Arte y Cultura
Un recorrido por el hermoso Cárcamo de Chapultepec (FOTOS)
Maria Jose CA
El lugar goza de simbolismo e historia en nuestra ciudad.

El Cárcamo de Chapultepec no es sólo un edificio cualquiera, es un sitio que seduce a cada visitante de la zona. 

 

Ajeno del ruido urbano, el Cárcamo de Chapultepec es una espléndida oportunidad para pasar un día en los deliciosos rincones de la naturaleza. Se trata de un recorrido en la segunda sección del Bosque de Chapultepec, el cual rinde homenaje al agua del río Lerma que solía abastecer a la ciudad de México.

Al llegar ahí, en Avenida Neri Vela, lo primero que uno se encuentra son los jardines que se restauraron en 2010. Si bien dan un aire a los trabajos arquitectónicos del barcelonés Gaudí, estos jardines mantienen la esencia de la mexicanidad, entre sus cascabeleos y serpientes empedradas que rodean torres entre plantas autóctonas de México. La realidad es que estas torres son una especie de imanes que incitan a descubrir su interior, recobrar sus secretos y detalles entre la maleza.

 

Carcamo de Chapultepec

 

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Esta zona del Cárcamo se ha convertido en una especie de laberinto hipnótico, entre sus jardines, torres y serpientes. Y pese a que a un lado se encuentra el ruido de la Feria, la pureza mítica de este sitio permanece intacta.

Siguiendo los caminos de los jardines, se descubre el museo del Cárcamo. Este pequeñísimo pero imponente espacio que resguarda la tradición, historia y cultura de un México antiguo. Desde la estructura arquitectónica de Ricardo Rivas, la portentosa fuente con la figura de Tláloc y el mural de El agua, el origen de la vida diseñados por Diego Rivera, y la Cámara Lambdoma de Ariel Guzik.

 

Carcamo de Chapultepec

 

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El lugar goza de simbolismo e historia en nuestra ciudad, la cual puede leerse dándole click aquí. Entrar aquí, con el juego de sonidos por la Cámara Lambdoma, y observar atentamente el mural, es un golpe inesperado y fortuito de estímulos placenteros. Es una especie de materialización del arte que llegan al cuerpo de manera ingeniosa y por impulsos naturales. Explica incluso Guzik que:

 

Carcamo de Chapultepec

 

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…un sensor de la sonoridad del flujo del agua, su caudal y el ruido térmico que produce; dos juegos de pipas que integran el órgano de armónicos y subarmónicos; una torre de colección de señales meteorológicas para controlar tesituras y matices de este órgano y un tablero de mecanismos y controles visible por el público. El sensor de la sonoridad del flujo de agua está constituido por elementos sumergibles que detectan la sonoridad y la entropía producida en un cristal semiconductor.

Aporta la señal de ruido blanco que junto con otras señales provenientes de la torre meteorológica, hace fluir los ensambles armónicos y subarmónicos de la cámara. El sistema de colección de señales meteorológicas es un instrumento constituido por múltiples elementos que provee de las señales que determinan los matices en los coros del órgano, de tal forma que las nubes, los cielos nublados, el viento, la lluvia, la llovizna, el cenit, el crepúsculo y los movimientos telúricos producen, en los acordes de la cámara, acentos y tensiones.

 

Carcamo de Chapultepec

 

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La vista en este lugar es hipnotizante. Al posicionarse desde el fondo del edificio, la vista, ingeniosamente diseñada por los juegos artísticos de Rivera, da no sólo al mural subacuático, también a la fuente externa de Tláloc y, a su fondo, una pirámide natural. Es una mezcla perfecta que no sólo atribuye a la creatividad del humano ?un mexicano?, también de la naturaleza y la prehistoria. Es una invitación a salir y recorrer cada espacio para observarlo, descubrirlo y desnudarlo por capas.

 

Carcamo de Chapultepec

 

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Si seducir es quedarse en la mente de una persona, el Cárcamo se ha encargado de seducir histórica y culturalmente a todo visitante de este espacio. Pues, de alguna manera, envuelve al visitante para seguir caminando y caminando, tratando de descubrir más secretos.

