"La historia de México es la del hombre que busca su filiación, su origen. Sucesivamente afrancesado, hispanista, indigenista, ?pocho?, cruza la historia como un cometa de jade, que de vez en cuando relampaguea. En su excéntrica carrera ¿qué persigue?" ? Octavio Paz.
A excepción de Freud, Nabokov, Quignard y las personas que sufren Amusia, todos alguna vez nos hemos considerado amantes de la música. Tal vez sea su grandiosa capacidad de exudar dopamina, o que en ciertas ocasiones funge como un brebaje maravilloso para combatir la ansiedad, el dolor y el estrés. La música es una especie de catalizador de la percepción, escucharla -según su sonido-, siempre definirá la dirección de la realidad que se experimenta. La Ciudad de México, por ejemplo, no sería la misma si sus raíces hubieran brotado del jazz o el blues. Los géneros musicales que han personificado el imaginario colectivo de la capital son aquellos que han definido también el estilo de vida de sus habitantes.
De la música, de su armonía, no hay mucho que explicar más si escuchar, pues se trata de un lenguaje simbólico-sonoro, que a diferencia de muchas artes no intenta probar nada, su mensaje siempre será pareidólicamente personal.
En México hay una afinidad mística por los sonidos nostálgicos; los de lamento, tristeza, soledad y desamores, al mismo tiempo que ocurre un extraño sincretismo con los sonidos tropicales, que generalmente secretan beatitud (por algo Bretón nos llamó el lugar surrealista por excelencia).
Estos son los géneros musicales que han permeado la realidad capitalina a lo largo de la historia:
Danzón
El danzón llegó a la ciudad de México desde los estados de Veracruz y Yucatán, que adoptaron el género por inmigrantes cubanos en 1890. Los salones de baile -donde se presentarían orquestas en vivo- y la aparición de la radio popularizaron el género. A la par que la ciudad evolucionaba tecnológica y arquitectónicamente de forma afransesada, las noches en la ciudad se disfrutaban tropicosamente con un compañero, en la pista de baile.
Bolero
También de origen cubano. Se dice que México es la “meca” de los músicos de bolero. Con una ligera influencia en la balada o música romántica, el bolero fue uno de los medios por el cual se expresaba la melancolía, los desamores, la aflicción. La primera canción categorizada como bolero fue “Tristezas” de José Sánchez, Cuba 1885. En México (1930 y 50) el cine y la televisión fueron su herramienta para divulgarse. Agustín Lara como principal exponente y ulteriormente los llamados “tríos”, que adquirieron fama por sus letras nostálgicas y poéticas, conducidas por armonías complejas realizadas principalmente con instrumentos de cuerda.
Ranchera
El folclor mexicano por excelencia. La ranchera es la música del dolor, de las emociones en la vida campestre post revolución; los caballos, las cantinas y los desamores. Proviene del mariachi y fue y seguirá siendo la música popular que resguardó las costumbres autóctonas del país. Pedro Infante, Antonio Aguilar, Jorge Negrete y José Alfredo por mencionar a unas cuantas de las innumerables voces que hoy en día se siguen recordando en cada juerga con sentimiento.
Norteño
El norteño es una de las bifurcaciones de la ranchera mezclada con la polca europea, cuya simbiosis se proyectó gracias a la migración de europeos a México, provenientes principalmente de la zona escandinava, bretona e italiana. El sonido del acordeón, la tuba, el bajo eléctrico y la tarola armonizaron letras mexicanas que en realidad eran más descriptivas y contaban historias sobre las vivencias en el norte del país.
Banda
El ensamble de la banda sinaloense es también el resultado de una mezcla euroamericana que se desarrolló en los años 20 con la adecuación de instrumentos de aire, utilizados principalmente en la fanfarria europea. Las orquestas de banda son lideradas por un trombón, tuba o trompeta que mucho recuerda al estilo bávaro alemán, heredado de inmigrantes europeos a la ciudad de Mazatlán. Otra versión menos conocida afirma que el estilo de la banda fue heredado de los franceses; por un lado, de las bandas militares del ejercito de Aquiles Bazaine y por otro la afrancesada transformación del país durante la presidencia de Porfirio Díaz.
