Más allá del tequila, Cielito lindo, el mole y los sombreros de charro, existen una serie de símbolos singulares embelleciendo la expresión de nuestra cultura. Cada uno nos muestra las identidades versátiles que se entretejen a la vez como una sola, en una loable estética transdimensional a la que muchas veces definimos como caótica. Los mitos que aquí narramos día con día se fundamentan en símbolos madre. Imágenes, nombres, creaciones y un ciento de rasgos peculiares llenos de significado que han absorbido un poco del alma de esta ciudad para seguir existiendo, y poco a poco creciendo dentro de una era que converge entre la efervescente modernidad tecnológica y las sociedades vanguardistas.
Resulta difícil enumerar todos los ingredientes que conforman a México desde su origen y hasta la fecha. Sin embargo, podemos recorrer fugazmente algunos de los más importantes que a lo largo de las épocas han resonado en la psique de cada habitante de la urbe y de la República.
Bebidas endémicas
Cuando se habla acerca de las bebidas típicas en el mundo, es inevitable traer a la mente el tequila, el mezcal y el pulque como características clásicas de México. Son de estos productos que todos visitante debe probar (e inclusive, intoxicarse) para reconocer, en el paladar, la esencia misma de este país. Sin embargo, al indagar en las profundidades de la cultura mexicana, encontramos otros sabores que realmente cuentan con siglos (sino es que milenios en algunos casos) de tradición. Bebidas como el El tascaste, (mezcla de canela, piñón, achiote, cacao y maíz tostado), el Pox o Posh (destilado de caña), el Tejate (preparado de maíz, huesos de mamey y flor de cacao) y la Charanda (destilado de jugo de caña, piloncillo y melaza) son algunas de las más emblemáticas.
La típica calavera de Día de los muertos creada por el ilustrador (y surrealista) José Guadalupe Posada y bautizada por el muralista Diego Rivera, ambos artistas mexicanos. La “dama de la muerte” es parte de la cultura viva mexicana, se ha salido del grabado en donde fue creada para pertenecer cada año, durante los primeros días de noviembre, a la apología trascendental que desde épocas prehispánicas ha predominado en nuestro inconsciente colectivo: el inevitable culto a la muerte.
Bordados folclóricos
Los textiles mexicanos más hermosos los encuentras, sin duda alguna, en cualquier parte de la República. Incluso en la ciudad de México existen sitios como la plancha del Zócalo, la Ciudadela y otros sitios de vendimia artesanal donde puedes encontrarlos. Se trata de artesanías diseñadas involuntariamente para denotar lo psicodélico, o "aquello que manifiesta la mente" (el significado literal de la palabra psicodelia) entre un infinito de rasgos que definen nuestra identidad cultural mexicana.
El muralismo
El movimiento artístico revolucionario por excelencia de México. Además de develar el deseo por una verdadera transformación del país, incentivó las demandas radicales que buscaban, a través del arte, revolución social, política y económica. Sus principales expositores, David Alfaro Siqueiros (influencia indirecta incluso de pintores como Jackson Pollock), Diego Rivera y José Clemente Orozco.
La lucha libre
Los sueños que la lucha libre forjó en las mentes de niños y adultos iniciaron en el año 1933, cuando Salvador Lutteroth, considerado el padre de la lucha libre en México, fundó la Empresa Mexicana de Lucha Libre (EMLL) y adquirió un inmueble derruido (la Arena Modelo), sobre el que décadas después construyó un espacio que prometía convertirse en el mayor coliseo del país: la Arena México. Abrió por primera vez sus puertas al público, con un cartel inaugural excepcional que anunciaba la presentación de una pelea estelar a cargo de El Santo y Rolando Vera contra Blue Demon y el Médico Asesino.
Rituales sagrados
Practicados por brujos y chamanes mexicanos. El chamanismo es una práctica espiritual que se realiza en toda la República Mexicana. En la ciudad, aunque no es actividad tan vistosa como las misas católicas, se llevan a cabo en muchos rincones inesperados de la urbe que no creerías que existen. Desde casas antiguas en el centro (o la misma plancha del Zócalo), hasta sitios alejados como Tlatelolco ?por cierto el primer lugar de residencia de Pachita, la curandera más famosa de la ciudad.
El Maíz
El maíz es el máximo símbolo de la mexicanidad, no sólo como elemento culinario y alimento endémico de la región, sino también como deidad. En libros sagrados como el Popol Vuh maya, se describe una poética y a su vez alegórica historia de la creación de la humanidad desde el maíz. Somos gente de maíz.
