Arte y Cultura
El arte de entender el arte (manual práctico)
Benjamin Malik
El arte demanda atención concentrada ¿cuál debe ser nuestro estado mental para ser mejores espectadores y críticos del arte?

“El arte impide que muramos de realidad”

Friedrich Nietzsche

“Arte es magia liberada de la mentira de ser verdad”

Teodoro Adorno

“El arte es una especie de impulso innato que se apodera de un ser humano y lo hace su instrumento. El verdadero artista no busca sus propios fines, sino que permite al arte realizar sus propios fines por su intermedio.”

Carl Gustav Jung

 

El arte contemporáneo es, en cierta forma, un gran equívoco. Al menos si se le considera desde la vertiente heredada por Marcel Duchamp, probablemente uno de los artistas con el mejor humor en la historia y también uno de los más inteligentes, gracias a lo cual fue capaz de hacer de un mingitorio una “obra maestra”. ¿Qué equívoco evidenció Duchamp con su pieza? Entre otros, que en la modernidad el arte se despojó poco a poco de su aura sublime para poder participar de la rueda del mercado. Con su gesto, Duchamp también señaló eso: que el arte es ya un objeto de consumo.

I have studied this piece a number of times during academia, I was happy to see it in person.

El “ready made” de Duchamp (la pieza que adquiere un carácter estético en su descontextualización) o la exaltación de los productos y la mercadotecnia con el trabajo estético de Warhol han sido durante décadas replicados, con algunas pocas variaciones, en el discurso creativo de miles de nuevos “artistas”. Este fenómeno que surge a partir de la ilusión creada por el sistema capitalista democrático que ha hecho que la mercadotecnia impregne al arte: “Ahora cualquiera puede ser artista.”

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La tarea del público (nuestra taréa colectiva) al presenciar tal tragicomedia no es juzgar, sino tratar de comprender, no aumentar el descaro flagelando la pereza y controversia de las obras de arte, sino ver qué salió mal y deducir de eso una una visión más amplia sobre ese baile delicado de dar y recibir, de conexión y comprensión mutuas, eso es arte.

El arte es extraño, porque lidia con la novedad, con lo desconocido y lo trascendente, y el método común de tratar de encajarlo en el esquema “normal”de las cosas, ya sea domándolo o acosándolo, no puede tener éxito.

La vocación del artista, en cualquier medio, es hacerlo nuevo. No quiero decir que en lo contemporáneo el pasado sea repudiado; todo lo contrario, el pasado es reclamado. No se pierde con la autoridad, no se absorbe en un nivel de familiaridad. Se vuelve a establecer y se restablece en su vigor original. El verdadero artista está detrás del problema. El falso artista quiere que sea resuelto (por alguien más). Si el verdadero artista está conectado, entonces él o ella tiene mucho que darnos porque es la conexión lo que buscamos. Conexión con el pasado, el uno con el otro, con el mundo físico … Una imagen, un libro, una pieza de música, una pintura, una instalación, pueden recordarnos sentimientos, pensamientos, que ni siquiera sabíamos que habíamos olvidado.

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No hay mandamientos en el arte ni axiomas fáciles para la apreciación del arte. “¿Me gusta esto?” Es la pregunta que alguien debería hacerse en el momento de la confrontación con la imagen. Pero si “sí”, ¿por qué “sí”? y si es “no”, ¿por qué “no”? La respuesta emocional directa obvia nunca es simple, y noventa y nueve veces de cada cien, el “sí” o el “no” no tienen nada que ver con la imagen en sí misma.

“No entiendo este poema”
“Nunca escucho música clásica”
“No me gusta esta foto”

Estas son declaraciones comunes pero no nos dicen nada sobre libros, pintura o música. Son declaraciones que nos dicen algo sobre el hablante. Eso debería ser obvio, pero, de hecho, tales declaraciones se ofrecen como críticas al arte, como evidencia en contra, sobre todo porque los ignorantes, los vagos o los simples confusos no quieren admitirse a sí mismos como tales.

Escuchamos mucho sobre la arrogancia del artista, pero nada sobre la arrogancia de la audiencia. La audiencia, que no ha hecho el trabajo, que no ha asumido ningún riesgo, cuya vida y sustento no están vinculados en todo momento con lo que están haciendo, que no han pensado en el medio o el método.