Salsa
De los años 50 a los 70 sucedió mucho para los oídos sudamericanos. Danzón, cha cha chá, jazz y algunos híbridos afrocubanos volátiles llegaron hasta la zona Centro y Norte de América; Nueva York y México los acogió con especial efervescencia. La salsa (picante), adquiere un lugar en la música gracias al viaje del cubano Cheo Marquetti a México y su divulgación a través de sus discos los cuales, de manera casi sinestésica, contrastaron los ritmos tradicionales del son con el tropicoso sabor del aderezo culinario. Cabe destacar que mucho antes de ser llamada como tal, la salsa ya se tocaba por muchos interpretes cubanos, caribeños, colombianos y venezolanos, principalmente.
Cumbia
Colombiana por excelencia. La cumbia en la ciudad de México se llamaba música tropical y mezclaba los ritmos del son cubano, el porro caribeño, la rumba y el mambo. Nació en 1950 pero no fue sino dos décadas más tarde que en la capital se escucharía transmutada con algunos instrumentos de “rock” como la guitarra y el bajo eléctricos. De igual forma se adaptó a las necesidades de los mexicanos y una década más tarde se podía oír hablar en casi todos los barrios de la cumbia sonidera, que se daba con la creación de fiestas y DJs que mezclaban las canciones mientras el patio de una casa o la calle misma se convertían en la pista de baile.
Balada
En México la balada no fue más que reinterpretaciones de muchas canciones románticas europeas que a su vez no eran compuestas en su mayoría por los interpretes. Tal vez fue en esta época que comenzaron los “covers” en tu idioma, y con el éxito que figuraban las melodías de amor y desamor era de esperarse que hoy en día el pop mexicano siga manteniendo las bases de aquellos grandes solistas.
Rock n’ Roll
La Ciudad de México también tuvo su época de chaquetas de cuero y riffs apabullantes. Fue a lo largo de la década de los 60 que la mayoría de interpretes famosos de baladas mexicanas como Angélica María y Enrique Guzmán dieron ese gran salto a la música que aderezaba realidades en Norteamérica con Bill Haley & His Comets, Elvis y The Beach Boys. Y aunque muchos apostarían que Guzmán y Los Locos del Ritmo son los artistas alegóricos de la época, el lado B del rock n’ roll en la ciudad sonaba más o menos así:
Un segundo momento del rock fue la psicodelia. En la capital fue crucial asistir al festival de Avándaro y leer la literatura de onda. Al final de la época, algunos músicos puritanos terminaron por componer algo más que un rock and roll o una balada:
Y otros más decidieron arriesgarse a probar un rock más ácido:
High Energy
Una extraña y sin embargo fuerte época en la ciudad fue sin duda la del High Energy, una especie de electrónica-disco de origen inglés que a inicios de los 80 se convirtió en la música de las fiestas y los nuevos sonideros “del barrio” en la ciudad. Fue el DJ Patrick Miller (Roberto Devesa) y Polymarch quienes encabezaron una movimiento musical con canciones de Hi-NRG frescas, que de menos en la capital no se escuchaban ni en la radio. La puesta en escena de este género fue la siguiente: demostrar en la pista de baile tus mejores pasos y competir por el título de mejor bailarín. Lo trascendental del high energy fue que por primera vez las personas bailaban solas. Hoy en día el Patrick Miller ubicado en la colonia Roma le hace homenaje a esta época, ahora fantasmagórica, que muchos siguen sin olvidar.
