Los museos, galerías, foros y en realidad cualquier espacio que nos muestre realidades personales, co-existiendo en armonía, son símbolo de una cultura colectiva fértil, que más allá de exhibir subjetividades de entretenimiento, fungen como herramientas esenciales para la estimulación de la sensibilidad y la creatividad. Es importante no olvidar alimentarnos de estas ideas que al fin y al cabo se pueden lograr trascender; robarlas, llevarlas más allá de su origen y volverlas nuestras, como parte de una vivencia propia que está enriqueciendo nuestro palacio de cultura.
La siguiente, es una selección con algunas buenas exposiciones que intenta destacar lo mejor que podrás ver en algunos de los recintos culturales este mes de agosto:
El París de Toulouse-Lautrec. Impresos y carteles del MoMA
Museo del Palacio de Bellas Artes
*Del 12 de agosto al 27 de noviembre
Muestra que explora las pasiones de Henri de Toulouse-Lautrec reflejadas en más de 100 obras entre dibujos, fotografías, litografías, óleos y filmes que permiten apreciar la vida parisina, especialmente la nocturna, de finales del siglo XIX. Con obras pertenecientes a la colección del Museo de Arte Moderno de Nueva York y después de haberse presentado en el recinto estadunidense, esta exposición llega a la Ciudad de México para mostrar múltiples piezas creadas durante la cúspide de la carrera de uno de los más talentosos e innovadores grabadores de la época.
Dirección: Calle Diego Rivera S/N, Álvaro Obregón, San Angeline
Diego Rivera y Kurt Stavenhagen grandes coleccionistas de arte prehispánico
Museo Casa Estudio Diego Rivera y Frida Kahlo
Esta exhibición surge a partir de la recepción en custodia permanente de la colección de piezas prehispánicas que Diego Rivera regaló a Emma Hurtado, su última esposa y galerista, misma que fue encomendada al Museo Casa Estudio Diego Rivera y Frida Kahlo a principios de 2016. Dicho acervo se encuentra conformado por 85 piezas de diferentes culturas mesoamericanas y periodos, que sirvieron como marco referencial para varias obras de Rivera. Kurt Stavenhagen vecino y amigo de Diego Rivera, conformó una colección de más tres mil piezas arqueológicas; gusto que compartió con el artista plástico y con quien intercambiaba puntos de vista sobre la estética prehispánica y el valor de éstas en la historia del arte. Gracias a la preocupación de ambos por conservar y valorar estas obras, pueden ser valoradas en importantes recintos como el Museo Nacional de Antropología, el Anahuacalli, la Casa Estudio Diego Rivera y en el Centro Cultural Tlatelolco.
Dirección: Calle Diego Rivera S/N, Álvaro Obregón, San Angeline
Antropofagia y modernidad. Arte moderno brasileño
Museo Nacional de Arte (MUNAL)
*Hasta el 28 de agosto
La exhibición muestra la relevancia del arte moderno brasileño con un despliegue de la diversidad de lenguajes artísticos de vanguardia, durante la primera parte del siglo xx, así como su aportación al arte abstracto y el arte concreto. A partir de una selección de obras gurativas y abstractas se integrarán piezas de algunos de los más reconocidos artistas brasileños procedentes de una colección particular con alrededor de 170 piezas.
Dirección: Calle Tacuba 8, Cuauhtemoc, Centro Histórico
Entre lo sagrado y lo profano se tejen rebeldías. Arte feminista latinoamericano
Externas Arte Actual
*Miércoles 31 de agosto
Trabajo en torno a la construcción de una metonimia que habla del cinturón de castidad como una prótesis de censura y autocensura en las mentalidades de las mujeres latinoamericanas.
Dirección: Calle Licenciado Verdad No.8, Centro Histórico
Entre límites. Espacios Sonoros en México y Alemania
Externas Arte Actual
*Del 26 de agosto al 23 de octubre
Exhibición extendida a lo largo de múltiples sedes en la Ciudad de México y Berlín, Ex Teresa se suma a la iniciativa mostrando la obra de artistas mexicanos y alemanes como: Jens Brand, Guillermo Santamarina, Stefan Roigk, Manuel Rocha, Marcela Armas y Gilberto Esparza.