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Cuando dices “Este trabajo no tiene nada que ver conmigo”. Cuando dices “Este trabajo es aburrido / sin sentido / tonto / oscuro / elitista, etc.”, es posible que tengas razón, porque estás mirando una moda pasajera, o podrías estar equivocado porque el trabajo cae tan fuera de la seguridad de tu propia experiencia que para mantener intacto tu propio mundo, debes negar el otro mundo de la pieza de arte.

Esta negación de la experiencia imaginativa ocurre en un nivel más profundo que nuestra afirmación de nuestro mundo cotidiano. Todos los días, de innumerables maneras, tú y yo nos convencemos de nosotros mismos. El verdadero arte, cuando nos sucede, desafía al “yo” que somos. La sólida presencia del arte exige de nosotros un esfuerzo significativo, un esfuerzo anatema para la cultura popular. El artista ha introducido en el arte el esfuerzo, el esfuerzo de dinero, el esfuerzo de estudio, el esfuerzo de la humildad y el esfuerzo de la imaginación.

El arte es una herramienta de la imaginación que puede sanar el cuerpo, quizá por que impulsa, en esencia, el florecimiento del espíritu y el objetivo de todo artista debe ser comunicar lo incomunicable a través del arte. Los artistas son los encargados de mostrar otras realidades – mundos dentro de este mundo- y de amplificar la percepción. En palabras de Paul Klee: “El arte no reproduce lo visible, lo hace visible”. Es nuestra labor otorgar una atención concentrada y renunciar a la pereza para recibir el mensaje.

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¿Cuándo fue la última vez que viste algo, única y concentradamente? … Nos damos cuenta de que no somos muy buenos para mirar. El arte tiene ojos profundos y difíciles, y para muchos la mirada es demasiado insistente. Es mejor pretender que el arte es tonto, o al menos no tiene nada que decir que tenga sentido para nosotros. Si el arte, todo el arte, se preocupa por la verdad, entonces una sociedad en negación no encontrará mucho uso para ello … Evitamos encuentros dolorosos con el arte trivializándolo o familiarizándolo.

La persona promedio pasa 17 segundos mirando una obra de arte en un museo. Por lo general, toma mucho menos tiempo que eso para identificar una imagen. Pero ¿entendiéndolo? Eso requiere disminuir la velocidad y tomarse el tiempo para ver los detalles. Este tipo de reflexión profunda nos ayuda a ver que las cosas no siempre son lo que parecen a primera vista.

El arte de entender el arte es un proceso para mirar cuidadosamente y explorar una obra de arte en un nivel más profundo:

 

MIRA

El primer paso en el proceso de entender el arte, mirar, puede parecer bastante obvio. Pero es tan importante que vale la pena subrayarlo. Permite tomarte el tiempo para reducir la velocidad y mirar con cuidado. Colócate en frente para que puedas ver el trabajo de forma clara y cómoda.

OBSERVA

La observación es donde entra en juego la mirada cercana. La observación es un proceso activo, que requiere tiempo y atención. Es aquí donde el espectador comienza a construir un catálogo mental de los elementos visuales de la imagen.

VE

Mirar es un acto físico; ver es un proceso mental de percepción. Ver implica reconocer o conectar la información que los ojos captan con sus conocimientos y experiencias previas para crear significado. Esto requiere tiempo y atención.

DESCRIBE

Describir puede ayudarte a identificar y organizar tus pensamientos sobre lo que has visto. Puede ser útil pensar en describir como hacer un inventario cuidadoso. ¿Qué figuras, objetos y escenarios reconoces? Puedes comenzar el proceso identificando y describiendo los elementos de arte dentro de una composición.

ANALIZA

El análisis usa los detalles que identificaste en tus descripciones y aplica la razón para darle sentido. El análisis también es una oportunidad para considerar cómo las figuras, objetos y configuraciones que identificaste en tu descripción encajan para contar una historia.

INTERPRETA

La interpretación, el paso final en el proceso de entender el arte, combina nuestras descripciones y análisis con nuestro conocimiento previo y cualquier información que tengamos sobre el artista y el trabajo. La interpretación nos permite sacar conclusiones sobre la imagen.

