Arte y Cultura
15 asombrosas exposiciones para ver en abril en la ciudad
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No te puedes perder este top de exposiciones que se estarán proyectando este mes en algunos recintos museísticos de la capital.

La CDMX es una de las grandes capitales artísticas del mundo y su oferta de exposiciones de las más elaboradas.

 

Lo cierto es que pocas cosas despiertan la sensibilidad, la creatividad e incluso la crítica como el arte. Se trata de una de las expresiones humanas más magníficas, que se vale de distintas técnicas, materiales y medios para estimular las entrañas de todos aquellos que celebran esta clase de creaciones tan subjetivas. Es pertinente aseverar que el arte es un aspecto coetáneo al ser humano. Difícilmente uno podría existir sin el otro, y es que esta bellísima simbiosis brinda un sentido trascendente al ser, que no se podría encontrar en cualquier otra característica propia del hemisferio derecho del cerebro.

El arte se constituye como parte esencial de la cotidianeidad de una sociedad. Y en el caso específico de la Ciudad de México, fue desde finales del siglo XVIII cuando comenzaron a erigirse los recintos museísticos. Los de esta urbe no son nada parecidos a los de otras latitudes del mundo. Alrededor de nuestra fascinante capital convergen museos clásicos, coloniales, históricos, modernos, fotográficos, filosóficos, prehispánicos, arquitectónicos, entre otros.

La realidad es que las exposiciones que se exhiben en la capital de los museos, nuestra CDMX, son profusas. Y como lo hacemos cada mes, hoy presentamos un listado con las mejores muestras que podrás hallar en la metrópoli y que estarán disponible durante el mes de marzo:

 

Morir en solo – Yael Davids

Museo Tamayo. Paseo de la Reforma # 51, Bosque de Chapultepec, Miguel Hidalgo.

Yael Davids (Kibbutz Tzuba, Israel, 1968) presenta un proyecto que fusiona textos, objetos y materiales  —madera, cuerdas y placas de vidrio. Morir en solo gira en torno a cuatro mujeres con saberes que no fueron debidamente reconocidos: la artista Cornelia Gurlitt (Alemania, 1890-1919), la escritora y poetiza Else Lasker-Schüler (Alemania, 1869-1945), Rahel Varnhagen (Alemania, 1771-1833), y Iulia Aquilia Severa (siglo III d.C,). 

*Hasta el 3 de junio.

 

Axiomas para la acción – Carlos Amorales

Museo Universitario de Arte Contemporáneo. Insurgentes Sur # 3000, Ciudad Universitaria, Coyoacán.

Curada por Cuauhtémoc Medina, la muestra hace énfasis en el trabajo conceptual de Amorales, y cómo éste opera más allá de una serie, colección o grupo de obras específicas; el núcleo de la exposición es precisamente un texto escrito por el artista llamado Axiomas para la acción, que define los ejes que constituyen su obra como un todo orgánico, a pesar de su profunda expresión multiforme, de la diversidad de sus soportes y de las disciplinas que con una mente original y visionaria ha recorrido.

*Hasta el 16 de septiembre.

 

Artaud 1936

Museo Tamayo. Paseo de la Reforma # 51, Bosque de Chapultepec, Miguel Hidalgo.

Esta exposición conmemora la poética del dramaturgo francés Antonin Artaud, su legendario viaje a México en 1936 y la influencia de su legado artístico, literario y de vida en todo el continente americano. Además de presentar materiales históricos y de archivo, la muestra reunirá piezas de artistas que, durante las últimas cinco décadas, han respondido a la obra de Artaud.

*Hasta el 20 de mayo.

 

Guillermo Gómez Peña Mexican (IN)documentado

Museo de Arte Moderno. Paseo de la Reforma y Gandhi s/n, Bosque de Chapultepec, Miguel Hidalgo.

La primera exposición individual en México de uno de los artistas pioneros del performance, hoy reconocido internacionalmente. Nació en la colonia Nueva Santa María, en la Ciudad de México, y a los 23 años, “demasiado joven para ser jipiteca y demasiado viejo para punketo”, partió a Los Ángeles, donde estudió en el California Institute of the Arts.

Hasta el 22 de abril.

 

Híbridos

Palacio de Bellas Artes. Avenida Juárez y Eje Central s/n, colonia Centro, Cuauhtémoc.