Cine de oro
Encuentras en la era del Cine de oro mexicano, un listado de películas que brillaron en un periodo de la historia en que el mundo necesitaba algo, tal vez, más surrealista en la pantalla grande. Proyecciones de espléndida calidad que exploraban géneros como el horror, la comedia, el romance y el musical. El auge de géneros musicales como el bolero y el danzón en Latinoamérica se lo debemos en pena parte a esta época del cine.
Las Cantinas
Un legado con décadas de antigüedad que aún persiste de forma seductora y bohemia entre nuestras calles, especialmente las de la Ciudad de México. Los elementos infalibles de una cantina son las cubas, la rocola, el dominó, las “pollas” para la cruda y las botanas exóticas como los huevos hervidos, los cacahuates con ajo y chile de árbol y las mollejas con chile.
Visiones pareidólicas
La pareidolia es un fenómeno psicológico que básicamente consiste en ver imágenes erróneamente en objetos o lugares determinados. Y en México existe mucho de eso con respecto al ámbito religioso. En 1997, por ejemplo, un vendedor ambulante creyó mirar a la virgen en un charco de agua en la estación del Metro Hidalgo, y a partir de ese día los fieles devotos comenzaron a realizar ofrendas en el espacio donde el milagro fue avistado.
Los mercados
Entrar a un mercado de cualquier barrio de la capital resulta una experiencia enriquecedor para los sentidos. Es bien sabido que la historia de nuestra evolución económica comenzó con el trueque, una actividad que hasta nuestro tiempo sigue prevaleciendo, aunque en menor grado, en algunos lugares de la ciudad. Nuestros mercados son un ejemplo impecable de ello.
La Santa Muerte
Asimismo, se sabe que fue en el corazón del barrio de Tepito donde Enriqueta Romero, "Doña Queta", montó el primer altar a la Santa Muerte a finales de 2001. El culto a la muerte es una práctica de origen prehispánico que resurgió a finales del siglo XX, consiguiendo rápidamente más de 5 millones de seguidores en México.
Los pueblos mágicos
En 2001 la Secretaría de Turismo implantó un programa en el que se reconocía a ciertas zonas de la República Mexicana en las que se ha preservado su riqueza natural y cultural en cuanto a estética, tradiciones y acontecimientos históricos refiere. Pueblos Mágicos fue su maravillosa denominación; sin duda perfecta, ya que son estas localidades pequeños paraísos en los que se es posible escapar por un rato de la urbanidad y la celeridad capitalina.
Los barrios mágicos
Los barrios mágicos, en cambio, son exclusivos de la Ciudad de México. Se trata de una denominación que ha adquirido fuerte presencia en el último par de años, con toda la modernización de la capital. Un barrio mágico indudablemente será sinónimo de turismo pues son espacios que se proyectan a nivel internacional como grandes obras de arte.
El 2 de Octubre
Es la fecha de la matanza de estudiantes efectuada el 2 de octubre de 1968 en la Plaza de las Tres Culturas, por parte del gobierno del presidente Díaz Ordaz. Desde entonces y cada año en esta fecha se lleva a cabo una marcha emblemática.
El Chile 
El aditamento culinario más importante de la capital y de todo México. No hay platillo mexicano que no lleve chile o salsa. Y sí, para un mexicano una es lo suficientemente picoso.
Criaturas metamórficas capaces de cambiar su forma física a cualquier otra forma animal o incluso en formas humanas a voluntad. Han sido objeto de innumerables mitos prehispánicos sobre dioses mitad hombres, mitad animales, así como el origen de historias relacionadas a un espíritu nahual que todos poseemos al nacer.
Caifanes
Figuras del rock alternativo como Café Tacuba, Maldita Vecindad y Caifanes fueron un símbolo importante para buena parte de México en los 90. Caifanes es tal vez la más importante, ya que la lírica entrañable de sus letras nos recuerda en todo momento a la experiencia del México prehispánico y a las nostalgias existencialistas que se vivían en una década de crisis.
El sazón de la comida callejera
Lo que muchos describen como grasoso, picoso y sabroso. El sazón callejero de las calles de México es irrenunciable, basta mirar lo que en cada puesto callejero se cocina para que se antoje.
El chal y el rebozo
Dos prendas emblemáticas para cualquiera que ha vivido en México. Prendas en la que confluyen algunas de las más elevadas virtudes de la moda: elegancia, practicidad y misterio, entre otras. Tal vez por eso recién se ha revaluado en las tendencias de fashion y, sobretodo, se ha utilizado a lo largo de siglos por las mujeres mexicanas.
