La cultura es una importante herramienta de cambio para una ciudad. El cine, específicamente, es una manera sencilla de aprender y transformar realidades, gracias a los elementos que lo componen (música, escenarios y paisajes, filosofía, actuación y por supuesto un guión), mismos de los que cualquier ser cognitivo se puede servir para inspirarse. Mirar una película en pantalla grande es una experiencia que nos deja vivir mejor la confabulación del filme, y qué mejor que hacerlo en nuestros cines, cinéteca y cineclubes más cercanos.
Esta es una categoría un tanto nueva en MXCity donde pretendemos recomendar buenos filmes, ya sea si eres cinéfilo y amante de tu ciudad o simplemente deseas lograr una cita memorable con alguien especial y al mismo tiempo absorber un poco de cultura visual que amplíe tus panoramas.
En Cinética Nacional
*35 foro internacional de Cine
Una selección conformada por 14 cintas procedentes de Argentina, Estados Unidos, Japón, México, Ucrania, Países bajos e Irán. Resaltan las siguientes películas:
Plemya (La Tribu)
Dir.: Miroslav Slaboshpitsky, Ucrania-Países Bajos, 2014
Esta opera prima narra la llegada del adolescente Serguéi a un internado para sordomudos donde todo parece transcurrir con normalidad. Sin embargo, después de atravesar una serie de pruebas de iniciación, Serguéi se enfrentará a la realidad profunda de la escuela, donde los robos y la prostitución son coordinados por el chico más violento del lugar. En sintonía con la ausencia de palabras de sus personajes, La tribu es una película que logra conducir al espectador por una poderosa narrativa corporal y pictórica.
Ghesse-ha (Relatos Iraníes)
Dir. Rakhshan Bani-E?temad, Irán, 2014
Relatos iraníes es un incisivo retrato de la clase obrera de los bajos fondos de Teherán, Irán, donde las dificultades económicas, el abuso, la corrupción y las adicciones a las drogas, coexisten de distintas formas. Organizados en una serie de episodios -una estrategia adoptada inicialmente para evitar la censura- la película es un mosaico narrativo que reúne los destinos de varios personajes (algunos de ellos surgidos de las películas anteriores de la directora Rakhshan Bani-E’temad) que luchan para preservar su dignidad en un mundo donde, al parecer, sólo los espera la decadencia.
A Girl Walks Home Alone at Night (Una chica regresa sola a casa de noche)
Dir. Ana Lily Amirpour, Estados Unidos, 2014
En la ciudad iraní de Bad City puede pasar cualquier cosa. En medio de un abanico de personajes marginales, una joven mujer vampiro vaga buscando alimentarse, combatiendo con su beso mortal la misoginia, hasta que una de sus víctimas demuestra ser más sensible que el resto. Hablada en farsi y realizada en un atmosférico blanco y negro, Una chica regresa sola a casa de noche parece un western vampírico al que se le ha sumado un romance teñido de sangre. Combina diversos géneros, estilos e influencias: evoca al viejo oeste, pero también la fascinación propia de David Lynch, el terror, las novelas gráficas y el fresco rigor de la nueva ola del cine iraní.
Más información sobre este ciclo aquí.
Consulta aquí los recintos alternos a la Cinética que proyectarán este ciclo aquí.
*Clásicos en Pantalla grande
Dentro de su categoría de "Clásicos en pantalla Grande", la Cineteca Nacional ofrece este mes algunas buenas películas que no puedes perderte. Te recomendamos:
Singin’ in the Rain
Dir. Gene Kelly y Stanley Donen, EUA, 1952
Joya de la comedia musical estadounidense, Cantando bajo la lluvia narra el paso del cine silente al sonoro a través de la figura de Don Lockwood, una famosa estrella de la pantalla que resume la historia de su vida a través de una serie de números musicales. La película es un extraordinario ejemplo de cómo la música, las coreografías y la trama son integradas de forma orgánica, en donde los personajes sustituyen los diálogos por canciones y pasos de baile. El paso del tiempo la ha convertido en el símbolo por excelencia de la fábrica de sueños hollywoodense y a Gene Kelly lo inmortalizó -con todo y paraguas- en la historia del cine.
