"El arte impide que muramos de realidad"
Friedrich Nietzsche
"Arte es magia liberada de la mentira de ser verdad"
Teodoro Adorno
"El arte es una especie de impulso innato que se apodera de un ser humano y lo hace su instrumento. El verdadero artista no busca sus propios fines, sino que permite al arte realizar sus propios fines por su intermedio."
Carl Gustav Jung
El arte contemporáneo es, en cierta forma, un gran equívoco. Al menos si se le considera desde la vertiente heredada por Marcel Duchamp, probablemente uno de los artistas con el mejor humor en la historia y también uno de los más inteligentes, gracias a lo cual fue capaz de hacer de un mingitorio una "obra maestra". ¿Qué equívoco evidenció Duchamp con su pieza? Entre otros, que en la modernidad el arte se despojó poco a poco de su aura sublime para poder participar de la rueda del mercado. Con su gesto, Duchamp también señaló eso: que el arte es ya un objeto de consumo.
El “ready made” de Duchamp (la pieza que adquiere un carácter estético en su descontextualización) o la exaltación de los productos y la mercadotecnia con el trabajo estético de Warhol han sido durante décadas replicados, con algunas pocas variaciones, en el discurso creativo de miles de nuevos “artistas”. Este fenómeno que surge a partir de la ilusión creada por el sistema capitalista democrático que ha hecho que la mercadotecnia impregne al arte: "Ahora cualquiera puede ser artista."
La tarea del público (nuestra taréa colectiva) al presenciar tal tragicomedia no es juzgar, sino tratar de comprender, no aumentar el descaro flagelando la pereza y controversia de las obras de arte, sino ver qué salió mal y deducir de eso una una visión más amplia sobre ese baile delicado de dar y recibir, de conexión y comprensión mutuas, eso es arte.
El arte es extraño, porque lidia con la novedad, con lo desconocido y lo trascendente, y el método común de tratar de encajarlo en el esquema "normal"de las cosas, ya sea domándolo o acosándolo, no puede tener éxito.
La vocación del artista, en cualquier medio, es hacerlo nuevo. No quiero decir que en lo contemporáneo el pasado sea repudiado; todo lo contrario, el pasado es reclamado. No se pierde con la autoridad, no se absorbe en un nivel de familiaridad. Se vuelve a establecer y se restablece en su vigor original. El verdadero artista está detrás del problema. El falso artista quiere que sea resuelto (por alguien más). Si el verdadero artista está conectado, entonces él o ella tiene mucho que darnos porque es la conexión lo que buscamos. Conexión con el pasado, el uno con el otro, con el mundo físico … Una imagen, un libro, una pieza de música, una pintura, una instalación, pueden recordarnos sentimientos, pensamientos, que ni siquiera sabíamos que habíamos olvidado.
No hay mandamientos en el arte ni axiomas fáciles para la apreciación del arte. “¿Me gusta esto?” Es la pregunta que alguien debería hacerse en el momento de la confrontación con la imagen. Pero si “sí”, ¿por qué “sí”? y si es “no”, ¿por qué “no”? La respuesta emocional directa obvia nunca es simple, y noventa y nueve veces de cada cien, el “sí” o el “no” no tienen nada que ver con la imagen en sí misma.
“No entiendo este poema”
“Nunca escucho música clásica”
“No me gusta esta foto”
Estas son declaraciones comunes pero no nos dicen nada sobre libros, pintura o música. Son declaraciones que nos dicen algo sobre el hablante. Eso debería ser obvio, pero, de hecho, tales declaraciones se ofrecen como críticas al arte, como evidencia en contra, sobre todo porque los ignorantes, los vagos o los simples confusos no quieren admitirse a sí mismos como tales.
Escuchamos mucho sobre la arrogancia del artista, pero nada sobre la arrogancia de la audiencia. La audiencia, que no ha hecho el trabajo, que no ha asumido ningún riesgo, cuya vida y sustento no están vinculados en todo momento con lo que están haciendo, que no han pensado en el medio o el método.
