Estas exposiciones lograron incitar el interés cultural en los entusiastas del arte en la Ciudad de México. Presentado por el Fondo Mixto de Promoción Turística.
Pocas cosas despiertan la sensibilidad, la creatividad e inclusive la crítica como el arte. Se trata de una de las expresiones humanas más espléndidas, que a través de distintos materiales, técnicas y medios logran estimular la vida de aquellos que celebran esta clase de creaciones tan subjetivas.
El arte es un aspecto coetáneo al ser humano. Uno no puede existir sin el otro, y es que esta bellísima simbiosis brinda un sentido trascendente a muchas vidas, que difícilmente podría encontrarse en cualquier otro aspecto propio del hemisferio derecho cerebral del hombre.
Dicho esto, el arte (desde hace siglos) se constituye como parte esencial de la cotidianeidad social. Y si bien no todos los humanos sufren del síndrome de Stendhal, una buena parte de la población capitalina disfruta de asistir a las exposiciones que en esta ciudad se llevan a cabo cada mes.
Sin duda el 2016 fue un año importante para el arte en la Ciudad de México. No es ninguna casualidad que fuera nombrada como una de las siete ciudades artísticas alrededor del mundo. Exhibiciones de todo tipo fueron montadas durante los pasados doce meses, desde muestras fotográficas e instalaciones, hasta colecciones pictóricas y acervos de esculturas. Aquí las mejores 13 exposiciones del 2016 en la CDMX:
Anish Kapoor: Arqueología Biología
Ciertamente Anish Kapoor se constituye como uno de los escultores contemporáneos más importantes. Por primera vez en nuestro país, su obra llegó al MUAC. La colección fue curada ex profeso para nuestra capital. Se trató de una muestra monumental, compuesta por más de una veintena de piezas oriundas de Inglaterra. Lo cierto es, que la exposición era en realidad un repaso por la trayectoria del artista, que a través de piezas vanguardistas narran un poco sobre su carrera.
El París de Toulouse
El Palacio de Bellas Artes siempre cuenta con asombrosas exposiciones en su museo interno. Y esta no fue la excepción. La muestra exploraba las pasiones de Henri de Toulouse-Lautrec, entre más de 100 obras como fotografías, dibujos, óleos, filmes y litografías. En este recorrido visual, el espectador podía palpar la vida parisina nocturna del siglo XIX. Cabe mencionar, que las obras forman parte de la colección del MOMA de Nueva York.
Luz e Imaginación 
Sin duda una de las exhibiciones visuales más estremecedoras de toda la ciudad. A través de distintas instalaciones de luz, este recorrido buscaba contar una nueva perspectiva de la Ciudad de México. Cada espectáculo encontraba inspiración en algún emblema citadino, que con una peculiar y extravagante interpretación lumínica lograba dejar a cualquiera de los presentes boquiabiertos. El Museo de la Ciudad de México fue el recinto que albergó esta maravillosa exposición.
World Press Photo
Se trata de uno de los concursos de fotografía más importantes y relevantes a nivel mundial. Cada año, las imágenes que resultan ganadoras emprenden viaje para ser expuestas en distintas latitudes del planeta. La temática de este año tenía que ver con la historia de los refugiados, y se dio a conocer en el Museo Franz Mayer. Sin duda esta muestra fue una experiencia increíble no sólo para los amantes de este arte, sino para los que logran sensibilizarse con el discurso que posee una imagen.
Otto Dix
Pocas son las exposiciones de expresionismo que arriban a nuestra ciudad. Es por esto que esta exhibición en el MUNAL fue una imperdible. Fue inaugurada en el marco del Año Dual México Alemania, pero fue concurrida por las estremecedoras pinturas que la constituían. La Alemania bélica se hace presente en las obras del artista, quien comenzó a canalizar en el arte sus experiencias traumáticas. Indudablemente, Otto Dix es un exponente clave del expresionismo alemán.
Arquitectura Orgánica
Este tipo de arquitectura se relaciona íntimamente con la geografía, el entorno, el paisaje y la cultura. Se trata de un movimiento arquitectónico que deriva del funcionalismo, y que Javier Senosiain ha logrado enaltecer. Mediante el diseño, esta exposición del Museo Nacional de Arquitectura buscó integrarse al contexto para que en lugar de crear sincretismos, la expresión fuera una fusión unificada y correlacionada.