Rock Alternativo
Aquello que se llamó y se sigue llamando “rock alternativo” es, al menos a mi parecer, un hoyo negro en el diccionario musical de aquellos que gustan categorizar todo lo que ven y no pueden comprender. El llamar alternativa a la música y en general a un cierto tipo de arte, resume ofensivamente el progreso de toda una generación que eligió no seguir la tendencia de un género activo. El rock alternativo comprende a un sin número de bandas que de los 80 a los años 2000 fabricaron híbridos de muchos subgéneros musicales distintos: desde el post punk (como es el caso de The Cure), space rock (The Verve), el brit pop con ligeros coqueteos de electrónica (en el caso de Radiohead) hasta el esotérico de lo alternativo: el shoegazing (de bandas como My Bloody Valentine). Todo aquello que sonaba a rock no convencional estaba situado dentro del género.
En la ciudad de México se abusó por mucho de esta categoría que enclaustró a bandas de culto como los Caifanes, en el mismo círculo que Café Tacuba o Maldita Vecindad que sencillamente contenían un sonido totalmente diferente. Independientemente de esto, Caifanes son realmente el emblema nacional del rock alternativo; su sonido -algunas veces más cerca del folclor mexicano, otras más cerca de The Cure-, sus letras -inevitablemente poéticas y expresivas-, y su aparición, en el momento justo en que se necesitaba escuchar algo más profundo en esta ciudad.
Twitter de la autora: @surrealindeath
Fotos cortesía de Procine
Nudus es una de las cintas mexicanas más perturbadoras de los últimos años.
Nudus significa "desnudo" en latín, y es una analogía de estar desnudos en las redes sociales, vulnerables o con la falsa seguridad de privacidad, muy a pesar de que todo el internet está siendo vigilado por terceros, según el cineasta Gibrán Bazán cuando habla de su nuevo filme.
Esta historia llega a fortalecer el cine mexicano, que demuestra su variedad de estilos, directores, talentos e historias que enriquecen a la industria fílmica, a la cultura e identidad del país.
Nudus es un film de terror psicológico, que nos sumerge la superstición, la religión y las creencias populares, agregando capas de complejidad a las narrativas y generando una mayor sensación de inquietud en la audiencia. Pero esta ocasión, la cinta se centra en los avances digitales y el terror tecnológico; ofreciéndonos una ventana hacia el hackeo mundial, en un mundo postapocalíptico en donde no existe la privacidad en internet.
Asimismo, Nudus aborda a nuestro mundo hiperconectado: cibercrimen, espionaje global, falta de privacidad y vulnerabilidad de la información. Se trata de poner bajo el reflector el poder de las redes sociales, que concentran miles de millones de datos de los usuarios, en una sociedad cada vez más vigilada.
Carla Hernández, Alex Crusa y Sayaka Yokoyama, son los protagonistas de la cinta de escrita y dirigida por Gibrán Bazán, además de otros trabajos como "Los rollos perdidos" (2012), "Generación Spielberg" (2014) y "El buquinista" (2018); discípulo de Juan López Moctezuma, colaboró con el cineasta en varios proyectos.
Esta cinta se estrenó primero en Estados Unidos, debido a que el tema llamo la atención, además de reflejar el poder de la Inteligencia Artificial, sobre todo con toda la polémica de la huelga de Hollywood, la intromisión cada vez mayor de las redes sociales en nuestras vidas y el gran hackeo es algo que ya comenzó y que tendrá mayor impacto en unos cinco o siete años.
La premisa de su película es que los datos de miles de millones de personas estarán disponibles y abiertos en la red para consulta libre gracias a la poderosa tecnología de las computadoras cuánticas que serán capaces de vulnerar cualquier contraseña o sistema de seguridad online, dejando expuestas nuestras búsquedas, llamadas, mensajes de WhatsApp, passwords, transacciones y cualquier acción que realicemos en internet, es ya una terrible realidad.
Fotos cortesía de Betsabeé Romero
La artista Betsabeé Romero forma parte de una exposición conjunta de la 60 Bienal de Venecia.
