Según la cosmovisión azteca, existen cuatro lugares destinados a la muerte.
Quizás, por azar del destino, o por circunstancias que nosotros mismos hemos erigido en vida, la muerte nos tienda un camino hacia un escenario que particularmente se nos haga familiar. Un no-lugar fuera de toda geográfica terrenal y temporal que en el mejor de los casos entendamos que es el indicado. Diría Octavio Paz “dime cómo mueres y te diré quién eres”.
Frente a ese enigma, que a ratos descubrimos pero no hemos sido lo suficiente intuitivos para reconocerlo, que nombramos destino, existe una interesante cosmovisión prehispánica que atribuye un nombre a ese “no-lugar”, y que forma parte del viaje que emprendemos como caminantes de la atemporalidad, una vez que hemos conseguido despojarnos de la materia.
Una de las incógnitas filosóficas más resonantes, a propósito del tema de la muerte estos días, es esa que nos formulamos sobre el porvenir después de la vida; ¿A dónde va a parar uno (si es que va a algún lado) después de la muerte? La metáfora se extiende cuando nos acercamos a la cosmovisión azteca, y descubrimos que en sus libros de vida se encuentra la muerte disgregada en cuatro lugares destinados a la muerte.
Para los mexicas, la geografía del más allá eran custodiada por cuatro deidades. Curiosamente, existen una serie de elementos que, atendiendo a la visión prehispánica, fungen como portales hacía esos otros mundos. El agua, las cuevas u hoyos en el suelo, las cimas, especialmente las montañas y cerros, y también el fuego. Dicho esto podemos ahondar con mayor información en cada uno de los espacios destinados a la prueba mortuoria, o en el mejor de los casos al descanso eterno donde se pensaba, iban a dar los humanos según la forma en que murieron.
La morada de los muertos
En el mundo azteca, resultaba fácil fraccionar el mundo en tres dimensiones: el cielo, la tierra y el inframundo. En el cielo se encuentran los dioses, en la tierra los humanos y el inframundo de los muertos. Atendiendo a los estudios de Patrick Johansson, los cuatro destinos reconocidos en la realidad azteca eran: Mictlan o “lugar de los muertos” donde custodia Mictlantecuhtli, “el señor de la muerte”; Tlalocan “lugar del Tláloc”; Tonatiuhichan, “la casa del sol” y morada de Huitzilopochtli y Cincalco “la casa del maíz”, gobernado por Huemac.
Mictlán
Es el inframundo a donde van la mayoría de los muertos. Atendiendo a la leyenda del Mito de los trece cielos, tan sólo en el Mictlán existen nueve inframundos. Quienes murieron por muerte natural, enfermedad o accidentes y azares que no precisamente se dotan de sacralidad, este es su lugar. Es probablemente el más difícil de los territorios atemporales pues, según se dice, el recorrido es largo y una serie de obstáculos peligrosos difuminan su final. Basta reconocer que para los aztecas, la putrefacción total del cuerpo representaba en vida el tiempo que le tomaba al difunto conseguir llegar al punto final del Mictlán.
Siguiendo el mito, en este territorio el muerto se encuentra con una serie de númenes misteriosos, tales como el miedo, la discordia, la tumba, las cenizas, el sueño y el desierto. En la primera de las etapas, el difunto alcanza a ver un río, el Apanohuacalhuiados, que solo pueden cruzar con un perro. Es indispensable que en vida la persona haya tenido alguno, para así reconocer al suyo y lograr esquivar la primera dificultad. Quienes maltrataron perros en vida o no tuvieron uno se quedan vagando en este temible espacio, custodiado por una especie de iguana o lagartija de nombre Xochitonal. Se dice que este espacio es donde se lamentan y arrepienten los muertos eternamente, un no-lugar situado entre la difuminada vida y el descanso de la muerte.
