artesanos que se han dedicado a la alfarería, son reconocidos dentro y fuera de la entidad por sus creaciones, las cuales ayudan a mantener vivas las tradiciones culturales a través de símbolos artesanales. La Tlanchana, al igual que el Árbol de la vida, es una pieza de barro que representa la zona lacustre, su forma es mitad pez, con largas trenzas, tez hermosa y coronada con flores.

 

Así es la intervención artística de Quetzalcóatl en Madrid
MXCity
Un imponente Quetzalcóatl llegó a Madrid para inaugurar la primavera, acompañado de una intervención efímera de flores.

Fotos cortesía de Fundación Casa de México

Dos instalaciones de artistas mexicanos se encuentran en este recinto en Madrid.

 

Una hermosa intervención de 42 metros de largo que rinde homenaje a Quetzalcóatl, además de una instalación de luminarias inspiradas en las frutas mexicanas dan la bienvenida a la primavera. Estas instalaciones se encuentran en la Fundación Casa de México, en la ciudad de Madrid, España.

Se trata de una intervención efímera con flores y plantas naturales que ocupa la fachada del edificio y que esta vez lleva por nombre Quetzalcóatl, la serpiente emplumada. La pieza esta conformada por 113 "plumas" y es fascinante.

Este trabajo fue hecho por Ricardo Salas, un diseñador mexicano que ve este proyecto como un puente entre naciones y culturas. Su diseño, en el que participaron más de 120 personas en su realización, presenta una variedad de flora de todo el mundo, incluidos México, España, Costa Rica, Italia y los Países Bajos, cada uno de los cuales contribuye al vibrante tapiz que forma el cuerpo de la serpiente.

Quetzalcóatl es considerado como “la Serpiente Emplumada”; una deidad que representa la dualidad inherente a la condición humana, además de ser el título de los sacerdotes supremos de la religión tolteca; debido a que la cosmogonía tolteca consideraban que todo el universo tiene una naturaleza dual  y que cada ser supremo tiene una doble condición.

Así que Quetzalcóatl, por una arte, crea el mundo y por el otro lo destruye. Esta deidad tiene una función destructora que recibe el nombre de Tezcatlipoca; el que sabía todos los pensamientos y estaba en todo lugar y conocía los corazones; por eso le llamaban moyocoyani, que quiere decir que “el que se inventa a sí mismo”.

Paralelamente a la “grandeza de Quetzalcóatl” dentro de la Fundación Casa de México, se encuentra otra instalación captura la imaginación: "Kauani: al sol de los frutos". Este proyecto, una colaboración entre la diseñadora textil mexicana Inés Quezada y la diseñadora de productos madrileña Inés Llasera, se centra en la belleza luminiscente de las frutas mexicanas. A través del uso innovador de textiles y luz, crean una experiencia inmersiva que trasciende lo meramente visual.

Las autoras de la instalación, señalaron que su propósito era indagar en las historias compartidas entre México y España en torno a los frutos y alimentos comunes y sus diferentes guiños y juegos de palabras. Este proyecto surgió durante la pandemia de covid-19, en donde las artistas crearon piezas en tejido de punto con el objetivo de sacar la luz de los propios frutos, reinterpretarlos y mostrar la cultura desde distintos hilos, formas, colores, texturas y materiales.

Con estas dos presentaciones, la Fundación Casa de México celebra la llegada de la primavera y desarrolla un programa de actividades para toda la familia que refuerza los vínculos entre España y México.

Palmas tejidas: herencia del Estado de México para el Domingo de Ramos
MXCity
Las Palmas tejidas son artesanías que se preservan hasta el día de hoy, gracias a las manos otomís del pequeño poblado de San Cristóbal Huichochitlán.

Foto destacada: Ayuntamiento de Toluca

El consumo de las palmas tejidas preservará una artesanía otomí del Edomex.

 

Cada año, miles de pobladores de la comunidad de San Cristóbal Huichochitlán, comienzan la producción de cruces y figuras de palma para vender, sobre todo, en la Ciudad de México, un ritual específico para el Domingo de Ramos.

Esta tradición artesanal es una herencia de las mujeres otomíes de San Cristóbal Huichochitlán; en los valles de Toluca, junto a los Mazahuas y Matlatzincas. Los otomís es un pueblo que ha heredado tradiciones y costumbres, así como fiestas religiosas, populares y artesanías, siendo el tejido de palma uno de ellos.

 Tejer es una de las actividades más representativas de la región, incluso hasta el día de hoy. En esta comunidad, hay muchas familias que conservar la tradición, a pesar de que en los últimos años, poco a poco se ha ido extinguiendo en poblados como Zinacantepec y San Cristóbal. De hecho, hace algunos años, San Cristóbal tejía sombrero y algunos tipos de bolsas, pero ya solo quedan algunos tejedores de estas artesanías, y buena parte del mercado solo se dedica ya a las palmas en épocas de Semana Santa. 

El alza de precio en la materia prima del tejido, también ha provocado una disminución de tejedores y un incremento en el costo de los productos. Sobre todo teniendo en cuenta que es un artículo que se vende particularmente el Domingo de ramos, la fecha más alta en cuanto a ventas para quienes se dedican a la venta de palmas.

Otra de las manifestaciones que ha provocado una disminución en la producción de tejido de palma, es que muchas familias dedicadas a esta expresión, han decidido migrar a otros Estados en busca de un trabajo con mejores ingresos. Las piezas, que van de los tres a los 20 centímetros, son de palma, material que compran en 200 pesos y sirve para la elaboración de hasta 15 o 20 docenas, dependiendo del tamaño.

Asimismo, en un poblado donde la mayor parte de la gente es pobre y pocos de los adultos hablan español de manera fluida, casi todos se comunican en el idioma otomí; suele hacer un poco más complicado generar un intercambio comercial más amplio, sin mencionar que muchas personas regatean el precio de las figuras.

Daniel Camacho/ El Sol de México

El Domingo de Ramos, finalmente, es una celebración religiosa en la que la mayoría de las confesiones del cristianismo conmemora la entrada de Jesucristo en Jerusalén, dando inicio a la Semana Santa. Es una fiesta cristiana movible que cae el domingo antes de Pascua, es decir, el sexto domingo de Cuaresma.?

La fiesta conmemora la Entrada triunfal en Jerusalén, un evento mencionado en cada uno de los cuatro evangelios canónicos. El Domingo de Ramos marca el primer día de la Semana Santa y en la mayoría de las iglesias litúrgicas, el Domingo de Ramos se celebra con la bendición y distribución de ramas de palma o las ramas de otros árboles nativos, que representan las ramas de palma que la multitud esparció frente a Cristo mientras él entraba en Jerusalén.

Daniel Camacho/ El Sol de México

Ads Blocker Image Powered by Code Help Pro

Ads Blocker Detectado!!!

Hemos detectado que está utilizando extensiones para bloquear anuncios. Ayúdenos deshabilitando estas extensiones o software de Adblock.

Powered By
100% Free SEO Tools - Tool Kits PRO
x