Cuando dices “Este trabajo no tiene nada que ver conmigo”. Cuando dices “Este trabajo es aburrido / sin sentido / tonto / oscuro / elitista, etc.”, es posible que tengas razón, porque estás mirando una moda pasajera, o podrías estar equivocado porque el trabajo cae tan fuera de la seguridad de tu propia experiencia que para mantener intacto tu propio mundo, debes negar el otro mundo de la pieza de arte.
Esta negación de la experiencia imaginativa ocurre en un nivel más profundo que nuestra afirmación de nuestro mundo cotidiano. Todos los días, de innumerables maneras, tú y yo nos convencemos de nosotros mismos. El verdadero arte, cuando nos sucede, desafía al “yo” que somos. La sólida presencia del arte exige de nosotros un esfuerzo significativo, un esfuerzo anatema para la cultura popular. El artista ha introducido en el arte el esfuerzo, el esfuerzo de dinero, el esfuerzo de estudio, el esfuerzo de la humildad y el esfuerzo de la imaginación.
El arte es una herramienta de la imaginación que puede sanar el cuerpo, quizá por que impulsa, en esencia, el florecimiento del espíritu y el objetivo de todo artista debe ser comunicar lo incomunicable a través del arte. Los artistas son los encargados de mostrar otras realidades ? mundos dentro de este mundo- y de amplificar la percepción. En palabras de Paul Klee: "El arte no reproduce lo visible, lo hace visible". Es nuestra labor otorgar una atención concentrada y renunciar a la pereza para recibir el mensaje.
¿Cuándo fue la última vez que viste algo, única y concentradamente? … Nos damos cuenta de que no somos muy buenos para mirar. El arte tiene ojos profundos y difíciles, y para muchos la mirada es demasiado insistente. Es mejor pretender que el arte es tonto, o al menos no tiene nada que decir que tenga sentido para nosotros. Si el arte, todo el arte, se preocupa por la verdad, entonces una sociedad en negación no encontrará mucho uso para ello … Evitamos encuentros dolorosos con el arte trivializándolo o familiarizándolo.
La persona promedio pasa 17 segundos mirando una obra de arte en un museo. Por lo general, toma mucho menos tiempo que eso para identificar una imagen. Pero ¿entendiéndolo? Eso requiere disminuir la velocidad y tomarse el tiempo para ver los detalles. Este tipo de reflexión profunda nos ayuda a ver que las cosas no siempre son lo que parecen a primera vista.
El arte de entender el arte es un proceso para mirar cuidadosamente y explorar una obra de arte en un nivel más profundo:
MIRA
El primer paso en el proceso de entender el arte, mirar, puede parecer bastante obvio. Pero es tan importante que vale la pena subrayarlo. Permite tomarte el tiempo para reducir la velocidad y mirar con cuidado. Colócate en frente para que puedas ver el trabajo de forma clara y cómoda.
OBSERVA
La observación es donde entra en juego la mirada cercana. La observación es un proceso activo, que requiere tiempo y atención. Es aquí donde el espectador comienza a construir un catálogo mental de los elementos visuales de la imagen.
VE
Mirar es un acto físico; ver es un proceso mental de percepción. Ver implica reconocer o conectar la información que los ojos captan con sus conocimientos y experiencias previas para crear significado. Esto requiere tiempo y atención.
DESCRIBE
Describir puede ayudarte a identificar y organizar tus pensamientos sobre lo que has visto. Puede ser útil pensar en describir como hacer un inventario cuidadoso. ¿Qué figuras, objetos y escenarios reconoces? Puedes comenzar el proceso identificando y describiendo los elementos de arte dentro de una composición.