El segundo escenario es protagonizado por montañas que se estrellan una con otra amenazando al caminante que está por cruzarlas. En el tercer espacio, soplan vientos de obsidiana. Aquí reside Itztlacoliuhqui, el dios del castigo. Este lugar de nombre Itzehecáyan es tan amplio que en él se encuentran las dos moradas siguientes. La primera está congelada, y posee ocho collados de piedras abruptas de aristas cortantes donde siempre cae nieve. El dios del viento, Mictlecayotl, reside en este lugar. La segunda de estas moradas es totalmente desértica y no hay gravedad. Ocho páramos la conforman. Quienes logran llegar hasta este punto deben vencer los fuertes vientos que los mantienen flotantes, inmersos en la nada. Para el sexto escenario, al difunto le esperan manos invisibles que lanzan flechas. En el séptimo páramo habitan fieras salvajes que gustan de comer los corazones de los muertos.
Llegando casi al final, se encuentra la desembocadura del río Apanohuacalhuia, el octavo nivel. Aquí deambula una masa acuática de aguas negras donde la iguana gigante Xochitónal merodea, y donde el muerto ya sin corazón se debate en la sordidez de las aguas. Para poder llegar al episodio final, el difunto debe cruzar un enorme valle con nueve ríos de gran profundidad. Estos arroyos son en realidad los nueve estados de la consciencia.
El último nivel del Mictlán es un juicio por consciencia propia. Entre tiniebla oscura, el muerto debe reflexionar sobre cada uno de los nueve estados de conciencia en donde el juicio propio valorará sus actos en vida. Dice la leyenda que una vez logrados estos nueve estadios el dios Mictlantecuhtli libera al alma en pena.
Tlalocan
Es el espacio custodiado por Tláloc y sus ayudantes tlaloques. A este sitio iban a parar las almas de los que morían a causa de un rayo, las personas que morían ahogadas o por alguna enfermedad relacionada con el agua, tales como las ligadas al riñón o a la inflamación. Los que morían ahogados eran arrastrados por Chalchiuhtlicue, dualidad de Tláloc. Quienes han tenido una mala experiencia con el mar quizás se han topado con ella, en uno de sus contantes jugueteos. El Tlalocan es una especie de paraíso donde manantiales y ríos se entrecruzan por la mirada. Nuca hace falta el maíz, el frijol, la chía y algunos de los mejores árboles frutales. Se trata de un escenario de delicia y alegría perpetua.
Relata Bernardino de Sahagún que en aquel jardín de delicias, las almas pasaban una existencia de juegos y descanso bajo los árboles en compañía de alegres camaradas y toda clase de manjares al alcance de la mano. Se dice también que las personas que van al Tlalocan son escogidas por los tlaloques en vida. De ahí que no cualquiera pueda llegar hasta este nivel, según se dice, superior de conciencia.
Tonatiuhichan
Es el estado o lugar que alcanzan los que en guerra murieron sacrificando su sangre. Ya fuera en combate o en una inmolación. Se consideraban también “guerreras” las mujeres que morían en el parto. Quienes llegaban a este umbral se encontraban de frente con Tonatiuh, al mismo Sol, y su inigualable resplandor. Se dice que es tanto su brillo que desintegra las sombras. Su más grande gloria de quienes habitan este espacio es la de acompañar al “astro rey” en su vuelo por el cielo. Se cuenta que los hombres aquí se convierten en aves. En colibrí o alguna otra de bello plumaje. Se les mira revoloteando y alimentándose con el néctar de las flores en los jardines de la Casa del Sol.
Cincalco
Finalmente se encuentra la morada de las almas inocentes: los niños y los recién nacidos. Es la casa de Cintéotl y Chicomecóatl, dioses del maíz. Los niños eran enterrados junto a graneros, lo que indicaba que sus almas estaban estrechamente relacionados con el maíz. Se dice que también llegan aquí los hombres que voluntariamente entregaban su vida para dar nueva fuerza al maíz, esto es, quienes han tenido un carácter suicida a sabiendas de que su muerte es lo mejor para todos. Una versión del mito sugiere que la entrada al Cincalco estaba ligada al portal del inframundo ubicado en el Cerro de Chapultepec, donde curiosamente Moctezuma intentó suicidarse unos años antes de la llegada de la conquista.
