La CDMX es una de las grandes capitales artísticas del mundo y su oferta de exposiciones de las más elaboradas.
Lo cierto es que pocas cosas despiertan la sensibilidad, la creatividad e incluso la crítica como el arte. Se trata de una de las expresiones humanas más magníficas, que se vale de distintas técnicas, materiales y medios para estimular las entrañas de todos aquellos que celebran esta clase de creaciones tan subjetivas. Es pertinente aseverar que el arte es un aspecto coetáneo al ser humano. Difícilmente uno podría existir sin el otro, y es que esta bellísima simbiosis brinda un sentido trascendente al ser, que no se podría encontrar en cualquier otra característica propia del hemisferio derecho del cerebro humano.
El arte se constituye como parte esencial de la cotidianeidad de una sociedad. Y en el caso específico de la Ciudad de México, fue desde finales del siglo XVIII cuando comenzaron a erigirse los recintos museísticos. Los de esta urbe no son nada parecidos a los de otras latitudes del mundo. Alrededor de nuestra fascinante capital convergen museos clásicos, coloniales, históricos, modernos, fotográficos, filosóficos, prehispánicos, arquitectónicos, entre otros.
La realidad es que las exposiciones que se exhiben en la capital de los museos, nuestra CDMX, son profusas. Y como lo hacemos cada mes, hoy presentamos un listado con las mejores muestras que podrás hallar en la metrópoli y que estarán disponible durante el mes de octubre:
Yves Klein
Muac
Más de 75 piezas de arte, y material como cartas, fotografías, dibujos y películas integran la muestra que hace un recorrido cronológico por la corta pero prolífica carrera de Yves Klein como artista (que duró de 1954 a 1962). Además, la exposición se divide en tres núcleos temáticos, principales características del arte del francés: la monocromía, la materialidad de la carne y el arte como campo inmaterial. * Hasta el 14 de enero.
Dirección: Insurgentes Sur 3000, Ciudad Universitaria.
Teléfono: 5622 6972.
8 rayas al tigre
Museo Nacional de la Estampa
Este proyecto, inscrito en el programa Foro Gráfico, abarca la presentación de la edición conmemorativa y colectiva realizada con motivo del octavo aniversario de Tigre Ediciones de México, así como un conjunto de obras publicadas bajo su sello editorial. En este marco se llevarán a cabo distintos talleres y conversatorios dedicados a la labor de este taller y al derrotero común en el que convergen la creación gráfica contemporánea y la producción editorial. * Hasta el 19 de noviembre.
Dirección: Av. Hidalgo 39, col. Centro.
Teléfono: 8647 5220.
FILUX
Centro Histórico
FILUX es un proyecto de Filux Lab, en alianza con diversas instituciones y empresas que tienen como objetivo construir un suceso artístico de primera línea para la Ciudad de México. Se trata de un festival internacional de luces, el primero en el continente americano de hecho, que busca enriquecer la oferta turística, la creación cultural y educativa en nuestro país. Todo esto a través del arte lumínico.* Del 16 al 19 de noviembre.
Dirección: Distintas locaciones del Centro Histórico.
Onirismo en bronce
Paseo de la Reforma
La magia de Leonora va más allá de la pintura y de la literatura, de hecho, la inglesa tuvo una faceta poco conocida pero igual de grandiosa: la de escultora. Durante muchos años, se dedicó a moldear con sus manos una serie de personajes simbólicos que parecen habitantes de ese frondoso bosque que vivía dentro de la cabeza de Leonora. En honor a lo anterior, y para rendirle un homenaje al genio de esta artista, se ha inaugurado una singular exposición urbana llamada Onirismo en bronce en el Paseo de Reforma permitiendo así que los capitalinos caminen entre las creaciones. * Hasta el 30 de noviembre.
Dirección: Paseo de la Reforma. Rejas del Museo de Antropología.
Philippe Parreno: la levadura y el anfitrión
Museo Jumex
Parreno se constituye como uno de los artistas europeos más influyentes de la década de los 90, pues ha incursionado en las nuevas formas de hacer arte. Su obra es una fusión entre la colaboración, la participación y la coreografía. Y es que su trabajo se traduce en instalaciones que se definen como espacios escenificados que producen distintas temporalidades, ritmos, viajes y duraciones. En la exhibición, Parreno propone una combinación de piezas nuevas, existentes y reeditadas, que se entrelazan para ofrecer diferentes realidades y experiencias. * Hasta el 11 de febrero.