MIRA DE CERCA

Mirar y ver son lo mismo, ¿verdad? ¿Cuál es la diferencia entre estas dos acciones? Si la literatura visual es la capacidad de leer, escribir y comprender el lenguaje visual, entonces mirar una imagen es similar a rozar un texto mientras ver una imagen es comparable a leerla.

Piénsalo de esta manera. Alguien que simplemente está mirando solo está captando ciertos elementos de una imagen. Es superficial. Ver, entonces, es recoger todos los elementos de una imagen. Es completo.

Entonces, ¿cómo pasa alguien de mirar una imagen a verla por completo? A medida que empieces a reducir la velocidad y mirar más de cerca, comenzarás a tomar nota de los diferentes elementos en la imagen. Esto se llama observación, el proceso de construir un catálogo de elementos visuales, y es el puente entre mirar y ver.

DESCRIBE LO QUE VES

Piensa en describir como hacer un inventario cuidadoso de lo que ves. Para tomar el “inventario” de una imagen, es útil conocer el lenguaje utilizado para describir las obras de arte. Los componentes básicos del lenguaje formal son los Elementos del Arte y los Principios del Diseño.

 

Elementos del arte

 

Color

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Espacio

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Formas

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Líneas

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Textura

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Principios de diseño

 

Armonía

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Balance

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Variedad

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Énfasis

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Movimiento

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Proporción

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Ritmo

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ANALIZAR

El análisis usa los detalles que identificaste en tu descripción y les aplica una razón en un esfuerzo por interpretar la imagen. Esta es una oportunidad para pensar cómo las figuras, los objetos y los entornos se unen para contar una historia.

Existen diferentes métodos para analizar una imagen: piensa en ellos como diferentes pares de lentes que te ayudarán a criticar una obra de arte desde un punto de vista particular. Una vez que se han absorbido los detalles, se prepara una imagen para su análisis a través de cuatro lentes diferentes:

-Formas
-Símbolos
-Ideas
-Sentido

Las imágenes transmiten significado a través de los Elementos del Arte y los Principios del Diseño. La composición es la disposición de los Elementos del Arte y los Principios del Diseño.

Los símbolos: cosas que tienen significado por asociación o que representan otra cosa, son una parte poderosa de cómo entendemos el mundo visual. Reconocemos símbolos al invocar el conocimiento personal adquirido a través de la memoria y la experiencia vivida.

Ideas: la cultura y la historia influyen en cómo y qué vemos. Gran parte de nuestra reacción a una imagen depende del contexto en que la vemos. ¿Qué estaba tratando de transmitir el creador de imágenes y cómo se relaciona esto con el momento y el lugar en el que se creó la imagen? Del mismo modo, ¿cómo los valores y creencias de nuestra propia sociedad moldean nuestra comprensión de una imagen?

Significado: con el cuarto método de análisis, comenzamos a comprender el propósito de la obra de arte, descubrimos el significado pretendido por el artista y ampliamos el número de otros significados basados en la composición, memoria, experiencias de vida, historia, cultura, etc.

 

INTERPRETACIÓN

La interpretación ocurre cuando fusionamos las lentes de Forma, Símbolos, Ideas y Significado. Ser alfabetizado visualmente o “hablar visualmente” significa que te das cuenta de estos factores y eres capaz de desafiarte a ti mismo para no solo entender lo que estás viendo, sino para preguntarte por qué lo ves de la manera en que lo haces.

 

Con info de: Varujan Boghosian

Deliciosa Monstera: Una planta suicida, 12 artistas y una galería en la Roma
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Maia Contemporary hace homenaje a una planta, de las selvas mexicanas, que desde hace siglos ha cautivado el ingenio de artistas de todo el mundo.

Hasta Picasso amaba a la Monstera.

 

La Monstera deliciosa o Costilla de Adán, es una planta trepadora que es endémica de las selvas mexicanas.  Se caracteriza por su tallo grueso y alto, por sus hojas correosas, llenas de agujeros delirantes, y por un fruto en forma de elote que nace entre sus ramas que llega a medir hasta 30 centímetros de largo y que sólo es comestible si tiene más de un año de maduración. 