/ Fotografías: Principal: Steven Lilley – Flickr / Creative Commons; 2) perceptions (off) – Flickr Creative Commons; 3) Jaen Madrid para MXCity; 4) Rafa Win Flickr Creative Commons; 5) Nikos Koutoulas – Flickr Creative Commons
/ Twitter de la autora: @surrealindeath
También en MXCity: Sitios considerados portales al inframundo prehispánico
Información y fotos cortesía de Milenio Cultura
Lorena Camarena llevará sus pinturas a un Pop Up Cultural de Reino Unido.
Lorena Camarena llevará su reciente obra pictórica en El pop Up Cultural de la Embajada de México en Reino Unido, Londres. Esta pintora mexicana se destaca porque su obra aborda nostalgia, memoria y naturaleza como hilo conductor. Sus pinturas son "accidentes y marcas que dejan huellas o ecos de primeras intenciones en el lienzo."
Esta ocasión llega al viejo continente para presentar esta exposición conformada por seis pinturas realizadas entre 2023 y 2024. Lorena Camarena Osorno es una artista que forma parte de la Colección Milenio Arte, y presenta una propuesta pictórica donde explora los límites del paisaje interno imaginado, el mundo concreto y la disonancia entre ambos.
La exposición Alguna vez el paraíso (Once Paradise) en el Pop up Cultural de la Embajada de México en Reino Unido, en Londres. Ahora que su prioridad es aumentar la visibilidad de su obra en el extranjero fomentado el diálogo con nuevos públicos y el intercambio cultural. Esta muestra se inaugurará el 15 de mayo de 2024 a las 18:00 horas en la Embajada de México en Reino Unido en Londres.
Lorena Camarena nació en la CDMX en 1974 y ha vivido entre México, Estados Unidos y Uruguay hasta 1992, cuando se afianzó por completo en México. A lo largo de su trayectoria ha realizado 18 exposiciones individuales y participado en 33 colectivas en México, Canadá, Francia, Estados Unidos y China.
La temática central de sus piezas es la mortalidad, la belleza, lo efímero, la memoria. Es por eso que regularmente podemos ver árboles, plantas y ramas, que comparten el espacio pictórico con elementos como una taza, una pistola o fragmentos de mármol o metal.
Una de sus obras más celebradas ha sido la del 2016, en donde expuso Luz fósil, en la Fundación Sebastián. En junio de 2017 presentó su obra mural Vestigio de sombra en la Fundación Sebastián. ¡Enhorabuena para esta gran artista mexicana!
Fotos cortesía de Tlacolulokos
Los Tlacolulokos muestran lo más interesante del arte contemporáneo oaxaqueño.
Darío Canul y Cosijoesa Cernas son los artistas que forman el colectivo Tlacolulokos. Ambos artistas son del pueblo de Tlacolula, Oaxaca, una comunidad zapoteca ubicada en la región del Valle Central del estado, que ha tenido fuertes vínculos con el sur de California desde la década de 1940, cuando un gran número de trabajadores agrícolas emigró al estado.
De modo que hoy Oaxaca, es también una de las regiones dentro de México con mayor migración hacia Estados Unidos.
Pero lo que más destaca a Los tlacolulokos es su trabajo artístico con una variedad de técnicas y medios gráficos como video, audio, grabados, fotografía y pintura. Su trabajo combina diferentes estilos como el street art, la pintura de caballete y mural y la serigrafía; además se desarrolla en las calles y en espacios artísticos públicos
El Colectivo Tlacolulokos, también se dedica a la difusión musical del rock y rap, así como la pintura a caballete, mural y la intervención sonidera.
Desde 2009 son Tlacolulokos, aunque ya tenían un trabajo anterior como difusores de la cultura al realizar eventos musicales. Su arte se enfoca en la crítica y el autoanálisis de vivir en Oaxaca y en los pueblos idealizados a partir del turismo; asimismo, se trata de mostrar lo que realmente se vive en las comunidades, en las periferias de la ciudad y la "contaminación cultural" a partir de la globalidad.
Sus pinturas más celebradas y creativas son las mujeres oaxaqueñas con trajes de tehuanas, pero tenis de marca norteamericana o en contextos de mezclas culturales, contaminaciones, choques y flujos. Muchas de sus pinturas son en gran formato.