Dirección: Miguel de Cervantes Saavedra 303, col. Granada.
Teléfono: 5395 2618.
Martín Chambi
Museo Tamayo
Las imágenes de Chambi hablan de los vestigios que dejó la cultura inca, así como la ida de las comunidades andinas hacia inicios del siglo XX. Esta muestra, además de dar a conocer fotos del artista peruano, también está integrada por piezas de destacados fotógrafos coetáneos a Chambi, que visitaron y caputraron detalles de las mismas zonas y comunidades. Luigi Domenico, Gismondi, Irving Penn, Werner Bischof, Herbert Kirchhoff, Pierre Verger, Eugene Harris y Robert Frank son algunos de estos artistas. * Hasta el 18 de enero.
Dirección: Paseo de la Reforma 51, Chapultepec.
Teléfono: 4122 8200.
La parte más bella
Museo de Arte Moderno
La Secretaría de Cultura y el Instituto Nacional de Bellas Artes, por medio del Museo de arte Moderno, presentan la exhibición La parte más bella, un recorrido cuya curaduría corrió a cargo del historiador James Oles en el marco de Foto México 2017. La muestra reúne 115 fotografías en blanco y negro de 64 artistas, impresiones de época y contemporáneas. Las técnicas que se dan a conocer son plata sobre gelatina, solarizaciones, fotograbado, collages y fotomontajes. La constante entre las imágenes es el concepto del cuerpo humano. * Hasta el 11 de marzo.
Dirección: Paseo de la Reforma y Gandhi s/n, Chapultepec.
Teléfono: 8647 5530.
Discursos de la piel
MUNAL
La exposición Discursos de la piel hace un recorrido por los distintos periodos y facetas de la trayectoria de Felipe Santiago Gutiérrez y su incursión en distintos géneros pictóricos, así como hablarnos de los distintos viajes que hizo el pintor a Europa, y cómo estos influyeron en su desarrollo y discurso plástico. Conocer la obra y trayectoria de un pintor como Gutiérrez resulta imprescindible para cualquier persona interesada en el arte pictórico mexicano y su desarrollo a través de los siglos. * Hasta el 14 de enero.
Dirección: Tacuba 8, col. Centro.
Teléfono: 8647 5430.
3 casas extraordinarias
Museo Universitario del Chopo
Esta muestra individual de Ota (Sasebo, Japón, 1948), artista que radica en México desde 1972, comprende una selección de obras realizadas durante la última década que exploran conceptos espaciales a partir de experiencias sensoriales, producidas por la confrontación del cuerpo con la materia. Hierro, plomo, madera y piedra son algunos de los materiales que este artista utiliza para plantear un cuestionamiento en torno a la idea de materialidad, considerando también elementos como el agua, el viento, la luz y el vacío como materiales escultóricos. * Hasta el 3 de diciembre.
Dirección: Dr. Enrique González Martínez 10, col. Santa María la Ribera.
Teléfono: 5546 8490.
El arte de Coco
Cineteca Nacional
La muestra de Coco constituye un recorrido que revela los viajes que realizaron el director Lee Unkrich y su equipo, pues por más de cinco años tuvieron que estudiar minuciosamente la cultura mexicana y sus tradiciones, que integran la columna vertebral de los visuales y la temática de esta fantástica película. * Hasta el 7 de enero.
Dirección: Av. México Coyoacán 389, col. Xoco.
Teléfono: 4155 1200.
El Che: una odisea africana
Antiguo Colegio de San Ildefonso
Para conmemorar el 50 aniversario de la muerte de Ernesto Guevara se ha montado una nueva y genial exposición en el Anfiteatro Simón Bolivar del Antiguo Colegio de San Ildefonso. A través de videos, fotografías, escritos y documentos se revela la mirada del ideólogo. No se presenta la visión del héroe que se ha construido después de su muerte, sino que se propone entender a ese hombre de su tiempo que quería cambiar al mundo. * Hasta el 21 de enero.
Dirección: Justo Sierra 16, col. Centro.
Teléfono: 3602 0035.