 

Carcamo de Chapultepec

 

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/ Fotografías: María José Castañeda para MXCity

La Llorona, la primera película mexicana sonora y de terror
MXCity
La Llorona inspiró la primera película mexicana de terror y continua siendo una gran fuente de inspiración.

Foto destacada: Heraldo de México

La leyenda de la Llorona se ha llevado al cine varias veces desde 1933.

 

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La leyenda de La Llorona es uno de los mitos prehispánicos que sigue vigente en todo barrio popular y más allá. Se le han otorgado diferentes identidades al origen de La Llorona: el Xtabay maya, diosas de la fertilidad y el parto de los mexicas o zapotecas, el alma femenina lamentando la muerte de su(s) hijo(s). Este personaje terminó de construirse en la época colonial, de temores perennes y admoniciones de fe.

En la película de Ramón Peón, La Llorona, de 1933, se explica que su origen nace con La Malinche. Ya que, se dice, terminada la conquista, los grandes servicios de doña Marina fueron olvidados y la raza vencida, considerándola culpable de la derrota, concentró todo su odio en ella y su hijo.

 

 

A lo largo de los años se ha dicho que La Llorona hipnotiza, hiela la sangre y que se lleva a los niños para remplazar los perdidos siendo una mezcla de calavera con momia o bruja con mujer desfigurada de larga caballera que flota por los aires cantando "Ayyy mis hijos".

 

La Llorona de 1933

 

 

La Llorona de Ramón Peón es la primera cinta de terror hecho en México. Además, tiene otra peculiaridad: ayudó a reinterpretar el mito sin fecha precisa. Se h dicho que viene en las crónicas de Bernal Díaz del Castillo y la relación entre un caballero español y una mujer indígena.

 

 

También se ha dicho que su origen puede ser anterior a la llegada de las tropas españolas, con la mujer asesinando a sus hijos como un sacrificio, sin decepción amorosa. Bernardino de Sahagún cita los presagios que antecedieron al arribo de la tripulación europea, en referencia al grito desgarrador.

La "esencia" de La Llorona mantiene sus características en cada versión del relato en teatro, radio, historieta y por supuesto en la versión cinematográfica de Ramón Peón. En la cinta, un médico desestima la creencia en fantasmas, apariciones y cuerpos astrales? O tal vez no. Hace unos años la película se desempolvó para proyectarla en un festival de cine de terror.

 

 

La copia que pertenece al Archivo Permanencia Voluntaria a cargo de Viviana García-Besné, y fue restaurada con el apoyo de The Academy Film Archive, Cine Fantástico, la Filmoteca de la UNAM y The Hanson Institute. La restauración fue intensa ya que solo  había un positivo de 16 mm en la Filmoteca de la UNAM.

La película se escaneó en la Filmoteca y luego se envió a unos laboratorios en San Francisco, California. Más tarde The Academy Film Archive rescató lo que se pudo de la primera cinta de horror mexicana y sonora que se filmó en 1933.

 

 

La Llorona dura 73 minutos, es protagonizada por Ramón Pereda, Virginia Zurí, Adriana Lamar y Carlos Orellana quienes narran el caso de “María” y ya no te armamos todo un spoiler. También es la primera vez se ve un micrófono en una película mexicana.

Ramón Peón es un director cubano (que además es periodista, mago, bailarín, músico, productor, director, camarógrafo, actor y guionista) que llegó a México en 1931 como asistente de Antonio Moreno en la película Santa, interpretada por Lupita Tovar. Las catacumbas se ven de cine de horror del expresionismo alemán  pero con el dominio técnico y apego a la tradición folclórica mexicana.

 

 

Otras versiones de La Llorona  

 

 

La herencia de La Llorona (1947) adaptación de Mauricio Magdaleno. El cineasta Fernando Méndez hizo la Otra versión en El grito de la muerte (1959), en el medio rural mexicano. En 1959, el director René Cardona hice otra versión de La Llorona en donde sale Mauricio Garcés. En 1963, Rafael Baledón realizó La maldición de La Llorona, donde Marina (Malintzin), no hace el grito tradicional, se le trata en términos de bruja con una maldición.