ANALIZA
El análisis usa los detalles que identificaste en tus descripciones y aplica la razón para darle sentido. El análisis también es una oportunidad para considerar cómo las figuras, objetos y configuraciones que identificaste en tu descripción encajan para contar una historia.
INTERPRETA
La interpretación, el paso final en el proceso de entender el arte, combina nuestras descripciones y análisis con nuestro conocimiento previo y cualquier información que tengamos sobre el artista y el trabajo. La interpretación nos permite sacar conclusiones sobre la imagen.
MIRA DE CERCA
Mirar y ver son lo mismo, ¿verdad? ¿Cuál es la diferencia entre estas dos acciones? Si la literatura visual es la capacidad de leer, escribir y comprender el lenguaje visual, entonces mirar una imagen es similar a rozar un texto mientras ver una imagen es comparable a leerla.
Piénsalo de esta manera. Alguien que simplemente está mirando solo está captando ciertos elementos de una imagen. Es superficial. Ver, entonces, es recoger todos los elementos de una imagen. Es completo.
Entonces, ¿cómo pasa alguien de mirar una imagen a verla por completo? A medida que empieces a reducir la velocidad y mirar más de cerca, comenzarás a tomar nota de los diferentes elementos en la imagen. Esto se llama observación, el proceso de construir un catálogo de elementos visuales, y es el puente entre mirar y ver.
DESCRIBE LO QUE VES
Piensa en describir como hacer un inventario cuidadoso de lo que ves. Para tomar el “inventario” de una imagen, es útil conocer el lenguaje utilizado para describir las obras de arte. Los componentes básicos del lenguaje formal son los Elementos del Arte y los Principios del Diseño.
Elementos del arte
Color
Espacio
Formas
Líneas
Textura
Principios de diseño
Armonía
Balance
Variedad
Énfasis
Movimiento
Proporción
Ritmo
ANALIZAR
El análisis usa los detalles que identificaste en tu descripción y les aplica una razón en un esfuerzo por interpretar la imagen. Esta es una oportunidad para pensar cómo las figuras, los objetos y los entornos se unen para contar una historia.
Existen diferentes métodos para analizar una imagen: piensa en ellos como diferentes pares de lentes que te ayudarán a criticar una obra de arte desde un punto de vista particular. Una vez que se han absorbido los detalles, se prepara una imagen para su análisis a través de cuatro lentes diferentes:
-Formas
-Símbolos
-Ideas
-Sentido
Las imágenes transmiten significado a través de los Elementos del Arte y los Principios del Diseño. La composición es la disposición de los Elementos del Arte y los Principios del Diseño.
Los símbolos: cosas que tienen significado por asociación o que representan otra cosa, son una parte poderosa de cómo entendemos el mundo visual. Reconocemos símbolos al invocar el conocimiento personal adquirido a través de la memoria y la experiencia vivida.
Ideas: la cultura y la historia influyen en cómo y qué vemos. Gran parte de nuestra reacción a una imagen depende del contexto en que la vemos. ¿Qué estaba tratando de transmitir el creador de imágenes y cómo se relaciona esto con el momento y el lugar en el que se creó la imagen? Del mismo modo, ¿cómo los valores y creencias de nuestra propia sociedad moldean nuestra comprensión de una imagen?
Significado: con el cuarto método de análisis, comenzamos a comprender el propósito de la obra de arte, descubrimos el significado pretendido por el artista y ampliamos el número de otros significados basados en la composición, memoria, experiencias de vida, historia, cultura, etc.
INTERPRETACIÓN
La interpretación ocurre cuando fusionamos las lentes de Forma, Símbolos, Ideas y Significado. Ser alfabetizado visualmente o “hablar visualmente” significa que te das cuenta de estos factores y eres capaz de desafiarte a ti mismo para no solo entender lo que estás viendo, sino para preguntarte por qué lo ves de la manera en que lo haces.
Con info de: Varujan Boghosian
Fotos cortesía de Museo de Bellas Artes
Damián Ortega: Pico y elote, más de 82 obras del artista mexicano en el Palacio de Bellas Artes.