Gallery Weekend
Galelrías de la Ciudadde México
En esta edición de Gallery Weekend, un tour por el mundo del arte en nuestra ciudad, participarán galerías como Kurimanzutto, Galería Alterna, Galería Luis Adelantado, Arróniz Arte Contemporáneo Breve, Celaya Brothers Gallery, Galería Hilario Galguera y Galería Mascota, entre muchas otras. Algunas de las galerías participantes ofrecerán cocteles de inauguración el jueves y el viernes, y todas éstas permanecerán abiertas al público sábado y domingo y estarán conectadas en un circuito que tendrá transportes gratuitos durante el sábado y el domingo. * Del 9 al 12 de noviembre.
Dirección: Galerías de la Ciudad de México.
Tercera llamada. Tercera, Teatro en Bellas Artes
Museo del Palacio de Bellas Artes
En la galería El Rincón del Tiempo del museo del Palacio de Bellas Artes se expone esta magnífica muestra fotográfica, integrada por imágenes que dan cuenta de las obras de dramaturgia que se interpretaron en el escenario emblemático de esta plausible construcción, desde su apertura en 1934 hasta 1959. La exhibición también está conformada por programas de mano, música incidental y objetos que solían pertenecer a las actrices más afamadas de la época. * Hasta el 30 de noviembre.
Dirección: Av. Juárez s/n, col. Centro.
Teléfono: 5512 2593.
Dos ensayos
Centro de la Imagen
Cuerpos humanos, máquinas, autopartes, accidentes, objetos que denotan violencia, cuadros místicos, falsos profetas, sectas, animales, números fatídicos, situaciones enrarecidas y paisajes en cenizas. Todo ello, bajo un montaje que despliega a dos tiempos los ensayos visuales más recientes del fotógrafo José Luis Cuevas: ?Sobre la resistencia de los cuerpos? y ?Nueva era?, proyectos cuyos recursos simbólicos formulan una serie de observaciones en torno al hombre, en sus latitudes tangible en intangible. * Hasta el 1 de abril.
Dirección: Plaza de la Ciudadela 2, col. Centro.
Teléfono: 4155 0850.
La Catrina está de moda
Centro Cultural de España en México
La catrina es, sin duda, la calavera más popular de nuestro país. Y en el marco de las celebraciones por el Día de Muertos, el Centro Cultural de España en México aloja una increíble exposición. Se trata de un recorrido por catrinas que fueron vestidas por 16 diseñadores mexicanos y españoles de alta costura. El proyecto busca, por un lado, enaltecer el legado de José Guadalupe Posada, y por el otro, dar a conocer el talento que existe en la industria de la moda. * Hasta el 26 de noviembre.
Dirección: República de Guatemala 18, Centro Histórico
Teléfono: 5521 1925.
Nubes y Lagrimas de Michel Sailstorfer
Proyectos Monclova
Dotada de una tristeza esencial, la obra del artista alemán Michael Sailstorfer (1979) genera cuestionamientos estéticos profundos, además de descubrir el solipsismo del ser humano como agente destructivo del universo. El mensaje final, sin embargo, resulta esperanzador: la destrucción como medio para encontrar un nuevo orden, para concebir un nuevo universo.
Dirección Colima # 55, colonia Roma Norte, Cuauhtémoc.
Fechas: del 9 de noviembre al 22 de diciembre de 2017.
Visual Art Week
Explanada Bellas Artes y Avenida Reforma
Se trata de un evento que hace converger el arte, la tecnología y el espacio público, de la mano de algunos de los más destacados exponentes de la escena tecnoartística mundial. Este festival, esencialmente incluyente ya que todas sus piezas se ubicarán en lugares públicos, pretende transformar los espacios y, por qué no, la conciencia de los habitantes de la CDMX.
Fechas: 29 noviembre al 3 de diciembre.
Fotos cortesía de INAH
Esta instalación forma parte de la celebración de los 60 años del Museo Nacional de Antropología.
El Museo Nacional de Antropología (MNA) celebra 60 años, con la pieza monumental Tú del artista jalisciense José Rivelino Moreno Valle (1973) una de sus obras escultóricas monumentales más emblemáticas. Dicha pieza se encuentra expuesta en la explanada principal del recinto capitalino y ya es posible visitarla.