La artista Betsabeé Romero lleva su exposición "La espiral sin fin" a la Galleria Piazza San Marco, como parte de la 60 Biennale di Venezia presentada por el Museo de Arte Latinoamericano (MOLAA) con la Fundación Bevilacqua La Masa y el apoyo de los main partners William S. Y Michelle Ciccarelli Lerach e Itaca Arts, cuyo CEO es Santiago García Galván.
Diversos medios italianos han hablado de la exposición, tanto como de la trayectoria de Betsabé y los hallazgos de "La espiral sin fin". Esta exposición explora las prácticas artísticas de Betsabeé Romero a través de obras de arte encargadas y nuevas instalaciones, que también se presentará en el Museum Of Latin America Art (MOLAA) en 2025, en Long Beach, California, EU.
Según, Santiago García Galván, la exposición que Betsabeé Romero "a través de sus imágenes poderosas y su simbolismo profundo, ha capturado la esencia de la experiencia migratoria, entretejiendo los hilos de la cultura, la identidad y la resiliencia. Su obra sirve como testimonio del espíritu humano, recordándonos nuestra humanidad compartida y la importancia de la empatía y la compasión".
Betsabeé Romero ha dicho sobre esta exposición que ya está montada y lista para su inauguración en la Galleria Piazza San Marco, que la selección tomó muchos meses, es un formato muy complicado para participar, participan muchos proyectos paralelos de todo el mundo, y al final, fuimos uno de los 30 proyectos seleccionados para hacer una exposición paralela.
En esta exposición, que está muy en la línea del tema general de la bienal, pero más específicamente desde lo que significa la imposición de fronteras, de bordes, de líneas casi punzocortantes que hieren la identidad cultural, de género, la identidad personal y comunitaria, cultural e histórica.
Buena parte de esta exposición reflexiona sobre la Cultura como el hogar que llevamos dentro y que sobrevivió a la sombra de todos los poderes; la forma en que se reproducen las fronteras, las polarizaciones han dividido incluso la cama en el paisaje familiar.
Fotos cortesía de Tany Folgoso
Un nuevo museo en la CDMX mostrará la riqueza musical de Los Ángeles Azules.
El Museo Comunitario Ocho Barrios es uno de los museos que se suma a la CDMX y poco a poco llegaremos a ser la ciudad con más museos del mundo, aunque todavía estamos por detrás de Londres. Para inaugurar este recinto, se abrió la exposición dedicada a la música que muestra las tradiciones y manifestaciones culturales de las comunidades originarias de Iztapalapa.
La exposición de este museo está dedicada a la Música y Músicos de Ixtapalapa, en donde podremos conocer la historia de algunas agrupaciones de esta región, siendo una de las más conocidas, Los Ángeles Azules; que han dejado un impresionante legado en muchas generaciones, musicalizando bailes, ceremonias religiosas, conformado orquestas tradicionales o puesto en alto el nombre de Iztapalapa.
Así que uno de los atractivos de esta exposición es justo ver las fotografías, acetatos firmados, trajes y notas de periódicos sobre grupos musicales emblemáticos de la demarcación, y sobre todo de Los Ángeles Azules. Ya que el Museo Comunitario de los Ocho Barrios busca reconocer la importancia de esta gran banda originaria de Iztapalapa.
Esta agrupación, ya reconocida en muchas partes del mundo, comenzó con la familia Mejía Avante a finales de los 70, aunque debutaron oficialmente en 1980 y desde esa fecha han sido "de Iztapalapa para el mundo". Sus primeros instrumentos fueron sacados con ayuda de Mamá Martha, madre y fundadora del grupo musical, quien fue aval y obtuvo un préstamo para que sus hijos tuvieran guitarras, un bajo y una tarola. Incluso tuvieron que vender la camioneta de su papá para comprar bocinas. Cuarenta años después, Los Ángeles Azules llevan la cumbia de Iztapalapa a muchas partes del mundo y a todas las fiestas mexicanas.