 Monstera

Lo curioso de este ejemplar verde es que según los expertos botánicos tiene poéticas estrategias de supervivencia. Esto se debe a que,  la Monstera crece a la sombra de los árboles más altos de la selva y se trepa a los troncos; los abraza con sus raíces profundas y expande sus hojas a aquellos rincones en los que encuentre la luz.

Durante muchos años, la rareza de esta planta y sus elegantes destellos, han sido la inspiración de todo tipo de artistas plásticos, fotógrafos y diseñadores gráficos. Hasta ahora la famosa Costilla de Adán ha protagonizado esculturas, novelas, portadas de libros y hasta lienzos de Picasso y de Matisse.

Monstera

 Monstera

Javier de Fonseca

Su singularidad ha tendido un puente indestructible entre la naturaleza y el arte. Y una prueba gloriosa de ello es la exposición colectiva Deliciosa Monstera que en los próximos días se inaugurará, para el placer de todos los capitalinos, en la fascinante Casa Basalta; una de las mejores galerías que tiene la Colonia Roma.

 Monstera

Franco Fasoli

En la muestra participarán una docena de artistas distintos. Doce maneras de plasmar el universo en un cuadro. Doce homenajes a la Costilla de Adán. Doce formas de mostrarle a los capitalinos toda la belleza endémica que hay en México. Doce pedazos de arte para conocer de cerca la  imaginación de un individuo. 

Deliciosa Monstera

Olivia Steele

Entre los creadores que participarán en esta estupenda muestra se encuentran: Arcángel Constantini, Olivia Steele, Betsabeé Romero, Celeste Byers, Edgar Bacalao, Franco Fasoli Jaz y Hilda Palafox, por sólo mencionar algunos cuantos talentosos artistas que han dejado su huella grandiosa y temporal en este espacio de la CDMX.  

Deliciosa Monstera

Ciler

Siempre se dice que la Naturaleza es una de las principales inspiraciones para el Arte, ¿porqué no dedicarle una exposición a una planta tan especial? Deliciosa Monstera es una exposición colectiva que integra a artistas de diferentes disciplinas que incluyen pintura, escultura, instalación, fotografía, neón, paisajismo, hasta una máquina olfativa de alta perfumería. Artistas Mexicanos, Colombianos, Chilenos, Argentinos, Españoles y Estadounidenses se unen en una muestra dedicada a esta planta.

Deliciosa Monstera es una de esas exhibiciones secretas y geniales que no hay que perderse por ningún motivo. Una experiencia que inicia con una simple planta y termina con abstracciones visuales perfectas y complejas. 

Deliciosa Monstera

Deliciosa Monstera

MAIA Contemporary

¿Cuándo? del 26 de mayo al 8 de julio 

¿Dónde? Colima 159, Roma Norte 

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Las esculturas surrealistas de Dalí llegan a Cuatro Caminos
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Grandes noticias para los amantes de Salvador Dalí y su gran visión artística: sus esculturas se exhibirán en Cuatro Caminos…

Salvador Dalí en Cuatro Caminos…

 

Salvador Dalí: Sueños Urbanos es el nombre de la exhibición de esculturas de Dalí que hace un año iluminaron el Paseo de la Reforma, los alrededores del Centro Histórico y, antes de eso, el Museo Soumaya, donde más de un millón de personas disfrutaron de esta muestra. Para gusto de los amantes del tan singular surrealismo del artista nacido en Figueras, Cataluña, el Museo Soumaya y la Fundación Carlos Slim anunciaron que una selección de estas grandiosas obras de arte estarán próximamente en exhibición en la Estación de Transferencia Multimodal (ETRAM) Cuatro Caminos, a un lado de la estación del Línea 2 del metro.

Todos conocemos los relojes derritiéndose de Salvador Dalí, su obsesión con los sueños y el erotismo, pero una cosa muy diferente es presenciar su obra en vivo… más aun si se trata de sus facetas menos conocidas, como la de escultor. Amante del surrealismo, valiente explorador del inconciente humano, dueño de una estética propia original e inconfundible, Salvador Dalí (1904-1989) es, sin duda alguna, una de las figuras más espectaculares de la modernidad occidental; su presencia en últimos tiempos es un gran suceso en México.

