"El arte impide que muramos de realidad"
Friedrich Nietzsche
"Arte es magia liberada de la mentira de ser verdad"
Teodoro Adorno
"El arte es una especie de impulso innato que se apodera de un ser humano y lo hace su instrumento. El verdadero artista no busca sus propios fines, sino que permite al arte realizar sus propios fines por su intermedio."
Carl Gustav Jung
El arte contemporáneo es, en cierta forma, un gran equívoco. Al menos si se le considera desde la vertiente heredada por Marcel Duchamp, probablemente uno de los artistas con el mejor humor en la historia y también uno de los más inteligentes, gracias a lo cual fue capaz de hacer de un mingitorio una "obra maestra". ¿Qué equívoco evidenció Duchamp con su pieza? Entre otros, que en la modernidad el arte se despojó poco a poco de su aura sublime para poder participar de la rueda del mercado. Con su gesto, Duchamp también señaló eso: que el arte es ya un objeto de consumo.
El “ready made” de Duchamp (la pieza que adquiere un carácter estético en su descontextualización) o la exaltación de los productos y la mercadotecnia con el trabajo estético de Warhol han sido durante décadas replicados, con algunas pocas variaciones, en el discurso creativo de miles de nuevos “artistas”. Este fenómeno que surge a partir de la ilusión creada por el sistema capitalista democrático que ha hecho que la mercadotecnia impregne al arte: "Ahora cualquiera puede ser artista."
La tarea del público (nuestra taréa colectiva) al presenciar tal tragicomedia no es juzgar, sino tratar de comprender, no aumentar el descaro flagelando la pereza y controversia de las obras de arte, sino ver qué salió mal y deducir de eso una una visión más amplia sobre ese baile delicado de dar y recibir, de conexión y comprensión mutuas, eso es arte.
El arte es extraño, porque lidia con la novedad, con lo desconocido y lo trascendente, y el método común de tratar de encajarlo en el esquema "normal"de las cosas, ya sea domándolo o acosándolo, no puede tener éxito.
La vocación del artista, en cualquier medio, es hacerlo nuevo. No quiero decir que en lo contemporáneo el pasado sea repudiado; todo lo contrario, el pasado es reclamado. No se pierde con la autoridad, no se absorbe en un nivel de familiaridad. Se vuelve a establecer y se restablece en su vigor original. El verdadero artista está detrás del problema. El falso artista quiere que sea resuelto (por alguien más). Si el verdadero artista está conectado, entonces él o ella tiene mucho que darnos porque es la conexión lo que buscamos. Conexión con el pasado, el uno con el otro, con el mundo físico … Una imagen, un libro, una pieza de música, una pintura, una instalación, pueden recordarnos sentimientos, pensamientos, que ni siquiera sabíamos que habíamos olvidado.
No hay mandamientos en el arte ni axiomas fáciles para la apreciación del arte. “¿Me gusta esto?” Es la pregunta que alguien debería hacerse en el momento de la confrontación con la imagen. Pero si “sí”, ¿por qué “sí”? y si es “no”, ¿por qué “no”? La respuesta emocional directa obvia nunca es simple, y noventa y nueve veces de cada cien, el “sí” o el “no” no tienen nada que ver con la imagen en sí misma.
“No entiendo este poema”
“Nunca escucho música clásica”
“No me gusta esta foto”
Estas son declaraciones comunes pero no nos dicen nada sobre libros, pintura o música. Son declaraciones que nos dicen algo sobre el hablante. Eso debería ser obvio, pero, de hecho, tales declaraciones se ofrecen como críticas al arte, como evidencia en contra, sobre todo porque los ignorantes, los vagos o los simples confusos no quieren admitirse a sí mismos como tales.
Escuchamos mucho sobre la arrogancia del artista, pero nada sobre la arrogancia de la audiencia. La audiencia, que no ha hecho el trabajo, que no ha asumido ningún riesgo, cuya vida y sustento no están vinculados en todo momento con lo que están haciendo, que no han pensado en el medio o el método.