Música y Músicos de Ixtapalapa
Dónde: Museo Comunitario de los Ocho Barrios; Ermita Iztapalapa 100, San Pablo, alcaldía Iztapalapa.
Cuándo: martes a domingo de 10:00 a 18:00 horas
Entrada libre
Foto destacada: Ñuu Savi: Pasado, Presente y Futuro
El seku es una variante de la Pelota mixteca que se preserva en Oaxaca.
Es seku es un deporte que se practica en la comunidad de Yucunani, municipio de San Juan Mixtepec, Oaxaca. Yucunani es una pequeña comunidad con apenas 130 personas con un alto índice de migración, ubicada en la montaña de la región de la Mixteca, en el municipio de San Juan Mixtepec, en el estado de Oaxaca.
Es un juego que se ha retomado en los últimos años, con el fin de preservar la cultura y transmitirlo a las nuevas generaciones de jóvenes que se han integrado en los equipos de seku, además de que ya es un juego con apertura a las mujeres que toman la estaca y meten una bola de madera entre dos banderas que simulan una portería, con el fin de obtener puntos.
Este deporte prehispánico de los pueblos de Ñu?u Savi, estuvo a punto de extinguirse a finales de los años 90, pero un grupo de pobladores, en coordinación con profesores de San Juan Mixtepec, comenzaron a promoverlo y a rescatarlo en la comunidad de Yucunani y en otros espacios. Ahora, los vecinos les enseñan a sus hijos a jugarlo, se resisten a la extinción del deporte de sus abuelos.
El seku es el juego de los ancestros. Es por eso que es un deporte básico en donde solo son necesarios dos equipos de cinco personas en cada una; cada persona usa un bastón de madera con la base curvada, una bola de madera de algún árbol. Además, de estacas con antorchas encendidas colocadas sobre la orilla del perímetro donde se desarrolla el juego.
Cada partido dura 20 minutos con descansos de 10 minutos, aunque algunas veces los partidos pueden llegar a durar hasta media hora. Los pobladores explican que la bola con la que se juega está hecha del tallo del colorín, un árbol escaso en la zona, por lo que en ocasiones lo sustituyen por otros árboles de la región.
La antorcha, que todavía se prende en este juego, sirve para definir las líneas que conforman el campo. Además, como es un juego que tradicionalmente se jugaba de noche, el fuego es para guiar a los jugadores y que no se salgan del campo. Es un juego nocturno porque antes no había tiempo para jugar, y todos se dedicaban a trabajar en el campo.
Asimismo, este juego ya forma parte de las actividades del pedimento de la lluvia que realizan cada año los pueblos de la nación Ñu´u Savi. Hoy en día se abren torneos, y se dan premios y otros estímulos para que haya cada vez más participantes en este juego ancestral.
Además, el torneo está programado a la par de la feria anual de Yucunani, así que se invitan pueblos vecinos como Santiago Juxtlahuaca, Yanhuintlán, Nochixtlán, Tamazulápam, a la competencia, para que sea posible observar los encuentros de cerca, incluso se explican las reglas de este juego que preserva la identidad de Oaxaca.
Fotos cortesía de Marina Baysands
Frida Kahlo supera las fronteras y llega al Museo de arte de Singapur.
Dese hace muchos años, la visión creativa de Frida Kahlo dejó ser un impacto en la cultura popular mexicana para formar parte de algo más global; e incluso para llegar a tierras tan lejanas como la República de Singapur, es una pequeña ciudad-Estado y país insular, situado en el corazón del Sudeste asiático.
Hasta dicho país llega la historia de vida de la artista mexicana a través de ‘Frida Forever’, que incluye dos cautivadoras exposiciones de Frida Kahlo y una experiencia de realidad virtual en el ArtScience Museum Singapore.
