En la historia de la arquitectura mexicana, sin duda uno de los mejores representantes de la disciplina es Luis Barragán (1902-1988), dueño de un estilo fino, detallista pero sobre todo sensible, emotivo, preocupado por la relación entre el espacio y la manera en que es posible propiciar el hecho estético, cómo surge ahí la belleza, sí como algo extraordinario pero, al mismo tiempo, como parte de la cotidianidad, como si, en el fondo, se nos hiciera ver que la belleza puede ser parte de nuestra vida, surgir en cualquier instante, en todo intersticio del espacio-tiempo.
Cuando se le otorgó el Premio Pritzker ?el más importante del mundo de la arquitectura, siendo Barragán el único mexicano a la fecha en haberlo obtenido? el arquitecto de origen jalisciense realizó en su discurso de aceptación una defensa de ese cariz emocional de la arquitectura como fuente de inspiración y posibilidad:
El arquitecto no debe, pues, desoír el mandato de las revelaciones nostálgicas, porque solo con ellas es verdaderamente capaz de llenar con belleza el vacío que le queda a toda obra arquitectónica una vez que ha atendido las exigencias utilitarias del programa. De lo contrario la arquitectura no puede aspirar a seguirse contando entre las bellas artes.
Quizá por estas y otras razones, en años recientes la obra de Barragán ha experimentado un proceso de revalorización, homenaje y, lo más importante, diálogo, en muchos de esos casos desde un lugar netamente artístico. Barragán tiene a su favor que nunca fue un arquitecto oficialista, o que relegara sus inquietudes estéticas para favorecer otros criterios más bien coyunturales o de la circunstancia, lo cual, a la vuelta del tiempo, lo ha situado como un artífice cabal, un artista impecable y auténtico que por esto mismo legó un corpus perdurable y todavía significativo.
Como parte de esta especie de re-descubrimiento del arquitecto, actualmente se han montado 3 exhibiciones de arte contemporáneo que tienen como punto de partida algún aspecto de la obra o estilo de Barragán: Las propiedades de la luz, Barragán fetichista y Archivo(s) Camino Real. Las tres son auspiciadas por instituciones privadas y, además, tienen en común que se desprenden de la edición más reciente de Zona Maco, en donde se presentaron y coincidieron como propuestas curatoriales.
Las propiedades de la luz es una exposición que reúne 6 esculturas del artista neoyorquino Fred Sandback (1943-2003) y una serie de dibujos, bocetos y apuntes cedidos por el Fred Sandback Archive. Las esculturas de Sandback se caracterizan como "situaciones" porque, según el propio artista, su intención no era plasmar ideas, sino hechos, no teorías ni conceptos, sino "hechos que ocurren en un espacio y en un tiempo precisos".
Las piezas dialogan con la obra de Barragán porque el propio Sandback, en su último viaje a México, quedó profundamente conmovido con el Convento de Tlalpan (también conocido como Capilla de las Capuchinas). El artista ya estaba familiarizado con el estilo del arquitecto, pero visitar dicho recinto fue decisivo. Al respecto Proyecto Monclova, una de las instituciones responsables del montaje de Las propiedades de la luz, nos dice:
Para el escultor fue una experiencia sublime que desencadeno? un profundo deseo de investigación. El fenómeno que capturo? la atencio?n del artista, fue una distintiva máquina lumínica: la luz natural que entra por un vitral aledan?o a una cruz de madera que se encuentra en una pared lateral del recinto, produce sobre el altar la sombra del si?mbolo religioso. E?sta es la principal caracteri?stica de la capilla, cuya forma e intensidad se alteran a lo largo del di?a.
Por este motivo, la exposición de las piezas y bocetos de Sandback no se limita a la galería de Proyectos Monclova, sino que se extiende a tres casas icónicas de Barragán en la ciudad de México: Casa Gilardi, Casa Ga?lvez y Casa Luis Barraga?n. El curador Alberto Ríos de la Rosa escribe, a propósito de la presencia de las esculturas de Sandback en Casa Gilardi, escribe:
Casa Gilardi, terminada en 1976, fue la última obra del arquitecto jalisciense. Este proyecto sintetiza una extensa carrera basada en el discurso de la arquitectura emocional. Por fuera, dándole la espalda a la calle, la casa está orientada alrededor de una imponente jacaranda en el patio interno; y, en su sus pasillos internos, sigue la tradición de concretar un sentido simbólico a través del juego de luces, un juego cuyo objetivo, antes que la funcionalidad, es la producción de emociones. Esta capacidad de sugerir representaciones metafísicas por medio de la arquitectura es materia prima para la inserción de obras de Sandback por toda la casa, aunque cabe resaltar las instaladas en el pasillo de color amarillo, la fuente al final del mismo y a un lado de la jacaranda en el patio. Las sombras que producen las delgadas esculturas hechas de estambre se convierten en comentarios sutiles que dialogan con aquellas sombras propias de la casa.