Cuando dices “Este trabajo no tiene nada que ver conmigo”. Cuando dices “Este trabajo es aburrido / sin sentido / tonto / oscuro / elitista, etc.”, es posible que tengas razón, porque estás mirando una moda pasajera, o podrías estar equivocado porque el trabajo cae tan fuera de la seguridad de tu propia experiencia que para mantener intacto tu propio mundo, debes negar el otro mundo de la pieza de arte.
Esta negación de la experiencia imaginativa ocurre en un nivel más profundo que nuestra afirmación de nuestro mundo cotidiano. Todos los días, de innumerables maneras, tú y yo nos convencemos de nosotros mismos. El verdadero arte, cuando nos sucede, desafía al “yo” que somos. La sólida presencia del arte exige de nosotros un esfuerzo significativo, un esfuerzo anatema para la cultura popular. El artista ha introducido en el arte el esfuerzo, el esfuerzo de dinero, el esfuerzo de estudio, el esfuerzo de la humildad y el esfuerzo de la imaginación.
El arte es una herramienta de la imaginación que puede sanar el cuerpo, quizá por que impulsa, en esencia, el florecimiento del espíritu y el objetivo de todo artista debe ser comunicar lo incomunicable a través del arte. Los artistas son los encargados de mostrar otras realidades ? mundos dentro de este mundo- y de amplificar la percepción. En palabras de Paul Klee: "El arte no reproduce lo visible, lo hace visible". Es nuestra labor otorgar una atención concentrada y renunciar a la pereza para recibir el mensaje.
¿Cuándo fue la última vez que viste algo, única y concentradamente? … Nos damos cuenta de que no somos muy buenos para mirar. El arte tiene ojos profundos y difíciles, y para muchos la mirada es demasiado insistente. Es mejor pretender que el arte es tonto, o al menos no tiene nada que decir que tenga sentido para nosotros. Si el arte, todo el arte, se preocupa por la verdad, entonces una sociedad en negación no encontrará mucho uso para ello … Evitamos encuentros dolorosos con el arte trivializándolo o familiarizándolo.
La persona promedio pasa 17 segundos mirando una obra de arte en un museo. Por lo general, toma mucho menos tiempo que eso para identificar una imagen. Pero ¿entendiéndolo? Eso requiere disminuir la velocidad y tomarse el tiempo para ver los detalles. Este tipo de reflexión profunda nos ayuda a ver que las cosas no siempre son lo que parecen a primera vista.
El arte de entender el arte es un proceso para mirar cuidadosamente y explorar una obra de arte en un nivel más profundo:
MIRA
El primer paso en el proceso de entender el arte, mirar, puede parecer bastante obvio. Pero es tan importante que vale la pena subrayarlo. Permite tomarte el tiempo para reducir la velocidad y mirar con cuidado. Colócate en frente para que puedas ver el trabajo de forma clara y cómoda.
OBSERVA
La observación es donde entra en juego la mirada cercana. La observación es un proceso activo, que requiere tiempo y atención. Es aquí donde el espectador comienza a construir un catálogo mental de los elementos visuales de la imagen.
VE
Mirar es un acto físico; ver es un proceso mental de percepción. Ver implica reconocer o conectar la información que los ojos captan con sus conocimientos y experiencias previas para crear significado. Esto requiere tiempo y atención.
DESCRIBE
Describir puede ayudarte a identificar y organizar tus pensamientos sobre lo que has visto. Puede ser útil pensar en describir como hacer un inventario cuidadoso. ¿Qué figuras, objetos y escenarios reconoces? Puedes comenzar el proceso identificando y describiendo los elementos de arte dentro de una composición.
ANALIZA
El análisis usa los detalles que identificaste en tus descripciones y aplica la razón para darle sentido. El análisis también es una oportunidad para considerar cómo las figuras, objetos y configuraciones que identificaste en tu descripción encajan para contar una historia.