Y es que la influencia de Frida Kahlo va más allá de su arte y de su simbolismo; porque miles de personas pueden identificarse con sus experiencias personales y reflexiona sobre sus pasiones, luchas y creencias. Sobre todo sus autorretratos ha sido muy elogiados, pues logran romper límites con su descripción cruda y sin complejos de la feminidad, el dolor, la muerte, el cuerpo humano y la identidad.
‘Frida Forever’ también celebra el importante impacto que sigue teniendo, 70 años después de su fallecimiento, no solo en el arte, sino en la moda, la cultura popular, el feminismo y más.
Frida Kahlo: La vida de un icono es la segunda exposición biográfica inmersiva, desarrollada por Layers of Reality y Frida Kahlo Corporation, que se estrenará en el sudeste asiático con proyecciones de 360 ??grados y un espacio creativo que da vida a sus dibujos. Además de recorrer la rica tradición mexicana.
Esta exposición es curada por el ArtScience Museum con el apoyo de Cristina Kahlo Alcalá, sobrina nieta de Frida Kahlo, y muestra archivos íntimos de su relación con su cuerpo, sus dolencias médicas y el profundo impacto que estas luchas tuvieron en su trabajo artístico.
Los visitantes podrán ver cerca de 40 fotografías, páginas de diarios, obras de arte contemporáneas, registros médicos y entrevistas exclusivas con Cristina Kahlo Alcalá. Esta última revelará cómo adquirió estos documentos médicos del American British Cowdry Hospital donde estuvo internada Frida Kahlo.
La cereza del pastel es una experiencia de realidad virtual que se lleva a cabo dentro de la Galería VR del Museo ArtScience, donde los visitantes pueden ingresar a las pinturas de Frida para sumergirse en su estética, la paleta de colores de sus obras y las diversas texturas que utilizó. Las exposiciones y eventos de ‘Frida Forever’ se llevarán a cabo en el ArtScience Museum del 4 de mayo al 1 de septiembre.
Fotos cortesía de Google Arts & Culture
Estos artistas lograron construir un movimiento que le dio identidad a los chicanos.
El arte chicano forma parte de los movimientos culturales desde los años 50 del siglo XX, pero fue 1960 que se da el boom, junto con las protestas de la guerra de Vietnam, el movimiento Black Power a favor de los derechos civiles. De ahí, que la lucha chicana desafió la categorización y los estereotipos divulgados entre la población anglosajona.
Se trató de un movimiento de artistas chicanos, sobre todo del sureste de California, siendo uno los más representativos el Colectivo de Los Four ( Los cuatro) integrado por Beto de la Rocha (California, 1937), Frank Romero (California, 1941), Carlos Almaraz (Ciudad de México, 1941-California, 1989), Gilberto Sánchez Luján (California, 1940-2011)
En 1974 se unió Judithe Hernández (California, 1948) al colectivo, y todos se caracterizaban por ser activistas de origen mexicoamericano, educados en universidades de Estados Unidos, y sobre todo por ser los primeros artistas en romper las barreras que los museos tenían para el arte chicano, cuando en 1974 el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles (LACMA) incluyó una exposición sobre su obra.
También se caracterizan por impulsar el ?muralismo chicano?, expresión que se desarrolló sobre todo a partir de la década de 1970 en los estados fronterizos del suroeste de los Estados Unidos, y que son reconocidos por representar la vanguardia intelectual del movimiento y de forjar una nueva sensibilidad artística chicana.
Los Four lograron construir muchos puentes híbridos entre la cultura mexicana y estadounidense, plasmando la dualidad cultural de ambos países, superando la geografía, y también creando técnicas y formatos que fueron muy característicos de esa época.
Hoy en día, Los Four no representan la visión definitiva del arte chicano; pero en su momento sí fueron los que abrieron paso a la exploración del arte de Los Ángeles, tuvieron la osadía de crear un diálogo con México, resignificar las piezas en un dicho momento histórico y presentar un arte chicano único, una escuela original que no era ni mexicana, pero tampoco ?gringa?.
