Más allá del tequila, Cielito lindo, el mole y los sombreros de charro, existen una serie de símbolos singulares embelleciendo la expresión de nuestra cultura. Cada uno nos muestra las identidades versátiles que se entretejen a la vez como una sola, en una loable estética transdimensional a la que muchas veces definimos como caótica. Los mitos que aquí narramos día con día se fundamentan en símbolos madre. Imágenes, nombres, creaciones y un ciento de rasgos peculiares llenos de significado que han absorbido un poco del alma de esta ciudad para seguir existiendo, y poco a poco creciendo dentro de una era que converge entre la efervescente modernidad tecnológica y las sociedades vanguardistas.
Resulta difícil enumerar todos los ingredientes que conforman a México desde su origen y hasta la fecha. Sin embargo, podemos recorrer fugazmente algunos de los más importantes que a lo largo de las épocas han resonado en la psique de cada habitante de la urbe y de la República.
Bebidas endémicas
Cuando se habla acerca de las bebidas típicas en el mundo, es inevitable traer a la mente el tequila, el mezcal y el pulque como características clásicas de México. Son de estos productos que todos visitante debe probar (e inclusive, intoxicarse) para reconocer, en el paladar, la esencia misma de este país. Sin embargo, al indagar en las profundidades de la cultura mexicana, encontramos otros sabores que realmente cuentan con siglos (sino es que milenios en algunos casos) de tradición. Bebidas como el El tascaste, (mezcla de canela, piñón, achiote, cacao y maíz tostado), el Pox o Posh (destilado de caña), el Tejate (preparado de maíz, huesos de mamey y flor de cacao) y la Charanda (destilado de jugo de caña, piloncillo y melaza) son algunas de las más emblemáticas.
La típica calavera de Día de los muertos creada por el ilustrador (y surrealista) José Guadalupe Posada y bautizada por el muralista Diego Rivera, ambos artistas mexicanos. La “dama de la muerte” es parte de la cultura viva mexicana, se ha salido del grabado en donde fue creada para pertenecer cada año, durante los primeros días de noviembre, a la apología trascendental que desde épocas prehispánicas ha predominado en nuestro inconsciente colectivo: el inevitable culto a la muerte.
Bordados folclóricos
Los textiles mexicanos más hermosos los encuentras, sin duda alguna, en cualquier parte de la República. Incluso en la ciudad de México existen sitios como la plancha del Zócalo, la Ciudadela y otros sitios de vendimia artesanal donde puedes encontrarlos. Se trata de artesanías diseñadas involuntariamente para denotar lo psicodélico, o "aquello que manifiesta la mente" (el significado literal de la palabra psicodelia) entre un infinito de rasgos que definen nuestra identidad cultural mexicana.
El muralismo
El movimiento artístico revolucionario por excelencia de México. Además de develar el deseo por una verdadera transformación del país, incentivó las demandas radicales que buscaban, a través del arte, revolución social, política y económica. Sus principales expositores, David Alfaro Siqueiros (influencia indirecta incluso de pintores como Jackson Pollock), Diego Rivera y José Clemente Orozco.
La lucha libre
Los sueños que la lucha libre forjó en las mentes de niños y adultos iniciaron en el año 1933, cuando Salvador Lutteroth, considerado el padre de la lucha libre en México, fundó la Empresa Mexicana de Lucha Libre (EMLL) y adquirió un inmueble derruido (la Arena Modelo), sobre el que décadas después construyó un espacio que prometía convertirse en el mayor coliseo del país: la Arena México. Abrió por primera vez sus puertas al público, con un cartel inaugural excepcional que anunciaba la presentación de una pelea estelar a cargo de El Santo y Rolando Vera contra Blue Demon y el Médico Asesino.
Rituales sagrados
Practicados por brujos y chamanes mexicanos. El chamanismo es una práctica espiritual que se realiza en toda la República Mexicana. En la ciudad, aunque no es actividad tan vistosa como las misas católicas, se llevan a cabo en muchos rincones inesperados de la urbe que no creerías que existen. Desde casas antiguas en el centro (o la misma plancha del Zócalo), hasta sitios alejados como Tlatelolco ?por cierto el primer lugar de residencia de Pachita, la curandera más famosa de la ciudad.