Los Parques de Noguchi
Esta fue una exposición que también fungió como un oasis dentro de una de las zonas más concurridas de la capital. El Museo Tamayo fue testigo del arte de Isamu Noguchi. Las instalaciones albergaron maquetas, dibujos y fotografías, que recrearon espacios lúdicos y funcionales. De padre japonés y madre norteamericana, Noguchi osciló permanentemente a lo largo de más de 60 años de trabajo artístico entre una percepción del mundo oriental y una opuesta, la occidental.
Witkin & Witkin
Este fue un año significativo para la exposición fotográfica en la ciudad. La muestra lúgubre de los hermanos gemelos neoyorquinos llamó mucho la atención entre los capitalinos aficionados a la foto (y a la noción mortífera). Los elementos que componían las imágenes eran cadáveres, personas deformes y partes de cuerpos humanos. Éstos se acomodaban, armoniosamente, en escenarios aparentemente naturales. La obra gráfica se expuso en el Foto Museo Cuatro Caminos, y abordó como eje central la estética en la muerte.
Corpus
Esta exhibición escultórica tenía como objetivo retratar la belleza de lo imperfecto, sobre todo, en el cuerpo humano. Javier Marín logró, durante dos décadas de trabajo, enunciar que también en lo imperfecto yace la perfección. Y fue la figura humana su mejor aliado para el cometido. Dentro del museo de San Ildefonso, se postraban esculturas de todos los tamaños, que a través de diversas formas conseguían capturar la atención de los visitantes, siempre ávidos por sentir el mensaje del artista.
Los Modernos
Cuando hablamos de arte moderno es casi imprescindible no traer a la mesa nombres como Picasso, Matisse, Tamayo y Varo. Pero admirar las obras no siempre resulta suficiente para comprender a fondo este movimiento. Y es por esto que se inauguró esta exhibición en el MUNAL. Una cuidadosa selección de obras pretendía brindarle a los asistentes un recorrido claro, donde se pudieran entender las técnicas y las aportaciones estéticas de estas corrientes vanguardistas. Porque lo cierto es, que fueron éstas las que dieron pie a lo que hoy conocemos como arte contemporáneo.
In Mexiko: Primer Acto
Las galerías también jugaron un importante papel durante este artístico año. OMR fue un recinto concurrido entre los amantes del arte local. Esta exposición consistía en fotografías capturadas por Candida Höfer durante el 2015 en la CDMX, Guanajuato, Puebla, Estado de México y Oaxaca. Las imágenes mostraban espacios arquitectónicos como teatros, sin espectadores, acentuando el protagonismo del espacio mismo y evidenciando detalles pocas veces detectados por el ojo humano.
Stephen Wiltshire
Este inglés se dedica a viajar por las ciudades más importantes del mundo para retratar en un enorme lienzo las metrópolis en dibujos que se aprecian desde una vista aérea. Lo más interesantes es que el dibujante lo logra con memoria fotográfica, solamente basta admirar la ciudad desde un helicóptero por 30 minutos. El resultado fue magnífico, lleno de detalles que hablan de la identidad de esta ciudad. La obra se exhibió dentro de la Torre Bancomer, para que todos los capitalinos pudieran verla de cerca y reconocer los sitios más emblemáticos de la CDMX.
Imaginación abierta al tiempo
Lo cierto es que la faceta como escultura de Leonora Carrington no fue tan reconocida como la pictórica. Pero esta exposición, que se llevó a cabo dentro de las instalaciones de la UAM, nos recordó a todos que esta inglesa mexicanizada es una de las mayores exponentes del surrealismo en todo el mundo. La colección estaba compuesta de 34 esculturas, que simulaban criaturas mitológicas. Se trataba de un recorrido mágico como ningún otro, ideal para pasear por la mente de la artista.
Fotos cortesía de Procine
Nudus es una de las cintas mexicanas más perturbadoras de los últimos años.
Nudus significa "desnudo" en latín, y es una analogía de estar desnudos en las redes sociales, vulnerables o con la falsa seguridad de privacidad, muy a pesar de que todo el internet está siendo vigilado por terceros, según el cineasta Gibrán Bazán cuando habla de su nuevo filme.
Esta historia llega a fortalecer el cine mexicano, que demuestra su variedad de estilos, directores, talentos e historias que enriquecen a la industria fílmica, a la cultura e identidad del país.