En efecto, el movimiento de arte chicano representa los miles de intentos de los artistas estadounidenses de origen mexicano para establecer una identidad única. Es un movimiento que trabajó para resistir y desafiar las normas sociales dominantes y los estereotipos de la autonomía cultural y la autodeterminación, en donde los chicanos han utilizado el arte para expresar sus valores culturales, como una forma de protesta con un valor estético fascinante.
De los cinco artistas, quizá el que ha sido más reconocido a lo largo de los años es Frank Romero, de ascendencia española y mexicana. Algunos se lo atribuyen a que hablaba inglés en casa y Romero aprendió a hablar español más adelante en la vida. Pero no hay duda que todos son grandes artistas y que poseen su propia identidad.
Fotos cortesía de Museo de Bellas Artes
Damián Ortega: Pico y elote, más de 82 obras del artista mexicano en el Palacio de Bellas Artes.
Es la primera vez que la obra de Damián Ortega, una de las figuras centrales del arte contemporáneo latinoamericano, es puesta en una retrospectiva institucional en México; nada más ni nada menos que en el majestuoso Palacio de Bellas Artes de la CDMX.
Damián Ortega: pico y elote, es el nombre de esta revisión de la poética del escultor mexicano, que confirma el nuevo impulso del arte mexicano contemporáneo en México. Esta exposición ya está abierta al público, y en la inauguración, el artista comentó: "Ha sido muy emocionante todo lo que ha sucedido aquí. Llegar al Palacio de Bellas Artes significa mucho para mí, porque fue un largo camino andado y lo entiendo como un reconocimiento no solo para mí, sino también para toda la gente con la que he colaborado".
Asimismo, el expositor agradeció a Abraham Cruzvillegas, Gabriel Orozco, Abel Kuri, Dr. Lakra; Guillermo Santamarina y a todos los que han colaborado para esta exposición, "con quienes se fue haciendo un colegio de ideas y han sido como pilares de todo este trabajo".
"La exposición comenzó hace alrededor de un año y medio en Monterrey, donde su directora Taiyana Pimentel rompió inercias y se esforzó en dar espacio al trabajo para poder traerlo a México. Pidió la beca de Efiartes, un esfuerzo sostenido también por el Estado, y entonces se hizo una ecuación y se alinearon muchos elementos para que finalmente el Museo del Palacio de Bellas Artes reciba esta exposición, en la Ciudad de México, de donde soy oriundo".
La exposición "Damián Ortega: Pico y elote" consta de 82 obras que recorren más de tres décadas de trabajo ininterrumpido. Es un recorrido no cronológico a través de tres ejes curatoriales: cosechar, ensamblar y colapsar, los cuales favorecen criterios de carácter plástico y conceptual, manteniendo un escepticismo ante la idea de progreso en México.
Lo que caracteriza esta exposición, es que al menos 20 piezas pertenecen a la obra inédita de Damián, entre las que se encuentran Demonio alucinado (2022), Mascarón (2024), además de la Pieza de la serie Torre Latino (2007) y los uniformes de papel Kraft de la serie Utopía mexicana (2019).
De igual manera, se ha editado un catálogo que reúne una serie de textos escritos exprofeso para la muestra, realizados por José Esparza Chong Cuy, Aurora Gómez Galvarriato, Julieta González y Guillermo Osorno, especialistas y conocedores de la obra de Ortega.
Damián Ortega: Pico y elote
Dónde: Museo Palacio de Bellas Artes; Av. Juárez s/n esq. Eje Central Lázaro Cárdenas
Centro Histórico, CDMX.
Cuándo: marte domingo, en horario de 10:00 a 18:00 h.
Cuánto: $90
Estudiantes, maestros, INAPAM, empleados de la Secretaría de Cultura e INBA con credencial vigente: entrada libre
Entrada libre los domingos