Fecha: Sábado 18 y Domingo 19 de Julio / 20:00 y 18:00 hrs. propiamente.
*Grandes Figuras del Arte Mexicano
En el marco de la celebración de sus 22 años, Canal 22 presenta en este mismo recinto una serie de documentales que retratan la vida y la obra de algunas de las grandes figuras del arte mexicano: Sor Juana Inés de la Cruz, Frida Kahlo, María Félix, Octavio Paz, José Clemente Orozco, José Revueltas, Diego Rivera, Juan Rulfo, Manuel Álvarez Bravo y David Alfaro Siqueiros.
Dentro de esta compilación te recomendamos con especial énfasis:
José Revueltas, los días del hombre terrenal / Sábado 11 y Domingo 12 de Julio
México, 2014
Octavio Paz, el hombre y su tiempo / Sábado 18 y Domingo 19 de Julio
México, 2014
Frida Kahlo, entre el dolor y el placer / Sábado 25 y Domingo 26 de Julio
México, 2014
Fechas: A partir del 11 de Julio. Revisa cartelera para información de horarios más detallada.
Dirección: Av. México-Coyoacán, No. 389, Col. Xoco.
En Casa del Cine
*Ciclo de Cine Alemán: IMPROVISACIÓN
En este ciclo de películas se pone a la luz que la improvisación es incalculable para todos los participantes. La improvisación ha sido uno de los métodos más populares en el cine alemán joven gracias a su estilo un tanto descarado de hacer películas, mismo que lo ha convertido en el polo opuesto de la Escuela de Berlín. Ya en los años 60, Klaus Lemke y el grupo de Colonia de Rainer Knepperges nos habían mostrado un poco de cómo se trabaja con la improvisación en pantalla grande. En esta ocasión Casa del Cine nos proyecta una extraordinaria selección de proyecciones de los años 2000 a la fecha. Te recomendamos:
Whisky mit Wodka (Whisky con Vodka)
Dir. Andreas Dresen, Alemania, 2007/2008
A causa de una borrachera, Otto Killberg, un actor ya entrado en años, falta un día al rodaje de la película que protagoniza. Como consecuencia la productora contrata a un actor suplente. Entre Otto y su suplente, Arno Runge, se desata una rivalidad llena de intrigas que no se limitan sólo al set de un simple rodaje.
Kaptn Oskar (Capitán Óscar)
Tom Lass, Alemania, 2011/2012
A Óscar no le va demasiado bien. Vive en un cuartucho en un sótano (luego de que su ex novia incendiara su casa) y está a punto de pudrirse en él. Una noche conoce a Masha y lleno de reticencias a empezar una nueva relación, Óscar se va abriendo poco a poco de nuevo a ella y al mundo. Todo parece indicar que la relación se vuelve seria, si no estuviera ahí la ex novia de Óscar, quien no está dispuesta a aceptar la ruptura.
Dirección: República de Uruguay 52, Centro Histórico.
En Cine Tonalá
*Recomendaciones
Eco de la Montaña
Dir. Nicolás Echeverría, México/Estados Unidos
Un retrato del gran artista Wixárika (huichol) Santos de la Torre, quien hasta ahora ha vivido casi en el anonimato en la Sierra Madre Occidental.
Más info sobre horarios y fechas aquí.
20,000 días en la tierra (20000 Days on Earth)
Ian Forsyht & Jane Pollard, UK, 2014
Ficción y realidad se combinan en 24 horas ficticias de la vida de Nick Cave, músico e icono cultural internacional. La película es un íntimo retrato de su proceso artístico que reflexiona sobre lo que nos hace ser lo que somos y sobre el poder transformador del espíritu creativo.