Pero más allá de sus pinturas, es posible seguirlos en su canal de YouTube. Sus intervenciones sonideras son bastante interesantes.
Fotos cortesía de INAH
Esta instalación forma parte de la celebración de los 60 años del Museo Nacional de Antropología.
El Museo Nacional de Antropología (MNA) celebra 60 años, con la pieza monumental Tú del artista jalisciense José Rivelino Moreno Valle (1973) una de sus obras escultóricas monumentales más emblemáticas. Dicha pieza se encuentra expuesta en la explanada principal del recinto capitalino y ya es posible visitarla.
Se trata de un conjunto escultórico que consta de dos dedos índices de color blanco, elaborados en bronce, acero y concreto, los cuales se apuntan uno al otro, y pesa 30 toneladas, sumándose a la Piedra del Sol como una de las obras más pesadas exhibidas en Ciudad de México.
Esta instalación fue revelada por primera vez en Trafalgar Square, Londres, en Reino Unido, en 2015, y desde entonces ha formado parte del espacio público de latitudes como Alemania, Bélgica, Rusia, España, Italia y Estados Unidos. En México, esta pieza ha visitado la Macroplaza de Monterrey, el Patio Mayor del Instituto Cultural Cabañas y los centros históricos de las ciudades de Puebla y San Luis Potosí.
Por su parte, Rivelino es un artista que divide su tiempo entre la creación, la investigación y el activismo en los ámbitos de economía, cultura y desigualdad, y destacó la relevancia de la presentación de su obra en el museo más visitado de Latinoamérica. La intención de esta pieza es que el público pueda interactuar en diversas formas: "Que el individuo esté frente a frente del otro. De ellos frente a mí y de todos juntos, en el paso del yo al nosotros".
Esta pieza es polisémica, interactúa con el espacio en el que se instala y, al mismo tiempo, con el público. Visibiliza lo que las personas a veces quieren decir, en el espacio que hay entre los dos dedos que se señalan entre sí, puntualizó, caben todas las ideologías, las conversaciones y todo tipo de personas.
Además de admirar la instalación artística, las y los visitantes del MNA podrán tocarla e interactuar con ella, fotografiarse o mirarla a detalle y reflexionar sobre la propuesta del artista.
Tú de Rivelino
Dónde: patio del Museo Nacional de Antropología; Paseo de la Reforma y Gandhi, Chapultepec, Polanco, Miguel Hidalgo.
Cuándo: hasta 26 de agosto de 2024, lunes a viernes desde las 07:00.
Entrada libre
Fotos cortesía de Procine
Nudus es una de las cintas mexicanas más perturbadoras de los últimos años.
Nudus significa "desnudo" en latín, y es una analogía de estar desnudos en las redes sociales, vulnerables o con la falsa seguridad de privacidad, muy a pesar de que todo el internet está siendo vigilado por terceros, según el cineasta Gibrán Bazán cuando habla de su nuevo filme.
Esta historia llega a fortalecer el cine mexicano, que demuestra su variedad de estilos, directores, talentos e historias que enriquecen a la industria fílmica, a la cultura e identidad del país.
Nudus es un film de terror psicológico, que nos sumerge la superstición, la religión y las creencias populares, agregando capas de complejidad a las narrativas y generando una mayor sensación de inquietud en la audiencia. Pero esta ocasión, la cinta se centra en los avances digitales y el terror tecnológico; ofreciéndonos una ventana hacia el hackeo mundial, en un mundo postapocalíptico en donde no existe la privacidad en internet.
Asimismo, Nudus aborda a nuestro mundo hiperconectado: cibercrimen, espionaje global, falta de privacidad y vulnerabilidad de la información. Se trata de poner bajo el reflector el poder de las redes sociales, que concentran miles de millones de datos de los usuarios, en una sociedad cada vez más vigilada.
Carla Hernández, Alex Crusa y Sayaka Yokoyama, son los protagonistas de la cinta de escrita y dirigida por Gibrán Bazán, además de otros trabajos como "Los rollos perdidos" (2012), "Generación Spielberg" (2014) y "El buquinista" (2018); discípulo de Juan López Moctezuma, colaboró con el cineasta en varios proyectos.
