Fashion Guide
Un paseo por el Centro Joyero y sus talleres con Lola Bassó
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La creadora de la marca Lola Bassó, ha cultivado una estrecha e invaluable relación con el espacio de la plata y oro en el centro de la Ciudad de México y con sus grandes maestros.
El Centro es el lugar de los joyeros.

La zona del Centro de la Ciudad de México está plagada de joyas. Además de los monumentos, los edificios de una arquitectura desbordante, a parte de los sucesos históricos, de los mitos, leyendas y de la afluencia de personas que circula por este espacio en su día a día.

Desde el eje central hasta el Zócalo sobre la calle Madero se trata de negocios, puestos y edificios enteros con cientos de personas dedicadas a la venta, diseño, transformación y compra de joyas.

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La diseñadora de joyería Ana Bárbara Núñez, creadora de la marca Lola Bassó, ha cultivado una estrecha e invaluable relación con este espacio y con algunos de los maestros de las creaciones en plata y oro.

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Un trayecto en donde Lola fluye como pez en el agua de un edificio a otro. De pronto va por Madero, da una vuelta una cuadra antes de llegar al Zócalo, sube unas escaleras, toca, pasa, saluda, exige "no manches, Adrián, dijiste que me lo tenías para hoy" mientras presenta el diseño nuevo de una pieza, hace observaciones precisas, pregunta por la familia, intercambia algunos chistes, espera la entrega de algunas piezas, agradece, sale y se escabulle entre el laberinto de calles y personas…

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Al preguntarle sobre el proceso paso a paso, Lola Bassó nos fue dando la explicación de cómo ser diseñadora de tu propia marca de joyas es algo que va más allá de sentarse a crear y desarrollar algún concepto.

Se comienza con la idea de una colección la cual es inspirada por una época, una estación, una serie de figuras, o paisajes urbanos o de la naturaleza. Reconociéndolo como la parte más difícil que va desde la posibilidad de cualquier idea hasta la selección de una y el bosquejo de la primera pieza.

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Más adelante, explica Lola, se desarrollan todos los diseños de todas las piezas posibles que serán parte de esa colección. Especificando dimensiones, pesos, materiales, piedras y tamaños. En teoría se bosquejan aretes, collar, anillos y pulseras. En ocasiones la colección pueden constar de tres anillos, en ocasiones solo de uno. También sucede que pasado el tiempo se integra una pieza nueva como parte de esa colección.

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Posteriormente, y  por ejemplo si se trata e una pieza muy abstracta, se le lleva con el modelista, quien basado en el diseño que observa en papel, realiza la figura en cera. Entre más y más trabajas con el mismo modelista la comunicación es casi perfecta. Aunque también sucede que la idea puede cambiar cuando ya esté lista la pieza. Entonces el modelista recrea con los debidos ajustes.

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Una vez que se tiene la figura en cera lista, se le vacía en un metal y se hace un hule para poder generar más réplicas del mismo modelo. Varios diseñadores, comenta Lola Bassó, no son de la idea de crear un hule, de trata de quienes que se pueden dar el tiempo de generar artesanalmente cada una de sus piezas. Esto es para casos prácticos y cuando la venta es alta.

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La pieza después del vaciado, se pule y lima para que quede lo más perfecta, que el molde esté lo más exacto posible. Después del vaciado en el metal se lleva con el joyero.

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También el trabajo con cada pieza puede ser distintos, hay un gran número de joyas que por la forma o por las piedras, se crean directamente con el joyero, una por una. Se trata de piezas más sencillas que se pueden hacer así.

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Una vez que el joyero tiene lista la pieza, si ésta lleva piedras, se lleva con el montador para que le ponga las piedras que le corresponden. Si utilizas chapa de oro, el baño de oro suele ser el último paso.

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Los materiales que normalmente se usan en el diseño de joyería en México son la plata, la cual está a 22 pesos el gramo en el Centro Joyero, pero puede cambiar su precio. El oro trabajado de 14 kilates, el cual tiene un precio de 600 pesos el gramo, cuyo valor también cambia como lo hace el dólar.

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También están las piedras preciosas: rubí, esmeralda, y esporádicamente, el diamante, según el cliente. Y las semipreciosas que son amatistas, citrino, topacio, cuncita y peridoto. Piedras que se consiguen aquí en México. La mayoría de los joyeros mexicanos utilizan plata, y el oro solo sobre el pedido, por la gran diferencia de precios.