Más info sobre horarios y fechas aquí.
Sombra Blanca (White Shadow)
Dir. Noaz Deshe, Tanzania-Alemania-Italia, 2013
Alias, un niño de África central, es un albino objeto de burlas y vulnerable a un peligro terrible: la creencia entre los médicos brujos y gente de la región de que los cuerpos de los albinos ofrecen poderes mágicos, lo que ocasiona que muchos albinos sean asesinados o mutilados. Tras presenciar el asesinato de su padre, su madre lo envía lejos para encontrar refugio en la ciudad, al cuidado de su tío. Ahí Alias entrará en una nueva vorágine.
Más info sobre horarios y fechas aquí.
Soundtrack Industrial de la Decadencia Urbana (Industrial Soundtrack For The Urban Decay)
Dir. Amélie Ravalec & Travis Collins, Francia
Es el primer filme en rastrear los orígenes de la música industrial, llevándonos a un viaje a través de las ciudades industriales europeas hasta la próspera escena vanguardista americana. La música industrial surgió a mitad de los 70?s, dándole un soundtrack vibrante, artístico y provocativo al decline económico y a la opresión cultural de la era. Fueran trabajadores de fábrica, estudiantes o desempleados, los pioneros de la música industrial fueron educados, con una mente artística y políticamente conscientes que comenzaron con casi nada de trasfondo musical y que lograron cambiar la historia musical.
Más info sobre horarios y fechas aquí.
Dirección: Tonalá 261, Col. Roma Sur
Fotos cortesía de Procine
Nudus es una de las cintas mexicanas más perturbadoras de los últimos años.
Nudus significa "desnudo" en latín, y es una analogía de estar desnudos en las redes sociales, vulnerables o con la falsa seguridad de privacidad, muy a pesar de que todo el internet está siendo vigilado por terceros, según el cineasta Gibrán Bazán cuando habla de su nuevo filme.
Esta historia llega a fortalecer el cine mexicano, que demuestra su variedad de estilos, directores, talentos e historias que enriquecen a la industria fílmica, a la cultura e identidad del país.
Nudus es un film de terror psicológico, que nos sumerge la superstición, la religión y las creencias populares, agregando capas de complejidad a las narrativas y generando una mayor sensación de inquietud en la audiencia. Pero esta ocasión, la cinta se centra en los avances digitales y el terror tecnológico; ofreciéndonos una ventana hacia el hackeo mundial, en un mundo postapocalíptico en donde no existe la privacidad en internet.
Asimismo, Nudus aborda a nuestro mundo hiperconectado: cibercrimen, espionaje global, falta de privacidad y vulnerabilidad de la información. Se trata de poner bajo el reflector el poder de las redes sociales, que concentran miles de millones de datos de los usuarios, en una sociedad cada vez más vigilada.
Carla Hernández, Alex Crusa y Sayaka Yokoyama, son los protagonistas de la cinta de escrita y dirigida por Gibrán Bazán, además de otros trabajos como "Los rollos perdidos" (2012), "Generación Spielberg" (2014) y "El buquinista" (2018); discípulo de Juan López Moctezuma, colaboró con el cineasta en varios proyectos.
Esta cinta se estrenó primero en Estados Unidos, debido a que el tema llamo la atención, además de reflejar el poder de la Inteligencia Artificial, sobre todo con toda la polémica de la huelga de Hollywood, la intromisión cada vez mayor de las redes sociales en nuestras vidas y el gran hackeo es algo que ya comenzó y que tendrá mayor impacto en unos cinco o siete años.
La premisa de su película es que los datos de miles de millones de personas estarán disponibles y abiertos en la red para consulta libre gracias a la poderosa tecnología de las computadoras cuánticas que serán capaces de vulnerar cualquier contraseña o sistema de seguridad online, dejando expuestas nuestras búsquedas, llamadas, mensajes de WhatsApp, passwords, transacciones y cualquier acción que realicemos en internet, es ya una terrible realidad.