Las preciosas esculturas hechas de bronce reflejan sueños, miedos, obsesiones y fobias de Dalí, y fueron hechas (en su mayor parte) durante los últimos años de la vida del artista. Como adelanto, se podrá disfrutar de su famosas piezas Gabinete antropomórfico, La musa que danzaVenus espacial y Homenaje a Terpsícore, entre otras, y al igual que en las exhibiciones anteriores, podrás disfrutar de esta de manera completamente gratuita.

Un espacio de más de 90 mil metros cuadrados con un incesante flujo de personas permitirá que esta portentosa exhibición acoja a las miles de personas que seguramente querrán disfrutarla. Las fechas de inauguración aún no son develadas por lo que recomendamos estar atentos…

 

Esculturas de Dalí en Cuatro Caminos

Lugar: CETRAM Cuatro caminos. Ingenieros Militares # 70, Parque Industrial, Naucalpan de Juárez, Estado de México.

Fechas: por definir.

Página web

 

 

Una mágica colección de GIFs surrealistas de Leonora Carrington
Viviana Cohen
14 asombrosas postales para ver en movimiento la obra de la pintora inglesa más querida de México.
Leonora

“Yo no inventé el mundo que pinto, él me inventó a mí” Leonora Carrington

 

No todos somos iguales, algunos cuantos nacen con poderes extraordinarios. Dones inadvertidos que se hilvanan con los años, y que pueden transformar la forma en la que las personas perciben el mundo. Esos seres que, sin saber por qué, trastocan lo ordinario y lo convierten extraordinario

Tal es el caso de Leonora Carrington y todas las vidas que tuvo. Leonora, la niña aristócrata que nació al norte de Inglaterra que nunca encajó. Leonora, la joven surrealista que se enamoró de Max Ernst y terminó en un psiquiátrico escapando de sí misma. Leonora, la extranjera que un día del siglo XX llegó con sus maletas a la CDMX y nunca se volvió a ir porque aquí pudo expresar sus fantasías sin que nadie le pusiera un límite.

La vida se pasó más rápido que un chasquido de dedos, pero Carrington logró lo que pocos; ser una artista completa. Una escultora, escritora y pintora que dejó para la eternidad una colección de creaturas míticas que se refugian en sus lienzos: aves, cerdos, caballos, vacas, patos, gansos, mandriles y humanos alargados tan ligeros que pueden flotar entre los aires y que fueron parte de los primeros años de su vida.

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Leonora tuvo la facultad de expresar con sus propias manos el universo onírico que aparecía frente a ella siempre que cerraba los ojos. Su imaginación siempre estuvo desenfrenada. Volaba con la intensidad de un águila que no se detuvo jamás a oler las margaritas. No se paró ni siquiera en 2011 cuando la muerte se llevó el cuerpo rebelde de Carrington.

Afortunadamente, su fallecimiento fue solo físico, porque el espíritu surrealista Leonora Carrington es simplemente inmortal. Deambula en las calles de la CMDX, es la obsesión de los que saben de arte, es el homenaje que está presentando el Museo de Arte Moderno y es el protagonista de un grupo de GIF hechos por la iniciativa Maizz Visual.

Se trata de 14 animaciones digitales que, a través de un trabajo muy minucioso, dan una vida inédita a algunos de los dibujos más emblemáticos de la obra de Carrington. Estos cuadros tienden un magnífico puente entre la forma en la apreciamos el arte y la tecnología.

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Hay que destacar que estas postales con movimiento fueron parte del homenaje nacional que se le rindió a Leonora a propósito del primer centenario de su nacimiento en el 2017. Sin embargo, el proyecto comenzó a gestarse desde el 2013 y cada tanto se agregan más GIF para el placer de los entusiastas del arte.

Y como una imagen habla más de mil palabras aquí les presentamos esta magnífica colección de las obras de arte que hizo un ser humano que claramente tenía súper poderes.leonora

Frida Kahlo y Diego Rivera inmortalizan su historia en una exposición en Brasil
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Momentos en la vida de los pintores mexicanos Frida Kahlo y Diego Rivera, inmortalizados en una serie de 60 fotografías compiladas en una exposición en Sao Paulo, Brasil.