Nudus es un film de terror psicológico, que nos sumerge la superstición, la religión y las creencias populares, agregando capas de complejidad a las narrativas y generando una mayor sensación de inquietud en la audiencia. Pero esta ocasión, la cinta se centra en los avances digitales y el terror tecnológico; ofreciéndonos una ventana hacia el hackeo mundial, en un mundo postapocalíptico en donde no existe la privacidad en internet.
Asimismo, Nudus aborda a nuestro mundo hiperconectado: cibercrimen, espionaje global, falta de privacidad y vulnerabilidad de la información. Se trata de poner bajo el reflector el poder de las redes sociales, que concentran miles de millones de datos de los usuarios, en una sociedad cada vez más vigilada.
Carla Hernández, Alex Crusa y Sayaka Yokoyama, son los protagonistas de la cinta de escrita y dirigida por Gibrán Bazán, además de otros trabajos como "Los rollos perdidos" (2012), "Generación Spielberg" (2014) y "El buquinista" (2018); discípulo de Juan López Moctezuma, colaboró con el cineasta en varios proyectos.
Esta cinta se estrenó primero en Estados Unidos, debido a que el tema llamo la atención, además de reflejar el poder de la Inteligencia Artificial, sobre todo con toda la polémica de la huelga de Hollywood, la intromisión cada vez mayor de las redes sociales en nuestras vidas y el gran hackeo es algo que ya comenzó y que tendrá mayor impacto en unos cinco o siete años.
La premisa de su película es que los datos de miles de millones de personas estarán disponibles y abiertos en la red para consulta libre gracias a la poderosa tecnología de las computadoras cuánticas que serán capaces de vulnerar cualquier contraseña o sistema de seguridad online, dejando expuestas nuestras búsquedas, llamadas, mensajes de WhatsApp, passwords, transacciones y cualquier acción que realicemos en internet, es ya una terrible realidad.
Fotos cortesía de Betsabeé Romero
La artista Betsabeé Romero forma parte de una exposición conjunta de la 60 Bienal de Venecia.
La artista Betsabeé Romero lleva su exposición "La espiral sin fin" a la Galleria Piazza San Marco, como parte de la 60 Biennale di Venezia presentada por el Museo de Arte Latinoamericano (MOLAA) con la Fundación Bevilacqua La Masa y el apoyo de los main partners William S. Y Michelle Ciccarelli Lerach e Itaca Arts, cuyo CEO es Santiago García Galván.
Diversos medios italianos han hablado de la exposición, tanto como de la trayectoria de Betsabé y los hallazgos de "La espiral sin fin". Esta exposición explora las prácticas artísticas de Betsabeé Romero a través de obras de arte encargadas y nuevas instalaciones, que también se presentará en el Museum Of Latin America Art (MOLAA) en 2025, en Long Beach, California, EU.
Según, Santiago García Galván, la exposición que Betsabeé Romero "a través de sus imágenes poderosas y su simbolismo profundo, ha capturado la esencia de la experiencia migratoria, entretejiendo los hilos de la cultura, la identidad y la resiliencia. Su obra sirve como testimonio del espíritu humano, recordándonos nuestra humanidad compartida y la importancia de la empatía y la compasión".
Betsabeé Romero ha dicho sobre esta exposición que ya está montada y lista para su inauguración en la Galleria Piazza San Marco, que la selección tomó muchos meses, es un formato muy complicado para participar, participan muchos proyectos paralelos de todo el mundo, y al final, fuimos uno de los 30 proyectos seleccionados para hacer una exposición paralela.
En esta exposición, que está muy en la línea del tema general de la bienal, pero más específicamente desde lo que significa la imposición de fronteras, de bordes, de líneas casi punzocortantes que hieren la identidad cultural, de género, la identidad personal y comunitaria, cultural e histórica.
Buena parte de esta exposición reflexiona sobre la Cultura como el hogar que llevamos dentro y que sobrevivió a la sombra de todos los poderes; la forma en que se reproducen las fronteras, las polarizaciones han dividido incluso la cama en el paisaje familiar.
Fotos cortesía de Tany Folgoso
Un nuevo museo en la CDMX mostrará la riqueza musical de Los Ángeles Azules.
El Museo Comunitario Ocho Barrios es uno de los museos que se suma a la CDMX y poco a poco llegaremos a ser la ciudad con más museos del mundo, aunque todavía estamos por detrás de Londres. Para inaugurar este recinto, se abrió la exposición dedicada a la música que muestra las tradiciones y manifestaciones culturales de las comunidades originarias de Iztapalapa.