Es la primera vez que la obra de Damián Ortega, una de las figuras centrales del arte contemporáneo latinoamericano, es puesta en una retrospectiva institucional en México; nada más ni nada menos que en el majestuoso Palacio de Bellas Artes de la CDMX.
Damián Ortega: pico y elote, es el nombre de esta revisión de la poética del escultor mexicano, que confirma el nuevo impulso del arte mexicano contemporáneo en México. Esta exposición ya está abierta al público, y en la inauguración, el artista comentó: "Ha sido muy emocionante todo lo que ha sucedido aquí. Llegar al Palacio de Bellas Artes significa mucho para mí, porque fue un largo camino andado y lo entiendo como un reconocimiento no solo para mí, sino también para toda la gente con la que he colaborado".
Asimismo, el expositor agradeció a Abraham Cruzvillegas, Gabriel Orozco, Abel Kuri, Dr. Lakra; Guillermo Santamarina y a todos los que han colaborado para esta exposición, "con quienes se fue haciendo un colegio de ideas y han sido como pilares de todo este trabajo".
"La exposición comenzó hace alrededor de un año y medio en Monterrey, donde su directora Taiyana Pimentel rompió inercias y se esforzó en dar espacio al trabajo para poder traerlo a México. Pidió la beca de Efiartes, un esfuerzo sostenido también por el Estado, y entonces se hizo una ecuación y se alinearon muchos elementos para que finalmente el Museo del Palacio de Bellas Artes reciba esta exposición, en la Ciudad de México, de donde soy oriundo".
La exposición "Damián Ortega: Pico y elote" consta de 82 obras que recorren más de tres décadas de trabajo ininterrumpido. Es un recorrido no cronológico a través de tres ejes curatoriales: cosechar, ensamblar y colapsar, los cuales favorecen criterios de carácter plástico y conceptual, manteniendo un escepticismo ante la idea de progreso en México.
Lo que caracteriza esta exposición, es que al menos 20 piezas pertenecen a la obra inédita de Damián, entre las que se encuentran Demonio alucinado (2022), Mascarón (2024), además de la Pieza de la serie Torre Latino (2007) y los uniformes de papel Kraft de la serie Utopía mexicana (2019).
De igual manera, se ha editado un catálogo que reúne una serie de textos escritos exprofeso para la muestra, realizados por José Esparza Chong Cuy, Aurora Gómez Galvarriato, Julieta González y Guillermo Osorno, especialistas y conocedores de la obra de Ortega.
Damián Ortega: Pico y elote
Dónde: Museo Palacio de Bellas Artes; Av. Juárez s/n esq. Eje Central Lázaro Cárdenas
Centro Histórico, CDMX.
Cuándo: marte domingo, en horario de 10:00 a 18:00 h.
Cuánto: $90
Estudiantes, maestros, INAPAM, empleados de la Secretaría de Cultura e INBA con credencial vigente: entrada libre
Entrada libre los domingos
Fotos cortesía de Ballet Nepantla
El Ballet de Nepantla lleva el folclor mexicano a diversas partes del mundo.
El Ballet Nepantla es uno de los grupos de danza folklórica más reconocidos fuera de México, nacido en la comunidad mexicana, pero siendo una compañía que rescata la identidad mexicana para muchos de los habitantes en Estados Unidos. De hecho, su nombre proviene de San Miguel Nepantla, una población mexicana ubicada en el municipio de Tepetlixpa, donde nació la poeta Sor Juana Inés de la Cruz, una de las figuras más relevantes de la literatura hispánica de corte Barroco.
Una de las producciones más representativas de este ballet es Valentina; inspirado en María Valentina de Jesús Ramírez Avitia, La Leona de Norotal, una revolucionaria mexicana que a principios del siglo XX se habría hecho pasar como hombre para poder luchar contra la dictadura de Porfirio Díaz.
