Selección pictórica de varios artistas contemporáneos.
ESPAC, Espacio de Arte Contemporáneo, es una organización independiente sin fines de lucro dedicada a estudiar, difundir y promover la producción artística actual. Cuenta con un importante acervo de arte contemporáneo, apoya la exhibición y difusión de obras de artistas contemporáneos, principalmente jóvenes abocados a las transformaciones de la pintura y escultura, videos y propuestas de carácter experimental que abandonan las estrategias y lugares comunes en la práctica artística.
Desde 2014 ESPAC cuenta con un Programa de Pintura Contemporánea, debido al gran interés de la población por la pintura contemporánea. Esta propuesta se suma a los esfuerzos de otras instituciones por llevar a cabo una oferta dinámica de actividades, y ofrece un panorama complejo de la escena artística local a partir de una programación que contempla ciclos temáticos de exhibiciones, una plataforma editorial y una plataforma educativa.
Esta ocasión el ESPAC ofrece El cordón umbilical retiniano, una exposición que hace un guiño al texto del teórico formalista estadounidense Clement Greenberg, "Vanguardia y kitsch" de 1939, donde se analizan, precisamente, las vanguardias y el kitsch de principios del siglo XX; es decir, la aparición del "arte por el arte" en los diversos movimientos estéticos y culturales, y el kitsch: ese subproducto de la revolución industrial que urbanizó a las masas que podían permitirse el ocio y el confort de Europa y Norteamérica. El kitsch: el epítome de todo lo que hay de espurio en la vida de nuestro tiempo que no exige nada a sus consumidores, salvo dinero; ni siquiera les pide su tiempo.
El cordón umbilical retiniano alude a la pintura contemporánea que se viene produciendo en México en tiempos recientes. A pesar de que en la década de los noventa las vertientes post conceptualistas se alejaron de la retina, y con esto también de la pintura en tanto medio tradicional, hoy día hay cada vez más artistas mexicanos simpatizan con los repertorios pictóricos.
El programa de ESPAC nos pone a reflexionar sobre la pintura contemporánea que tiende a la saturación de los formatos del salón, el pabellón o el gabinete. La exposición tiene el propósito ampliar múltiples narrativas y revisar conceptos de la pintura relativos a una práctica plural que cuestiona nuestra historia.
Esta exposición invita al público a mirar entre los cuadros, intuir narrativas aún por formularse y que puedan sumarse a esta reflexión abierta sobre la pintura contemporánea.
El programa de actividades de ESPAC está concebido en cuatro fases y núcleos temáticos, que se desarrollaran hasta finales del 2018. La primera fase abarca Concretismo lírico, la segunda Pictoconstrucciones; Ontologías pictóricas y finalmente Notas al pie, que en conjunto darán lugar a una publicación al finalizar el proyecto.
ESPAC invita al público a repensar la relación entre el arte contemporáneo y lo pictórico-retiniano. A re construir la idea y aportaciones de la pintura a la estética del arte contemporáneo e indagar cómo el ímpetu pictórico de los últimos años nos permite repensar el papel que juega lo retiniano en relación con la dimensión visual del arte contemporáneo.
Esta selección investiga propuestas pictóricas que enlazan el lenguaje constructivista y los materiales industriales con el género del paisaje y/o el uso lírico del color y la luz. Investiga la oposición histórica entre la racionalidad del lenguaje geométrico ante el lirismo del paisaje y pone de manifiesto que la pintura contemporánea no se contrapone a la subjetividad individual.
A continuación te dejamos el programa del mes de junio de ESPAC.
Inauguración de la exposición Concretismo Lírico:
Sábado 2 de junio 12 horas. Selección de propuestas pictóricas del constructivista y los materiales industriales, la geometría y la abstracción, simultáneamente con gestos y efectos de luminosidad y secuencias líricas. Exploraciones retinianas que dan continuidad a la pintura concretista, avanzan al mismo tiempo en la medida en que incorporan el lirismo que caracterizó a algunas vertientes vanguardistas, como el expresionismo.