La exposición de este museo está dedicada a la Música y Músicos de Ixtapalapa, en donde podremos conocer la historia de algunas agrupaciones de esta región, siendo una de las más conocidas, Los Ángeles Azules; que han dejado un impresionante legado en muchas generaciones, musicalizando bailes, ceremonias religiosas, conformado orquestas tradicionales o puesto en alto el nombre de Iztapalapa.
Así que uno de los atractivos de esta exposición es justo ver las fotografías, acetatos firmados, trajes y notas de periódicos sobre grupos musicales emblemáticos de la demarcación, y sobre todo de Los Ángeles Azules. Ya que el Museo Comunitario de los Ocho Barrios busca reconocer la importancia de esta gran banda originaria de Iztapalapa.
Esta agrupación, ya reconocida en muchas partes del mundo, comenzó con la familia Mejía Avante a finales de los 70, aunque debutaron oficialmente en 1980 y desde esa fecha han sido "de Iztapalapa para el mundo". Sus primeros instrumentos fueron sacados con ayuda de Mamá Martha, madre y fundadora del grupo musical, quien fue aval y obtuvo un préstamo para que sus hijos tuvieran guitarras, un bajo y una tarola. Incluso tuvieron que vender la camioneta de su papá para comprar bocinas. Cuarenta años después, Los Ángeles Azules llevan la cumbia de Iztapalapa a muchas partes del mundo y a todas las fiestas mexicanas.
Música y Músicos de Ixtapalapa
Dónde: Museo Comunitario de los Ocho Barrios; Ermita Iztapalapa 100, San Pablo, alcaldía Iztapalapa.
Cuándo: martes a domingo de 10:00 a 18:00 horas
Entrada libre
Foto destacada: Ñuu Savi: Pasado, Presente y Futuro
El seku es una variante de la Pelota mixteca que se preserva en Oaxaca.
Es seku es un deporte que se practica en la comunidad de Yucunani, municipio de San Juan Mixtepec, Oaxaca. Yucunani es una pequeña comunidad con apenas 130 personas con un alto índice de migración, ubicada en la montaña de la región de la Mixteca, en el municipio de San Juan Mixtepec, en el estado de Oaxaca.
Es un juego que se ha retomado en los últimos años, con el fin de preservar la cultura y transmitirlo a las nuevas generaciones de jóvenes que se han integrado en los equipos de seku, además de que ya es un juego con apertura a las mujeres que toman la estaca y meten una bola de madera entre dos banderas que simulan una portería, con el fin de obtener puntos.
Este deporte prehispánico de los pueblos de Ñu?u Savi, estuvo a punto de extinguirse a finales de los años 90, pero un grupo de pobladores, en coordinación con profesores de San Juan Mixtepec, comenzaron a promoverlo y a rescatarlo en la comunidad de Yucunani y en otros espacios. Ahora, los vecinos les enseñan a sus hijos a jugarlo, se resisten a la extinción del deporte de sus abuelos.
El seku es el juego de los ancestros. Es por eso que es un deporte básico en donde solo son necesarios dos equipos de cinco personas en cada una; cada persona usa un bastón de madera con la base curvada, una bola de madera de algún árbol. Además, de estacas con antorchas encendidas colocadas sobre la orilla del perímetro donde se desarrolla el juego.
Cada partido dura 20 minutos con descansos de 10 minutos, aunque algunas veces los partidos pueden llegar a durar hasta media hora. Los pobladores explican que la bola con la que se juega está hecha del tallo del colorín, un árbol escaso en la zona, por lo que en ocasiones lo sustituyen por otros árboles de la región.
La antorcha, que todavía se prende en este juego, sirve para definir las líneas que conforman el campo. Además, como es un juego que tradicionalmente se jugaba de noche, el fuego es para guiar a los jugadores y que no se salgan del campo. Es un juego nocturno porque antes no había tiempo para jugar, y todos se dedicaban a trabajar en el campo.
Asimismo, este juego ya forma parte de las actividades del pedimento de la lluvia que realizan cada año los pueblos de la nación Ñu´u Savi. Hoy en día se abren torneos, y se dan premios y otros estímulos para que haya cada vez más participantes en este juego ancestral.