Este ballet habla de la importancia de la mujer en la revolución mexicana, y visibiliza a las mujeres que combatieron mano a mano con los hombres, a pesar de que muchas de ellas tuvieron que simular ser hombres para poder pelear en los más de diez años que duró el conflicto armado en México. De este modo, la interpretación que hace el Ballet Nepantla de ese momento de la historia mexicana no podía ser más crucial, en este contexto contemporáneo del empoderamiento femenino.
Valentina es un ballet que se ha presentado varias veces en Nueva York, al grado de que se ha dicho que lo que George Balanchine del New York City Ballet hizo con las danzas folclóricas de su Rusia natal, el Ballet Nepantla lo está haciendo con las danzas folclóricas de México; además de ser comparada con el Ballet Folklórico de México de Amalia Herández.
Valentina del Ballet Nepantla es un gran arte para nuestro tiempo. Si las mexicanas de la revolución tuvieron que verse obligadas a defenderse con armas de fuego; hoy en día, se defiende a través de la fuerza de las comunidades y la riqueza de la cultura. Valentina, además, es un gran ballet que solo podría haber sido creado en la ciudad de Nueva York.
Para los diletantes del arte, ya sea en cualquiera de sus representaciones como las esculturas, arquitectura, música, pintura, literatura, danza o cine, alrededor del mundo hay grandes recintos que resguardan estas riquezas.
Hay ciudades que son reconocidas y llamadas como ciudades que son capitales culturales, las cuales concentran gran parte de museos. Las ciudades resguardan obras de artistas importantes, así como los hogares, sitios importantes donde se llevaron a cabo los trabajos o donde surgieron las ideas de estos personajes. Toma nota de las ciudades que tienen una amplia oferta artística para tu próximo viaje.
Los museos en la ciudades de todo el mundo forman parte del atractivo turístico y de entretenimiento que estas ofrecen, sin embargo, no todas las metrópolis del cuentan con una amplia oferta de estos espacios. La Ciudad de México (CDMX), además de ser conocida como el lugar ideal para comer y disfrutar de la cultura mexicana, también es conocida porque tiene muchos museos, pero no es la única.
A continuación te diremos cuáles son las ciudades con más museos en el mundo.
Londres
Con más de 200 museos, Londres encabeza la lista de ciudades con más museos en el mundo, siendo el Museo Británico el más famoso. Éste alberga más de 8 millones de objetos de las culturas orientales, egipcias, griegas, etruscas, romanas, chinas y europeas. Cabe mencionar que la Piedra Rosetta se encuentra en este recinto.
Ciudad de México
En los últimos años, la Ciudad de México se ha posicionado como la segunda ciudad con más museos en el mundo. Con 170 museos y 43 galerías, el Museo Nacional de Historia, el Castillo de Chapultepec, el Museo de Antropología ocupa y el Museo de Templo Mayor, son algunos de los más visitados.
París
París no es solo la ciudad del amor, sino una de las que más museos alberga en el mundo. El más famoso sin duda es el Museo de Louvre, el cual es uno de los más grandes y más visitados a nivel internacional, cuya obra más reconocida es "La Gioconda", mejor conocida como la "Mona Lisa" de Da Vinci.
Moscú
Otra de las ciudades con mayor número de museos en el mundo es Moscú, siendo el Museo del Kremlin el más visitado, ya que alberga importantes piezas históricas y armería rusa, además de tener una arquitectura impresionante.
Los Ángeles
No es casualidad que Los Ángeles sea una de las ciudades con más museos, ya que Estados Unidos es el país que encabeza la lista a nivel mundial. El Museo de Arte Contemporáneo, el Museo Getty y el LACMA, son tan solo algunos de los más visitados.
Seúl
La capital de Corea del Sur es también una de las ciudades con más museos, siendo el Museo Nacional de Corea un emblema del país y uno de los museos más visitados de Asia y del mundo, gracias a sus impresionantes colecciones.