El Maíz
El maíz es el máximo símbolo de la mexicanidad, no sólo como elemento culinario y alimento endémico de la región, sino también como deidad. En libros sagrados como el Popol Vuh maya, se describe una poética y a su vez alegórica historia de la creación de la humanidad desde el maíz. Somos gente de maíz.
Cine de oro
Encuentras en la era del Cine de oro mexicano, un listado de películas que brillaron en un periodo de la historia en que el mundo necesitaba algo, tal vez, más surrealista en la pantalla grande. Proyecciones de espléndida calidad que exploraban géneros como el horror, la comedia, el romance y el musical. El auge de géneros musicales como el bolero y el danzón en Latinoamérica se lo debemos en pena parte a esta época del cine.
Las Cantinas
Un legado con décadas de antigüedad que aún persiste de forma seductora y bohemia entre nuestras calles, especialmente las de la Ciudad de México. Los elementos infalibles de una cantina son las cubas, la rocola, el dominó, las “pollas” para la cruda y las botanas exóticas como los huevos hervidos, los cacahuates con ajo y chile de árbol y las mollejas con chile.
Visiones pareidólicas
La pareidolia es un fenómeno psicológico que básicamente consiste en ver imágenes erróneamente en objetos o lugares determinados. Y en México existe mucho de eso con respecto al ámbito religioso. En 1997, por ejemplo, un vendedor ambulante creyó mirar a la virgen en un charco de agua en la estación del Metro Hidalgo, y a partir de ese día los fieles devotos comenzaron a realizar ofrendas en el espacio donde el milagro fue avistado.
Los mercados
Entrar a un mercado de cualquier barrio de la capital resulta una experiencia enriquecedor para los sentidos. Es bien sabido que la historia de nuestra evolución económica comenzó con el trueque, una actividad que hasta nuestro tiempo sigue prevaleciendo, aunque en menor grado, en algunos lugares de la ciudad. Nuestros mercados son un ejemplo impecable de ello.
La Santa Muerte
Asimismo, se sabe que fue en el corazón del barrio de Tepito donde Enriqueta Romero, "Doña Queta", montó el primer altar a la Santa Muerte a finales de 2001. El culto a la muerte es una práctica de origen prehispánico que resurgió a finales del siglo XX, consiguiendo rápidamente más de 5 millones de seguidores en México.
Los pueblos mágicos
En 2001 la Secretaría de Turismo implantó un programa en el que se reconocía a ciertas zonas de la República Mexicana en las que se ha preservado su riqueza natural y cultural en cuanto a estética, tradiciones y acontecimientos históricos refiere. Pueblos Mágicos fue su maravillosa denominación; sin duda perfecta, ya que son estas localidades pequeños paraísos en los que se es posible escapar por un rato de la urbanidad y la celeridad capitalina.
Los barrios mágicos
Los barrios mágicos, en cambio, son exclusivos de la Ciudad de México. Se trata de una denominación que ha adquirido fuerte presencia en el último par de años, con toda la modernización de la capital. Un barrio mágico indudablemente será sinónimo de turismo pues son espacios que se proyectan a nivel internacional como grandes obras de arte.
El 2 de Octubre
Es la fecha de la matanza de estudiantes efectuada el 2 de octubre de 1968 en la Plaza de las Tres Culturas, por parte del gobierno del presidente Díaz Ordaz. Desde entonces y cada año en esta fecha se lleva a cabo una marcha emblemática.
El Chile 
El aditamento culinario más importante de la capital y de todo México. No hay platillo mexicano que no lleve chile o salsa. Y sí, para un mexicano una es lo suficientemente picoso.
Criaturas metamórficas capaces de cambiar su forma física a cualquier otra forma animal o incluso en formas humanas a voluntad. Han sido objeto de innumerables mitos prehispánicos sobre dioses mitad hombres, mitad animales, así como el origen de historias relacionadas a un espíritu nahual que todos poseemos al nacer.