Pirámides
Otro de los máximos símbolos mexicanos son las construcciones teocráticas en forma piramidal. En ellas se aguardan un ciento de mitos en las que intervienen divinidades que ejemplifican fuerza, belleza y sabiduría a los mortales. Las Pirámides fueron en su momento adoratorios a estas deidades, sitios que profesaron un culto universal a lo esencial de la vida.
Fotos cortesía de INAH
Esta instalación forma parte de la celebración de los 60 años del Museo Nacional de Antropología.
El Museo Nacional de Antropología (MNA) celebra 60 años, con la pieza monumental Tú del artista jalisciense José Rivelino Moreno Valle (1973) una de sus obras escultóricas monumentales más emblemáticas. Dicha pieza se encuentra expuesta en la explanada principal del recinto capitalino y ya es posible visitarla.
Se trata de un conjunto escultórico que consta de dos dedos índices de color blanco, elaborados en bronce, acero y concreto, los cuales se apuntan uno al otro, y pesa 30 toneladas, sumándose a la Piedra del Sol como una de las obras más pesadas exhibidas en Ciudad de México.
Esta instalación fue revelada por primera vez en Trafalgar Square, Londres, en Reino Unido, en 2015, y desde entonces ha formado parte del espacio público de latitudes como Alemania, Bélgica, Rusia, España, Italia y Estados Unidos. En México, esta pieza ha visitado la Macroplaza de Monterrey, el Patio Mayor del Instituto Cultural Cabañas y los centros históricos de las ciudades de Puebla y San Luis Potosí.
Por su parte, Rivelino es un artista que divide su tiempo entre la creación, la investigación y el activismo en los ámbitos de economía, cultura y desigualdad, y destacó la relevancia de la presentación de su obra en el museo más visitado de Latinoamérica. La intención de esta pieza es que el público pueda interactuar en diversas formas: "Que el individuo esté frente a frente del otro. De ellos frente a mí y de todos juntos, en el paso del yo al nosotros".
Esta pieza es polisémica, interactúa con el espacio en el que se instala y, al mismo tiempo, con el público. Visibiliza lo que las personas a veces quieren decir, en el espacio que hay entre los dos dedos que se señalan entre sí, puntualizó, caben todas las ideologías, las conversaciones y todo tipo de personas.
Además de admirar la instalación artística, las y los visitantes del MNA podrán tocarla e interactuar con ella, fotografiarse o mirarla a detalle y reflexionar sobre la propuesta del artista.
Tú de Rivelino
Dónde: patio del Museo Nacional de Antropología; Paseo de la Reforma y Gandhi, Chapultepec, Polanco, Miguel Hidalgo.
Cuándo: hasta 26 de agosto de 2024, lunes a viernes desde las 07:00.
Entrada libre
Fotos cortesía de Procine
Nudus es una de las cintas mexicanas más perturbadoras de los últimos años.
Nudus significa "desnudo" en latín, y es una analogía de estar desnudos en las redes sociales, vulnerables o con la falsa seguridad de privacidad, muy a pesar de que todo el internet está siendo vigilado por terceros, según el cineasta Gibrán Bazán cuando habla de su nuevo filme.
Esta historia llega a fortalecer el cine mexicano, que demuestra su variedad de estilos, directores, talentos e historias que enriquecen a la industria fílmica, a la cultura e identidad del país.
Nudus es un film de terror psicológico, que nos sumerge la superstición, la religión y las creencias populares, agregando capas de complejidad a las narrativas y generando una mayor sensación de inquietud en la audiencia. Pero esta ocasión, la cinta se centra en los avances digitales y el terror tecnológico; ofreciéndonos una ventana hacia el hackeo mundial, en un mundo postapocalíptico en donde no existe la privacidad en internet.
Asimismo, Nudus aborda a nuestro mundo hiperconectado: cibercrimen, espionaje global, falta de privacidad y vulnerabilidad de la información. Se trata de poner bajo el reflector el poder de las redes sociales, que concentran miles de millones de datos de los usuarios, en una sociedad cada vez más vigilada.
Carla Hernández, Alex Crusa y Sayaka Yokoyama, son los protagonistas de la cinta de escrita y dirigida por Gibrán Bazán, además de otros trabajos como "Los rollos perdidos" (2012), "Generación Spielberg" (2014) y "El buquinista" (2018); discípulo de Juan López Moctezuma, colaboró con el cineasta en varios proyectos.