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Lola Bassó asegura que pudo adentrarse a este mundo de la joyería después del primer curso que tomó en el Centro, donde la instructora invitó a Juan Nava, quien ahora es su modelista, y fue quien le recomendó a diferentes joyeros. Su línea como diseñadora o tendencia va cambiando con el tiempo. A Lola le encantan las piedras y hacer una mezcla entre lo oscuro, crudo, y lo elegante, natural y femenino. La realidad es que aun hasta las piezas que pudieran parecer las más complicadas, tanto Juan como Adrián Chávez han hecho maravillas para la diseñadora.

 

 

 

 

Regresa Caravana Americana, la mejor feria internacional de diseño latinoamericano
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La más nuevo del diseño de Latinoamérica se concentrará en Caravana Americana, el primer fin de semana de mayo en Estación Indianilla.
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Una nueva edición de Caravana Americana será presentada en la Ciudad de México; no te pierdas a los mejores diseñadores de América Latina.

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Caravana Americana es la feria de diseño y de moda con la mejor y más amplia selección de propuestas de Latinoamérica. Su objetivo principal es contribuir al desarrollo de la industria del diseño en nuestro continente. Para lograrlo, su trabajo se apoya en dos ejes rectores: 1. Generar un espacio ideal para impulsar el diseño latino ante un mercado internacional. 2. Contribuir a la profesionalización de las marcas emergentes hacia mejores prácticas de negocios a través de eventos didácticos.

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Imagen de: Caravana Americana FB

Durante tres días seguidos, podrás contemplar las mejores propuestas de moda, objeto, mobiliario y joyería, provenientes de distintos países de América Latina. ¿Cómo saber que la calidad de los diseños presentes es la más alta? Pues bueno, el comité de selección de Caravana Americana realiza una profunda investigación de nuevas marcas para reunir a los diseñadores más talentosos de la región.

El hecho de que tantos países estén representados en esta feria denota la variedad, la armonía y la excelencia del evento. En esta ocasión, los diseños expuestos provendrán de México, Colombia, Chile, Ecuador, Perú, Argentina y Guatemala. Cabe destacar que ocho marcas chilenas inéditas se acercarán al público mexicano por primera vez, con colecciones de moda y accesorios sorprendentes.

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Imagen de: warp.la

Además, en los días anteriores a la feria, Caravana Americana organizará talleres y conferencias impartidas por expertos. Los temas a tratar serán la exportación, el retail y la mercadotecnia. Así que, si estás interesado en conocer más a fondo la industria de la moda, no dudes en asistir.

Caravana Americana es uno de los eventos imperdibles de la primera mitad del 2022. Su selección de 110 marcas es la mejor representación de la innovación y visión de los diseñadores latinoamericanos. Los diseños en exhibición no solo representan lo más fino de la moda internacional, sino que también están realizados con materiales exquisitos, producidos con técnicas tradicionales. Además, todas las marcas presentes están comprometidas con el medio ambiente y con la sociedad. El lujo y la belleza van de la mano del comercio justo y el respeto mutuo.

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Imagen de: Caravana Americana FB

Caravana Americana

Dónde: Estación Indianilla, Claudio Bernard 111, Doctores, Cuauhtémoc, 06720 Ciudad de México, CDMX

Cuándo: del 6 al 8 de mayo 2022.

Cuánto: entrada gratuita.

Para más información, visita el sitio oficial de Caravana Americana.

Otros eventos imperdibles: la colorida exposición de papalotes en el MAP.

*Imagen destacada de: Frontón México

Historia del sarape, la prenda más colorida y multifuncional del país
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El fascinante diseño, color, calidad y tradición de los sarapes mexicanos sigue presente en nuestra cultura y vestimenta.

Foto destacada: Eva Alejandra

El sarape es una de las prendas más coloridas y útil para diversas ocasiones

 

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En esta época de frío es común que miles de mexicanos busquen cubrirse y reconfortarse con un sarape. Por eso, hoy te vamos a contar la historia detrás de esta prenda típica y colorida que fue utilizada por charros, chinacos y plateados en el siglo XX.

La moda de cada lugar es única y combina lo actual con las tradiciones ancestrales. Esta indumentaria era utilizada para cubrir del frío y la lluvia a los hombres hace varias décadas. Tal ha sido la trascendencia de este pedazo de tela que se volvió un símbolo  mexicano. Otros nombres que recibió a lo largo del tiempo son jorongo, cotón, tilma o gabán. Incluso, actualmente mucha gente usa un diseño remasterizado del mismo llamado poncho.

 

La historia del sarape

 

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El sarape nace debido al mestizaje. La llegada de los españoles provocó grandes cambios en la gastronomía, lengua y religión de los indígenas, y también en la vestimenta. Parece un trozo de tela pero esta preciosura se formó con la tilma y la capa valenciana, de origen español, justo después de la conquista.