Híbridos es una maravillosa exposición que abarca desde la prehistoria hasta lo contemporáneo, en la que se celebra no sólo la obsesión que ha tenido el hombre con la enigmática figura del híbrido, sino la capacidad del ser humano de crear seres que no existen.  

*Hasta el 27 de mayo.

 

Memorias del subdesarrollo: el giro descolonial en el arte de América Latina 1960-1985

Museo Jumex. Bulevar Miguel de Cervantes # 303, colonia Granada, Miguel Hidalgo.

Memorias del subdesarrollo examina un importante cambio de paradigma que se produjo en la cultura y las artes visuales de América Latina, entre principios de los años sesenta y mediados de los ochenta. Este desplazamiento se caracterizó por articular una contranarrativa a la retórica del desarrollismo, haciendo posible identificar la aparición de un pensamiento descolonial en las prácticas artísticas en la región en estas décadas.

*Hasta el 9 de septiembre.

 

Starman

Foto Museo Cuatro Caminos. Ingenieros Militares # 77, Lomas de Sotelo, Naucalpan.

Esta excepcional muestra, un homenaje a un hombre que fue más que simplemente un humano, recibirá a sus visitantes con un cubo de luz que contará, una y otra vez, la delirante vida y obra que dejó el genio británico antes de partir en enero de  2016. Sin embargo, la parte más importante de Starman radica en la exhibición de 80 fotografías inéditas.

*Hasta el 30 de abril.

 

Modos de ver

Museo Carrillo Gil. Avenida Revolución # 1608, colonia San Ángel, Álvaro Obregón.

Esta muestra presenta la obra de nueve jóvenes artistas de menos de 35 años, seleccionados para unas de las becas que da el Carrillo Gil. Esta colección de piezas que se titula Modos de ver trabaja con temáticas distintas que giran en torno a los acuerdos políticos, los sistemas económicos y las estructuras sociales del mundo en el que habitamos.

*Hasta el 29 de abril.

 

Dame Zero – Sarah Lucas

Galería Kurimanzutto. Gobernador Rafael Rebollar # 94, colonia San Miguel Chapultepec, Miguel Hidalgo.

Dame Zero es como se titula la primera exposición individual en México de la artista londinense Sarah Lucas, que abrió sus puertas recientemente en la galería kurimanzutto. Esta colección de piezas abordan principalmente la corporeidad y su relación con la destrucción, en un ejercicio que habla también sobre el sexo, la enfermedad, lo desechable y la muerte (además de la relación de todos estos temas con la cultura pop británica).

*Hasta el 5 de mayo.

 

Carlos Leduc Montaño. La otra modernidad

Museo Nacional de Arquitectura. Avenida Juárez # 1, colonia Centro, Cuauhtémoc.

Esta exhibición plantea una revisión del legado arquitectónico en los diferentes géneros donde incursionó el maestro Leduc: escuelas, hospitales, vivienda, investigación, enseñanza de la arquitectura y planeación urbana. Planos originales, dibujos, croquis, perspectivas, fotografías, maquetas y objetos de trabajo y algunos diseños de mobiliario escolar, darán cuenta al público visitante del talento creativo de este notable arquitecto. 

*Hasta el 15 de abril.

 

Tzompantli a la vaquita marina

Museo Nacional de San Carlos. Puente de Alvarado # 50, colonia Tabacalera, Cuhatémoc.

La escultura realizada por Patricio Robles pretende concientizar al público sobre las consecuencias de desaparición de una especie. Reafirma el discurso naturalista e invita al público a tomar medidas para que no vuelva a suceder lo mismo con otra especie.   

*Hasta el 29 de abril.

 

Leonora Carrington. Cuentos Mágicos

Museo de Arte Moderno. Paseo de la Reforma y Gandhi s/n, Bosque de Chapultepec, Miguel Hidalgo.

Una muestra para honrar la vida y obra de la artista inglesa, y mexicana por adopción. El trabajo curatorial de Stefan van Raay y Tere Arcq busca mostrar los temas más recurrentes en la vida de la artista, con los que se construye un rico diálogo entre sus escritos y su pintura.

*A partir del 21 de abril y hasta el 23 de septiembre.

 

Caravaggio. una obra, un legado

Museo Nacional de Arte. Tacuba # 8, Centro Histórico, Cuauhtémoc.

Esta muestra presenta una de las pocas obras de Caravaggio existentes en el mundo: La Buona Ventura (1596), pintura clave para comprender el desarrollo inicial del artista y su primer acercamiento hacia el claroscuro. La muestra exhibe el legado tenebrista propuesto y difundido por Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571-1610) en la pintura europea y novohispana a través de obras representativas de acervos nacionales. 