Dirección: Calle Licenciado Verdad No.8, Centro Histórico
Los contemporáneos y su tiempo
Museo Palacio de Bellas Artes
*Hasta septiembre
La exposición ofrece un enfoque renovado sobre la obra literaria y cultural de "Los Contemporáneos", una de las generaciones más influyentes de la historia del siglo XX. Integrada por escritores y artistas, este grupo promovió la experimentación a través de la escritura, la crítica literaria, el arte pictórico moderno, así como la expresión universal. La muestra presenta literatura, escenografías, pinturas, dibujos, retratos, guiones cinematográ cos y otros legados.
Dirección: Eje Central Lázaro Cárdenas esquina con Avenida Juárez.
25 Aniversario Luctuoso de Rufino Tamayo
Museo Tamayo Arte Contemporáneo
*Hasta el 24 de julio
Selección de material de archivo que destaca la importancia de la formación de Rufino Tamayo como artista. Incluye fotografías, documentación y libros. Leer más?
Dirección: Paseo de la Reforma 51, Bosque de Chapultepec.
B. Traven
Museo de Arte Moderno
*Hasta el 30 de octubre
La muestra da cuenta de su vida y está organizada en tres núcleos, divididos por sus travesías, en los que se revela a través de 300 piezas y documentos su trabajo interdisciplinario que contempla no sólo a la literatura, sino también su práctica como explorador y su labor como guionista.
Dirección: Av. Paseo de la Reforma S/N, Miguel Hidalgo, Bosque de Chapultepec I
Diego Rivera, re-visiones de Norteamérica
Museo Mural Diego Rivera
*Del 8 e julio al 30 de octubre
Exhibición que muestra a Diego Rivera como principal introductor de los movimientos modernos en Estados Unidos, además de la influencia que su trabajo e ideología tuvieron en ese país. Leer más?
Dirección: Calle Balderas y Colon S/N, Cuauhtémoc, col. Centro
Martes a domingo, 10h
Los Parques de Noguchi
Museo Rufino Tamayo
*Hasta el 9 de octubre de 2016
La exposición "Los parques de Noguchi" en el Museo Tamayo que se inaugura esta semana, promete mucho. Habrá maquetas, dibujos, bocetos y fotografías, además de recreaciones de espacios lúdicos y funcionales. Al parecer se reúne por primera vez en el mundo la investigación al respecto de estos temas que Noguchi amasara a lo largo de 50 años. Leer más?
Dirección: Paseo de la Reforma 51, Bosque de Chapultepec.
Cristóbal Balenciaga
Museo de Arte Moderno
*Hasta el 4 de septiembre
Para muchos, Balenciaga es el personaje mas importante en la historia de la moda. Curada por Javier Gonzalez de Durana Isusi, exdirector del Museo Balenciaga de Getaria, en España, La exposición "Cristóbal Balenciaga" se encuentra exhibiéndose ya en el Museo de Arte Moderno y se trata de la primera muestra de us irónico trabajo traída desde el museo que lleva su nombre por primera vez a America Latina. La exposición se puede apreciar desde tres puntos de vista: a través de los dibujos de alta costura, por medio de las fotografías de Manuel Outumuro, el fotógrafo de moda más importante hoy en día en España y a través de las piezas mismas de indumentaria de Balenciaga. Leer más?
Dirección: Av. Paseo de la Reforma S/N, col. Bosque de Chapultepec I
Los Carpinteros
Museo Universitario Arte Contemporáneo (MUAC)
*Hasta el 4 de septiembre 2016
Hay críticos que definen a Los Carpinteros como un activismo poético que es capaz de cuestionar los diversos discursos oficiales: "un embate estratégico y refinado a ese tipo de sistemas." Denuncian los peligros de la falta de sentido crítico en una sociedad de élites dominantes: "evidenciaron la realidad de la isla durante la década de los noventa, hoy sus proyectos refieren a un contexto universal, aunque sin haber perdido un enfoque netamente cubano". Los Carpinteros han logrado capturar la atención con piezas de manufactura, cargadas de humor y múltiples lecturas e interrogativas. Es decir que a través de acuarelas, esculturas, videos e instalaciones, Marco Castillo ?Camagüey, Cuba, 1971? y Dagoberto Rodríguez ?Caibarién, Cuba, 1969?, evidencian las diferentes ideologías y posturas políticas. Leer más?