Caifanes
Figuras del rock alternativo como Café Tacuba, Maldita Vecindad y Caifanes fueron un símbolo importante para buena parte de México en los 90. Caifanes es tal vez la más importante, ya que la lírica entrañable de sus letras nos recuerda en todo momento a la experiencia del México prehispánico y a las nostalgias existencialistas que se vivían en una década de crisis.
El sazón de la comida callejera
Lo que muchos describen como grasoso, picoso y sabroso. El sazón callejero de las calles de México es irrenunciable, basta mirar lo que en cada puesto callejero se cocina para que se antoje.
El chal y el rebozo
Dos prendas emblemáticas para cualquiera que ha vivido en México. Prendas en la que confluyen algunas de las más elevadas virtudes de la moda: elegancia, practicidad y misterio, entre otras. Tal vez por eso recién se ha revaluado en las tendencias de fashion y, sobretodo, se ha utilizado a lo largo de siglos por las mujeres mexicanas.
Pirámides
Otro de los máximos símbolos mexicanos son las construcciones teocráticas en forma piramidal. En ellas se aguardan un ciento de mitos en las que intervienen divinidades que ejemplifican fuerza, belleza y sabiduría a los mortales. Las Pirámides fueron en su momento adoratorios a estas deidades, sitios que profesaron un culto universal a lo esencial de la vida.
Fotos cortesía de Marina Baysands
Frida Kahlo supera las fronteras y llega al Museo de arte de Singapur.
Dese hace muchos años, la visión creativa de Frida Kahlo dejó ser un impacto en la cultura popular mexicana para formar parte de algo más global; e incluso para llegar a tierras tan lejanas como la República de Singapur, es una pequeña ciudad-Estado y país insular, situado en el corazón del Sudeste asiático.
Hasta dicho país llega la historia de vida de la artista mexicana a través de ‘Frida Forever’, que incluye dos cautivadoras exposiciones de Frida Kahlo y una experiencia de realidad virtual en el ArtScience Museum Singapore.
Y es que la influencia de Frida Kahlo va más allá de su arte y de su simbolismo; porque miles de personas pueden identificarse con sus experiencias personales y reflexiona sobre sus pasiones, luchas y creencias. Sobre todo sus autorretratos ha sido muy elogiados, pues logran romper límites con su descripción cruda y sin complejos de la feminidad, el dolor, la muerte, el cuerpo humano y la identidad.
‘Frida Forever’ también celebra el importante impacto que sigue teniendo, 70 años después de su fallecimiento, no solo en el arte, sino en la moda, la cultura popular, el feminismo y más.
Frida Kahlo: La vida de un icono es la segunda exposición biográfica inmersiva, desarrollada por Layers of Reality y Frida Kahlo Corporation, que se estrenará en el sudeste asiático con proyecciones de 360 ??grados y un espacio creativo que da vida a sus dibujos. Además de recorrer la rica tradición mexicana.
Esta exposición es curada por el ArtScience Museum con el apoyo de Cristina Kahlo Alcalá, sobrina nieta de Frida Kahlo, y muestra archivos íntimos de su relación con su cuerpo, sus dolencias médicas y el profundo impacto que estas luchas tuvieron en su trabajo artístico.
Los visitantes podrán ver cerca de 40 fotografías, páginas de diarios, obras de arte contemporáneas, registros médicos y entrevistas exclusivas con Cristina Kahlo Alcalá. Esta última revelará cómo adquirió estos documentos médicos del American British Cowdry Hospital donde estuvo internada Frida Kahlo.
La cereza del pastel es una experiencia de realidad virtual que se lleva a cabo dentro de la Galería VR del Museo ArtScience, donde los visitantes pueden ingresar a las pinturas de Frida para sumergirse en su estética, la paleta de colores de sus obras y las diversas texturas que utilizó. Las exposiciones y eventos de ‘Frida Forever’ se llevarán a cabo en el ArtScience Museum del 4 de mayo al 1 de septiembre.