Se trata de un conjunto escultórico que consta de dos dedos índices de color blanco, elaborados en bronce, acero y concreto, los cuales se apuntan uno al otro, y pesa 30 toneladas, sumándose a la Piedra del Sol como una de las obras más pesadas exhibidas en Ciudad de México.
Esta instalación fue revelada por primera vez en Trafalgar Square, Londres, en Reino Unido, en 2015, y desde entonces ha formado parte del espacio público de latitudes como Alemania, Bélgica, Rusia, España, Italia y Estados Unidos. En México, esta pieza ha visitado la Macroplaza de Monterrey, el Patio Mayor del Instituto Cultural Cabañas y los centros históricos de las ciudades de Puebla y San Luis Potosí.
Por su parte, Rivelino es un artista que divide su tiempo entre la creación, la investigación y el activismo en los ámbitos de economía, cultura y desigualdad, y destacó la relevancia de la presentación de su obra en el museo más visitado de Latinoamérica. La intención de esta pieza es que el público pueda interactuar en diversas formas: "Que el individuo esté frente a frente del otro. De ellos frente a mí y de todos juntos, en el paso del yo al nosotros".
Esta pieza es polisémica, interactúa con el espacio en el que se instala y, al mismo tiempo, con el público. Visibiliza lo que las personas a veces quieren decir, en el espacio que hay entre los dos dedos que se señalan entre sí, puntualizó, caben todas las ideologías, las conversaciones y todo tipo de personas.
Además de admirar la instalación artística, las y los visitantes del MNA podrán tocarla e interactuar con ella, fotografiarse o mirarla a detalle y reflexionar sobre la propuesta del artista.
Tú de Rivelino
Dónde: patio del Museo Nacional de Antropología; Paseo de la Reforma y Gandhi, Chapultepec, Polanco, Miguel Hidalgo.
Cuándo: hasta 26 de agosto de 2024, lunes a viernes desde las 07:00.
Entrada libre
Fotos cortesía de Procine
Nudus es una de las cintas mexicanas más perturbadoras de los últimos años.
Nudus significa "desnudo" en latín, y es una analogía de estar desnudos en las redes sociales, vulnerables o con la falsa seguridad de privacidad, muy a pesar de que todo el internet está siendo vigilado por terceros, según el cineasta Gibrán Bazán cuando habla de su nuevo filme.
Esta historia llega a fortalecer el cine mexicano, que demuestra su variedad de estilos, directores, talentos e historias que enriquecen a la industria fílmica, a la cultura e identidad del país.
Nudus es un film de terror psicológico, que nos sumerge la superstición, la religión y las creencias populares, agregando capas de complejidad a las narrativas y generando una mayor sensación de inquietud en la audiencia. Pero esta ocasión, la cinta se centra en los avances digitales y el terror tecnológico; ofreciéndonos una ventana hacia el hackeo mundial, en un mundo postapocalíptico en donde no existe la privacidad en internet.
Asimismo, Nudus aborda a nuestro mundo hiperconectado: cibercrimen, espionaje global, falta de privacidad y vulnerabilidad de la información. Se trata de poner bajo el reflector el poder de las redes sociales, que concentran miles de millones de datos de los usuarios, en una sociedad cada vez más vigilada.
Carla Hernández, Alex Crusa y Sayaka Yokoyama, son los protagonistas de la cinta de escrita y dirigida por Gibrán Bazán, además de otros trabajos como "Los rollos perdidos" (2012), "Generación Spielberg" (2014) y "El buquinista" (2018); discípulo de Juan López Moctezuma, colaboró con el cineasta en varios proyectos.
Esta cinta se estrenó primero en Estados Unidos, debido a que el tema llamo la atención, además de reflejar el poder de la Inteligencia Artificial, sobre todo con toda la polémica de la huelga de Hollywood, la intromisión cada vez mayor de las redes sociales en nuestras vidas y el gran hackeo es algo que ya comenzó y que tendrá mayor impacto en unos cinco o siete años.
La premisa de su película es que los datos de miles de millones de personas estarán disponibles y abiertos en la red para consulta libre gracias a la poderosa tecnología de las computadoras cuánticas que serán capaces de vulnerar cualquier contraseña o sistema de seguridad online, dejando expuestas nuestras búsquedas, llamadas, mensajes de WhatsApp, passwords, transacciones y cualquier acción que realicemos en internet, es ya una terrible realidad.