Barragán fetichista, por otro lado, también se presenta como un diálogo entre piezas de un artista y las posibilidades sensoriales que permiten los espacios diseñados por el arquitecto, específicamente, con piezas de artistas como Wilfredo Lam, Francis Alÿs, Frida Kahlo, Manuel Álvarez Bravo, entre otros, todas provenientes de la Colección FEMSA y organizadas según la curaduría del brasileño Willy Kautz. El adjetivo "feticihista" se toma en al menos dos sentidos: el que lo relaciona con el ámbito de la sexualidad, de uso común en nuestros días y, en segundo lugar, en su acepción más estricta vinculada con el pensamiento mágico y religioso y por el cual a un objeto se le atribuyen poderes sobrenaturales. La elección de este enfoque es afortunada, coherente, pues Barragán mismo no era ajeno a esa cualidad "fetichista" de los ornamentos, aunque en su cosmovisión estuvieran situados de otra manera. La síntesis de la obra nos explica:
A partir de la relacio?n entre sexualidad y religio?n que pone de relieve el concepto del fetiche, esta seleccio?n de obras invita al pu?blico a reflexionar sobre el cara?cter simbo?lico de las esferas reflectantes, crucifijos, artefactos y trabajos picto?ricos desplegados en la Casa Luis Barraga?n.
Para Barragán fetichista el artista Jorge Satorre elaboró Encuentros Formales, una pieza única, ex profeso, sobre la que Ríos de la Rosa nos dice:
Encuentros Formales [?] invade el jardín en su totalidad y surge a raíz de los estudios del artista Miguel Covarrubias de manos y pies llevados a esculturas, realmente crea una interacción formal y conceptual con el universo de Barragán (el archivo de Covarrubias fue heredado a Barragán por la viuda del artista).
Finalmente, Archivo(s) Hotel Camino Real recupera el cariz más teórico del arquitecto y, por otro lado, la cualidad discursiva de la arquitectura, esto es, su posibilidad de erigirse ella misma en discurso a través de una obra vista como totalidad y como una suma de recursos arquitectónicos. En esta línea, piezas de los artistas Annie Albers, Lance Wyman, Mathias Göeritz, Armando Salas Portugal, entre otros, curadas por Pablo León de la Barra, recrean la historia del diseño y construcción del emblemático Hotel Camino Real de Polanco, construido en un año crucial en la historia de México y su capital: 1968. Cabe mencionar que si bien el diseño del hotel corrió a cargo de Ricardo Legorreta, Luis Barragán también tuvo una colaboración activa, sobre todo en la concepción de las áreas vedes y de uso común del edifico y su conexión con el resto del espacio, además de que Legorreta mismo se considera uno de los herederos y discípulos destacados de Barragán.
Se trata, en suma, de tres exposiciones que nos muestran la obra de Luis Barragán desde otras perspectivas pero bajo el hilo común de la contemporaneidad, acaso el sello del arte auténtico.
Las propiedades de la luz, de Fred Sandback
Proyectos Monclova
Colima 55, Roma Norte, Cuauhtémoc
Casa Gilardi
General León 84, San Miguel Chapultepec, Miguel Hidalgo
Casa Gálvez
Colima 249, Roma Norte, Cuauhtémoc
Casa Luis Barragán
General Francisco Ramírez 12-14, Ampliación Daniel Garza, Miguel Hidalgo
Del 02 de febrero al 11 de marzo
Casa Luis Barragán
General Francisco Ramírez 12-14, Ampliación Daniel Garza, Miguel Hidalgo
Del 28 de enero al 3 de abril (PREVIA CITA)
Archivo Diseño y Arquitectura
General Francisco Ramírez 4, Ampliación Daniel Garza, Miguel Hidalgo
Del 4 de febrero al 27 de mayo
En el sitio horizontal puede leerse una crítica más especializada sobre estas instalaciones.