Fotos cortesía de Google Arts & Culture
Estos artistas lograron construir un movimiento que le dio identidad a los chicanos.
El arte chicano forma parte de los movimientos culturales desde los años 50 del siglo XX, pero fue 1960 que se da el boom, junto con las protestas de la guerra de Vietnam, el movimiento Black Power a favor de los derechos civiles. De ahí, que la lucha chicana desafió la categorización y los estereotipos divulgados entre la población anglosajona.
Se trató de un movimiento de artistas chicanos, sobre todo del sureste de California, siendo uno los más representativos el Colectivo de Los Four ( Los cuatro) integrado por Beto de la Rocha (California, 1937), Frank Romero (California, 1941), Carlos Almaraz (Ciudad de México, 1941-California, 1989), Gilberto Sánchez Luján (California, 1940-2011)
En 1974 se unió Judithe Hernández (California, 1948) al colectivo, y todos se caracterizaban por ser activistas de origen mexicoamericano, educados en universidades de Estados Unidos, y sobre todo por ser los primeros artistas en romper las barreras que los museos tenían para el arte chicano, cuando en 1974 el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles (LACMA) incluyó una exposición sobre su obra.
También se caracterizan por impulsar el ?muralismo chicano?, expresión que se desarrolló sobre todo a partir de la década de 1970 en los estados fronterizos del suroeste de los Estados Unidos, y que son reconocidos por representar la vanguardia intelectual del movimiento y de forjar una nueva sensibilidad artística chicana.
Los Four lograron construir muchos puentes híbridos entre la cultura mexicana y estadounidense, plasmando la dualidad cultural de ambos países, superando la geografía, y también creando técnicas y formatos que fueron muy característicos de esa época.
Hoy en día, Los Four no representan la visión definitiva del arte chicano; pero en su momento sí fueron los que abrieron paso a la exploración del arte de Los Ángeles, tuvieron la osadía de crear un diálogo con México, resignificar las piezas en un dicho momento histórico y presentar un arte chicano único, una escuela original que no era ni mexicana, pero tampoco ?gringa?.
En efecto, el movimiento de arte chicano representa los miles de intentos de los artistas estadounidenses de origen mexicano para establecer una identidad única. Es un movimiento que trabajó para resistir y desafiar las normas sociales dominantes y los estereotipos de la autonomía cultural y la autodeterminación, en donde los chicanos han utilizado el arte para expresar sus valores culturales, como una forma de protesta con un valor estético fascinante.
De los cinco artistas, quizá el que ha sido más reconocido a lo largo de los años es Frank Romero, de ascendencia española y mexicana. Algunos se lo atribuyen a que hablaba inglés en casa y Romero aprendió a hablar español más adelante en la vida. Pero no hay duda que todos son grandes artistas y que poseen su propia identidad.
Fotos cortesía de Museo de Bellas Artes
Damián Ortega: Pico y elote, más de 82 obras del artista mexicano en el Palacio de Bellas Artes.
Es la primera vez que la obra de Damián Ortega, una de las figuras centrales del arte contemporáneo latinoamericano, es puesta en una retrospectiva institucional en México; nada más ni nada menos que en el majestuoso Palacio de Bellas Artes de la CDMX.
Damián Ortega: pico y elote, es el nombre de esta revisión de la poética del escultor mexicano, que confirma el nuevo impulso del arte mexicano contemporáneo en México. Esta exposición ya está abierta al público, y en la inauguración, el artista comentó: "Ha sido muy emocionante todo lo que ha sucedido aquí. Llegar al Palacio de Bellas Artes significa mucho para mí, porque fue un largo camino andado y lo entiendo como un reconocimiento no solo para mí, sino también para toda la gente con la que he colaborado".
Asimismo, el expositor agradeció a Abraham Cruzvillegas, Gabriel Orozco, Abel Kuri, Dr. Lakra; Guillermo Santamarina y a todos los que han colaborado para esta exposición, "con quienes se fue haciendo un colegio de ideas y han sido como pilares de todo este trabajo".