Tokio
Tokio en Japón es una de las ciudades culturales más importantes, con gran cantidad de museos y galerías. El Museo Nacional de Tokio es el museo más grande del país, con cinco edificios donde se exponen piezas japonesas y de otras culturas asiáticas.
Chengdu
Famoso por su centro de conservación de osos panda, Chengdu en China es una de las ciudades con más museos en el mundo. Algunos de los más importantes son el Museo Guanghan Sanxingdui, el Museo Jinsha Site y el Museo de Chengdu.
Nueva York
Aunque no encabeza la lista, Nueva York es una de las ciudades con más museos y galerías en el mundo. El Museo Metropolitano de Arte, el MoMa, el Museo Americano de Historia Natural y el Museo Solommon R. Guggenheim son algunos de los más visitados.
Fotos cortesía de Darcstudio
Este complejo es el segundo proyecto de Frida Escobedo en New York.
Frida Escobedo está rediseñando la nueva ala del Museo Metropolitano de Arte de New York y al mismo tiempo incursiona en el proyecto Bergen: un edificio de 209 mil metros cuadrados, que contará con 105 viviendas de lujo, con estudios, residencias de cinco dormitorios distribuidas en 53 plantas únicas en el corazón de Brooklyn.
El concepto arquitectónico de la urbanización Bergen, es el resultado de la colaboración entre el Taller Frida Escobedo y el estudio DXA. Escobedo se aseguró de que Bergen rindiera homenaje a su contexto, al tiempo que forjaba su propia identidad en el horizonte de Brooklyn. El edificio está situado en una calle arbolada de postal y expresará las influencias de Boerum Hill.
Proyecto residencial Bergen
Tiene una fachada plisada, construida con bloques hechos a medida, en donde Escobedo aprovechó la orientación del edificio para maximizar la luz natural tanto del este como del oeste. El diseño general sigue un ritmo coherente en términos de escala, materialidad y color, con porosidad y transparencia entretejidas en toda la forma del edificio.
Asimismo, Bergen ofrece a sus residentes más de 14 mil 500 metros cuadrados de servicios en cuatro niveles. Tiene una escalera cilíndrica, piscina de agua fría, un estudio de podcast y sala de vapor. Además de las excepcionales instalaciones interiores, los residentes pueden relajarse y socializar en más de 4 mil metros cuadrados de espacios exteriores con dos terrazas comunes en la azotea diseñadas por el equipo de paisajismo. También se puede adquirir aparcamiento, trastero y espacio para guardar bicicletas.
El estudio mexicano Taller Frida Escobedo ha conseguido algunos de los proyectos más interesantes de los últimos años. Desde su fundación en 2006 en Ciudad de México consiguió ser la arquitecta más joven en proyectar el Pabellón de la Serpentine en Londres (2018) el Metropolitan Museum of Art (Met), y ahora este segundo proyecto residencial en Nueva York, después de su colaboración con Handel en la promoción de uso mixto del National Black Theatre en Harlem. El proyecto para el nuevo complejo residencial se entregará el próximo 2025.
Foto destacada: INAH
La restauración de los azulejos de la embajada mexicana en Portugal se llevaron a cabo por especialistas del INAH.
Los muros de la embajada mexicana en Portugal, están decorados con preciosos paneles de azulejos que integran escenas bucólicas, satíricas y fabulísticas elaboradas en el siglo XVIII. Este inmueble fue adquirido por el Estado mexicano en 1976, y se trata de una antigua quinta ubicada en el Parque Forestal de Monsanto de Lisboa.
La producción de azulejos del barroco en Portugal surgió influenciada por las cerámicas china y holandesa, especialmente de Delft. Pintores de caballete portugueses como Gabriel del Barco, António de Oliveira Bernardes, Raimondo du Couto y Manuel dos Santos, por citar algunos, crearon verdaderas composiciones sobre cerámica.