Fotos cortesía de INAH
Esta instalación forma parte de la celebración de los 60 años del Museo Nacional de Antropología.
El Museo Nacional de Antropología (MNA) celebra 60 años, con la pieza monumental Tú del artista jalisciense José Rivelino Moreno Valle (1973) una de sus obras escultóricas monumentales más emblemáticas. Dicha pieza se encuentra expuesta en la explanada principal del recinto capitalino y ya es posible visitarla.
Se trata de un conjunto escultórico que consta de dos dedos índices de color blanco, elaborados en bronce, acero y concreto, los cuales se apuntan uno al otro, y pesa 30 toneladas, sumándose a la Piedra del Sol como una de las obras más pesadas exhibidas en Ciudad de México.
Esta instalación fue revelada por primera vez en Trafalgar Square, Londres, en Reino Unido, en 2015, y desde entonces ha formado parte del espacio público de latitudes como Alemania, Bélgica, Rusia, España, Italia y Estados Unidos. En México, esta pieza ha visitado la Macroplaza de Monterrey, el Patio Mayor del Instituto Cultural Cabañas y los centros históricos de las ciudades de Puebla y San Luis Potosí.
Por su parte, Rivelino es un artista que divide su tiempo entre la creación, la investigación y el activismo en los ámbitos de economía, cultura y desigualdad, y destacó la relevancia de la presentación de su obra en el museo más visitado de Latinoamérica. La intención de esta pieza es que el público pueda interactuar en diversas formas: "Que el individuo esté frente a frente del otro. De ellos frente a mí y de todos juntos, en el paso del yo al nosotros".
Esta pieza es polisémica, interactúa con el espacio en el que se instala y, al mismo tiempo, con el público. Visibiliza lo que las personas a veces quieren decir, en el espacio que hay entre los dos dedos que se señalan entre sí, puntualizó, caben todas las ideologías, las conversaciones y todo tipo de personas.
Además de admirar la instalación artística, las y los visitantes del MNA podrán tocarla e interactuar con ella, fotografiarse o mirarla a detalle y reflexionar sobre la propuesta del artista.
Tú de Rivelino
Dónde: patio del Museo Nacional de Antropología; Paseo de la Reforma y Gandhi, Chapultepec, Polanco, Miguel Hidalgo.
Cuándo: hasta 26 de agosto de 2024, lunes a viernes desde las 07:00.
Entrada libre
Fotos cortesía de Procine
Nudus es una de las cintas mexicanas más perturbadoras de los últimos años.
Nudus significa "desnudo" en latín, y es una analogía de estar desnudos en las redes sociales, vulnerables o con la falsa seguridad de privacidad, muy a pesar de que todo el internet está siendo vigilado por terceros, según el cineasta Gibrán Bazán cuando habla de su nuevo filme.
Esta historia llega a fortalecer el cine mexicano, que demuestra su variedad de estilos, directores, talentos e historias que enriquecen a la industria fílmica, a la cultura e identidad del país.
Nudus es un film de terror psicológico, que nos sumerge la superstición, la religión y las creencias populares, agregando capas de complejidad a las narrativas y generando una mayor sensación de inquietud en la audiencia. Pero esta ocasión, la cinta se centra en los avances digitales y el terror tecnológico; ofreciéndonos una ventana hacia el hackeo mundial, en un mundo postapocalíptico en donde no existe la privacidad en internet.
Asimismo, Nudus aborda a nuestro mundo hiperconectado: cibercrimen, espionaje global, falta de privacidad y vulnerabilidad de la información. Se trata de poner bajo el reflector el poder de las redes sociales, que concentran miles de millones de datos de los usuarios, en una sociedad cada vez más vigilada.
Carla Hernández, Alex Crusa y Sayaka Yokoyama, son los protagonistas de la cinta de escrita y dirigida por Gibrán Bazán, además de otros trabajos como "Los rollos perdidos" (2012), "Generación Spielberg" (2014) y "El buquinista" (2018); discípulo de Juan López Moctezuma, colaboró con el cineasta en varios proyectos.
Esta cinta se estrenó primero en Estados Unidos, debido a que el tema llamo la atención, además de reflejar el poder de la Inteligencia Artificial, sobre todo con toda la polémica de la huelga de Hollywood, la intromisión cada vez mayor de las redes sociales en nuestras vidas y el gran hackeo es algo que ya comenzó y que tendrá mayor impacto en unos cinco o siete años.