Dirección: Insurgentes Sur 3000, Coyoacán
Nacho López. Fotógrafo de México
Palacio de Bellas Artes
Retrospectiva a treinta años del fallecimiento del artista, que rescata mediante más de 300 fotografías, en su mayoría vintage, el trabajo y los aportes técnicos del fotógrafo. Leer más?
Dirección: Av. Juárez, Centro Histórico, 06050 Ciudad de México.
The Swimming pool series, Monica Dower
Laboratorio de Arte Alameda
*Hasta el 7 de agosto
The Swimming Pool Series es la obra de Mónica Dower. Se trata de una peculiar videoinstalación en la que convergen personajes utópicos situados en una alberca. La alberca es el territorio movedizo donde estos artistas y pensadores realizan sus fantasías o acciones elegidas de forma premeditada o espontánea. De los retratos emergen historias a través de las cuales la artista busca ponerlos ?en la cancha del arte? y así, las nociones que parecen fijas, congeladas, entran en terreno móvil, en el flujo líquido en donde imagen-movimiento y pintura (acuarela), son también sujetos puestos en cuestión. Leer más?
Dirección: Doctor Mora 7, col. Centro.
Arqueología, Biología, de Anish Kapoor
Museo Universitario de Arte Contemporáneo
*Hasta el 27 de noviembre de 2016
Anish Kapoor se constituye como uno de los escultores más importantes y reconocidos de nuestra época. Y ahora, por primera vez en México y América Latina, llega al Museo Universitario de Arte Contemporáneo de la UNAM con una colección que fue curada especialmente para nuestra ciudad. Muchos saben que la obra de Anish Kapoor no escatima, y es lo monumental lo que la caracteriza. Dicho esto, las 23 piezas que conformarán la exposición viajarán desde Inglaterra por barco para arribar a la Ciudad de México. Cabe mencionar, que lo nuevo del escultor ocupará un espacio de más de 2,000 metros cuadrados. Lo interesante de "Arqueología, Biología" es que se trata de una línea del tiempo que narra la carrera del artista. Leer más?
Dirección: Av. de Los Insurgentes sur No. 3000, Coyoacán, Centro.
Fotos cortesía de Procine
Nudus es una de las cintas mexicanas más perturbadoras de los últimos años.
Nudus significa "desnudo" en latín, y es una analogía de estar desnudos en las redes sociales, vulnerables o con la falsa seguridad de privacidad, muy a pesar de que todo el internet está siendo vigilado por terceros, según el cineasta Gibrán Bazán cuando habla de su nuevo filme.
Esta historia llega a fortalecer el cine mexicano, que demuestra su variedad de estilos, directores, talentos e historias que enriquecen a la industria fílmica, a la cultura e identidad del país.
Nudus es un film de terror psicológico, que nos sumerge la superstición, la religión y las creencias populares, agregando capas de complejidad a las narrativas y generando una mayor sensación de inquietud en la audiencia. Pero esta ocasión, la cinta se centra en los avances digitales y el terror tecnológico; ofreciéndonos una ventana hacia el hackeo mundial, en un mundo postapocalíptico en donde no existe la privacidad en internet.
Asimismo, Nudus aborda a nuestro mundo hiperconectado: cibercrimen, espionaje global, falta de privacidad y vulnerabilidad de la información. Se trata de poner bajo el reflector el poder de las redes sociales, que concentran miles de millones de datos de los usuarios, en una sociedad cada vez más vigilada.
Carla Hernández, Alex Crusa y Sayaka Yokoyama, son los protagonistas de la cinta de escrita y dirigida por Gibrán Bazán, además de otros trabajos como "Los rollos perdidos" (2012), "Generación Spielberg" (2014) y "El buquinista" (2018); discípulo de Juan López Moctezuma, colaboró con el cineasta en varios proyectos.