Esta cinta se estrenó primero en Estados Unidos, debido a que el tema llamo la atención, además de reflejar el poder de la Inteligencia Artificial, sobre todo con toda la polémica de la huelga de Hollywood, la intromisión cada vez mayor de las redes sociales en nuestras vidas y el gran hackeo es algo que ya comenzó y que tendrá mayor impacto en unos cinco o siete años.
La premisa de su película es que los datos de miles de millones de personas estarán disponibles y abiertos en la red para consulta libre gracias a la poderosa tecnología de las computadoras cuánticas que serán capaces de vulnerar cualquier contraseña o sistema de seguridad online, dejando expuestas nuestras búsquedas, llamadas, mensajes de WhatsApp, passwords, transacciones y cualquier acción que realicemos en internet, es ya una terrible realidad.
Fotos cortesía de Betsabeé Romero
La artista Betsabeé Romero forma parte de una exposición conjunta de la 60 Bienal de Venecia.
La artista Betsabeé Romero lleva su exposición "La espiral sin fin" a la Galleria Piazza San Marco, como parte de la 60 Biennale di Venezia presentada por el Museo de Arte Latinoamericano (MOLAA) con la Fundación Bevilacqua La Masa y el apoyo de los main partners William S. Y Michelle Ciccarelli Lerach e Itaca Arts, cuyo CEO es Santiago García Galván.
Diversos medios italianos han hablado de la exposición, tanto como de la trayectoria de Betsabé y los hallazgos de "La espiral sin fin". Esta exposición explora las prácticas artísticas de Betsabeé Romero a través de obras de arte encargadas y nuevas instalaciones, que también se presentará en el Museum Of Latin America Art (MOLAA) en 2025, en Long Beach, California, EU.
Según, Santiago García Galván, la exposición que Betsabeé Romero "a través de sus imágenes poderosas y su simbolismo profundo, ha capturado la esencia de la experiencia migratoria, entretejiendo los hilos de la cultura, la identidad y la resiliencia. Su obra sirve como testimonio del espíritu humano, recordándonos nuestra humanidad compartida y la importancia de la empatía y la compasión".
Betsabeé Romero ha dicho sobre esta exposición que ya está montada y lista para su inauguración en la Galleria Piazza San Marco, que la selección tomó muchos meses, es un formato muy complicado para participar, participan muchos proyectos paralelos de todo el mundo, y al final, fuimos uno de los 30 proyectos seleccionados para hacer una exposición paralela.
En esta exposición, que está muy en la línea del tema general de la bienal, pero más específicamente desde lo que significa la imposición de fronteras, de bordes, de líneas casi punzocortantes que hieren la identidad cultural, de género, la identidad personal y comunitaria, cultural e histórica.
Buena parte de esta exposición reflexiona sobre la Cultura como el hogar que llevamos dentro y que sobrevivió a la sombra de todos los poderes; la forma en que se reproducen las fronteras, las polarizaciones han dividido incluso la cama en el paisaje familiar.
Fotos cortesía de Tany Folgoso
Un nuevo museo en la CDMX mostrará la riqueza musical de Los Ángeles Azules.
El Museo Comunitario Ocho Barrios es uno de los museos que se suma a la CDMX y poco a poco llegaremos a ser la ciudad con más museos del mundo, aunque todavía estamos por detrás de Londres. Para inaugurar este recinto, se abrió la exposición dedicada a la música que muestra las tradiciones y manifestaciones culturales de las comunidades originarias de Iztapalapa.
La exposición de este museo está dedicada a la Música y Músicos de Ixtapalapa, en donde podremos conocer la historia de algunas agrupaciones de esta región, siendo una de las más conocidas, Los Ángeles Azules; que han dejado un impresionante legado en muchas generaciones, musicalizando bailes, ceremonias religiosas, conformado orquestas tradicionales o puesto en alto el nombre de Iztapalapa.
Así que uno de los atractivos de esta exposición es justo ver las fotografías, acetatos firmados, trajes y notas de periódicos sobre grupos musicales emblemáticos de la demarcación, y sobre todo de Los Ángeles Azules. Ya que el Museo Comunitario de los Ocho Barrios busca reconocer la importancia de esta gran banda originaria de Iztapalapa.