"La exposición comenzó hace alrededor de un año y medio en Monterrey, donde su directora Taiyana Pimentel rompió inercias y se esforzó en dar espacio al trabajo para poder traerlo a México. Pidió la beca de Efiartes, un esfuerzo sostenido también por el Estado, y entonces se hizo una ecuación y se alinearon muchos elementos para que finalmente el Museo del Palacio de Bellas Artes reciba esta exposición, en la Ciudad de México, de donde soy oriundo".
La exposición "Damián Ortega: Pico y elote" consta de 82 obras que recorren más de tres décadas de trabajo ininterrumpido. Es un recorrido no cronológico a través de tres ejes curatoriales: cosechar, ensamblar y colapsar, los cuales favorecen criterios de carácter plástico y conceptual, manteniendo un escepticismo ante la idea de progreso en México.
Lo que caracteriza esta exposición, es que al menos 20 piezas pertenecen a la obra inédita de Damián, entre las que se encuentran Demonio alucinado (2022), Mascarón (2024), además de la Pieza de la serie Torre Latino (2007) y los uniformes de papel Kraft de la serie Utopía mexicana (2019).
De igual manera, se ha editado un catálogo que reúne una serie de textos escritos exprofeso para la muestra, realizados por José Esparza Chong Cuy, Aurora Gómez Galvarriato, Julieta González y Guillermo Osorno, especialistas y conocedores de la obra de Ortega.
Damián Ortega: Pico y elote
Dónde: Museo Palacio de Bellas Artes; Av. Juárez s/n esq. Eje Central Lázaro Cárdenas
Centro Histórico, CDMX.
Cuándo: marte domingo, en horario de 10:00 a 18:00 h.
Cuánto: $90
Estudiantes, maestros, INAPAM, empleados de la Secretaría de Cultura e INBA con credencial vigente: entrada libre
Entrada libre los domingos
Fotos cortesía de Ballet Nepantla
El Ballet de Nepantla lleva el folclor mexicano a diversas partes del mundo.
El Ballet Nepantla es uno de los grupos de danza folklórica más reconocidos fuera de México, nacido en la comunidad mexicana, pero siendo una compañía que rescata la identidad mexicana para muchos de los habitantes en Estados Unidos. De hecho, su nombre proviene de San Miguel Nepantla, una población mexicana ubicada en el municipio de Tepetlixpa, donde nació la poeta Sor Juana Inés de la Cruz, una de las figuras más relevantes de la literatura hispánica de corte Barroco.
Una de las producciones más representativas de este ballet es Valentina; inspirado en María Valentina de Jesús Ramírez Avitia, La Leona de Norotal, una revolucionaria mexicana que a principios del siglo XX se habría hecho pasar como hombre para poder luchar contra la dictadura de Porfirio Díaz.
Este ballet habla de la importancia de la mujer en la revolución mexicana, y visibiliza a las mujeres que combatieron mano a mano con los hombres, a pesar de que muchas de ellas tuvieron que simular ser hombres para poder pelear en los más de diez años que duró el conflicto armado en México. De este modo, la interpretación que hace el Ballet Nepantla de ese momento de la historia mexicana no podía ser más crucial, en este contexto contemporáneo del empoderamiento femenino.
Valentina es un ballet que se ha presentado varias veces en Nueva York, al grado de que se ha dicho que lo que George Balanchine del New York City Ballet hizo con las danzas folclóricas de su Rusia natal, el Ballet Nepantla lo está haciendo con las danzas folclóricas de México; además de ser comparada con el Ballet Folklórico de México de Amalia Herández.
Valentina del Ballet Nepantla es un gran arte para nuestro tiempo. Si las mexicanas de la revolución tuvieron que verse obligadas a defenderse con armas de fuego; hoy en día, se defiende a través de la fuerza de las comunidades y la riqueza de la cultura. Valentina, además, es un gran ballet que solo podría haber sido creado en la ciudad de Nueva York.