Fotos cortesía de Betsabeé Romero
La artista Betsabeé Romero forma parte de una exposición conjunta de la 60 Bienal de Venecia.
La artista Betsabeé Romero lleva su exposición "La espiral sin fin" a la Galleria Piazza San Marco, como parte de la 60 Biennale di Venezia presentada por el Museo de Arte Latinoamericano (MOLAA) con la Fundación Bevilacqua La Masa y el apoyo de los main partners William S. Y Michelle Ciccarelli Lerach e Itaca Arts, cuyo CEO es Santiago García Galván.
Diversos medios italianos han hablado de la exposición, tanto como de la trayectoria de Betsabé y los hallazgos de "La espiral sin fin". Esta exposición explora las prácticas artísticas de Betsabeé Romero a través de obras de arte encargadas y nuevas instalaciones, que también se presentará en el Museum Of Latin America Art (MOLAA) en 2025, en Long Beach, California, EU.
Según, Santiago García Galván, la exposición que Betsabeé Romero "a través de sus imágenes poderosas y su simbolismo profundo, ha capturado la esencia de la experiencia migratoria, entretejiendo los hilos de la cultura, la identidad y la resiliencia. Su obra sirve como testimonio del espíritu humano, recordándonos nuestra humanidad compartida y la importancia de la empatía y la compasión".
Betsabeé Romero ha dicho sobre esta exposición que ya está montada y lista para su inauguración en la Galleria Piazza San Marco, que la selección tomó muchos meses, es un formato muy complicado para participar, participan muchos proyectos paralelos de todo el mundo, y al final, fuimos uno de los 30 proyectos seleccionados para hacer una exposición paralela.
En esta exposición, que está muy en la línea del tema general de la bienal, pero más específicamente desde lo que significa la imposición de fronteras, de bordes, de líneas casi punzocortantes que hieren la identidad cultural, de género, la identidad personal y comunitaria, cultural e histórica.
Buena parte de esta exposición reflexiona sobre la Cultura como el hogar que llevamos dentro y que sobrevivió a la sombra de todos los poderes; la forma en que se reproducen las fronteras, las polarizaciones han dividido incluso la cama en el paisaje familiar.
Fotos cortesía de Tany Folgoso
Un nuevo museo en la CDMX mostrará la riqueza musical de Los Ángeles Azules.
El Museo Comunitario Ocho Barrios es uno de los museos que se suma a la CDMX y poco a poco llegaremos a ser la ciudad con más museos del mundo, aunque todavía estamos por detrás de Londres. Para inaugurar este recinto, se abrió la exposición dedicada a la música que muestra las tradiciones y manifestaciones culturales de las comunidades originarias de Iztapalapa.
La exposición de este museo está dedicada a la Música y Músicos de Ixtapalapa, en donde podremos conocer la historia de algunas agrupaciones de esta región, siendo una de las más conocidas, Los Ángeles Azules; que han dejado un impresionante legado en muchas generaciones, musicalizando bailes, ceremonias religiosas, conformado orquestas tradicionales o puesto en alto el nombre de Iztapalapa.
Así que uno de los atractivos de esta exposición es justo ver las fotografías, acetatos firmados, trajes y notas de periódicos sobre grupos musicales emblemáticos de la demarcación, y sobre todo de Los Ángeles Azules. Ya que el Museo Comunitario de los Ocho Barrios busca reconocer la importancia de esta gran banda originaria de Iztapalapa.
Esta agrupación, ya reconocida en muchas partes del mundo, comenzó con la familia Mejía Avante a finales de los 70, aunque debutaron oficialmente en 1980 y desde esa fecha han sido "de Iztapalapa para el mundo". Sus primeros instrumentos fueron sacados con ayuda de Mamá Martha, madre y fundadora del grupo musical, quien fue aval y obtuvo un préstamo para que sus hijos tuvieran guitarras, un bajo y una tarola. Incluso tuvieron que vender la camioneta de su papá para comprar bocinas. Cuarenta años después, Los Ángeles Azules llevan la cumbia de Iztapalapa a muchas partes del mundo y a todas las fiestas mexicanas.