*Hasta el 20 de mayo.

 

De métrico a imperial – Ištvan Išt Huzjan

Proyectos Monclova. Colima # 55, colonia Roma Norte, Cuauhtémoc.

Esta muestra es un diálogo intensivo entre los experimentos poéticos de Ištvan Išt Huzjan y el espacio de exhibición. En constante coqueteo con las vanguardias y las neovanguardias, el trabajo de Huzjan siempre refleja su habilidad para crear estructuras de capas múltiples, en términos tanto de contenido como de forma. 

*Hasta el 28 de abril.

 

Horizontes de ocupación

Museo del Eco. James Sullivan # 42, colonia San Rafael, Cuauhtémoc.

Miguel Ángel Madrigal es un artista que ha situado problemáticas de ocupación urbana dentro de su lenguaje escultórico. Así, esta muestra transforma el espacio de exhibición en un diorama que muestra diferentes vistas citadinas mediante la repetición de ventanas, balcones y escaleras de viviendas a escala, creando una ilusión de saturación y ocupación desbordada.

*Hasta el 20 de mayo.

 

Sobre cómo nació el rosa mexicano…
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La historia de un color que ilumina y representa a nuestro país, el rosa mexicano.

Un rosa que, en su abstracción, define a la perfección el ser mexicano.

 

Los colores tienen un poder extraño sobre los hombres. La moda, que de entre muchos otros elementos abreva del color, también es capaz de tener un impacto poderoso; a través de ella, como expresión cultural, se pueden promover diversos cambios en la psique de una población, esto incluye la apreciación de un país y su cultura.

Desde la década de 1950, el tono de rosa que conocemos como “mexicano” ha sido un símbolo importante de México pues, junto con otros elementos de nuestra cultura, ayudó a crear en ese entonces una identidad propia. Aún hoy, en nuestro país, es fácil encontrar este tono por todas partes, una especie de color magenta intenso que inunda las calles y objetos las ciudades y pueblos —desde juguetes y accesorios en los mercados hasta casas cubiertas de matas de flores rosas y algunas de nuestras más preciadas obras arquitectónicas.

A propósito del proceso de creación de la identidad mexicana y sus expresiones culturales, desde hace décadas los gobiernos han participado en campañas enfocadas a la formación de una identidad nacional. Miguel Alemán, por ejemplo, planeó durante su mandato un programa para difundir la cultura mexicana, y junto con Ramón Valdiosera usaron la moda para promocionar el turismo en nuestro país. Al recibir un gran apoyo por parte del gobierno, el rosa mexicano se hizo emblemático de México, y muy popular en el extranjero. Al mismo tiempo, surgió la “doctrina de la mexicanidad”, que dio pie a varios proyectos para incentivar el nacionalismo por medio de la cultura.

Así es como nació el “rosa mexicano”, gracias a Valdiosera, diseñador que se inspiró en varios grupos étnicos de nuestro país y en el color de las bugambilias. En 1949 este creador presentó una de sus colecciones en un desfile en Nueva York. Éste impactó tanto a los espectadores como a al prensa que, interesados en la paleta de la colección, le preguntaron cómo había concebido sus creaciones; él explicó que el color preponderante de sus diseños, el atrevido e intenso rosa, era un color característico de la cultura mexicana. Así es como un periodista en Estados Unidos lo bautizó como Mexican pink.

Al haber logrado condensar a la cultura mexicana en un color y usar la indumentaria para presentar riqueza del país, Valdiosera tuvo gran éxito, y a partir de ese momento el “rosa mexicano” comenzó a utilizarse profusamente, sobretodo en lo que se creía típico de México: adornos en vestidos, logos de establecimientos, calaveras de azúcar, papel picado y, tiempo después, la primera línea del metro de la CDMX.

Es tanto el impacto de este color en nuestra cultura y sus expresiones más autóctonas, que arquitectos como Ricardo Legorreta y Luis Barragán han usado esta tonalidad para dotar sus edificaciones de una esencia mexicana. Hace pocos años, el rosa mexicano también se convirtió en el tono estandarte de la Ciudad de México, donde este color no sólo se encuentra en el arte y la indumentaria, sino también en sus taxis, credenciales, oficinas y documentos oficiales, dejando claro que si hay un color capaz de unirnos y hacernos sentir orgullosos de lo que somos es este vibrante rosa que emula las flores y el arte de nuestro hermoso país.