Además, el torneo está programado a la par de la feria anual de Yucunani, así que se invitan pueblos vecinos como Santiago Juxtlahuaca, Yanhuintlán, Nochixtlán, Tamazulápam, a la competencia, para que sea posible observar los encuentros de cerca, incluso se explican las reglas de este juego que preserva la identidad de Oaxaca.
Fotos cortesía de Marina Baysands
Frida Kahlo supera las fronteras y llega al Museo de arte de Singapur.
Dese hace muchos años, la visión creativa de Frida Kahlo dejó ser un impacto en la cultura popular mexicana para formar parte de algo más global; e incluso para llegar a tierras tan lejanas como la República de Singapur, es una pequeña ciudad-Estado y país insular, situado en el corazón del Sudeste asiático.
Hasta dicho país llega la historia de vida de la artista mexicana a través de ‘Frida Forever’, que incluye dos cautivadoras exposiciones de Frida Kahlo y una experiencia de realidad virtual en el ArtScience Museum Singapore.
Y es que la influencia de Frida Kahlo va más allá de su arte y de su simbolismo; porque miles de personas pueden identificarse con sus experiencias personales y reflexiona sobre sus pasiones, luchas y creencias. Sobre todo sus autorretratos ha sido muy elogiados, pues logran romper límites con su descripción cruda y sin complejos de la feminidad, el dolor, la muerte, el cuerpo humano y la identidad.
‘Frida Forever’ también celebra el importante impacto que sigue teniendo, 70 años después de su fallecimiento, no solo en el arte, sino en la moda, la cultura popular, el feminismo y más.
Frida Kahlo: La vida de un icono es la segunda exposición biográfica inmersiva, desarrollada por Layers of Reality y Frida Kahlo Corporation, que se estrenará en el sudeste asiático con proyecciones de 360 ??grados y un espacio creativo que da vida a sus dibujos. Además de recorrer la rica tradición mexicana.
Esta exposición es curada por el ArtScience Museum con el apoyo de Cristina Kahlo Alcalá, sobrina nieta de Frida Kahlo, y muestra archivos íntimos de su relación con su cuerpo, sus dolencias médicas y el profundo impacto que estas luchas tuvieron en su trabajo artístico.
Los visitantes podrán ver cerca de 40 fotografías, páginas de diarios, obras de arte contemporáneas, registros médicos y entrevistas exclusivas con Cristina Kahlo Alcalá. Esta última revelará cómo adquirió estos documentos médicos del American British Cowdry Hospital donde estuvo internada Frida Kahlo.
La cereza del pastel es una experiencia de realidad virtual que se lleva a cabo dentro de la Galería VR del Museo ArtScience, donde los visitantes pueden ingresar a las pinturas de Frida para sumergirse en su estética, la paleta de colores de sus obras y las diversas texturas que utilizó. Las exposiciones y eventos de ‘Frida Forever’ se llevarán a cabo en el ArtScience Museum del 4 de mayo al 1 de septiembre.
Fotos cortesía de Google Arts & Culture
Estos artistas lograron construir un movimiento que le dio identidad a los chicanos.
El arte chicano forma parte de los movimientos culturales desde los años 50 del siglo XX, pero fue 1960 que se da el boom, junto con las protestas de la guerra de Vietnam, el movimiento Black Power a favor de los derechos civiles. De ahí, que la lucha chicana desafió la categorización y los estereotipos divulgados entre la población anglosajona.
Se trató de un movimiento de artistas chicanos, sobre todo del sureste de California, siendo uno los más representativos el Colectivo de Los Four ( Los cuatro) integrado por Beto de la Rocha (California, 1937), Frank Romero (California, 1941), Carlos Almaraz (Ciudad de México, 1941-California, 1989), Gilberto Sánchez Luján (California, 1940-2011)
En 1974 se unió Judithe Hernández (California, 1948) al colectivo, y todos se caracterizaban por ser activistas de origen mexicoamericano, educados en universidades de Estados Unidos, y sobre todo por ser los primeros artistas en romper las barreras que los museos tenían para el arte chicano, cuando en 1974 el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles (LACMA) incluyó una exposición sobre su obra.
También se caracterizan por impulsar el ?muralismo chicano?, expresión que se desarrolló sobre todo a partir de la década de 1970 en los estados fronterizos del suroeste de los Estados Unidos, y que son reconocidos por representar la vanguardia intelectual del movimiento y de forjar una nueva sensibilidad artística chicana.