Ernesto Alonso produjo la telenovela Leyendas de México en 1968 con un episodio dedicada a La Llorona, dirigido por Raúl Araiza. El Enmascarado de Plata y José Mantequilla Nápoles pelearían mano a mano en La venganza de La Llorona (Miguel M. Delgado, 1974).

 

 

Además: Las Lloronas (Lorena Villarreal, 2004), The Cry (Bernardine Santiestevan, 2007), La Llorona (Jayro Bustamante, 2019), La Llorona (Michael Craves, 2019), The Haunting of La Llorona (Dennis Devine, 2019) y The Legend of La Llorona (Patricia Harris Seeley, 2020). La leyenda de La Llorona (Alberto Chino Rodríguez, 2011) es la versión infantil animada.

 

Aquí la película completa:

 

 

Martín Ramírez, el misterioso artista mexicano en un hospital psiquiátrico
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El arte de Martín Ramírez pasó de estar colgado en las paredes de un hospital psiquiátrico a los muros del Museo Reina Sofía.

Foto destacada: lemblanzas

Martín Ramírez es uno de los maestros autodidactas más notables del siglo XX.

 

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En 1925 Martín Ramírez viajo a los Estados Unidos siendo detenido tras la Gran Depresión, debido a que era un emigrante que vagabundeaba por las calles en profunda confusión y con incapacidad de comunicarse. A sus 37 años, fue llevado a un instituto de salud mental en donde pasó los otros 33 años con diagnóstico de depresión maníaca y esquizofrenia catatónica incurable.

A pesar de la triste historia, conoció al doctor Tarmo Pasto, profesor de psicología y arte quien integró a Ramírez en el mundo del arte, del que vivía apartado. Por una gran sorpresa, resultó que la producción pictórica de Ramírez fue de gran gusto para muchos.

 

 

Su arte estaba lleno de estructuras lineales flexibles elementos narrativos y autobiográficos que dieron sentido a su mundo interior y exterior en crisis. Siendo que los dibujos de Martín Ramírez  nacido en Jalisco en 1895, han pasado de estar colgados en las paredes de una estancia del DeWitt State Hospital, a los muros del Museo Reina Sofía.

Su primera exposición fue en el The Heart of Creation: The Art of Martín Ramírez, en el Moore College of Art and Design de Filadelfia, quien introdujo la obra de Ramírez al mundo del arte como el ejemplo paradigmático en Estados Unidos de lo que en Europa se había documentado como "el arte de los dementes, art brut o arte outsider".

 

 

Muchos años después, el Museo Reina Sofía le dedicó una retrospectiva a Ramírez, bajo el nombre Marcos de reclusión. Fue una muestra de Brooke Davis Anderson, quien coordinó la exhibición de este artista en 2007 en el Folk Art Museum de Nueva York, aclamada por la crítica, reúne ahora un total de 62 dibujos procedentes de coleccionistas privados y públicos.

El Dr. Pasto fue el responsable de salvar casi medio millar de dibujos, de las llamas del fuego ya que el pegamento que utilizaba Ramírez en algunas de sus pinturas contenía saliva, y las enfermeras pensaban que la saliva podía ser causa de contagio.

 

 

Las obras de este artista hablan de México, tienen dibujos de vírgenes y de iglesias; así como ferrocarriles, jinetes, túneles y trenes. Muchas ilustraciones aparecen encerradas por líneas y curvas repetidas hasta la obsesión, creando un clima inquietante, claustrofóbico, símbolo quizá de su propia incomunicación (creyeron que era sordomudo, aunque realmente no sabía inglés).

 

 

Ramírez utilizaba cualquier papel y robaba los lápices a los celadores. Fue un arte marginal del que no se dejó testimonio escrito alguno sobre el significado de su obra. El discurso de "outsider" fue promovido por la primera exhibición de 1985, que ayudó a reforzar el aura de misterio que cubría su obra, lo cual la hizo más atractiva para los coleccionistas en busca de "arte puro".