Para los diletantes del arte, ya sea en cualquiera de sus representaciones como las esculturas, arquitectura, música, pintura, literatura, danza o cine, alrededor del mundo hay grandes recintos que resguardan estas riquezas.
Hay ciudades que son reconocidas y llamadas como ciudades que son capitales culturales, las cuales concentran gran parte de museos. Las ciudades resguardan obras de artistas importantes, así como los hogares, sitios importantes donde se llevaron a cabo los trabajos o donde surgieron las ideas de estos personajes. Toma nota de las ciudades que tienen una amplia oferta artística para tu próximo viaje.
Los museos en la ciudades de todo el mundo forman parte del atractivo turístico y de entretenimiento que estas ofrecen, sin embargo, no todas las metrópolis del cuentan con una amplia oferta de estos espacios. La Ciudad de México (CDMX), además de ser conocida como el lugar ideal para comer y disfrutar de la cultura mexicana, también es conocida porque tiene muchos museos, pero no es la única.
A continuación te diremos cuáles son las ciudades con más museos en el mundo.
Londres
Con más de 200 museos, Londres encabeza la lista de ciudades con más museos en el mundo, siendo el Museo Británico el más famoso. Éste alberga más de 8 millones de objetos de las culturas orientales, egipcias, griegas, etruscas, romanas, chinas y europeas. Cabe mencionar que la Piedra Rosetta se encuentra en este recinto.
Ciudad de México
En los últimos años, la Ciudad de México se ha posicionado como la segunda ciudad con más museos en el mundo. Con 170 museos y 43 galerías, el Museo Nacional de Historia, el Castillo de Chapultepec, el Museo de Antropología ocupa y el Museo de Templo Mayor, son algunos de los más visitados.
París
París no es solo la ciudad del amor, sino una de las que más museos alberga en el mundo. El más famoso sin duda es el Museo de Louvre, el cual es uno de los más grandes y más visitados a nivel internacional, cuya obra más reconocida es "La Gioconda", mejor conocida como la "Mona Lisa" de Da Vinci.
Moscú
Otra de las ciudades con mayor número de museos en el mundo es Moscú, siendo el Museo del Kremlin el más visitado, ya que alberga importantes piezas históricas y armería rusa, además de tener una arquitectura impresionante.
Los Ángeles
No es casualidad que Los Ángeles sea una de las ciudades con más museos, ya que Estados Unidos es el país que encabeza la lista a nivel mundial. El Museo de Arte Contemporáneo, el Museo Getty y el LACMA, son tan solo algunos de los más visitados.
Seúl
La capital de Corea del Sur es también una de las ciudades con más museos, siendo el Museo Nacional de Corea un emblema del país y uno de los museos más visitados de Asia y del mundo, gracias a sus impresionantes colecciones.
Tokio
Tokio en Japón es una de las ciudades culturales más importantes, con gran cantidad de museos y galerías. El Museo Nacional de Tokio es el museo más grande del país, con cinco edificios donde se exponen piezas japonesas y de otras culturas asiáticas.
Chengdu
Famoso por su centro de conservación de osos panda, Chengdu en China es una de las ciudades con más museos en el mundo. Algunos de los más importantes son el Museo Guanghan Sanxingdui, el Museo Jinsha Site y el Museo de Chengdu.
Nueva York
Aunque no encabeza la lista, Nueva York es una de las ciudades con más museos y galerías en el mundo. El Museo Metropolitano de Arte, el MoMa, el Museo Americano de Historia Natural y el Museo Solommon R. Guggenheim son algunos de los más visitados.
Fotos cortesía de Darcstudio
Este complejo es el segundo proyecto de Frida Escobedo en New York.
Frida Escobedo está rediseñando la nueva ala del Museo Metropolitano de Arte de New York y al mismo tiempo incursiona en el proyecto Bergen: un edificio de 209 mil metros cuadrados, que contará con 105 viviendas de lujo, con estudios, residencias de cinco dormitorios distribuidas en 53 plantas únicas en el corazón de Brooklyn.