Esta agrupación, ya reconocida en muchas partes del mundo, comenzó con la familia Mejía Avante a finales de los 70, aunque debutaron oficialmente en 1980 y desde esa fecha han sido "de Iztapalapa para el mundo". Sus primeros instrumentos fueron sacados con ayuda de Mamá Martha, madre y fundadora del grupo musical, quien fue aval y obtuvo un préstamo para que sus hijos tuvieran guitarras, un bajo y una tarola. Incluso tuvieron que vender la camioneta de su papá para comprar bocinas. Cuarenta años después, Los Ángeles Azules llevan la cumbia de Iztapalapa a muchas partes del mundo y a todas las fiestas mexicanas.
Música y Músicos de Ixtapalapa
Dónde: Museo Comunitario de los Ocho Barrios; Ermita Iztapalapa 100, San Pablo, alcaldía Iztapalapa.
Cuándo: martes a domingo de 10:00 a 18:00 horas
Entrada libre
Foto destacada: Ñuu Savi: Pasado, Presente y Futuro
El seku es una variante de la Pelota mixteca que se preserva en Oaxaca.
Es seku es un deporte que se practica en la comunidad de Yucunani, municipio de San Juan Mixtepec, Oaxaca. Yucunani es una pequeña comunidad con apenas 130 personas con un alto índice de migración, ubicada en la montaña de la región de la Mixteca, en el municipio de San Juan Mixtepec, en el estado de Oaxaca.
Es un juego que se ha retomado en los últimos años, con el fin de preservar la cultura y transmitirlo a las nuevas generaciones de jóvenes que se han integrado en los equipos de seku, además de que ya es un juego con apertura a las mujeres que toman la estaca y meten una bola de madera entre dos banderas que simulan una portería, con el fin de obtener puntos.
Este deporte prehispánico de los pueblos de Ñu?u Savi, estuvo a punto de extinguirse a finales de los años 90, pero un grupo de pobladores, en coordinación con profesores de San Juan Mixtepec, comenzaron a promoverlo y a rescatarlo en la comunidad de Yucunani y en otros espacios. Ahora, los vecinos les enseñan a sus hijos a jugarlo, se resisten a la extinción del deporte de sus abuelos.
El seku es el juego de los ancestros. Es por eso que es un deporte básico en donde solo son necesarios dos equipos de cinco personas en cada una; cada persona usa un bastón de madera con la base curvada, una bola de madera de algún árbol. Además, de estacas con antorchas encendidas colocadas sobre la orilla del perímetro donde se desarrolla el juego.
Cada partido dura 20 minutos con descansos de 10 minutos, aunque algunas veces los partidos pueden llegar a durar hasta media hora. Los pobladores explican que la bola con la que se juega está hecha del tallo del colorín, un árbol escaso en la zona, por lo que en ocasiones lo sustituyen por otros árboles de la región.
La antorcha, que todavía se prende en este juego, sirve para definir las líneas que conforman el campo. Además, como es un juego que tradicionalmente se jugaba de noche, el fuego es para guiar a los jugadores y que no se salgan del campo. Es un juego nocturno porque antes no había tiempo para jugar, y todos se dedicaban a trabajar en el campo.
Asimismo, este juego ya forma parte de las actividades del pedimento de la lluvia que realizan cada año los pueblos de la nación Ñu´u Savi. Hoy en día se abren torneos, y se dan premios y otros estímulos para que haya cada vez más participantes en este juego ancestral.
Además, el torneo está programado a la par de la feria anual de Yucunani, así que se invitan pueblos vecinos como Santiago Juxtlahuaca, Yanhuintlán, Nochixtlán, Tamazulápam, a la competencia, para que sea posible observar los encuentros de cerca, incluso se explican las reglas de este juego que preserva la identidad de Oaxaca.
Fotos cortesía de Marina Baysands
Frida Kahlo supera las fronteras y llega al Museo de arte de Singapur.
Dese hace muchos años, la visión creativa de Frida Kahlo dejó ser un impacto en la cultura popular mexicana para formar parte de algo más global; e incluso para llegar a tierras tan lejanas como la República de Singapur, es una pequeña ciudad-Estado y país insular, situado en el corazón del Sudeste asiático.
Hasta dicho país llega la historia de vida de la artista mexicana a través de ‘Frida Forever’, que incluye dos cautivadoras exposiciones de Frida Kahlo y una experiencia de realidad virtual en el ArtScience Museum Singapore.
Y es que la influencia de Frida Kahlo va más allá de su arte y de su simbolismo; porque miles de personas pueden identificarse con sus experiencias personales y reflexiona sobre sus pasiones, luchas y creencias. Sobre todo sus autorretratos ha sido muy elogiados, pues logran romper límites con su descripción cruda y sin complejos de la feminidad, el dolor, la muerte, el cuerpo humano y la identidad.