Los Four lograron construir muchos puentes híbridos entre la cultura mexicana y estadounidense, plasmando la dualidad cultural de ambos países, superando la geografía, y también creando técnicas y formatos que fueron muy característicos de esa época.
Hoy en día, Los Four no representan la visión definitiva del arte chicano; pero en su momento sí fueron los que abrieron paso a la exploración del arte de Los Ángeles, tuvieron la osadía de crear un diálogo con México, resignificar las piezas en un dicho momento histórico y presentar un arte chicano único, una escuela original que no era ni mexicana, pero tampoco ?gringa?.
En efecto, el movimiento de arte chicano representa los miles de intentos de los artistas estadounidenses de origen mexicano para establecer una identidad única. Es un movimiento que trabajó para resistir y desafiar las normas sociales dominantes y los estereotipos de la autonomía cultural y la autodeterminación, en donde los chicanos han utilizado el arte para expresar sus valores culturales, como una forma de protesta con un valor estético fascinante.
De los cinco artistas, quizá el que ha sido más reconocido a lo largo de los años es Frank Romero, de ascendencia española y mexicana. Algunos se lo atribuyen a que hablaba inglés en casa y Romero aprendió a hablar español más adelante en la vida. Pero no hay duda que todos son grandes artistas y que poseen su propia identidad.
Fotos cortesía de Museo de Bellas Artes
Damián Ortega: Pico y elote, más de 82 obras del artista mexicano en el Palacio de Bellas Artes.
Es la primera vez que la obra de Damián Ortega, una de las figuras centrales del arte contemporáneo latinoamericano, es puesta en una retrospectiva institucional en México; nada más ni nada menos que en el majestuoso Palacio de Bellas Artes de la CDMX.
Damián Ortega: pico y elote, es el nombre de esta revisión de la poética del escultor mexicano, que confirma el nuevo impulso del arte mexicano contemporáneo en México. Esta exposición ya está abierta al público, y en la inauguración, el artista comentó: "Ha sido muy emocionante todo lo que ha sucedido aquí. Llegar al Palacio de Bellas Artes significa mucho para mí, porque fue un largo camino andado y lo entiendo como un reconocimiento no solo para mí, sino también para toda la gente con la que he colaborado".
Asimismo, el expositor agradeció a Abraham Cruzvillegas, Gabriel Orozco, Abel Kuri, Dr. Lakra; Guillermo Santamarina y a todos los que han colaborado para esta exposición, "con quienes se fue haciendo un colegio de ideas y han sido como pilares de todo este trabajo".
"La exposición comenzó hace alrededor de un año y medio en Monterrey, donde su directora Taiyana Pimentel rompió inercias y se esforzó en dar espacio al trabajo para poder traerlo a México. Pidió la beca de Efiartes, un esfuerzo sostenido también por el Estado, y entonces se hizo una ecuación y se alinearon muchos elementos para que finalmente el Museo del Palacio de Bellas Artes reciba esta exposición, en la Ciudad de México, de donde soy oriundo".
La exposición "Damián Ortega: Pico y elote" consta de 82 obras que recorren más de tres décadas de trabajo ininterrumpido. Es un recorrido no cronológico a través de tres ejes curatoriales: cosechar, ensamblar y colapsar, los cuales favorecen criterios de carácter plástico y conceptual, manteniendo un escepticismo ante la idea de progreso en México.
Lo que caracteriza esta exposición, es que al menos 20 piezas pertenecen a la obra inédita de Damián, entre las que se encuentran Demonio alucinado (2022), Mascarón (2024), además de la Pieza de la serie Torre Latino (2007) y los uniformes de papel Kraft de la serie Utopía mexicana (2019).
De igual manera, se ha editado un catálogo que reúne una serie de textos escritos exprofeso para la muestra, realizados por José Esparza Chong Cuy, Aurora Gómez Galvarriato, Julieta González y Guillermo Osorno, especialistas y conocedores de la obra de Ortega.
Damián Ortega: Pico y elote
Dónde: Museo Palacio de Bellas Artes; Av. Juárez s/n esq. Eje Central Lázaro Cárdenas
Centro Histórico, CDMX.
Cuándo: marte domingo, en horario de 10:00 a 18:00 h.
Cuánto: $90
Estudiantes, maestros, INAPAM, empleados de la Secretaría de Cultura e INBA con credencial vigente: entrada libre
Entrada libre los domingos