Beethoven a cuatro cuerdas: la evolución del género
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Una de las más espectaculares expresiones de la música de cámara, los cuartetos de cuerda, y un homenaje a este género se presenta en El Colegio Nacional.

Los cuartetos de cuerda del gran Beethoven, en El Colegio Nacional.

 

Como su nombre lo indica, los cuartetos de cuerda son ensambles musicales creados para interpretarse por dos violines, una viola y un chelo. Son una de las piezas más asombrosas de la música de cámara hechas para agrupaciones pequeñas de músicos.

Este género fue desarrollado por el músico austriaco Joseph Haydn a mediados del siglo XVIII. A partir de sus cuartetos de cuerda, la forma tomó un gran prestigio y se consolidó como una de las más duras pruebas técnicas para cualquier compositor. Después de Haydn, otros de los grandes artistas del género fueron Wolfgang Amadeus Mozart, Franz Schubert y Ludwig van Beethoven.

De Beethoven, conocemos por lo general sus sinfonías que representan, quizá, la cúspide de la obra de este genio de la música; sin embargo, los cuartetos de cuerda que escribió son piezas profundamente poderosas a las que vale la pena acercarnos. Ahora, gracias a la iniciativa del reconocido músico Mario Lavista y de El Colegio Nacional, es posible conocer esta faceta poco explorada del gran artista que en vida fue más conocido por su virtuosismo en el piano que por sus creaciones para cuerda; algo que pocos saben es que Beethoven también tocaba instrumentos de cuerda, el violín y la viola.

Para conocer más sobre este género y poder escuchar en vivo esta maravillosa música, desde febrero El Colegio Nacional presenta un ciclo de conciertos en el que se interpretan estas composiciones para cuerda. El próximo 24 de abril se interpretará el Cuarteto en Fa menor, Op. 95 (conocido como Quartetto serioso) y el Cuarteto en Mi bemol mayor, Op. 127. Estos son parte de los llamados cuartetos intermedios y cuartetos tardíos. Beethoven comenzó a escribir estas piezas a muy temprana edad, bajo la influencia de Haydn y Mozart, cuyos cuartetos fueron la expresión del refinadísimo estilo vienés que caracterizó su época. La importancia que este género jugó en la carrera del compositor alemán se encuentra registrada en diversas cartas, testimonios y reseñas de la época.

Para los expertos, los cuartetos intermedios de Beethoven marcaron el inicio de su madurez como compositor, algo que no fue tan evidente en los anteriores. Por su parte, los cuartetos tardíos llevan plasmada la frustración que éste sufrió en los últimos años de su carrera, por la pérdida de la audición, alrededor de 1818.

El Cuarteto en Fa menor, Op. 95 se concluyó en 1810 ─una época en la que sus obras más importantes eran grandiosas y expansivas, por ejemplo, la Quinta sinfonía─ y tiene cualidades similares a los cuartetos tardíos. Por otro lado, el Cuarteto en Mi bemol mayor, Op. 127, clasificado como cuarteto tardío, brilla por su poderosa majestuosidad y por la sencillez de su tema central, que ha hecho que los expertos asocien su carácter con danzas campesinas y gitanas. Fue escrito entre 1824 y 1825, dos años antes de la muerte de Beethoven.

Estas últimas piezas serán interpretadas por el Cuarteto José White, una de las agrupaciones de música de cámara más admirables de nuestro país, que se ha consolidado en una enorme cantidad de escenarios incluidos el Festival Cervantino y en el Museo Nacional de Arte, entre muchos otros espacios, tanto nacionales como internacionales. Sus integrantes —Silvia Santa María Guerrero, Cecilia García, Sergio Carrillo y Orlando Espinosa— no sólo son intérpretes consagrados, también son maestros y fundadores del Festival de Música de Cámara de Aguascalientes, además de haber realizado giras, como solistas y como conjunto, por Estados Unidos, Canadá, Europa y América Latina.

El concierto en El Colegio Nacional, gratuito y abierto a todo público, representa una gran oportunidad para acercarse al genio alemán desde una perspectiva poco común y profundamente disfrutable, además de visitar uno de los edificios más espectaculares del Centro Histórico de la Ciudad de México.