Esta cinta se estrenó primero en Estados Unidos, debido a que el tema llamo la atención, además de reflejar el poder de la Inteligencia Artificial, sobre todo con toda la polémica de la huelga de Hollywood, la intromisión cada vez mayor de las redes sociales en nuestras vidas y el gran hackeo es algo que ya comenzó y que tendrá mayor impacto en unos cinco o siete años.
La premisa de su película es que los datos de miles de millones de personas estarán disponibles y abiertos en la red para consulta libre gracias a la poderosa tecnología de las computadoras cuánticas que serán capaces de vulnerar cualquier contraseña o sistema de seguridad online, dejando expuestas nuestras búsquedas, llamadas, mensajes de WhatsApp, passwords, transacciones y cualquier acción que realicemos en internet, es ya una terrible realidad.
Fotos cortesía de Betsabeé Romero
La artista Betsabeé Romero forma parte de una exposición conjunta de la 60 Bienal de Venecia.
La artista Betsabeé Romero lleva su exposición "La espiral sin fin" a la Galleria Piazza San Marco, como parte de la 60 Biennale di Venezia presentada por el Museo de Arte Latinoamericano (MOLAA) con la Fundación Bevilacqua La Masa y el apoyo de los main partners William S. Y Michelle Ciccarelli Lerach e Itaca Arts, cuyo CEO es Santiago García Galván.
Diversos medios italianos han hablado de la exposición, tanto como de la trayectoria de Betsabé y los hallazgos de "La espiral sin fin". Esta exposición explora las prácticas artísticas de Betsabeé Romero a través de obras de arte encargadas y nuevas instalaciones, que también se presentará en el Museum Of Latin America Art (MOLAA) en 2025, en Long Beach, California, EU.
Según, Santiago García Galván, la exposición que Betsabeé Romero "a través de sus imágenes poderosas y su simbolismo profundo, ha capturado la esencia de la experiencia migratoria, entretejiendo los hilos de la cultura, la identidad y la resiliencia. Su obra sirve como testimonio del espíritu humano, recordándonos nuestra humanidad compartida y la importancia de la empatía y la compasión".
Betsabeé Romero ha dicho sobre esta exposición que ya está montada y lista para su inauguración en la Galleria Piazza San Marco, que la selección tomó muchos meses, es un formato muy complicado para participar, participan muchos proyectos paralelos de todo el mundo, y al final, fuimos uno de los 30 proyectos seleccionados para hacer una exposición paralela.
En esta exposición, que está muy en la línea del tema general de la bienal, pero más específicamente desde lo que significa la imposición de fronteras, de bordes, de líneas casi punzocortantes que hieren la identidad cultural, de género, la identidad personal y comunitaria, cultural e histórica.
Buena parte de esta exposición reflexiona sobre la Cultura como el hogar que llevamos dentro y que sobrevivió a la sombra de todos los poderes; la forma en que se reproducen las fronteras, las polarizaciones han dividido incluso la cama en el paisaje familiar.
Fotos cortesía de Tany Folgoso
Un nuevo museo en la CDMX mostrará la riqueza musical de Los Ángeles Azules.
El Museo Comunitario Ocho Barrios es uno de los museos que se suma a la CDMX y poco a poco llegaremos a ser la ciudad con más museos del mundo, aunque todavía estamos por detrás de Londres. Para inaugurar este recinto, se abrió la exposición dedicada a la música que muestra las tradiciones y manifestaciones culturales de las comunidades originarias de Iztapalapa.
La exposición de este museo está dedicada a la Música y Músicos de Ixtapalapa, en donde podremos conocer la historia de algunas agrupaciones de esta región, siendo una de las más conocidas, Los Ángeles Azules; que han dejado un impresionante legado en muchas generaciones, musicalizando bailes, ceremonias religiosas, conformado orquestas tradicionales o puesto en alto el nombre de Iztapalapa.