INTERPRETA
La interpretación, el paso final en el proceso de entender el arte, combina nuestras descripciones y análisis con nuestro conocimiento previo y cualquier información que tengamos sobre el artista y el trabajo. La interpretación nos permite sacar conclusiones sobre la imagen.
MIRA DE CERCA
Mirar y ver son lo mismo, ¿verdad? ¿Cuál es la diferencia entre estas dos acciones? Si la literatura visual es la capacidad de leer, escribir y comprender el lenguaje visual, entonces mirar una imagen es similar a rozar un texto mientras ver una imagen es comparable a leerla.
Piénsalo de esta manera. Alguien que simplemente está mirando solo está captando ciertos elementos de una imagen. Es superficial. Ver, entonces, es recoger todos los elementos de una imagen. Es completo.
Entonces, ¿cómo pasa alguien de mirar una imagen a verla por completo? A medida que empieces a reducir la velocidad y mirar más de cerca, comenzarás a tomar nota de los diferentes elementos en la imagen. Esto se llama observación, el proceso de construir un catálogo de elementos visuales, y es el puente entre mirar y ver.
DESCRIBE LO QUE VES
Piensa en describir como hacer un inventario cuidadoso de lo que ves. Para tomar el “inventario” de una imagen, es útil conocer el lenguaje utilizado para describir las obras de arte. Los componentes básicos del lenguaje formal son los Elementos del Arte y los Principios del Diseño.
Elementos del arte
Color
Espacio
Formas
Líneas
Textura
Principios de diseño
Armonía
Balance
Variedad
Énfasis
Movimiento
Proporción
Ritmo
ANALIZAR
El análisis usa los detalles que identificaste en tu descripción y les aplica una razón en un esfuerzo por interpretar la imagen. Esta es una oportunidad para pensar cómo las figuras, los objetos y los entornos se unen para contar una historia.
Existen diferentes métodos para analizar una imagen: piensa en ellos como diferentes pares de lentes que te ayudarán a criticar una obra de arte desde un punto de vista particular. Una vez que se han absorbido los detalles, se prepara una imagen para su análisis a través de cuatro lentes diferentes:
-Formas
-Símbolos
-Ideas
-Sentido
Las imágenes transmiten significado a través de los Elementos del Arte y los Principios del Diseño. La composición es la disposición de los Elementos del Arte y los Principios del Diseño.
Los símbolos: cosas que tienen significado por asociación o que representan otra cosa, son una parte poderosa de cómo entendemos el mundo visual. Reconocemos símbolos al invocar el conocimiento personal adquirido a través de la memoria y la experiencia vivida.
Ideas: la cultura y la historia influyen en cómo y qué vemos. Gran parte de nuestra reacción a una imagen depende del contexto en que la vemos. ¿Qué estaba tratando de transmitir el creador de imágenes y cómo se relaciona esto con el momento y el lugar en el que se creó la imagen? Del mismo modo, ¿cómo los valores y creencias de nuestra propia sociedad moldean nuestra comprensión de una imagen?
Significado: con el cuarto método de análisis, comenzamos a comprender el propósito de la obra de arte, descubrimos el significado pretendido por el artista y ampliamos el número de otros significados basados en la composición, memoria, experiencias de vida, historia, cultura, etc.
INTERPRETACIÓN
La interpretación ocurre cuando fusionamos las lentes de Forma, Símbolos, Ideas y Significado. Ser alfabetizado visualmente o “hablar visualmente” significa que te das cuenta de estos factores y eres capaz de desafiarte a ti mismo para no solo entender lo que estás viendo, sino para preguntarte por qué lo ves de la manera en que lo haces.
Con info de: Varujan Boghosian
Información y fotos cortesía de Milenio Cultura
Lorena Camarena llevará sus pinturas a un Pop Up Cultural de Reino Unido.