Este arte alcanzó su apogeo en el último cuarto del siglo XVII y las primeras décadas del XVIII, bajo las monarquías de Pedro II y Juan V. La bonanza de la Corona por el usufructo de su colonia americana, Brasil, que permitió el patrocinio de estas obras monumentales con pintores preciosistas, de ahí que se le nombre a este periodo como el "ciclo de los maestros".
Los paneles están atribuidos por los estudiosos del azulejo portugués como piezas pintadas por artista desconocido, y se caracterizan por un estilo más libre que el de sus contemporáneos, al retratar escenas de la vida palaciega, fábulas y sátiras, en colores blanco y azul, este último extraído del óxido de cobalto.
"Estos bienes son patrimonio mexicano desde hace casi 50 años, aunque estén fuera de nuestras fronteras", señaló la restauradora-perito del INAH, Renata Schneider, quien coordina el proyecto de conservación y restauración de los paneles de azulejos; y prevé concluir el trabajo en septiembre.
El trabajo que se llevó a cabo en las 158 piezas intervenidas, fue el de la desalinización y limpieza mecánica y química, organización de escamas desprendidas, pruebas de sustratos para mitigar la colonización de microorganismos adhesión de fragmentos y resanes. Asimismo, bajo la asesoría de Lurdes Esteves, se incursionó en la manufactura de fragmentos cerámicos para la reposición de faltantes.
Los juegos de casino online han capturado la atención de miles de jugadores en México, ofreciendo una experiencia única llena de emoción y posibilidades de ganancias. Entre estos, destacan algunos títulos que han logrado una popularidad excepcional gracias a sus innovadoras mecánicas de juego, gráficos impresionantes y, por supuesto, las generosas bonificaciones que ofrecen. En este artículo, exploraremos detalladamente tres de los juegos Pin Up más populares en México: Quest Gonzo, Jungle Books y Reactoonz. Además, te revelaremos cómo puedes aprovechar un bono de bienvenida de hasta +120% y 250 giros gratis.
Quest Gonzo: Una Aventura hacia Grandes Ganancias
Quest Gonzo es más que un simple juego de tragamonedas; es una aventura que te transporta al corazón de la selva peruana en busca de El Dorado, la ciudad perdida de oro. Este juego destaca por su función de avalancha, donde los símbolos ganadores explotan y son reemplazados por nuevos, permitiendo múltiples ganancias con una sola tirada.
Características principales:
– Mecánica de avalancha: Cada vez que logras una combinación ganadora, los símbolos involucrados desaparecen, haciendo espacio para que nuevos símbolos caigan desde arriba, potencialmente creando nuevas combinaciones ganadoras.
– Multiplicadores crecientes: Con cada avalancha sucesiva en una misma tirada, el multiplicador de ganancias aumenta, alcanzando hasta un x5 en el juego base y hasta x15 durante las tiradas gratis.
– Tiradas gratis: Al aterrizar tres símbolos de Free Fall, se activa esta característica, otorgando 10 tiradas gratis con la posibilidad de reactivarlas y aumentar el multiplicador de ganancias.
Jungle Books: Explora los Tesoros de la Selva
Inspirado en las clásicas historias de la selva, Jungle Books introduce una mecánica única de “héroes” donde cinco personajes con diferentes entornos ofrecen combinaciones de características especiales, creando una experiencia de juego dinámica y rica en variaciones.
Características destacadas:
– Héroes y reinos: Cada héroe tiene su propio conjunto de características especiales y un entorno de juego único, desde los sincronizados carretes hasta los multiplicadores de ganancias.
– Fusiones de características: Al cambiar de héroe, es posible que las características de dos héroes se fusionen, ofreciendo la oportunidad de combinar efectos y lograr ganancias espectaculares.
– Variedad de símbolos: Los símbolos incluyen frutas exóticas y animales de la selva, cada uno con su propio valor de pago.