Así que uno de los atractivos de esta exposición es justo ver las fotografías, acetatos firmados, trajes y notas de periódicos sobre grupos musicales emblemáticos de la demarcación, y sobre todo de Los Ángeles Azules. Ya que el Museo Comunitario de los Ocho Barrios busca reconocer la importancia de esta gran banda originaria de Iztapalapa.
Esta agrupación, ya reconocida en muchas partes del mundo, comenzó con la familia Mejía Avante a finales de los 70, aunque debutaron oficialmente en 1980 y desde esa fecha han sido "de Iztapalapa para el mundo". Sus primeros instrumentos fueron sacados con ayuda de Mamá Martha, madre y fundadora del grupo musical, quien fue aval y obtuvo un préstamo para que sus hijos tuvieran guitarras, un bajo y una tarola. Incluso tuvieron que vender la camioneta de su papá para comprar bocinas. Cuarenta años después, Los Ángeles Azules llevan la cumbia de Iztapalapa a muchas partes del mundo y a todas las fiestas mexicanas.
Música y Músicos de Ixtapalapa
Dónde: Museo Comunitario de los Ocho Barrios; Ermita Iztapalapa 100, San Pablo, alcaldía Iztapalapa.
Cuándo: martes a domingo de 10:00 a 18:00 horas
Entrada libre
Foto destacada: Ñuu Savi: Pasado, Presente y Futuro
El seku es una variante de la Pelota mixteca que se preserva en Oaxaca.
Es seku es un deporte que se practica en la comunidad de Yucunani, municipio de San Juan Mixtepec, Oaxaca. Yucunani es una pequeña comunidad con apenas 130 personas con un alto índice de migración, ubicada en la montaña de la región de la Mixteca, en el municipio de San Juan Mixtepec, en el estado de Oaxaca.
Es un juego que se ha retomado en los últimos años, con el fin de preservar la cultura y transmitirlo a las nuevas generaciones de jóvenes que se han integrado en los equipos de seku, además de que ya es un juego con apertura a las mujeres que toman la estaca y meten una bola de madera entre dos banderas que simulan una portería, con el fin de obtener puntos.
Este deporte prehispánico de los pueblos de Ñu?u Savi, estuvo a punto de extinguirse a finales de los años 90, pero un grupo de pobladores, en coordinación con profesores de San Juan Mixtepec, comenzaron a promoverlo y a rescatarlo en la comunidad de Yucunani y en otros espacios. Ahora, los vecinos les enseñan a sus hijos a jugarlo, se resisten a la extinción del deporte de sus abuelos.
El seku es el juego de los ancestros. Es por eso que es un deporte básico en donde solo son necesarios dos equipos de cinco personas en cada una; cada persona usa un bastón de madera con la base curvada, una bola de madera de algún árbol. Además, de estacas con antorchas encendidas colocadas sobre la orilla del perímetro donde se desarrolla el juego.
Cada partido dura 20 minutos con descansos de 10 minutos, aunque algunas veces los partidos pueden llegar a durar hasta media hora. Los pobladores explican que la bola con la que se juega está hecha del tallo del colorín, un árbol escaso en la zona, por lo que en ocasiones lo sustituyen por otros árboles de la región.
La antorcha, que todavía se prende en este juego, sirve para definir las líneas que conforman el campo. Además, como es un juego que tradicionalmente se jugaba de noche, el fuego es para guiar a los jugadores y que no se salgan del campo. Es un juego nocturno porque antes no había tiempo para jugar, y todos se dedicaban a trabajar en el campo.
Asimismo, este juego ya forma parte de las actividades del pedimento de la lluvia que realizan cada año los pueblos de la nación Ñu´u Savi. Hoy en día se abren torneos, y se dan premios y otros estímulos para que haya cada vez más participantes en este juego ancestral.
Además, el torneo está programado a la par de la feria anual de Yucunani, así que se invitan pueblos vecinos como Santiago Juxtlahuaca, Yanhuintlán, Nochixtlán, Tamazulápam, a la competencia, para que sea posible observar los encuentros de cerca, incluso se explican las reglas de este juego que preserva la identidad de Oaxaca.