Música y Músicos de Ixtapalapa
Dónde: Museo Comunitario de los Ocho Barrios; Ermita Iztapalapa 100, San Pablo, alcaldía Iztapalapa.
Cuándo: martes a domingo de 10:00 a 18:00 horas
Entrada libre
Foto destacada: Ñuu Savi: Pasado, Presente y Futuro
El seku es una variante de la Pelota mixteca que se preserva en Oaxaca.
Es seku es un deporte que se practica en la comunidad de Yucunani, municipio de San Juan Mixtepec, Oaxaca. Yucunani es una pequeña comunidad con apenas 130 personas con un alto índice de migración, ubicada en la montaña de la región de la Mixteca, en el municipio de San Juan Mixtepec, en el estado de Oaxaca.
Es un juego que se ha retomado en los últimos años, con el fin de preservar la cultura y transmitirlo a las nuevas generaciones de jóvenes que se han integrado en los equipos de seku, además de que ya es un juego con apertura a las mujeres que toman la estaca y meten una bola de madera entre dos banderas que simulan una portería, con el fin de obtener puntos.
Este deporte prehispánico de los pueblos de Ñu?u Savi, estuvo a punto de extinguirse a finales de los años 90, pero un grupo de pobladores, en coordinación con profesores de San Juan Mixtepec, comenzaron a promoverlo y a rescatarlo en la comunidad de Yucunani y en otros espacios. Ahora, los vecinos les enseñan a sus hijos a jugarlo, se resisten a la extinción del deporte de sus abuelos.
El seku es el juego de los ancestros. Es por eso que es un deporte básico en donde solo son necesarios dos equipos de cinco personas en cada una; cada persona usa un bastón de madera con la base curvada, una bola de madera de algún árbol. Además, de estacas con antorchas encendidas colocadas sobre la orilla del perímetro donde se desarrolla el juego.
Cada partido dura 20 minutos con descansos de 10 minutos, aunque algunas veces los partidos pueden llegar a durar hasta media hora. Los pobladores explican que la bola con la que se juega está hecha del tallo del colorín, un árbol escaso en la zona, por lo que en ocasiones lo sustituyen por otros árboles de la región.
La antorcha, que todavía se prende en este juego, sirve para definir las líneas que conforman el campo. Además, como es un juego que tradicionalmente se jugaba de noche, el fuego es para guiar a los jugadores y que no se salgan del campo. Es un juego nocturno porque antes no había tiempo para jugar, y todos se dedicaban a trabajar en el campo.
Asimismo, este juego ya forma parte de las actividades del pedimento de la lluvia que realizan cada año los pueblos de la nación Ñu´u Savi. Hoy en día se abren torneos, y se dan premios y otros estímulos para que haya cada vez más participantes en este juego ancestral.
Además, el torneo está programado a la par de la feria anual de Yucunani, así que se invitan pueblos vecinos como Santiago Juxtlahuaca, Yanhuintlán, Nochixtlán, Tamazulápam, a la competencia, para que sea posible observar los encuentros de cerca, incluso se explican las reglas de este juego que preserva la identidad de Oaxaca.
Fotos cortesía de Marina Baysands
Frida Kahlo supera las fronteras y llega al Museo de arte de Singapur.
Dese hace muchos años, la visión creativa de Frida Kahlo dejó ser un impacto en la cultura popular mexicana para formar parte de algo más global; e incluso para llegar a tierras tan lejanas como la República de Singapur, es una pequeña ciudad-Estado y país insular, situado en el corazón del Sudeste asiático.
Hasta dicho país llega la historia de vida de la artista mexicana a través de ‘Frida Forever’, que incluye dos cautivadoras exposiciones de Frida Kahlo y una experiencia de realidad virtual en el ArtScience Museum Singapore.