Lorena Camarena llevará su reciente obra pictórica en El pop Up Cultural de la Embajada de México en Reino Unido, Londres. Esta pintora mexicana se destaca porque su obra aborda nostalgia, memoria y naturaleza como hilo conductor. Sus pinturas son "accidentes y marcas que dejan huellas o ecos de primeras intenciones en el lienzo."
Esta ocasión llega al viejo continente para presentar esta exposición conformada por seis pinturas realizadas entre 2023 y 2024. Lorena Camarena Osorno es una artista que forma parte de la Colección Milenio Arte, y presenta una propuesta pictórica donde explora los límites del paisaje interno imaginado, el mundo concreto y la disonancia entre ambos.
La exposición Alguna vez el paraíso (Once Paradise) en el Pop up Cultural de la Embajada de México en Reino Unido, en Londres. Ahora que su prioridad es aumentar la visibilidad de su obra en el extranjero fomentado el diálogo con nuevos públicos y el intercambio cultural. Esta muestra se inaugurará el 15 de mayo de 2024 a las 18:00 horas en la Embajada de México en Reino Unido en Londres.
Lorena Camarena nació en la CDMX en 1974 y ha vivido entre México, Estados Unidos y Uruguay hasta 1992, cuando se afianzó por completo en México. A lo largo de su trayectoria ha realizado 18 exposiciones individuales y participado en 33 colectivas en México, Canadá, Francia, Estados Unidos y China.
La temática central de sus piezas es la mortalidad, la belleza, lo efímero, la memoria. Es por eso que regularmente podemos ver árboles, plantas y ramas, que comparten el espacio pictórico con elementos como una taza, una pistola o fragmentos de mármol o metal.
Una de sus obras más celebradas ha sido la del 2016, en donde expuso Luz fósil, en la Fundación Sebastián. En junio de 2017 presentó su obra mural Vestigio de sombra en la Fundación Sebastián. ¡Enhorabuena para esta gran artista mexicana!
Fotos cortesía de Tlacolulokos
Los Tlacolulokos muestran lo más interesante del arte contemporáneo oaxaqueño.
Darío Canul y Cosijoesa Cernas son los artistas que forman el colectivo Tlacolulokos. Ambos artistas son del pueblo de Tlacolula, Oaxaca, una comunidad zapoteca ubicada en la región del Valle Central del estado, que ha tenido fuertes vínculos con el sur de California desde la década de 1940, cuando un gran número de trabajadores agrícolas emigró al estado.
De modo que hoy Oaxaca, es también una de las regiones dentro de México con mayor migración hacia Estados Unidos.
Pero lo que más destaca a Los tlacolulokos es su trabajo artístico con una variedad de técnicas y medios gráficos como video, audio, grabados, fotografía y pintura. Su trabajo combina diferentes estilos como el street art, la pintura de caballete y mural y la serigrafía; además se desarrolla en las calles y en espacios artísticos públicos
El Colectivo Tlacolulokos, también se dedica a la difusión musical del rock y rap, así como la pintura a caballete, mural y la intervención sonidera.
Desde 2009 son Tlacolulokos, aunque ya tenían un trabajo anterior como difusores de la cultura al realizar eventos musicales. Su arte se enfoca en la crítica y el autoanálisis de vivir en Oaxaca y en los pueblos idealizados a partir del turismo; asimismo, se trata de mostrar lo que realmente se vive en las comunidades, en las periferias de la ciudad y la "contaminación cultural" a partir de la globalidad.
Sus pinturas más celebradas y creativas son las mujeres oaxaqueñas con trajes de tehuanas, pero tenis de marca norteamericana o en contextos de mezclas culturales, contaminaciones, choques y flujos. Muchas de sus pinturas son en gran formato.
Pero más allá de sus pinturas, es posible seguirlos en su canal de YouTube. Sus intervenciones sonideras son bastante interesantes.
Fotos cortesía de INAH
Esta instalación forma parte de la celebración de los 60 años del Museo Nacional de Antropología.