Esta cinta se estrenó primero en Estados Unidos, debido a que el tema llamo la atención, además de reflejar el poder de la Inteligencia Artificial, sobre todo con toda la polémica de la huelga de Hollywood, la intromisión cada vez mayor de las redes sociales en nuestras vidas y el gran hackeo es algo que ya comenzó y que tendrá mayor impacto en unos cinco o siete años.
La premisa de su película es que los datos de miles de millones de personas estarán disponibles y abiertos en la red para consulta libre gracias a la poderosa tecnología de las computadoras cuánticas que serán capaces de vulnerar cualquier contraseña o sistema de seguridad online, dejando expuestas nuestras búsquedas, llamadas, mensajes de WhatsApp, passwords, transacciones y cualquier acción que realicemos en internet, es ya una terrible realidad.
Fotos cortesía de Betsabeé Romero
La artista Betsabeé Romero forma parte de una exposición conjunta de la 60 Bienal de Venecia.
La artista Betsabeé Romero lleva su exposición "La espiral sin fin" a la Galleria Piazza San Marco, como parte de la 60 Biennale di Venezia presentada por el Museo de Arte Latinoamericano (MOLAA) con la Fundación Bevilacqua La Masa y el apoyo de los main partners William S. Y Michelle Ciccarelli Lerach e Itaca Arts, cuyo CEO es Santiago García Galván.
Diversos medios italianos han hablado de la exposición, tanto como de la trayectoria de Betsabé y los hallazgos de "La espiral sin fin". Esta exposición explora las prácticas artísticas de Betsabeé Romero a través de obras de arte encargadas y nuevas instalaciones, que también se presentará en el Museum Of Latin America Art (MOLAA) en 2025, en Long Beach, California, EU.
Según, Santiago García Galván, la exposición que Betsabeé Romero "a través de sus imágenes poderosas y su simbolismo profundo, ha capturado la esencia de la experiencia migratoria, entretejiendo los hilos de la cultura, la identidad y la resiliencia. Su obra sirve como testimonio del espíritu humano, recordándonos nuestra humanidad compartida y la importancia de la empatía y la compasión".
Betsabeé Romero ha dicho sobre esta exposición que ya está montada y lista para su inauguración en la Galleria Piazza San Marco, que la selección tomó muchos meses, es un formato muy complicado para participar, participan muchos proyectos paralelos de todo el mundo, y al final, fuimos uno de los 30 proyectos seleccionados para hacer una exposición paralela.
En esta exposición, que está muy en la línea del tema general de la bienal, pero más específicamente desde lo que significa la imposición de fronteras, de bordes, de líneas casi punzocortantes que hieren la identidad cultural, de género, la identidad personal y comunitaria, cultural e histórica.
Buena parte de esta exposición reflexiona sobre la Cultura como el hogar que llevamos dentro y que sobrevivió a la sombra de todos los poderes; la forma en que se reproducen las fronteras, las polarizaciones han dividido incluso la cama en el paisaje familiar.
Fotos cortesía de Tany Folgoso
Un nuevo museo en la CDMX mostrará la riqueza musical de Los Ángeles Azules.
El Museo Comunitario Ocho Barrios es uno de los museos que se suma a la CDMX y poco a poco llegaremos a ser la ciudad con más museos del mundo, aunque todavía estamos por detrás de Londres. Para inaugurar este recinto, se abrió la exposición dedicada a la música que muestra las tradiciones y manifestaciones culturales de las comunidades originarias de Iztapalapa.
La exposición de este museo está dedicada a la Música y Músicos de Ixtapalapa, en donde podremos conocer la historia de algunas agrupaciones de esta región, siendo una de las más conocidas, Los Ángeles Azules; que han dejado un impresionante legado en muchas generaciones, musicalizando bailes, ceremonias religiosas, conformado orquestas tradicionales o puesto en alto el nombre de Iztapalapa.
Así que uno de los atractivos de esta exposición es justo ver las fotografías, acetatos firmados, trajes y notas de periódicos sobre grupos musicales emblemáticos de la demarcación, y sobre todo de Los Ángeles Azules. Ya que el Museo Comunitario de los Ocho Barrios busca reconocer la importancia de esta gran banda originaria de Iztapalapa.