Y es que la influencia de Frida Kahlo va más allá de su arte y de su simbolismo; porque miles de personas pueden identificarse con sus experiencias personales y reflexiona sobre sus pasiones, luchas y creencias. Sobre todo sus autorretratos ha sido muy elogiados, pues logran romper límites con su descripción cruda y sin complejos de la feminidad, el dolor, la muerte, el cuerpo humano y la identidad.
‘Frida Forever’ también celebra el importante impacto que sigue teniendo, 70 años después de su fallecimiento, no solo en el arte, sino en la moda, la cultura popular, el feminismo y más.
Frida Kahlo: La vida de un icono es la segunda exposición biográfica inmersiva, desarrollada por Layers of Reality y Frida Kahlo Corporation, que se estrenará en el sudeste asiático con proyecciones de 360 ??grados y un espacio creativo que da vida a sus dibujos. Además de recorrer la rica tradición mexicana.
Esta exposición es curada por el ArtScience Museum con el apoyo de Cristina Kahlo Alcalá, sobrina nieta de Frida Kahlo, y muestra archivos íntimos de su relación con su cuerpo, sus dolencias médicas y el profundo impacto que estas luchas tuvieron en su trabajo artístico.
Los visitantes podrán ver cerca de 40 fotografías, páginas de diarios, obras de arte contemporáneas, registros médicos y entrevistas exclusivas con Cristina Kahlo Alcalá. Esta última revelará cómo adquirió estos documentos médicos del American British Cowdry Hospital donde estuvo internada Frida Kahlo.
La cereza del pastel es una experiencia de realidad virtual que se lleva a cabo dentro de la Galería VR del Museo ArtScience, donde los visitantes pueden ingresar a las pinturas de Frida para sumergirse en su estética, la paleta de colores de sus obras y las diversas texturas que utilizó. Las exposiciones y eventos de ‘Frida Forever’ se llevarán a cabo en el ArtScience Museum del 4 de mayo al 1 de septiembre.
Fotos cortesía de Google Arts & Culture
Estos artistas lograron construir un movimiento que le dio identidad a los chicanos.
El arte chicano forma parte de los movimientos culturales desde los años 50 del siglo XX, pero fue 1960 que se da el boom, junto con las protestas de la guerra de Vietnam, el movimiento Black Power a favor de los derechos civiles. De ahí, que la lucha chicana desafió la categorización y los estereotipos divulgados entre la población anglosajona.
Se trató de un movimiento de artistas chicanos, sobre todo del sureste de California, siendo uno los más representativos el Colectivo de Los Four ( Los cuatro) integrado por Beto de la Rocha (California, 1937), Frank Romero (California, 1941), Carlos Almaraz (Ciudad de México, 1941-California, 1989), Gilberto Sánchez Luján (California, 1940-2011)
En 1974 se unió Judithe Hernández (California, 1948) al colectivo, y todos se caracterizaban por ser activistas de origen mexicoamericano, educados en universidades de Estados Unidos, y sobre todo por ser los primeros artistas en romper las barreras que los museos tenían para el arte chicano, cuando en 1974 el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles (LACMA) incluyó una exposición sobre su obra.
También se caracterizan por impulsar el ?muralismo chicano?, expresión que se desarrolló sobre todo a partir de la década de 1970 en los estados fronterizos del suroeste de los Estados Unidos, y que son reconocidos por representar la vanguardia intelectual del movimiento y de forjar una nueva sensibilidad artística chicana.
Los Four lograron construir muchos puentes híbridos entre la cultura mexicana y estadounidense, plasmando la dualidad cultural de ambos países, superando la geografía, y también creando técnicas y formatos que fueron muy característicos de esa época.
Hoy en día, Los Four no representan la visión definitiva del arte chicano; pero en su momento sí fueron los que abrieron paso a la exploración del arte de Los Ángeles, tuvieron la osadía de crear un diálogo con México, resignificar las piezas en un dicho momento histórico y presentar un arte chicano único, una escuela original que no era ni mexicana, pero tampoco ?gringa?.