Fotos cortesía de Betsabeé Romero
La artista Betsabeé Romero forma parte de una exposición conjunta de la 60 Bienal de Venecia.
La artista Betsabeé Romero lleva su exposición "La espiral sin fin" a la Galleria Piazza San Marco, como parte de la 60 Biennale di Venezia presentada por el Museo de Arte Latinoamericano (MOLAA) con la Fundación Bevilacqua La Masa y el apoyo de los main partners William S. Y Michelle Ciccarelli Lerach e Itaca Arts, cuyo CEO es Santiago García Galván.
Diversos medios italianos han hablado de la exposición, tanto como de la trayectoria de Betsabé y los hallazgos de "La espiral sin fin". Esta exposición explora las prácticas artísticas de Betsabeé Romero a través de obras de arte encargadas y nuevas instalaciones, que también se presentará en el Museum Of Latin America Art (MOLAA) en 2025, en Long Beach, California, EU.
Según, Santiago García Galván, la exposición que Betsabeé Romero "a través de sus imágenes poderosas y su simbolismo profundo, ha capturado la esencia de la experiencia migratoria, entretejiendo los hilos de la cultura, la identidad y la resiliencia. Su obra sirve como testimonio del espíritu humano, recordándonos nuestra humanidad compartida y la importancia de la empatía y la compasión".
Betsabeé Romero ha dicho sobre esta exposición que ya está montada y lista para su inauguración en la Galleria Piazza San Marco, que la selección tomó muchos meses, es un formato muy complicado para participar, participan muchos proyectos paralelos de todo el mundo, y al final, fuimos uno de los 30 proyectos seleccionados para hacer una exposición paralela.
En esta exposición, que está muy en la línea del tema general de la bienal, pero más específicamente desde lo que significa la imposición de fronteras, de bordes, de líneas casi punzocortantes que hieren la identidad cultural, de género, la identidad personal y comunitaria, cultural e histórica.
Buena parte de esta exposición reflexiona sobre la Cultura como el hogar que llevamos dentro y que sobrevivió a la sombra de todos los poderes; la forma en que se reproducen las fronteras, las polarizaciones han dividido incluso la cama en el paisaje familiar.
Fotos cortesía de Tany Folgoso
Un nuevo museo en la CDMX mostrará la riqueza musical de Los Ángeles Azules.
El Museo Comunitario Ocho Barrios es uno de los museos que se suma a la CDMX y poco a poco llegaremos a ser la ciudad con más museos del mundo, aunque todavía estamos por detrás de Londres. Para inaugurar este recinto, se abrió la exposición dedicada a la música que muestra las tradiciones y manifestaciones culturales de las comunidades originarias de Iztapalapa.
La exposición de este museo está dedicada a la Música y Músicos de Ixtapalapa, en donde podremos conocer la historia de algunas agrupaciones de esta región, siendo una de las más conocidas, Los Ángeles Azules; que han dejado un impresionante legado en muchas generaciones, musicalizando bailes, ceremonias religiosas, conformado orquestas tradicionales o puesto en alto el nombre de Iztapalapa.
Así que uno de los atractivos de esta exposición es justo ver las fotografías, acetatos firmados, trajes y notas de periódicos sobre grupos musicales emblemáticos de la demarcación, y sobre todo de Los Ángeles Azules. Ya que el Museo Comunitario de los Ocho Barrios busca reconocer la importancia de esta gran banda originaria de Iztapalapa.
Esta agrupación, ya reconocida en muchas partes del mundo, comenzó con la familia Mejía Avante a finales de los 70, aunque debutaron oficialmente en 1980 y desde esa fecha han sido "de Iztapalapa para el mundo". Sus primeros instrumentos fueron sacados con ayuda de Mamá Martha, madre y fundadora del grupo musical, quien fue aval y obtuvo un préstamo para que sus hijos tuvieran guitarras, un bajo y una tarola. Incluso tuvieron que vender la camioneta de su papá para comprar bocinas. Cuarenta años después, Los Ángeles Azules llevan la cumbia de Iztapalapa a muchas partes del mundo y a todas las fiestas mexicanas.