El Museo Nacional de Antropología (MNA) celebra 60 años, con la pieza monumental Tú del artista jalisciense José Rivelino Moreno Valle (1973) una de sus obras escultóricas monumentales más emblemáticas. Dicha pieza se encuentra expuesta en la explanada principal del recinto capitalino y ya es posible visitarla.
Se trata de un conjunto escultórico que consta de dos dedos índices de color blanco, elaborados en bronce, acero y concreto, los cuales se apuntan uno al otro, y pesa 30 toneladas, sumándose a la Piedra del Sol como una de las obras más pesadas exhibidas en Ciudad de México.
Esta instalación fue revelada por primera vez en Trafalgar Square, Londres, en Reino Unido, en 2015, y desde entonces ha formado parte del espacio público de latitudes como Alemania, Bélgica, Rusia, España, Italia y Estados Unidos. En México, esta pieza ha visitado la Macroplaza de Monterrey, el Patio Mayor del Instituto Cultural Cabañas y los centros históricos de las ciudades de Puebla y San Luis Potosí.
Por su parte, Rivelino es un artista que divide su tiempo entre la creación, la investigación y el activismo en los ámbitos de economía, cultura y desigualdad, y destacó la relevancia de la presentación de su obra en el museo más visitado de Latinoamérica. La intención de esta pieza es que el público pueda interactuar en diversas formas: "Que el individuo esté frente a frente del otro. De ellos frente a mí y de todos juntos, en el paso del yo al nosotros".
Esta pieza es polisémica, interactúa con el espacio en el que se instala y, al mismo tiempo, con el público. Visibiliza lo que las personas a veces quieren decir, en el espacio que hay entre los dos dedos que se señalan entre sí, puntualizó, caben todas las ideologías, las conversaciones y todo tipo de personas.
Además de admirar la instalación artística, las y los visitantes del MNA podrán tocarla e interactuar con ella, fotografiarse o mirarla a detalle y reflexionar sobre la propuesta del artista.
Tú de Rivelino
Dónde: patio del Museo Nacional de Antropología; Paseo de la Reforma y Gandhi, Chapultepec, Polanco, Miguel Hidalgo.
Cuándo: hasta 26 de agosto de 2024, lunes a viernes desde las 07:00.
Entrada libre
Fotos cortesía de Procine
Nudus es una de las cintas mexicanas más perturbadoras de los últimos años.
Nudus significa "desnudo" en latín, y es una analogía de estar desnudos en las redes sociales, vulnerables o con la falsa seguridad de privacidad, muy a pesar de que todo el internet está siendo vigilado por terceros, según el cineasta Gibrán Bazán cuando habla de su nuevo filme.
Esta historia llega a fortalecer el cine mexicano, que demuestra su variedad de estilos, directores, talentos e historias que enriquecen a la industria fílmica, a la cultura e identidad del país.
Nudus es un film de terror psicológico, que nos sumerge la superstición, la religión y las creencias populares, agregando capas de complejidad a las narrativas y generando una mayor sensación de inquietud en la audiencia. Pero esta ocasión, la cinta se centra en los avances digitales y el terror tecnológico; ofreciéndonos una ventana hacia el hackeo mundial, en un mundo postapocalíptico en donde no existe la privacidad en internet.
Asimismo, Nudus aborda a nuestro mundo hiperconectado: cibercrimen, espionaje global, falta de privacidad y vulnerabilidad de la información. Se trata de poner bajo el reflector el poder de las redes sociales, que concentran miles de millones de datos de los usuarios, en una sociedad cada vez más vigilada.
Carla Hernández, Alex Crusa y Sayaka Yokoyama, son los protagonistas de la cinta de escrita y dirigida por Gibrán Bazán, además de otros trabajos como "Los rollos perdidos" (2012), "Generación Spielberg" (2014) y "El buquinista" (2018); discípulo de Juan López Moctezuma, colaboró con el cineasta en varios proyectos.