El cuarto de los ojos sucios ? Ana Bidart y Gabriel de la Mora
Jueves 14 de junio. 19 horas
Taller Poética post-pictórica ? David Miranda y Ricardo Rendón
26 a 28 junio. 17 a 20 horas
Presentación pública del taller Poética post-pictórica
Jueves 28 de junio. 20 horas
Exposición Concretismo Lírico
¿Dónde? ESPAC. Goethe 130, Anzures Ciudad de México
¿Cuándo? 2 de junio al 7 de julio
Entrada Libre
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Fotos cortesía de Micaela Hernández
Kelly Tehuanita una de las guardianas del zapoteco en Oaxaca.
Cada día hay menos personas que pertenecen a la comunidad zapoteca y cada día menos las que hablan el lenguaje. Es por eso que Micaela Hernández, conocida como Kelly Tehuanita, es una de las mujeres que protege el idioma, además de enseñarlo desde hace más de 15 años en el jardín de niños Donaji, en San Blas Atempa Oaxaca.
Kelly Tehuanita también es una gestora cultural, y forma parte de la radio comunitaria, ?La Tehuanita 105 .7 FM? donde enseña pronombres zapotecos, verbos y adjetivos de un idioma en desuso por las voces del castellano y otros extranjerismos que lo han silenciado en las aulas y hogares de la región.
De hecho, esta labor de defensa de la lengua materna se perdió desde hace dos generaciones, y menos del 5 por ciento de sus más de 68 mil habitantes lo hablan, lo entienden y lo escriben; pero incluso la educación oficial de las lenguas madre es compleja porque hay muchas personas que son analfabetas.
Es por eso que Kelly Tehuanita enseña cantos a sus alumnos como ‘Dxuladi’, voz zapoteca que quiere decir chocolate. Además, enseña a saludar en zapoteco, los números y frases para preguntar el valor de una cosa o preguntar el nombre propio a sus amigos y familiares son parte del temario en las clases de Tehuanita.
Además, directivos y maestros de esta escuela implementaron que al menos un día a la semana los alumnos asistan ataviados con la prenda característica de la región, falda y huipil con flores multicolores bordadas a mano para las niñas, y pantalón negro, guayabera blanca y huaraches para los niños.
Según el Instituto Nacional de Estadística y Geografía (Inegi) hay más de 420 mil hablantes zapotecas, siendo Oaxaca uno de los estados con más hablantes indígenas de México.
Foto destacada Gary Coronado/LA Times
Blaxicocina es el destino ideal para probar auténtica soul food.
Tiara Darnell es la mente detrás de Blaxicocina en la Navarte, se trata del primer restaurante de soul food en la CDMX, que cada vez son más populares debido a que los expatriados de Estados unidos están forjando nuevas vidas en muchas regiones del mundo, sobre todo agotados por la discriminación y violencia que viven en su país de origen.
De hecho, este restaurante toma parte de la idea del "Blaxit", la combinación de las palabras "negro" y "salida", y que en los últimos años se ha convertido en un movimiento donde personas influyentes comparten publicaciones inspiradoras sobre sus odiseas en el extranjero y desafían a otros a unirse a ellos.
Blaxicocina es uno de los puntos de encuentro para la creciente comunidad de expatriados afroamericanos que desean probar soul food. Darnell comenzó a organizar cenas en su departamento, en donde aparecían muchos extraños hambrientos de comer la gastronomía soul. Y en poco tiempo pudo abrir un restaurante con el dinero que había ahorrado al mudarse a México y pagar un alquiler.
Como la Ciudad de México permite encontrar ingredientes para crear sus platillos, las rentas son menos costosas, fue posible crear un restaurante que ahora ofrece noches de stand up en inglés karaoke con R&B de los noventa e incluso fiestas Motown con dj.