Música y Músicos de Ixtapalapa
Dónde: Museo Comunitario de los Ocho Barrios; Ermita Iztapalapa 100, San Pablo, alcaldía Iztapalapa.
Cuándo: martes a domingo de 10:00 a 18:00 horas
Entrada libre
Foto destacada: Ñuu Savi: Pasado, Presente y Futuro
El seku es una variante de la Pelota mixteca que se preserva en Oaxaca.
Es seku es un deporte que se practica en la comunidad de Yucunani, municipio de San Juan Mixtepec, Oaxaca. Yucunani es una pequeña comunidad con apenas 130 personas con un alto índice de migración, ubicada en la montaña de la región de la Mixteca, en el municipio de San Juan Mixtepec, en el estado de Oaxaca.
Es un juego que se ha retomado en los últimos años, con el fin de preservar la cultura y transmitirlo a las nuevas generaciones de jóvenes que se han integrado en los equipos de seku, además de que ya es un juego con apertura a las mujeres que toman la estaca y meten una bola de madera entre dos banderas que simulan una portería, con el fin de obtener puntos.
Este deporte prehispánico de los pueblos de Ñu?u Savi, estuvo a punto de extinguirse a finales de los años 90, pero un grupo de pobladores, en coordinación con profesores de San Juan Mixtepec, comenzaron a promoverlo y a rescatarlo en la comunidad de Yucunani y en otros espacios. Ahora, los vecinos les enseñan a sus hijos a jugarlo, se resisten a la extinción del deporte de sus abuelos.
El seku es el juego de los ancestros. Es por eso que es un deporte básico en donde solo son necesarios dos equipos de cinco personas en cada una; cada persona usa un bastón de madera con la base curvada, una bola de madera de algún árbol. Además, de estacas con antorchas encendidas colocadas sobre la orilla del perímetro donde se desarrolla el juego.
Cada partido dura 20 minutos con descansos de 10 minutos, aunque algunas veces los partidos pueden llegar a durar hasta media hora. Los pobladores explican que la bola con la que se juega está hecha del tallo del colorín, un árbol escaso en la zona, por lo que en ocasiones lo sustituyen por otros árboles de la región.
La antorcha, que todavía se prende en este juego, sirve para definir las líneas que conforman el campo. Además, como es un juego que tradicionalmente se jugaba de noche, el fuego es para guiar a los jugadores y que no se salgan del campo. Es un juego nocturno porque antes no había tiempo para jugar, y todos se dedicaban a trabajar en el campo.
Asimismo, este juego ya forma parte de las actividades del pedimento de la lluvia que realizan cada año los pueblos de la nación Ñu´u Savi. Hoy en día se abren torneos, y se dan premios y otros estímulos para que haya cada vez más participantes en este juego ancestral.
Además, el torneo está programado a la par de la feria anual de Yucunani, así que se invitan pueblos vecinos como Santiago Juxtlahuaca, Yanhuintlán, Nochixtlán, Tamazulápam, a la competencia, para que sea posible observar los encuentros de cerca, incluso se explican las reglas de este juego que preserva la identidad de Oaxaca.
Fotos cortesía de Marina Baysands
Frida Kahlo supera las fronteras y llega al Museo de arte de Singapur.
Dese hace muchos años, la visión creativa de Frida Kahlo dejó ser un impacto en la cultura popular mexicana para formar parte de algo más global; e incluso para llegar a tierras tan lejanas como la República de Singapur, es una pequeña ciudad-Estado y país insular, situado en el corazón del Sudeste asiático.
Hasta dicho país llega la historia de vida de la artista mexicana a través de ‘Frida Forever’, que incluye dos cautivadoras exposiciones de Frida Kahlo y una experiencia de realidad virtual en el ArtScience Museum Singapore.
Y es que la influencia de Frida Kahlo va más allá de su arte y de su simbolismo; porque miles de personas pueden identificarse con sus experiencias personales y reflexiona sobre sus pasiones, luchas y creencias. Sobre todo sus autorretratos ha sido muy elogiados, pues logran romper límites con su descripción cruda y sin complejos de la feminidad, el dolor, la muerte, el cuerpo humano y la identidad.
‘Frida Forever’ también celebra el importante impacto que sigue teniendo, 70 años después de su fallecimiento, no solo en el arte, sino en la moda, la cultura popular, el feminismo y más.