Esta agrupación, ya reconocida en muchas partes del mundo, comenzó con la familia Mejía Avante a finales de los 70, aunque debutaron oficialmente en 1980 y desde esa fecha han sido "de Iztapalapa para el mundo". Sus primeros instrumentos fueron sacados con ayuda de Mamá Martha, madre y fundadora del grupo musical, quien fue aval y obtuvo un préstamo para que sus hijos tuvieran guitarras, un bajo y una tarola. Incluso tuvieron que vender la camioneta de su papá para comprar bocinas. Cuarenta años después, Los Ángeles Azules llevan la cumbia de Iztapalapa a muchas partes del mundo y a todas las fiestas mexicanas.
Música y Músicos de Ixtapalapa
Dónde: Museo Comunitario de los Ocho Barrios; Ermita Iztapalapa 100, San Pablo, alcaldía Iztapalapa.
Cuándo: martes a domingo de 10:00 a 18:00 horas
Entrada libre
Foto destacada: Ñuu Savi: Pasado, Presente y Futuro
El seku es una variante de la Pelota mixteca que se preserva en Oaxaca.
Es seku es un deporte que se practica en la comunidad de Yucunani, municipio de San Juan Mixtepec, Oaxaca. Yucunani es una pequeña comunidad con apenas 130 personas con un alto índice de migración, ubicada en la montaña de la región de la Mixteca, en el municipio de San Juan Mixtepec, en el estado de Oaxaca.
Es un juego que se ha retomado en los últimos años, con el fin de preservar la cultura y transmitirlo a las nuevas generaciones de jóvenes que se han integrado en los equipos de seku, además de que ya es un juego con apertura a las mujeres que toman la estaca y meten una bola de madera entre dos banderas que simulan una portería, con el fin de obtener puntos.
Este deporte prehispánico de los pueblos de Ñu?u Savi, estuvo a punto de extinguirse a finales de los años 90, pero un grupo de pobladores, en coordinación con profesores de San Juan Mixtepec, comenzaron a promoverlo y a rescatarlo en la comunidad de Yucunani y en otros espacios. Ahora, los vecinos les enseñan a sus hijos a jugarlo, se resisten a la extinción del deporte de sus abuelos.
El seku es el juego de los ancestros. Es por eso que es un deporte básico en donde solo son necesarios dos equipos de cinco personas en cada una; cada persona usa un bastón de madera con la base curvada, una bola de madera de algún árbol. Además, de estacas con antorchas encendidas colocadas sobre la orilla del perímetro donde se desarrolla el juego.
Cada partido dura 20 minutos con descansos de 10 minutos, aunque algunas veces los partidos pueden llegar a durar hasta media hora. Los pobladores explican que la bola con la que se juega está hecha del tallo del colorín, un árbol escaso en la zona, por lo que en ocasiones lo sustituyen por otros árboles de la región.
La antorcha, que todavía se prende en este juego, sirve para definir las líneas que conforman el campo. Además, como es un juego que tradicionalmente se jugaba de noche, el fuego es para guiar a los jugadores y que no se salgan del campo. Es un juego nocturno porque antes no había tiempo para jugar, y todos se dedicaban a trabajar en el campo.
Asimismo, este juego ya forma parte de las actividades del pedimento de la lluvia que realizan cada año los pueblos de la nación Ñu´u Savi. Hoy en día se abren torneos, y se dan premios y otros estímulos para que haya cada vez más participantes en este juego ancestral.
Además, el torneo está programado a la par de la feria anual de Yucunani, así que se invitan pueblos vecinos como Santiago Juxtlahuaca, Yanhuintlán, Nochixtlán, Tamazulápam, a la competencia, para que sea posible observar los encuentros de cerca, incluso se explican las reglas de este juego que preserva la identidad de Oaxaca.
Fotos cortesía de Marina Baysands
Frida Kahlo supera las fronteras y llega al Museo de arte de Singapur.