La soul food comprende una parte importante de la cocina sureña estadounidense. Así que en Blaxicocina puedes probar algunos platos fusión como alitas de pollo búfalo al pastor, junto con papas fritas sazonadas Old Bay a la mexicana. Sobre todo, es un lugar de una rica fusión cultural que ofrece comida tradicional para el alma, tanto a los estadounidenses negros que anhelan el sabor del hogar como a los lugareños curiosos y ansiosos por explorar nuevas fronteras culinarias.
Blaxicocina ofrece una cálida recepción para los locales y a muchos expatriados. Además de ser un lugar innovador, es un destino con un compromiso con la sostenibilidad, destacando la combinación única de cultura y conciencia ambiental del restaurante; donde la creatividad y el poder duradero de los alimentos para unir a las personas a través de las fronteras.
Fotos cortesía de Fernanda Velásquez Mares
Medusa es una acción artística y ecológica para el río más contaminado de México.
El proyecto Medusa tiene como propósito crear una inmensa red de cabello humano que pueda limpiar el río Santiago, en Juanacatlán, Jalisco: el más contaminado de México.
Este proyecto está impulsado por la artista Angélica Barba, quien reunió una tonelada de cabello donado para tender una red en uno de los puntos del río, de manera que esta materia orgánica absorba parte de los metales pesados y contaminantes en el agua.
Así que se trata de un proyecto ecoartístico con perspectiva feminista. Su propósito fue lanzar a la Medusa a las aguas del Río Santiago, una pieza con cerca de 50 kilogramos que está conformada por tentáculos de cabello humano. La medusa se lanzó entre lirios, y ahora flota para visibilizar la problemática de la contaminación del río más largo de México.
Los tentáculos de la Medusa están elaborados por medias rellenas de cabello humano donado, y estos a su vez están sujetos a una malla tejida que servirá como cabeza y a la cámara de una llanta de automóvil que será empleada como flotador.
Una vez identificados los contaminantes se iniciará una etapa de biorremediación, con ayuda de un equipo técnico de dichos centros universitarios. Angélica Barba es optimista de que varios de los miles de contaminantes identificados que hoy tiene el río se adhieran.
Una de las exigencias es que las industrias de la zona dejen de verter sus residuos al Río Santiago, pues son las principales fuentes de envenenamiento de este ecosistema que a lo largo de las últimas décadas ha dejado víctimas. Una de las propuestas de Angélica Barba es que cada una de dichas empresas tengan sus propias plantas de tratamiento.
El proyecto Medusa en México es parte de una narrativa más amplia que se desarrolla en América Latina, donde los desafíos ambientales se cruzan con los derechos humanos y el activismo comunitario. En regiones como la cuenca del Amazonas y las tierras altas andinas, las comunidades enfrentan luchas similares contra la contaminación y la degradación ambiental, a menudo impulsadas por actividades industriales y mineras.
Los países latinoamericanos reconocen cada vez más la necesidad de soluciones innovadoras a los problemas ambientales, integrando el conocimiento local y la investigación científica para diseñar estrategias efectivas y sostenibles. El proyecto ?Medusa? sirve como estudio de caso para la región, demostrando cómo los esfuerzos colaborativos pueden conducir a intervenciones ambientales prácticas y potencialmente transformadoras.
Fotos cortesía de Benni Fish
México es un pilar en América Latina por su enfoque hacia la conservación del jaguar.
El tercer censo nacional de jaguares es una iniciativa que lanzó el Gobierno mexicano, con el fin de salvaguardar a diversas especies, y marcar un paso crítico en la conservación de los ecosistemas de América Latina. Se trata de un censo que subraya la creciente urgencia de preservar una de las especies más emblemáticas y amenazadas de América Latina.
Es por eso, que México llevará a cabo su tercer censo nacional de jaguares, un proyecto fundamental destinado a evaluar la población y la salud actuales de estas majestuosas criaturas dentro de sus fronteras. Es un censo programado para realizarse en 19 Áreas Naturales Protegidas y diez sitios.
Los resultados del censo se dará a conocer en agosto de 2024, y es una acción que representa un esfuerzo monumental para cuantificar el impacto de las medidas de conservación y fortalecer las políticas públicas destinadas a mitigar las amenazas para la población de jaguares. La iniciativa es una cuestión de preocupación ambiental y un imperativo cultural, que refleja el importante papel del jaguar en el tapiz cultural y el patrimonio natural de México.