Esta cinta se estrenó primero en Estados Unidos, debido a que el tema llamo la atención, además de reflejar el poder de la Inteligencia Artificial, sobre todo con toda la polémica de la huelga de Hollywood, la intromisión cada vez mayor de las redes sociales en nuestras vidas y el gran hackeo es algo que ya comenzó y que tendrá mayor impacto en unos cinco o siete años.
La premisa de su película es que los datos de miles de millones de personas estarán disponibles y abiertos en la red para consulta libre gracias a la poderosa tecnología de las computadoras cuánticas que serán capaces de vulnerar cualquier contraseña o sistema de seguridad online, dejando expuestas nuestras búsquedas, llamadas, mensajes de WhatsApp, passwords, transacciones y cualquier acción que realicemos en internet, es ya una terrible realidad.
Fotos cortesía de Betsabeé Romero
La artista Betsabeé Romero forma parte de una exposición conjunta de la 60 Bienal de Venecia.
La artista Betsabeé Romero lleva su exposición "La espiral sin fin" a la Galleria Piazza San Marco, como parte de la 60 Biennale di Venezia presentada por el Museo de Arte Latinoamericano (MOLAA) con la Fundación Bevilacqua La Masa y el apoyo de los main partners William S. Y Michelle Ciccarelli Lerach e Itaca Arts, cuyo CEO es Santiago García Galván.
Diversos medios italianos han hablado de la exposición, tanto como de la trayectoria de Betsabé y los hallazgos de "La espiral sin fin". Esta exposición explora las prácticas artísticas de Betsabeé Romero a través de obras de arte encargadas y nuevas instalaciones, que también se presentará en el Museum Of Latin America Art (MOLAA) en 2025, en Long Beach, California, EU.
Según, Santiago García Galván, la exposición que Betsabeé Romero "a través de sus imágenes poderosas y su simbolismo profundo, ha capturado la esencia de la experiencia migratoria, entretejiendo los hilos de la cultura, la identidad y la resiliencia. Su obra sirve como testimonio del espíritu humano, recordándonos nuestra humanidad compartida y la importancia de la empatía y la compasión".
Betsabeé Romero ha dicho sobre esta exposición que ya está montada y lista para su inauguración en la Galleria Piazza San Marco, que la selección tomó muchos meses, es un formato muy complicado para participar, participan muchos proyectos paralelos de todo el mundo, y al final, fuimos uno de los 30 proyectos seleccionados para hacer una exposición paralela.
En esta exposición, que está muy en la línea del tema general de la bienal, pero más específicamente desde lo que significa la imposición de fronteras, de bordes, de líneas casi punzocortantes que hieren la identidad cultural, de género, la identidad personal y comunitaria, cultural e histórica.
Buena parte de esta exposición reflexiona sobre la Cultura como el hogar que llevamos dentro y que sobrevivió a la sombra de todos los poderes; la forma en que se reproducen las fronteras, las polarizaciones han dividido incluso la cama en el paisaje familiar.
Fotos cortesía de Tany Folgoso
Un nuevo museo en la CDMX mostrará la riqueza musical de Los Ángeles Azules.
El Museo Comunitario Ocho Barrios es uno de los museos que se suma a la CDMX y poco a poco llegaremos a ser la ciudad con más museos del mundo, aunque todavía estamos por detrás de Londres. Para inaugurar este recinto, se abrió la exposición dedicada a la música que muestra las tradiciones y manifestaciones culturales de las comunidades originarias de Iztapalapa.
La exposición de este museo está dedicada a la Música y Músicos de Ixtapalapa, en donde podremos conocer la historia de algunas agrupaciones de esta región, siendo una de las más conocidas, Los Ángeles Azules; que han dejado un impresionante legado en muchas generaciones, musicalizando bailes, ceremonias religiosas, conformado orquestas tradicionales o puesto en alto el nombre de Iztapalapa.
Así que uno de los atractivos de esta exposición es justo ver las fotografías, acetatos firmados, trajes y notas de periódicos sobre grupos musicales emblemáticos de la demarcación, y sobre todo de Los Ángeles Azules. Ya que el Museo Comunitario de los Ocho Barrios busca reconocer la importancia de esta gran banda originaria de Iztapalapa.