‘Frida Forever’ también celebra el importante impacto que sigue teniendo, 70 años después de su fallecimiento, no solo en el arte, sino en la moda, la cultura popular, el feminismo y más.
Frida Kahlo: La vida de un icono es la segunda exposición biográfica inmersiva, desarrollada por Layers of Reality y Frida Kahlo Corporation, que se estrenará en el sudeste asiático con proyecciones de 360 ??grados y un espacio creativo que da vida a sus dibujos. Además de recorrer la rica tradición mexicana.
Esta exposición es curada por el ArtScience Museum con el apoyo de Cristina Kahlo Alcalá, sobrina nieta de Frida Kahlo, y muestra archivos íntimos de su relación con su cuerpo, sus dolencias médicas y el profundo impacto que estas luchas tuvieron en su trabajo artístico.
Los visitantes podrán ver cerca de 40 fotografías, páginas de diarios, obras de arte contemporáneas, registros médicos y entrevistas exclusivas con Cristina Kahlo Alcalá. Esta última revelará cómo adquirió estos documentos médicos del American British Cowdry Hospital donde estuvo internada Frida Kahlo.
La cereza del pastel es una experiencia de realidad virtual que se lleva a cabo dentro de la Galería VR del Museo ArtScience, donde los visitantes pueden ingresar a las pinturas de Frida para sumergirse en su estética, la paleta de colores de sus obras y las diversas texturas que utilizó. Las exposiciones y eventos de ‘Frida Forever’ se llevarán a cabo en el ArtScience Museum del 4 de mayo al 1 de septiembre.
Fotos cortesía de Google Arts & Culture
Estos artistas lograron construir un movimiento que le dio identidad a los chicanos.
El arte chicano forma parte de los movimientos culturales desde los años 50 del siglo XX, pero fue 1960 que se da el boom, junto con las protestas de la guerra de Vietnam, el movimiento Black Power a favor de los derechos civiles. De ahí, que la lucha chicana desafió la categorización y los estereotipos divulgados entre la población anglosajona.
Se trató de un movimiento de artistas chicanos, sobre todo del sureste de California, siendo uno los más representativos el Colectivo de Los Four ( Los cuatro) integrado por Beto de la Rocha (California, 1937), Frank Romero (California, 1941), Carlos Almaraz (Ciudad de México, 1941-California, 1989), Gilberto Sánchez Luján (California, 1940-2011)
En 1974 se unió Judithe Hernández (California, 1948) al colectivo, y todos se caracterizaban por ser activistas de origen mexicoamericano, educados en universidades de Estados Unidos, y sobre todo por ser los primeros artistas en romper las barreras que los museos tenían para el arte chicano, cuando en 1974 el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles (LACMA) incluyó una exposición sobre su obra.
También se caracterizan por impulsar el ?muralismo chicano?, expresión que se desarrolló sobre todo a partir de la década de 1970 en los estados fronterizos del suroeste de los Estados Unidos, y que son reconocidos por representar la vanguardia intelectual del movimiento y de forjar una nueva sensibilidad artística chicana.
Los Four lograron construir muchos puentes híbridos entre la cultura mexicana y estadounidense, plasmando la dualidad cultural de ambos países, superando la geografía, y también creando técnicas y formatos que fueron muy característicos de esa época.
Hoy en día, Los Four no representan la visión definitiva del arte chicano; pero en su momento sí fueron los que abrieron paso a la exploración del arte de Los Ángeles, tuvieron la osadía de crear un diálogo con México, resignificar las piezas en un dicho momento histórico y presentar un arte chicano único, una escuela original que no era ni mexicana, pero tampoco ?gringa?.
En efecto, el movimiento de arte chicano representa los miles de intentos de los artistas estadounidenses de origen mexicano para establecer una identidad única. Es un movimiento que trabajó para resistir y desafiar las normas sociales dominantes y los estereotipos de la autonomía cultural y la autodeterminación, en donde los chicanos han utilizado el arte para expresar sus valores culturales, como una forma de protesta con un valor estético fascinante.
De los cinco artistas, quizá el que ha sido más reconocido a lo largo de los años es Frank Romero, de ascendencia española y mexicana. Algunos se lo atribuyen a que hablaba inglés en casa y Romero aprendió a hablar español más adelante en la vida. Pero no hay duda que todos son grandes artistas y que poseen su propia identidad.