 

Cuarteto en Fa menor, Op. 95 (Quartetto serioso) y Cuarteto en Mi bemol mayor, Op. 127 de Beethoven – Cuarteto José White

Lugar: El Colegio Nacional (Donceles # 104, Centro Histórico, Cuauhtémoc)

Fecha: 24 de abril de 2018, 19:00 horas. ENTRADA LIBRE.

Sigue la transmisión en vivo en: www.conal.mx

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Artista Pedro Reyes hace una obra de teatro con títeres de Marx, Lenin y Trotsky
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Los títeres de Pedro Reyes son tan únicos y geniales como lo es su obra misma.

Un video del acercamiento a la comedia de enredos de Pedro Reyes.

 

En 2008 el artista Pedro Reyes llevo a cabo la iniciativa “Palas por Pistolas” en Culiacán, Sinaloa, conocida como una de las ciudad más violentas del país, que tenía como premisa organizar una campaña para la donación voluntaria de armas, donde una pistola fue cambiada por electrodomésticos y/o productos electrónicos.

A partir de dicha iniciativa, 1527 armas fueron recolectadas, 40% de ellas automáticas, de alta potencia y de uso exclusivo del ejército. Más tarde las armas se llevaron a una fundición donde se crearon 1527 de palas con la leyenda de la historia. Esas palas se distribuyeron en varias instituciones de arte y escuelas públicas, donde niños y adultos participan plantando 1527 árboles.

Ese mismo año Reyes comenzó a integrar el teatro a su repertorio artístico, creando títeres que representaban sátiras políticas con personajes clave de la historia de la filosofía, como Karl Marx, Adam Smith, Lenin, Frida Kahlo y Julian Assange, Noam Chomsky, Ayn Rand, Elon Musk, entre otros. Los títeres de la obra son manufacturados en Japón, por maestros titiriteros en la tradición Bunraku de teatro de marionetas.

Ahora el artista conceptual y escultor, Pedro Reyes, crea un espectáculo de marionetas llamado Manufacturing Mischief donde los protagonistas son pensadores reconocidos como Noam Chomsky, Elon Musk, Ayn Rand y Karl Marx, donde se adopta una postura crítica hacia los efectos de la tecnología en el discurso político actual, la democracia, la distribución de la riqueza y los conflictos mundiales.

Manufacturing Mischief surge de la residencia que hace Reyes en Dasha Zhukova, en el Centro de Arte, Ciencia y Tecnología MIT (CAST)Massachusetts, cuando Reyes se encontró con el profesor Noam Chomsky y le propuso hacer una obra de teatro. Cuando Reyes se reunió con Chomsky, le enseño un títere de León Trotsky que había presentado en una obra previa de 2014 “La revolución permanente“.

En Manufacturing Mischief , el personaje de Noam Chomsky encuentra un antagonista en Ayn Rand, que nunca ha sido tomado en serio en la academia; no obstante, continúa siendo leído ampliamente y es una fuente de ideologías asociadas con el Trumpismo.

Mientras que Elon Musk es hoy un héroe tecnocrático, en la tradición de Henry Ford y Steve Jobs. Estos y otros personajes son llevados a la obra por un Deus ex machina, un aparato donde se coloca y se saca un libro del autor. Usando la comedia para abordar el discurso político y los dilemas que la Inteligencia Artificial y el capitalismo tardío plantean en la era del Antropoceno, este espectáculo hará las delicias de niños, académicos y nerds por igual.

Aunque Manufacturing Mischief es gratuita y está abierto a todo el público, por ahora solo podrá verse en el Instituto de Tecnología de Massachusetts. En el futuro esperamos que los títeres de Pedro Reyes vengan pronto a nuestra ciudad.

Consejos de Juan Rulfo para convertirte en fantasma
Viviana Cohen
El escritor mexicano, y su breve legado escrito, es uno de los enigmas más grandes de nuestro tiempo.
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Los fantasmas sólo le contaron sus secretos a Rulfo

 

Era el año 1955, y un escritor de nombre Juan Nepomuceno Carlos Pérez Rulfo Vizcaíno que había nacido en las profundidades de Jalisco (en un pueblo llamado Sayula para ser exactos) presentaba al mundo su primera novela Pedro Páramo. Un relato poco convencional que desde el primer párrafo tuvo el don de hilvanar (con una maestría pocas veces vista) la realidad y la fantasía.

Desde aquella primera edición hasta nuestros días, seis décadas después, este libro es indescifrable. Sabemos que su sola existencia cambió todos los paradigmas de la literatura latinoamericana. Sabemos también que se escribió en tan sólo cinco meses. Juan Nepomuceno y José Arreola se sentaron una tarde, uno frente al otro, a ordenar 68 fragmentos inconexos que había escrito Rulfo en distintos momentos.