El concepto arquitectónico de la urbanización Bergen, es el resultado de la colaboración entre el Taller Frida Escobedo y el estudio DXA. Escobedo se aseguró de que Bergen rindiera homenaje a su contexto, al tiempo que forjaba su propia identidad en el horizonte de Brooklyn. El edificio está situado en una calle arbolada de postal y expresará las influencias de Boerum Hill.
Proyecto residencial Bergen
Tiene una fachada plisada, construida con bloques hechos a medida, en donde Escobedo aprovechó la orientación del edificio para maximizar la luz natural tanto del este como del oeste. El diseño general sigue un ritmo coherente en términos de escala, materialidad y color, con porosidad y transparencia entretejidas en toda la forma del edificio.
Asimismo, Bergen ofrece a sus residentes más de 14 mil 500 metros cuadrados de servicios en cuatro niveles. Tiene una escalera cilíndrica, piscina de agua fría, un estudio de podcast y sala de vapor. Además de las excepcionales instalaciones interiores, los residentes pueden relajarse y socializar en más de 4 mil metros cuadrados de espacios exteriores con dos terrazas comunes en la azotea diseñadas por el equipo de paisajismo. También se puede adquirir aparcamiento, trastero y espacio para guardar bicicletas.
El estudio mexicano Taller Frida Escobedo ha conseguido algunos de los proyectos más interesantes de los últimos años. Desde su fundación en 2006 en Ciudad de México consiguió ser la arquitecta más joven en proyectar el Pabellón de la Serpentine en Londres (2018) el Metropolitan Museum of Art (Met), y ahora este segundo proyecto residencial en Nueva York, después de su colaboración con Handel en la promoción de uso mixto del National Black Theatre en Harlem. El proyecto para el nuevo complejo residencial se entregará el próximo 2025.
Foto destacada: INAH
La restauración de los azulejos de la embajada mexicana en Portugal se llevaron a cabo por especialistas del INAH.
Los muros de la embajada mexicana en Portugal, están decorados con preciosos paneles de azulejos que integran escenas bucólicas, satíricas y fabulísticas elaboradas en el siglo XVIII. Este inmueble fue adquirido por el Estado mexicano en 1976, y se trata de una antigua quinta ubicada en el Parque Forestal de Monsanto de Lisboa.
La producción de azulejos del barroco en Portugal surgió influenciada por las cerámicas china y holandesa, especialmente de Delft. Pintores de caballete portugueses como Gabriel del Barco, António de Oliveira Bernardes, Raimondo du Couto y Manuel dos Santos, por citar algunos, crearon verdaderas composiciones sobre cerámica.
Este arte alcanzó su apogeo en el último cuarto del siglo XVII y las primeras décadas del XVIII, bajo las monarquías de Pedro II y Juan V. La bonanza de la Corona por el usufructo de su colonia americana, Brasil, que permitió el patrocinio de estas obras monumentales con pintores preciosistas, de ahí que se le nombre a este periodo como el "ciclo de los maestros".
Los paneles están atribuidos por los estudiosos del azulejo portugués como piezas pintadas por artista desconocido, y se caracterizan por un estilo más libre que el de sus contemporáneos, al retratar escenas de la vida palaciega, fábulas y sátiras, en colores blanco y azul, este último extraído del óxido de cobalto.
"Estos bienes son patrimonio mexicano desde hace casi 50 años, aunque estén fuera de nuestras fronteras", señaló la restauradora-perito del INAH, Renata Schneider, quien coordina el proyecto de conservación y restauración de los paneles de azulejos; y prevé concluir el trabajo en septiembre.
El trabajo que se llevó a cabo en las 158 piezas intervenidas, fue el de la desalinización y limpieza mecánica y química, organización de escamas desprendidas, pruebas de sustratos para mitigar la colonización de microorganismos adhesión de fragmentos y resanes. Asimismo, bajo la asesoría de Lurdes Esteves, se incursionó en la manufactura de fragmentos cerámicos para la reposición de faltantes.