El hilo y el teñido eran distintos, pero se adaptaron ambas elaboraciones en México, y el proceso de realización también cambió. Las prendas de estilo europeo fueron adoptadas por los nativos, aunque no del todo, pues al reproducirlas, las etnias mexicanas imprimieron su cosmovisión en el diseño, como los yaquis y los huicholes.

 

 

Los sarapes más conocidos son los de Chiauhtempan, los de Saltillo y los de Teocaltiche. Cada uno con su estilo de tejido, colorido y patrones. En Aguascalientes, Jalisco, Tlaxcala, San Luis Potosí, Hidalgo, San Miguel de Allende y Estado de México también destacan en la producción de esta prenda.

 

El sarape en el arte y en la moda

 

Wikipedia

 

Su elaboración es compleja y su importancia tal que hasta el Museo Nacional de Antropología e Historia de CDMX alberga una colección de estas prendas. Muchos artistas nacionales y extranjeros incluyeron los sarapes en sus obras de arte como: Thomas Egerton, Juan M. Rugendas, Claudio Linati, Carl Nebel y Edouard Pingret.

El sarape es una prenda única, llena de pasión y cultura que ha acompañado a los mexicanos desde tiempos coloniales y ha sido utilizada por campesinos, hacendados, artesanos, charros, revolucionarios, generales e incluso artistas a lo largo de nuestra historia. El sarape, igual que otras prendas y trajes típicos mexicanos como el huipil, la guayabera, el reboso o el traje de charro, son prendas que trae a México impregnado en cada una de sus fibras.

 

 

A pesar de que hoy en día, el sarape es considerado una prenda 100 por ciento mexicana, originalmente es una prenda de la conquista utilizada por la gente de campo y hacendados. Con el tiempo pasó a ser una prenda representativa del traje de charro y la encontramos en personajes históricos como Venustiano Carranza y Emiliano Zapata, así como en inspiración para artistas como Diego Rivera en su pintura cubista ?El paisaje zapatista? de 1915.

El sarape ha dejado huella desde Totonicapán, Guatemala, hasta la región Río Grande de los hispanoamericanos de Nuevo México. Sin embargo, de acuerdo con Laura Lorena Neira García, directora del museo del sarape y trajes típicos de Saltillo, se estima que su origen se sitúa con los tlaxcaltecas que utilizaban el sarape para cubrirse del frio del desierto, y por este mismo motivo climático, es que el sarape es un tejido delgado que lo diferencia del cotón, el cual es 10 veces más grueso.

 

Wikipedia

 

Y ya que las culturas prehispánicas no contaban con utensilios de costura como tijeras y sus prendas solían ser piezas completas y en formas geométricas, por lo que el sarape nace siendo un rectángulo, sin aberturas por en medio como sería el poncho o el jorongo y su diseño es en líneas rectas o en zigzag, con un rombo en el centro, denominado diamante, que lo caracteriza.

Asimismo, de acuerdo con Lorena Neira, el sarape se populariza a causa de la feria de Saltillo que se celebraba cada septiembre en honor a San Mateo, en donde personas de todo el país y hasta del extranjero, llegaban para adquirir sarapes finos en un acto de trueque, lo cual le dio fama y se le nombro ?saltillo? a los sarapes de alta calidad y diseño único que se encontraban en esta celebración novohispana.

 

Elaboración del sarape saltillense

 

 

Un sarape 100 por ciento saltillense debe ser tejido en telar de pedal con hilo de lana, plata u oro y este debe estar teñido con colores naturales, como la grana cochinilla para los rojos y rosados, el palo de Brasil y el palo de Campeche para los tonos naranja, café y morado y diversas plantas como el cempasúchil para los amarillos.

 Aunque esta es la manera tradicional que ha pasado de generación en generación, también existe la posibilidad de teñir el hilo con anilinas, un compuesto orgánico que facilita y agiliza la producción del mismo. El sarape de Saltillo sobresale en el mundo debido a su diseño colorido, mismo que plasmar los escenarios desérticos e interpretar el encuentro entre el cielo, las flores y la tierra. Además de los colores, el sarape está caracterizado por su diamante de 18 picos y las cenefas, que por lo general llevan dentro "la flor de la manita", una planta medicinal del desierto y representativa de la región con fines medicinales.

 

Sarapes Originales de Saltillo

 

Los artesanos han renovado el diseño de sus sarapes para plasmar su identidad y con ello contar la historia de México. Así que no todos los sarapes cumplen normas de diseño y se han sustituido las flores y los diamantes con diferentes imágenes iconográficas que reflejan la cosmovisión de las distintas etnias que lo producen.

Así fue como, el sarape se convirtió en una prenda típica reconocida mundialmente por sus coloridos diseños. A la fecha, sigue siendo utilizado por charros, chinacos y plateados siendo un símbolo nacional mexicano.

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