Dese hace muchos años, la visión creativa de Frida Kahlo dejó ser un impacto en la cultura popular mexicana para formar parte de algo más global; e incluso para llegar a tierras tan lejanas como la República de Singapur, es una pequeña ciudad-Estado y país insular, situado en el corazón del Sudeste asiático.
Hasta dicho país llega la historia de vida de la artista mexicana a través de ‘Frida Forever’, que incluye dos cautivadoras exposiciones de Frida Kahlo y una experiencia de realidad virtual en el ArtScience Museum Singapore.
Y es que la influencia de Frida Kahlo va más allá de su arte y de su simbolismo; porque miles de personas pueden identificarse con sus experiencias personales y reflexiona sobre sus pasiones, luchas y creencias. Sobre todo sus autorretratos ha sido muy elogiados, pues logran romper límites con su descripción cruda y sin complejos de la feminidad, el dolor, la muerte, el cuerpo humano y la identidad.
‘Frida Forever’ también celebra el importante impacto que sigue teniendo, 70 años después de su fallecimiento, no solo en el arte, sino en la moda, la cultura popular, el feminismo y más.
Frida Kahlo: La vida de un icono es la segunda exposición biográfica inmersiva, desarrollada por Layers of Reality y Frida Kahlo Corporation, que se estrenará en el sudeste asiático con proyecciones de 360 ??grados y un espacio creativo que da vida a sus dibujos. Además de recorrer la rica tradición mexicana.
Esta exposición es curada por el ArtScience Museum con el apoyo de Cristina Kahlo Alcalá, sobrina nieta de Frida Kahlo, y muestra archivos íntimos de su relación con su cuerpo, sus dolencias médicas y el profundo impacto que estas luchas tuvieron en su trabajo artístico.
Los visitantes podrán ver cerca de 40 fotografías, páginas de diarios, obras de arte contemporáneas, registros médicos y entrevistas exclusivas con Cristina Kahlo Alcalá. Esta última revelará cómo adquirió estos documentos médicos del American British Cowdry Hospital donde estuvo internada Frida Kahlo.
La cereza del pastel es una experiencia de realidad virtual que se lleva a cabo dentro de la Galería VR del Museo ArtScience, donde los visitantes pueden ingresar a las pinturas de Frida para sumergirse en su estética, la paleta de colores de sus obras y las diversas texturas que utilizó. Las exposiciones y eventos de ‘Frida Forever’ se llevarán a cabo en el ArtScience Museum del 4 de mayo al 1 de septiembre.
Fotos cortesía de Google Arts & Culture
Estos artistas lograron construir un movimiento que le dio identidad a los chicanos.
El arte chicano forma parte de los movimientos culturales desde los años 50 del siglo XX, pero fue 1960 que se da el boom, junto con las protestas de la guerra de Vietnam, el movimiento Black Power a favor de los derechos civiles. De ahí, que la lucha chicana desafió la categorización y los estereotipos divulgados entre la población anglosajona.
Se trató de un movimiento de artistas chicanos, sobre todo del sureste de California, siendo uno los más representativos el Colectivo de Los Four ( Los cuatro) integrado por Beto de la Rocha (California, 1937), Frank Romero (California, 1941), Carlos Almaraz (Ciudad de México, 1941-California, 1989), Gilberto Sánchez Luján (California, 1940-2011)
En 1974 se unió Judithe Hernández (California, 1948) al colectivo, y todos se caracterizaban por ser activistas de origen mexicoamericano, educados en universidades de Estados Unidos, y sobre todo por ser los primeros artistas en romper las barreras que los museos tenían para el arte chicano, cuando en 1974 el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles (LACMA) incluyó una exposición sobre su obra.
También se caracterizan por impulsar el ?muralismo chicano?, expresión que se desarrolló sobre todo a partir de la década de 1970 en los estados fronterizos del suroeste de los Estados Unidos, y que son reconocidos por representar la vanguardia intelectual del movimiento y de forjar una nueva sensibilidad artística chicana.
Los Four lograron construir muchos puentes híbridos entre la cultura mexicana y estadounidense, plasmando la dualidad cultural de ambos países, superando la geografía, y también creando técnicas y formatos que fueron muy característicos de esa época.