Frida Kahlo: La vida de un icono es la segunda exposición biográfica inmersiva, desarrollada por Layers of Reality y Frida Kahlo Corporation, que se estrenará en el sudeste asiático con proyecciones de 360 ??grados y un espacio creativo que da vida a sus dibujos. Además de recorrer la rica tradición mexicana.
Esta exposición es curada por el ArtScience Museum con el apoyo de Cristina Kahlo Alcalá, sobrina nieta de Frida Kahlo, y muestra archivos íntimos de su relación con su cuerpo, sus dolencias médicas y el profundo impacto que estas luchas tuvieron en su trabajo artístico.
Los visitantes podrán ver cerca de 40 fotografías, páginas de diarios, obras de arte contemporáneas, registros médicos y entrevistas exclusivas con Cristina Kahlo Alcalá. Esta última revelará cómo adquirió estos documentos médicos del American British Cowdry Hospital donde estuvo internada Frida Kahlo.
La cereza del pastel es una experiencia de realidad virtual que se lleva a cabo dentro de la Galería VR del Museo ArtScience, donde los visitantes pueden ingresar a las pinturas de Frida para sumergirse en su estética, la paleta de colores de sus obras y las diversas texturas que utilizó. Las exposiciones y eventos de ‘Frida Forever’ se llevarán a cabo en el ArtScience Museum del 4 de mayo al 1 de septiembre.
Fotos cortesía de Google Arts & Culture
Estos artistas lograron construir un movimiento que le dio identidad a los chicanos.
El arte chicano forma parte de los movimientos culturales desde los años 50 del siglo XX, pero fue 1960 que se da el boom, junto con las protestas de la guerra de Vietnam, el movimiento Black Power a favor de los derechos civiles. De ahí, que la lucha chicana desafió la categorización y los estereotipos divulgados entre la población anglosajona.
Se trató de un movimiento de artistas chicanos, sobre todo del sureste de California, siendo uno los más representativos el Colectivo de Los Four ( Los cuatro) integrado por Beto de la Rocha (California, 1937), Frank Romero (California, 1941), Carlos Almaraz (Ciudad de México, 1941-California, 1989), Gilberto Sánchez Luján (California, 1940-2011)
En 1974 se unió Judithe Hernández (California, 1948) al colectivo, y todos se caracterizaban por ser activistas de origen mexicoamericano, educados en universidades de Estados Unidos, y sobre todo por ser los primeros artistas en romper las barreras que los museos tenían para el arte chicano, cuando en 1974 el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles (LACMA) incluyó una exposición sobre su obra.
También se caracterizan por impulsar el ?muralismo chicano?, expresión que se desarrolló sobre todo a partir de la década de 1970 en los estados fronterizos del suroeste de los Estados Unidos, y que son reconocidos por representar la vanguardia intelectual del movimiento y de forjar una nueva sensibilidad artística chicana.
Los Four lograron construir muchos puentes híbridos entre la cultura mexicana y estadounidense, plasmando la dualidad cultural de ambos países, superando la geografía, y también creando técnicas y formatos que fueron muy característicos de esa época.
Hoy en día, Los Four no representan la visión definitiva del arte chicano; pero en su momento sí fueron los que abrieron paso a la exploración del arte de Los Ángeles, tuvieron la osadía de crear un diálogo con México, resignificar las piezas en un dicho momento histórico y presentar un arte chicano único, una escuela original que no era ni mexicana, pero tampoco ?gringa?.
En efecto, el movimiento de arte chicano representa los miles de intentos de los artistas estadounidenses de origen mexicano para establecer una identidad única. Es un movimiento que trabajó para resistir y desafiar las normas sociales dominantes y los estereotipos de la autonomía cultural y la autodeterminación, en donde los chicanos han utilizado el arte para expresar sus valores culturales, como una forma de protesta con un valor estético fascinante.
De los cinco artistas, quizá el que ha sido más reconocido a lo largo de los años es Frank Romero, de ascendencia española y mexicana. Algunos se lo atribuyen a que hablaba inglés en casa y Romero aprendió a hablar español más adelante en la vida. Pero no hay duda que todos son grandes artistas y que poseen su propia identidad.