Esta agrupación, ya reconocida en muchas partes del mundo, comenzó con la familia Mejía Avante a finales de los 70, aunque debutaron oficialmente en 1980 y desde esa fecha han sido "de Iztapalapa para el mundo". Sus primeros instrumentos fueron sacados con ayuda de Mamá Martha, madre y fundadora del grupo musical, quien fue aval y obtuvo un préstamo para que sus hijos tuvieran guitarras, un bajo y una tarola. Incluso tuvieron que vender la camioneta de su papá para comprar bocinas. Cuarenta años después, Los Ángeles Azules llevan la cumbia de Iztapalapa a muchas partes del mundo y a todas las fiestas mexicanas.
Música y Músicos de Ixtapalapa
Dónde: Museo Comunitario de los Ocho Barrios; Ermita Iztapalapa 100, San Pablo, alcaldía Iztapalapa.
Cuándo: martes a domingo de 10:00 a 18:00 horas
Entrada libre
Foto destacada: Ñuu Savi: Pasado, Presente y Futuro
El seku es una variante de la Pelota mixteca que se preserva en Oaxaca.
Es seku es un deporte que se practica en la comunidad de Yucunani, municipio de San Juan Mixtepec, Oaxaca. Yucunani es una pequeña comunidad con apenas 130 personas con un alto índice de migración, ubicada en la montaña de la región de la Mixteca, en el municipio de San Juan Mixtepec, en el estado de Oaxaca.
Es un juego que se ha retomado en los últimos años, con el fin de preservar la cultura y transmitirlo a las nuevas generaciones de jóvenes que se han integrado en los equipos de seku, además de que ya es un juego con apertura a las mujeres que toman la estaca y meten una bola de madera entre dos banderas que simulan una portería, con el fin de obtener puntos.
Este deporte prehispánico de los pueblos de Ñu?u Savi, estuvo a punto de extinguirse a finales de los años 90, pero un grupo de pobladores, en coordinación con profesores de San Juan Mixtepec, comenzaron a promoverlo y a rescatarlo en la comunidad de Yucunani y en otros espacios. Ahora, los vecinos les enseñan a sus hijos a jugarlo, se resisten a la extinción del deporte de sus abuelos.
El seku es el juego de los ancestros. Es por eso que es un deporte básico en donde solo son necesarios dos equipos de cinco personas en cada una; cada persona usa un bastón de madera con la base curvada, una bola de madera de algún árbol. Además, de estacas con antorchas encendidas colocadas sobre la orilla del perímetro donde se desarrolla el juego.
Cada partido dura 20 minutos con descansos de 10 minutos, aunque algunas veces los partidos pueden llegar a durar hasta media hora. Los pobladores explican que la bola con la que se juega está hecha del tallo del colorín, un árbol escaso en la zona, por lo que en ocasiones lo sustituyen por otros árboles de la región.
La antorcha, que todavía se prende en este juego, sirve para definir las líneas que conforman el campo. Además, como es un juego que tradicionalmente se jugaba de noche, el fuego es para guiar a los jugadores y que no se salgan del campo. Es un juego nocturno porque antes no había tiempo para jugar, y todos se dedicaban a trabajar en el campo.
Asimismo, este juego ya forma parte de las actividades del pedimento de la lluvia que realizan cada año los pueblos de la nación Ñu´u Savi. Hoy en día se abren torneos, y se dan premios y otros estímulos para que haya cada vez más participantes en este juego ancestral.
Además, el torneo está programado a la par de la feria anual de Yucunani, así que se invitan pueblos vecinos como Santiago Juxtlahuaca, Yanhuintlán, Nochixtlán, Tamazulápam, a la competencia, para que sea posible observar los encuentros de cerca, incluso se explican las reglas de este juego que preserva la identidad de Oaxaca.