 

 

En 1987, sus dibujos fueron los principales atractivos de la exposición Hispanic Art in the United States: Thirty Contemporary Painters and Sculptors, la primer gran exhibición dedicada a los artistas de origen latinoamericano que habían nacido o trabajado en Estados Unidos pero la comunidad chicana y mexicano-estadounidense no recibió muy bien la inclusión de Ramírez en esa exposición.

Esto porque Ramírez no era ni un artista chicano ni un artista latino contemporáneo, sino un artista "primitivo". Además, a la obra de Ramírez se le dio un carácter central pero, ¿cómo era posible que un artista "esquizofrénico" representara a una comunidad que aspiraba a ser tomada en serio por las instituciones hegemónicas del mundo del arte?

 

 

Tres años después, en respuesta a la exhibición de Hispanic Art in the United States, un grupo de artistas y académicos organizó una contra-exhibición: Arte Chicano: Resistencia y Afirmación, 1965-1985 pero se omitió l trabajo de porque su obra no se produjo durante el periodo cubierto por la exhibición, ni en el contexto de la experiencia social y política del movimiento chicano.

En 2011, cinco dibujos de Ramírez fueron incluidos en MEX/L.A.: "Mexican" Modernism(s) in Los Angeles, 1930-1985; con el objetivo de examinar la idea de "mexicanidad" en el contexto del arte moderno y contemporáneo con artistas mexicanos que trabajan en diferentes medios

 

 

Martín Ramírez en México

 

 

Una retrospectiva llamada Martín Ramírez: pintor mexicano, se inauguró en 1989 en el desaparecido Centro Cultural Arte Contemporáneo en la Ciudad de México. La exhibición fue organizada por iniciativa de Robert Littman, quien había introducido el Art Brut en EU y México. Su primera idea era montar una exposición con la famosa Colección de Art Brut de Dubuffet, pero le resultó más conveniente llevar a México la exhibición de Ramírez que abrió en 1985 en Filadelfia.

En dicha exposición, se intentó mexicanizar a Martín Ramírez, acompañando sus dibujos con juguetes tradicionales, piezas de cerámica de Tonalá y Tlaquepaque, y cajas de madera y amates de Guerrero.

 

 

Se dice que en esta exposición la hija mayor de Ramírez vio los dibujos de su padre. Uno de los sobrinos de Ramírez visitó la exposición, pero el personal del museo no lo tomó en serio. La nieta de Ramírez envió una carta a un periódico para explicar el origen, vida y datos sobre el artista pero la ignoraron.

De hecho, a pesar de que la exposición tuvo mucho éxito, los mexicanos consideraron que este tipo de arte era más bien chicano, por haber producido toda su obra en Estados Unidos; además de que el catálogo de la exposición no era mexicano. Desde 1989, no se ha podido llevar a cabo otra una exposición individual sobre Martín Ramírez.

 

 

Martín Ramírez falleció en Sacramento el 17 de febrero de 1963. Fue enterrado solo, pues su familia no podía asumir los gastos del traslado a México. Se conservan al menos 450 dibujos del mexicano, considerado también representante del arte marginal.

Dune, la historia de la versión pirata hecha en los Estudios Churubusco
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David Lynch trató de hacer una gran historia de sci-fi pero solo el talento tropical y pirata de El Caballo Rojas triunfó.

Foto destacada: Distrito comedia

David Lynch y Alberto "El Caballo" Rojas tienen una extraña conexión fílmica.

 

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Dune es una película de ciencia ficción (Denis Villeneuve, 2021, basada en una nueva versión de la novela homónima de 1965 de Frank Herbert que trata de? bueno se trata de un lugar de una galaxia donde se puede obtener una sustancia que actúa como combustible de los viajes espaciales y habilidades psíquicas mezcladas con gusanos gigantes, brujas, viajes alucinógenos, profecías, láseres, mesías y bueno?