La premisa de su película es que los datos de miles de millones de personas estarán disponibles y abiertos en la red para consulta libre gracias a la poderosa tecnología de las computadoras cuánticas que serán capaces de vulnerar cualquier contraseña o sistema de seguridad online, dejando expuestas nuestras búsquedas, llamadas, mensajes de WhatsApp, passwords, transacciones y cualquier acción que realicemos en internet, es ya una terrible realidad.
Fotos cortesía de Betsabeé Romero
La artista Betsabeé Romero forma parte de una exposición conjunta de la 60 Bienal de Venecia.
La artista Betsabeé Romero lleva su exposición "La espiral sin fin" a la Galleria Piazza San Marco, como parte de la 60 Biennale di Venezia presentada por el Museo de Arte Latinoamericano (MOLAA) con la Fundación Bevilacqua La Masa y el apoyo de los main partners William S. Y Michelle Ciccarelli Lerach e Itaca Arts, cuyo CEO es Santiago García Galván.
Diversos medios italianos han hablado de la exposición, tanto como de la trayectoria de Betsabé y los hallazgos de "La espiral sin fin". Esta exposición explora las prácticas artísticas de Betsabeé Romero a través de obras de arte encargadas y nuevas instalaciones, que también se presentará en el Museum Of Latin America Art (MOLAA) en 2025, en Long Beach, California, EU.
Según, Santiago García Galván, la exposición que Betsabeé Romero "a través de sus imágenes poderosas y su simbolismo profundo, ha capturado la esencia de la experiencia migratoria, entretejiendo los hilos de la cultura, la identidad y la resiliencia. Su obra sirve como testimonio del espíritu humano, recordándonos nuestra humanidad compartida y la importancia de la empatía y la compasión".
Betsabeé Romero ha dicho sobre esta exposición que ya está montada y lista para su inauguración en la Galleria Piazza San Marco, que la selección tomó muchos meses, es un formato muy complicado para participar, participan muchos proyectos paralelos de todo el mundo, y al final, fuimos uno de los 30 proyectos seleccionados para hacer una exposición paralela.
En esta exposición, que está muy en la línea del tema general de la bienal, pero más específicamente desde lo que significa la imposición de fronteras, de bordes, de líneas casi punzocortantes que hieren la identidad cultural, de género, la identidad personal y comunitaria, cultural e histórica.
Buena parte de esta exposición reflexiona sobre la Cultura como el hogar que llevamos dentro y que sobrevivió a la sombra de todos los poderes; la forma en que se reproducen las fronteras, las polarizaciones han dividido incluso la cama en el paisaje familiar.
Fotos cortesía de Tany Folgoso
Un nuevo museo en la CDMX mostrará la riqueza musical de Los Ángeles Azules.
El Museo Comunitario Ocho Barrios es uno de los museos que se suma a la CDMX y poco a poco llegaremos a ser la ciudad con más museos del mundo, aunque todavía estamos por detrás de Londres. Para inaugurar este recinto, se abrió la exposición dedicada a la música que muestra las tradiciones y manifestaciones culturales de las comunidades originarias de Iztapalapa.
La exposición de este museo está dedicada a la Música y Músicos de Ixtapalapa, en donde podremos conocer la historia de algunas agrupaciones de esta región, siendo una de las más conocidas, Los Ángeles Azules; que han dejado un impresionante legado en muchas generaciones, musicalizando bailes, ceremonias religiosas, conformado orquestas tradicionales o puesto en alto el nombre de Iztapalapa.
Así que uno de los atractivos de esta exposición es justo ver las fotografías, acetatos firmados, trajes y notas de periódicos sobre grupos musicales emblemáticos de la demarcación, y sobre todo de Los Ángeles Azules. Ya que el Museo Comunitario de los Ocho Barrios busca reconocer la importancia de esta gran banda originaria de Iztapalapa.
Esta agrupación, ya reconocida en muchas partes del mundo, comenzó con la familia Mejía Avante a finales de los 70, aunque debutaron oficialmente en 1980 y desde esa fecha han sido "de Iztapalapa para el mundo". Sus primeros instrumentos fueron sacados con ayuda de Mamá Martha, madre y fundadora del grupo musical, quien fue aval y obtuvo un préstamo para que sus hijos tuvieran guitarras, un bajo y una tarola. Incluso tuvieron que vender la camioneta de su papá para comprar bocinas. Cuarenta años después, Los Ángeles Azules llevan la cumbia de Iztapalapa a muchas partes del mundo y a todas las fiestas mexicanas.