Lo que no sabemos, y nunca sabremos, es por qué Pedro Páramo fue la única obra de largo aliento que hiciera Juan Rulfo. Según lo confesó él mismo, su silencio se debió a que había muerto un tío que le contaba las historias. Muchos sospecharon que mentía, pero nadie nunca podría asegurarlo. 

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Lo que tampoco sabemos es de qué lugar maravilloso nació el universo que el jalisciense inventó. Esos diálogos perfectos que por algún motivo se quedaron deambulando en el tiempo y parecen estar vivos; alguien en algún lugar los repite al infinito. Esos personajes llenos de súplicas y esperanzas iluminados por la luna, con sombras,  pasados dolorosos y redenciones y epifanías y las pupilas de los ojos enrojecidas por el campo o por el desierto. 

Lo único que sí es una certeza es que si los fantasmas existieran, al único que le contaron sus secretos fue a Juan Rulfo. Basta leer sus delirios, sus poesías, sus ensueños para poder bajar al inframundo y codearnos de cerca con las ánimas atormentadas.

Dicho todo lo anterior,  hemos creado una lista con algunos pedazos de Pedro Páramo, útil para cualquiera que tenga la inquietud de con convertirse en un fantasma eventualmente. 

 

Vete a buscar a ti mismo al mismo infierno

Mejor si se llama Comala…

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“Vine a Comala porque me dijeron que aquí vivía mi padre, un tal Pedro Páramo. Mi madre me lo dijo. Y yo le prometí que vendría a verlo en cuanto ella muriera. “

Sin saber por qué Juan Preciado sigue diligentemente el último deseo de su mamá y un día se va caminando al pueblo de su progenitor. Sólo al llegar entiende (sin saber por qué) que Comala no es como ningún lugar que ha conocido antes. Ahí sólo es escuchan susurros, y la gente va diciéndose a sí misma soliloquios. Ahí sólo hay el barullo de otra época; plazas vacías, casas abandonadas, un terreno baldío.

Comala es más bien un purgatorio; un sitio en el que los vivos no son admitidos y los muertos no pueden escapar. Una región invisible en la que todos son los hijos de Pedro Páramo.

 

Olvídate los rostros, acuérdate de los pesares

Lo único que quedará son tus emociones…

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Más que un municipio devastado por el paso implacable de la Revolución, Comala es un purgatorio habitado por ánimas que han muerto en pecado. Como buenos espíritus van por ahí sin cara, sin cuerpo, pero con todos los recuerdos de lo que fue su existencia muy nítidos. Estos seres han dejado la vida material, y cuentan desde una tumba su infinita melancolía, sus malas decisiones. Todos son hijos de un cacique y todos recuerdan su propia historia, no tienen miedo recitarla, quizá el único poder que tienen los fantasmas reales. 

 

Date cuenta que estás muerto

Eres tan sólo parte de un recuerdo …

Rulfo

Los habitantes de Comala no se acuerdan que han fallecido y que sólo existen en los recuerdos de quién sabe quién. Quizá por eso, una multitud de almas andan por ahí recitando las tragedias de su vida, sin que nadie parezca escucharlas. Quizá por eso la vieja Eduviges le asegura a Juan que puede hablar con los muertos. Quizá por eso Abundio, ese viejo arriero que en un inicio le muestra el camino a Preciado, no sólo era sordo, sino que también estaba muerto. Quizá por eso los caballos andan por ahí deambulando en el campo sin jinete.

Colama es un gran cementerio de gente que no sabe que se ha convertido en un fantasma de su propia vida.

 

Siempre vuela cometas con tu amor imposible

Y nunca la olvides…

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Todo ser eterio necesita un gran amor imposible. Pedro Páramo tiene el suyo; se llama Susana San Juan y según sus propias palabras “es la mujer más hermosa que se ha dado sobre la tierra”. A veces recuerda con ansiedad los años de la adolescencia que compartió con ella. Especialmente aquellos instantes en los que los dos se escapaban del pueblo para volar cometas.

“El aire nos hacía reír; juntaba la mirada de nuestros ojos, mientras el hilo corría entre nuestros dedos detrás del viento, hasta que se rompía con un breve crujido, como si hubiera sido destrozado por las alas de un pájaro”