Algunas personalidades han intentado adaptar la novela al cine pero hasta ahora, bueno, digamos que tendremos que esperar las siguientes películas…  Aunque la historia de Dune es bastante conocida y amada (para el mundo de grandes fanáticos de la ciencia ficción) la historia de los intentos de llevar la novela al cine es interesante (y bastante conocida para los cinéfilos) y bueno? esta película ha tenido muchos intentos de realizarse pero pocos impactos.

 

Primer intento: Alejandro Jodorowsky

 

 

En 1974 Alejandro J. fue el primero en crear una versión cinematográfica de Dune que para muchos iba a hacer igual de alucinante que la novela. Según, el artista esperaba reunir a Mick Jagger, Orson Welles, Salvador Dalí, H.R. Giger, Dan O?Bannon y Pink Floyd? de hecho hasta existe material del Story board? Hollywood le dijo a Jodorowsky que tendría 2 horas de filmación. El cineasta pedía de 10 a 12 hora. La película se canceló.

 

 

Segundo intento: David Lynch

 

 

David Lynch llevó a la pantalla grande Dune en 1984, y para reducir un poquito los gastos la película se rodó en los Estudios Churubusco de Tlalpan, un poco antes de filmar Chiquita pero picosa con Verónica Castro… Más allá del dato, en dicho estudio se grabaron grandes películas incluyendo muchas de Hollywood.  

Lynch filmó en México con una terrible logística con 53 personajes, 20,000 extras, cuatro planetas distintos, 70 decorados por construir y derribar, 900 hombres y mujeres trabajando como parte del equipo, y 200 de esos hombres que se pasaron meses en el desierto para limpiarlo de serpientes de cascabel, escorpiones y cactus.

 

 

Además, había millones de dólares invertidos en adaptar una novela compleja, inmensa y con muchas tramas interconectadas en un espacio de dos horas. Es por eso que la historia no se entendía, tuvieron que añadirse muchos recursos para hacerla accesible y al final ningún intento pudo rescatar el fracaso de la película y de Lynch.

De hecho, Lynch contrató a algunos actores mexicanos que aparecen como extras en la cinta, incluyendo a Ernesto Laguardia, Angélica Aragón y Ana Ofelia Murguía.

 

 

Tercer intento: Dune tropicalizado

 

 

En 1991 los Estudios Churubusco rescataron el material y la utilería de la versión de Dune de Lynch, que se habían quedado en las bodegas. Y con lo que había, se rodó la película (de Dune) de Alberto "El Caballo" Rojas versión tropical, jugosa y con un título soberbio y encantador: Dos Nacos en el Planeta de las Mujeres.

La película tenía de escritor al gran Alejandro Licona, dramaturgo y escritor prolífico cuyas piezas están Un macho en la casa de citas (1989) Mátenme porque me muero (1989) El hotelito de los horrores (1990) Mujer de cabaret (1990) Peló gallo (1990) Cazafantasmas a la mexicana (1991) y Santo santón (1993)

En el elenco se encontraban el propio Alberto Rojas en el papel protagónico, César Bono. Una comedia picosa con máquinas de la adaptación de Lynch siendo operadas por Lorena Herrera en traje de baño.

 

 

A pesar de todo, Dos nacos en el planeta de las mujeres puede ser una de las películas de bajo presupuesto que a pesar de tener un guión aburrido, simple y sexista, tiene algunos de los decorados más relevantes de la época para una película mexicana de ¿ciencia ficción? O lo que sea que sea.

Se sabe, que Lynch se concentró dedicarle gran parte de su tiempo a la elección de los decorados y a las piezas de maquinaria que se ven en pantalla. "Pasamos grandes momentos en la Ciudad de México (dice Lynch), y había mucha gente llegando y partiendo todo el tiempo, gente nueva, de todo el mundo, volando y queriendo formar parte de esta cosa. Y teníamos cuatro equipos de cámaras trabajando al mismo tiempo en uno y otro sitio, y eras llevado de un escenario a otro y haciendo una cosa y otra. ¡Cuento de nunca acabar! Hicimos las principales tomas fotográficas ¡Durante seis meses! Y después otros seis meses se perdieron fotografiando los modelos a escala, las miniaturas para los efectos especiales. Cada día, al comenzar y al terminar, viviendo y hablando de ellos. Sin escape alguno. Nunca un descanso. Resultaba apabullante."