Reactoonz: Gana con Extraterrestres Simpáticos
Reactoonz es un juego vibrante y energético que se aleja de las tradicionales líneas de pago. En este juego, ganas agrupando clústeres de extraterrestres adorables en una cuadrícula de 7×7.
Características únicas:
– Mecánica de clúster: Ganas al formar grupos de 5 o más extraterrestres del mismo tipo. Cuanto mayor sea el clúster, mayor será tu ganancia.
– Funciones cuánticas: Al ganar, se carga un medidor cuántico que, una vez lleno, activa una de las cuatro funciones cuánticas, ofreciendo desde destrucción de símbolos hasta transformaciones y duplicaciones.
– Gargantoon: Una criatura que se suma a la acción cuando el medidor cuántico está completamente cargado, añadiendo comodines de diferentes tamaños a la cuadrícula.
Bonificación de bienvenida para nuevos jugadores
Para los nuevos jugadores, existe una oferta irresistible: un bono de bienvenida de hasta +120% sobre tu primer depósito y hasta 250 giros gratis. Esta bonificación es una excelente manera de comenzar tu aventura en los juegos Pin Up, dándote más oportunidades de explorar estos emocionantes juegos y descubrir todo lo que tienen para ofrecer.
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Foto destacada: Nalac
La Casa Blanca proyectará The Long Game, un drama deportivo mexico-americano.
The Long Game tiene muchas sorpresas. Se trata de una cinta que ha convertido en Productor Ejecutivo a Saúl ?Canelo? Álvarez, uno de los deportistas mexicanos con mayor poder económico a nivel mundial, y que ahora decidió incursionar en el mundo de la "pantalla" grande, con esta producción deportiva que está basado en una historia real de superación.
Esta película es una inspiración para la comunidad del golf y el mundo; cuenta con una producción dirigida por Julio Quintana y se estrenará el próximo 12 de abril. Está inspirada en el libro ?Mustang Miracle? de Humberto G. García, y en él se relata la vida de cinco jóvenes de ascendencia mexicana, del Estado de Texas en 1957; que a pesar de las magras condiciones con las que trabajan, lograron superarse.
La segunda noticia de la buena fortuna de esta cinta, es que en asociación con la Fundación de la Herencia Hispana, una organización sin fines de lucro de Washington DC, este drama se proyectará en la Casa Blanca el 9 de abril, justo antes de su fecha de estreno el 12 de abril. El director y coguionista Julio Quintana y los miembros del elenco Jay Hernández, Cheech Marin, Julian Works y Paulina Chávez estarán presentes junto con Lupe Felan, una de las caddies en las que se basa la historia.
“Estamos encantados de apoyar The Long Game y estamos agradecidos con la Casa Blanca por asegurarse de que nuestras historias estadounidenses sean contadas y vistas“, dijo Antonio Tijerino, presidente y director ejecutivo de la Fundación de la Herencia Hispana, en un comunicado de prensa. "Por eso es importante apoyar películas inspiradoras de temática latina y compañías como Mucho Más que cuenten nuestras historias".
¿De qué trata The Long Game?
The Long Game cuenta la historia real de cinco jóvenes mexicano-estadounidenses que fundaron su propio campo de golf en medio de la maleza del sur de Texas y, a pesar de todas las probabilidades, uno de ellos ganó el Campeonato de Golf. Es una película imperdible sobre la perseverancia y la resistencia de los jóvenes pioneros mexicano-estadounidenses en la ciudad fronteriza.
Esta película es una poderosa contranarrativa a las representaciones dañinas de los latinos en el cine y un ejemplo brillante de las historias empoderadoras que los defensores de los latinos han instado durante mucho tiempo a Hollywood a contar. Felicitaciones a Mucho Más Media y a los talentosos creadores latinos detrás de ‘The Long Game’ por este logro histórico".