Música y Músicos de Ixtapalapa
Dónde: Museo Comunitario de los Ocho Barrios; Ermita Iztapalapa 100, San Pablo, alcaldía Iztapalapa.
Cuándo: martes a domingo de 10:00 a 18:00 horas
Entrada libre
Foto destacada: Ñuu Savi: Pasado, Presente y Futuro
El seku es una variante de la Pelota mixteca que se preserva en Oaxaca.
Es seku es un deporte que se practica en la comunidad de Yucunani, municipio de San Juan Mixtepec, Oaxaca. Yucunani es una pequeña comunidad con apenas 130 personas con un alto índice de migración, ubicada en la montaña de la región de la Mixteca, en el municipio de San Juan Mixtepec, en el estado de Oaxaca.
Es un juego que se ha retomado en los últimos años, con el fin de preservar la cultura y transmitirlo a las nuevas generaciones de jóvenes que se han integrado en los equipos de seku, además de que ya es un juego con apertura a las mujeres que toman la estaca y meten una bola de madera entre dos banderas que simulan una portería, con el fin de obtener puntos.
Este deporte prehispánico de los pueblos de Ñu?u Savi, estuvo a punto de extinguirse a finales de los años 90, pero un grupo de pobladores, en coordinación con profesores de San Juan Mixtepec, comenzaron a promoverlo y a rescatarlo en la comunidad de Yucunani y en otros espacios. Ahora, los vecinos les enseñan a sus hijos a jugarlo, se resisten a la extinción del deporte de sus abuelos.
El seku es el juego de los ancestros. Es por eso que es un deporte básico en donde solo son necesarios dos equipos de cinco personas en cada una; cada persona usa un bastón de madera con la base curvada, una bola de madera de algún árbol. Además, de estacas con antorchas encendidas colocadas sobre la orilla del perímetro donde se desarrolla el juego.
Cada partido dura 20 minutos con descansos de 10 minutos, aunque algunas veces los partidos pueden llegar a durar hasta media hora. Los pobladores explican que la bola con la que se juega está hecha del tallo del colorín, un árbol escaso en la zona, por lo que en ocasiones lo sustituyen por otros árboles de la región.
La antorcha, que todavía se prende en este juego, sirve para definir las líneas que conforman el campo. Además, como es un juego que tradicionalmente se jugaba de noche, el fuego es para guiar a los jugadores y que no se salgan del campo. Es un juego nocturno porque antes no había tiempo para jugar, y todos se dedicaban a trabajar en el campo.
Asimismo, este juego ya forma parte de las actividades del pedimento de la lluvia que realizan cada año los pueblos de la nación Ñu´u Savi. Hoy en día se abren torneos, y se dan premios y otros estímulos para que haya cada vez más participantes en este juego ancestral.
Además, el torneo está programado a la par de la feria anual de Yucunani, así que se invitan pueblos vecinos como Santiago Juxtlahuaca, Yanhuintlán, Nochixtlán, Tamazulápam, a la competencia, para que sea posible observar los encuentros de cerca, incluso se explican las reglas de este juego que preserva la identidad de Oaxaca.
Fotos cortesía de Marina Baysands
Frida Kahlo supera las fronteras y llega al Museo de arte de Singapur.
Dese hace muchos años, la visión creativa de Frida Kahlo dejó ser un impacto en la cultura popular mexicana para formar parte de algo más global; e incluso para llegar a tierras tan lejanas como la República de Singapur, es una pequeña ciudad-Estado y país insular, situado en el corazón del Sudeste asiático.
Hasta dicho país llega la historia de vida de la artista mexicana a través de ‘Frida Forever’, que incluye dos cautivadoras exposiciones de Frida Kahlo y una experiencia de realidad virtual en el ArtScience Museum Singapore.
Y es que la influencia de Frida Kahlo va más allá de su arte y de su simbolismo; porque miles de personas pueden identificarse con sus experiencias personales y reflexiona sobre sus pasiones, luchas y creencias. Sobre todo sus autorretratos ha sido muy elogiados, pues logran romper límites con su descripción cruda y sin complejos de la feminidad, el dolor, la muerte, el cuerpo humano y la identidad.