Hoy en día, Los Four no representan la visión definitiva del arte chicano; pero en su momento sí fueron los que abrieron paso a la exploración del arte de Los Ángeles, tuvieron la osadía de crear un diálogo con México, resignificar las piezas en un dicho momento histórico y presentar un arte chicano único, una escuela original que no era ni mexicana, pero tampoco ?gringa?.
En efecto, el movimiento de arte chicano representa los miles de intentos de los artistas estadounidenses de origen mexicano para establecer una identidad única. Es un movimiento que trabajó para resistir y desafiar las normas sociales dominantes y los estereotipos de la autonomía cultural y la autodeterminación, en donde los chicanos han utilizado el arte para expresar sus valores culturales, como una forma de protesta con un valor estético fascinante.
De los cinco artistas, quizá el que ha sido más reconocido a lo largo de los años es Frank Romero, de ascendencia española y mexicana. Algunos se lo atribuyen a que hablaba inglés en casa y Romero aprendió a hablar español más adelante en la vida. Pero no hay duda que todos son grandes artistas y que poseen su propia identidad.
Fotos cortesía de Museo de Bellas Artes
Damián Ortega: Pico y elote, más de 82 obras del artista mexicano en el Palacio de Bellas Artes.
Es la primera vez que la obra de Damián Ortega, una de las figuras centrales del arte contemporáneo latinoamericano, es puesta en una retrospectiva institucional en México; nada más ni nada menos que en el majestuoso Palacio de Bellas Artes de la CDMX.
Damián Ortega: pico y elote, es el nombre de esta revisión de la poética del escultor mexicano, que confirma el nuevo impulso del arte mexicano contemporáneo en México. Esta exposición ya está abierta al público, y en la inauguración, el artista comentó: "Ha sido muy emocionante todo lo que ha sucedido aquí. Llegar al Palacio de Bellas Artes significa mucho para mí, porque fue un largo camino andado y lo entiendo como un reconocimiento no solo para mí, sino también para toda la gente con la que he colaborado".
Asimismo, el expositor agradeció a Abraham Cruzvillegas, Gabriel Orozco, Abel Kuri, Dr. Lakra; Guillermo Santamarina y a todos los que han colaborado para esta exposición, "con quienes se fue haciendo un colegio de ideas y han sido como pilares de todo este trabajo".
"La exposición comenzó hace alrededor de un año y medio en Monterrey, donde su directora Taiyana Pimentel rompió inercias y se esforzó en dar espacio al trabajo para poder traerlo a México. Pidió la beca de Efiartes, un esfuerzo sostenido también por el Estado, y entonces se hizo una ecuación y se alinearon muchos elementos para que finalmente el Museo del Palacio de Bellas Artes reciba esta exposición, en la Ciudad de México, de donde soy oriundo".
La exposición "Damián Ortega: Pico y elote" consta de 82 obras que recorren más de tres décadas de trabajo ininterrumpido. Es un recorrido no cronológico a través de tres ejes curatoriales: cosechar, ensamblar y colapsar, los cuales favorecen criterios de carácter plástico y conceptual, manteniendo un escepticismo ante la idea de progreso en México.
Lo que caracteriza esta exposición, es que al menos 20 piezas pertenecen a la obra inédita de Damián, entre las que se encuentran Demonio alucinado (2022), Mascarón (2024), además de la Pieza de la serie Torre Latino (2007) y los uniformes de papel Kraft de la serie Utopía mexicana (2019).
De igual manera, se ha editado un catálogo que reúne una serie de textos escritos exprofeso para la muestra, realizados por José Esparza Chong Cuy, Aurora Gómez Galvarriato, Julieta González y Guillermo Osorno, especialistas y conocedores de la obra de Ortega.
Damián Ortega: Pico y elote
Dónde: Museo Palacio de Bellas Artes; Av. Juárez s/n esq. Eje Central Lázaro Cárdenas
Centro Histórico, CDMX.
Cuándo: marte domingo, en horario de 10:00 a 18:00 h.
Cuánto: $90
Estudiantes, maestros, INAPAM, empleados de la Secretaría de Cultura e INBA con credencial vigente: entrada libre
Entrada libre los domingos