La fotografía como forma sublime de contar la historia.

 

La relación Frida Kahlo y Diego Rivera comenzó cuando Kahlo conoció a Diego cuando se encontraba pintando el auditorio de la preparatoria en la que ella estudiaba. Se acercó a él y l e pidió consejos y tutorías sobre pintura, a quien admiraba como artista, y reconocía su talento. Rivera, impulsó a Kahlo a seguir la pintura tradicional mexicana y más tarde iniciaron una relación amorosa.

Se casaron en 1929 pero Rivera ya tenía un historial amoroso con las pintoras rusas Angelina Petrovna y Marevna Vorobe-Stebelska. Fue esposo de la primera y tuvo una hija con la segunda. El matrimonio Frida-Diego fue más que complicado, estuvo lleno de infidelidades por parte de ambos. Una de las infidelidades de diego fue con Tina Moddotti, quien aparece en murales como “La tierra dormida“, “Germinación” y “Los frutos de la tierra“; mientras que Frida se dice que tuvo romances con Chavela Vargas, quien fue uno de los amores de la artista, aunque el romance entre ellas dos nunca fue totalmente público, y se cree que con Leon Trosky.

Ambos mantuvieron una relación amorosa que perduró hasta 1927. Mientras que Kahlo fue una mujer de carácter fuerte, liberal y abiertamente bisexual, acordaron mantener una relación abierta. A pesar de que no podían estar juntos y les constaba mucho trabajo estar separados, existen cartas donde la pintora escribe mucho sobre el amor que sentía por el muralista y la obsesión que llegó a sentir por él. Fue la infidelidad de Diego con la hermana menor de Frida, Cristina, lo que puso fin a su matrimonio.

Algunos fragmentos de la intimidad de la pareja, como la boda de los padres de diego Rivera, la pareja en manifestaciones políticas o, Frida tendida en la cama con la pierna inmovilizada debido a los dolores que sufría por la poliomielitis que contrajo cuando era niña, son escenas de la exposición inédita en BrasilFrida y Diego, Fragmentos“.

El objetivo de la exposición brasileña es rescatar las principales características de dos de los artistas más emblemáticos de la historia de México. Esta es una exposición didáctica donde las fotos muestran el trayecto histórico de Frida y Diego, así como su activismo político en un periodo de cambios constantes en México tanto política como culturalmente.

Algunas de estas fotografías datan del siglo XIX, y pertenecen al acervo personal de las familias de los dos pintores, por lo que pudieran capturar fragmentos de la vida íntima de la pareja así como momentos compartidos con su círculo de amigos más restringido. Aunque la relación entre Frida y Diego no fuera la más serena, debido a que la pareja fue protagonista de un amor complicado y para muchos melodramático, en la exposición es posible ver cómo las cámaras eternizaron la ternura y el afecto cultivaban uno por el otro.

Aunque la relación de estos geniales artísticas mexicanos, fue una relación marcada por dos grandes personalidades, tan singulares como la expresión de su propio arte, estas también se vuelven el resultado de relaciones tempestuosas. En la exposición brasileña también es posible ver varias fotografías que muestran Frida y Diego con sus otros compañeros sentimentales.

No obstante, a pesar de los tonos de todos colores que tuvo este matrimonio, no cabe duda que Frida Kahlo es mayor icono en la historia mexicana, por todo lo que gira en torno a su vida y sufrimiento. Y es que los brasileños tienen una relación especial con la vida de Frida, sus más de 200 autorretratos, y la autobiografía de sufrimiento que se ha construido sobre la figura de Kahlo, al grado de impactar a varias personas, que en momentos de oscuridad tienen la necesidad de expresarse por medio de actividades artísticas.

Para los amantes del arte en Brasil, las manifestaciones callejeras, la construcción de una conciencia política que reflejó la pareja en las fotos, es una pieza clave en la pareja y la exposición. En este momento de transición, y cambios complejos para como los que se viven en Brasil, es necesario pensar y reflejar sobre quienes son las personas que gobiernan y cómo gobiernan. De ahí que la exposición ayude a encontrar reflexiones, mirando hacia la historia de otro país y sus problemas, para reflejar la realidad brasileña.