‘Frida Forever’ también celebra el importante impacto que sigue teniendo, 70 años después de su fallecimiento, no solo en el arte, sino en la moda, la cultura popular, el feminismo y más.
Frida Kahlo: La vida de un icono es la segunda exposición biográfica inmersiva, desarrollada por Layers of Reality y Frida Kahlo Corporation, que se estrenará en el sudeste asiático con proyecciones de 360 ??grados y un espacio creativo que da vida a sus dibujos. Además de recorrer la rica tradición mexicana.
Esta exposición es curada por el ArtScience Museum con el apoyo de Cristina Kahlo Alcalá, sobrina nieta de Frida Kahlo, y muestra archivos íntimos de su relación con su cuerpo, sus dolencias médicas y el profundo impacto que estas luchas tuvieron en su trabajo artístico.
Los visitantes podrán ver cerca de 40 fotografías, páginas de diarios, obras de arte contemporáneas, registros médicos y entrevistas exclusivas con Cristina Kahlo Alcalá. Esta última revelará cómo adquirió estos documentos médicos del American British Cowdry Hospital donde estuvo internada Frida Kahlo.
La cereza del pastel es una experiencia de realidad virtual que se lleva a cabo dentro de la Galería VR del Museo ArtScience, donde los visitantes pueden ingresar a las pinturas de Frida para sumergirse en su estética, la paleta de colores de sus obras y las diversas texturas que utilizó. Las exposiciones y eventos de ‘Frida Forever’ se llevarán a cabo en el ArtScience Museum del 4 de mayo al 1 de septiembre.
Fotos cortesía de Google Arts & Culture
Estos artistas lograron construir un movimiento que le dio identidad a los chicanos.
El arte chicano forma parte de los movimientos culturales desde los años 50 del siglo XX, pero fue 1960 que se da el boom, junto con las protestas de la guerra de Vietnam, el movimiento Black Power a favor de los derechos civiles. De ahí, que la lucha chicana desafió la categorización y los estereotipos divulgados entre la población anglosajona.
Se trató de un movimiento de artistas chicanos, sobre todo del sureste de California, siendo uno los más representativos el Colectivo de Los Four ( Los cuatro) integrado por Beto de la Rocha (California, 1937), Frank Romero (California, 1941), Carlos Almaraz (Ciudad de México, 1941-California, 1989), Gilberto Sánchez Luján (California, 1940-2011)
En 1974 se unió Judithe Hernández (California, 1948) al colectivo, y todos se caracterizaban por ser activistas de origen mexicoamericano, educados en universidades de Estados Unidos, y sobre todo por ser los primeros artistas en romper las barreras que los museos tenían para el arte chicano, cuando en 1974 el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles (LACMA) incluyó una exposición sobre su obra.
También se caracterizan por impulsar el ?muralismo chicano?, expresión que se desarrolló sobre todo a partir de la década de 1970 en los estados fronterizos del suroeste de los Estados Unidos, y que son reconocidos por representar la vanguardia intelectual del movimiento y de forjar una nueva sensibilidad artística chicana.
Los Four lograron construir muchos puentes híbridos entre la cultura mexicana y estadounidense, plasmando la dualidad cultural de ambos países, superando la geografía, y también creando técnicas y formatos que fueron muy característicos de esa época.
Hoy en día, Los Four no representan la visión definitiva del arte chicano; pero en su momento sí fueron los que abrieron paso a la exploración del arte de Los Ángeles, tuvieron la osadía de crear un diálogo con México, resignificar las piezas en un dicho momento histórico y presentar un arte chicano único, una escuela original que no era ni mexicana, pero tampoco ?gringa?.
En efecto, el movimiento de arte chicano representa los miles de intentos de los artistas estadounidenses de origen mexicano para establecer una identidad única. Es un movimiento que trabajó para resistir y desafiar las normas sociales dominantes y los estereotipos de la autonomía cultural y la autodeterminación, en donde los chicanos han utilizado el arte para expresar sus valores culturales, como una forma de protesta con un valor estético fascinante.
De los cinco artistas, quizá el que ha sido más reconocido a lo largo de los años es Frank Romero, de ascendencia española y mexicana. Algunos se lo atribuyen a que hablaba inglés en casa y Romero aprendió a hablar español más adelante en la vida. Pero no hay duda que todos son grandes artistas y que poseen su propia identidad.