 

 

Los Ingrávidos a la defensa del cine independiente y experimental en México
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El Colectivo Los Ingrávidos buscan demoler la inmediatez y defender el cine independiente y experimental hecho en México.

Foto destacada: ismismism

El Colectivo Los Ingrávidos busca defender el arte experimental e independiente hecho en México.

 

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Fundado en el año 2011, el colectivo Los Ingrávidos surge de la investigación, documentación y realización del filme Zonas de ejecución (presentado hasta el año 2012), que por su contenido tuvo que ser difundido de manera anónima, desde entonces Los Ingrávidos nos presentan la defensa del cine independiente y una crítica a los contenidos televisivos a través de inesperados experimentos que integran material digital y analógico, found footage, mitologías, protestas sociales y poesía documental para además ofrecer imágenes y sonidos que le dan rostro y voz a su arte político.

 

 

Si bien Los Ingrávidos abordan temas políticos, éstos no están sujetos a un punto de vista cerrado, sus variopintas expresiones artísticas permiten la multiplicidad de interpretaciones, personales, desde la experiencia de cada individuo que, como tal, ha tenido experiencias diferentes con el mundo de la política y que, por ende, representa una lectura única de un mismo objeto artístico.

La guía que define el arte que desarrolla el colectivo, es su mismo nombre, Los ingrávidos, esa falta de gravedad sólo apunta a los cuerpos ligeros, tenues y translucidos, no por eso faltos de peso ideológico o de un contenido que permita la comunicación, sobre todo de su Manifiesto que señala la degradación de la comunicación televisiva y una estética que apuesta por el desquicie.

 

 

Los Ingrávidos llevan como estandarte la destrucción de la pseudo-poesía, la demolición de la inmediatez, para defender el cine independiente y experimental que pone en tela de juicio la alienación mediática en que estamos ya muy sumergidos, o ya bien, esa alienación que cierra los espacios para las propuestas de verdadera crítica a los estándares de los medios de comunicación masiva.

El colectivo mexicano tomó que fuerza en 2014 luego de la desaparición forzada de 43 maestros de la Escuela Normal de Ayotzinapa en Iguala, presenta sus obras bajo el anonimato como un manifiesto político, pero además como un acto de precaución, medida que nos recuerda el estado de peligro en que viven las personas que alzan la voz, como Los Ingrávidos.

 

 

La obra de Los ingrávidos ha participado en el International Film Festival Rotterdam, Images Festival, Punto de Vista, The Florida Experimental Film/Video Festival, CROSSROADS, BFI London Film Festival, Jihlava International Documentary Film Festival, Media City Film Festival, International Short Film Festival Oberhausen, Ann Arbor Film Festival y Festival Internacional de Cine FILMADRID.

También han estado presentes en la Whitney Biennial 2019, la Bienal de la Imagen en Movimiento en Buenos Aires y el Flaherty NYC Series Common Visions 2018 con obras que nunca se alejan de su punto de vista como Auschwitz, verano 1944. Iguala, otoño 2014/ Sonderkommando o el Abecedario audiovisual que se compone de 26 videos y rebasa los 200 min.

 

 

Los Ingrávidos recibieron el Premio de la Juventud en Punto de Vista ? Festival Internacional de cine de Documental de Navarra 2019 y en dos ocasiones fueron ganadores del Premio Norberto Griffa a la Creación Audiovisual Latinoamericana en Bienal de la Imagen en Movimiento de Argentina. Para conocer más de obra puedes visitar sus redes sociales o canal de Vimeo con el nombre Colectivo Los Ingrávidos.

Aquí te dejamos algunos de los proyectos del Colectivo Los Ingrávidos:

 

 

 

 

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