En efecto, el movimiento de arte chicano representa los miles de intentos de los artistas estadounidenses de origen mexicano para establecer una identidad única. Es un movimiento que trabajó para resistir y desafiar las normas sociales dominantes y los estereotipos de la autonomía cultural y la autodeterminación, en donde los chicanos han utilizado el arte para expresar sus valores culturales, como una forma de protesta con un valor estético fascinante.
De los cinco artistas, quizá el que ha sido más reconocido a lo largo de los años es Frank Romero, de ascendencia española y mexicana. Algunos se lo atribuyen a que hablaba inglés en casa y Romero aprendió a hablar español más adelante en la vida. Pero no hay duda que todos son grandes artistas y que poseen su propia identidad.
Fotos cortesía de Museo de Bellas Artes
Damián Ortega: Pico y elote, más de 82 obras del artista mexicano en el Palacio de Bellas Artes.
Es la primera vez que la obra de Damián Ortega, una de las figuras centrales del arte contemporáneo latinoamericano, es puesta en una retrospectiva institucional en México; nada más ni nada menos que en el majestuoso Palacio de Bellas Artes de la CDMX.
Damián Ortega: pico y elote, es el nombre de esta revisión de la poética del escultor mexicano, que confirma el nuevo impulso del arte mexicano contemporáneo en México. Esta exposición ya está abierta al público, y en la inauguración, el artista comentó: "Ha sido muy emocionante todo lo que ha sucedido aquí. Llegar al Palacio de Bellas Artes significa mucho para mí, porque fue un largo camino andado y lo entiendo como un reconocimiento no solo para mí, sino también para toda la gente con la que he colaborado".
Asimismo, el expositor agradeció a Abraham Cruzvillegas, Gabriel Orozco, Abel Kuri, Dr. Lakra; Guillermo Santamarina y a todos los que han colaborado para esta exposición, "con quienes se fue haciendo un colegio de ideas y han sido como pilares de todo este trabajo".
"La exposición comenzó hace alrededor de un año y medio en Monterrey, donde su directora Taiyana Pimentel rompió inercias y se esforzó en dar espacio al trabajo para poder traerlo a México. Pidió la beca de Efiartes, un esfuerzo sostenido también por el Estado, y entonces se hizo una ecuación y se alinearon muchos elementos para que finalmente el Museo del Palacio de Bellas Artes reciba esta exposición, en la Ciudad de México, de donde soy oriundo".
La exposición "Damián Ortega: Pico y elote" consta de 82 obras que recorren más de tres décadas de trabajo ininterrumpido. Es un recorrido no cronológico a través de tres ejes curatoriales: cosechar, ensamblar y colapsar, los cuales favorecen criterios de carácter plástico y conceptual, manteniendo un escepticismo ante la idea de progreso en México.
Lo que caracteriza esta exposición, es que al menos 20 piezas pertenecen a la obra inédita de Damián, entre las que se encuentran Demonio alucinado (2022), Mascarón (2024), además de la Pieza de la serie Torre Latino (2007) y los uniformes de papel Kraft de la serie Utopía mexicana (2019).
De igual manera, se ha editado un catálogo que reúne una serie de textos escritos exprofeso para la muestra, realizados por José Esparza Chong Cuy, Aurora Gómez Galvarriato, Julieta González y Guillermo Osorno, especialistas y conocedores de la obra de Ortega.
Damián Ortega: Pico y elote
Dónde: Museo Palacio de Bellas Artes; Av. Juárez s/n esq. Eje Central Lázaro Cárdenas
Centro Histórico, CDMX.
Cuándo: marte domingo, en horario de 10:00 a 18:00 h.
Cuánto: $90
Estudiantes, maestros, INAPAM, empleados de la Secretaría de Cultura e INBA con credencial vigente: entrada libre
Entrada libre los domingos