Como el jaguar es el felino más grande de América y el tercero a nivel mundial, es un símbolo de fuerza, grandeza y poder, inmortalizado en los templos y ciudades de civilizaciones antiguas como Calakmul, Balam Kú, Monte Albán y Cacaxtla.
De los 4 mil individuos que se estima deambulaban en México, la población experimentó un aumento de 4 mil 800 en 2018, un testimonio de los esfuerzos de conservación en curso. Para mantener estas cifras requiere una extensa preservación del hábitat, ya que un solo jaguar necesita entre 2 mil 500 y 10 mil hectáreas de tierra y una red de territorios conectados para prosperar.
El jaguar no solo enfrenta amenazas en México, en países como Brasil, Argentina y Belice, los jaguares padecen muchas amenazas que van desde la invasión de la agricultura y el desarrollo urbano, hasta los peligros de la caza furtiva y el comercio ilegal.
La importancia del jaguar se extiende más allá de su papel en el ecosistema como depredador superior; se erige como un ícono cultural que representa fuerza y resiliencia. Su conservación está entrelazada con la preservación de las identidades culturales latinoamericanas, donde el jaguar a menudo es venerado y celebrado en el arte, el folclore y la tradición.
A medida que México lidera el camino con su enfoque integral hacia la conservación del jaguar, sienta un precedente para otros países latinoamericanos que enfrentan desafíos ambientales similares. El éxito de esta iniciativa podría inspirar un cambio continental hacia estrategias de conservación más agresivas y colaborativas, enfatizando la necesidad crítica de conectividad del hábitat y la protección de vastos paisajes naturales.
Fotos cortesía de National Museum of Mexican Art
El National Museum of Mexican Art, el primer museo latino acreditado por la Asociación de Museos de Estados Unidos.
El National Museum of Mexican Art (Museo Nacional de Arte Mexicano) surge en la ciudad de Chicago en 1982, con el fin de representar a la comunidad mexicana y darle voz; además de estimular el conocimiento y que la gente logre apreciar el arte y la cultura mexicana de ambos lados de la frontera.
Este museo tiene una importante colección permanente de arte mexicano, además de contar con diversos programas de artes visuales, escénicas, y contar con una oferta educativa relacionada con el arte y desarrollo profesional de los artistas mexicanos. Por supuesto, fomentar a los artistas mexicanos fuera del país.
Este museo fue posible gracias a Carlos Tortolero, cuando organizó un grupo de 7educadores para fundar el Museo Centro Mexicano de Bellas Artes, que abrió sus puertas en 1987; el primer museo latino acreditado por la American Alliance of Museums; además de ser de los primeros museos en hablar de la importancia de la comunidad mexicana en Chicago, y ocuparse del arte mexicano.
En 2001, el museo se expandió a unas instalaciones de última generación de 14 mil metros cuadrados en el corazón de Pilsen y en 2006 cambió a su nombre actual, Museo Nacional de Arte Mexicano.
Hoy en día, este museo se destaca como la institución de primera voz más destacada del arte y la cultura mexicana en Estados Unidos. Es el hogar de una de las colecciones de arte mexicano más grandes de Estados Unidos, que incluye más de 18 mil piezas fundamentales que constan del México antiguo hasta el presente.
Aquí se presentan diversas exhibiciones con un valor artístico y cultura de la cultura e historia mexicanas. Muchas de sus exposiciones han recorrido diversas ciudades de Estados Unidos, algunas han viajado a México y muchos artistas han participado en simposios, teatro, danza, música, autores y compañías de espectáculos, que comparten la rica diversidad de la cultura mexicana. Además, realiza el Festival Anual Sor Juana, que honra los logros de las mujeres mexicanas con actuaciones femeninas.
Hoy en día, este museo se solidariza con las comunidades que padecen de xenofobia, y trabaja para reafirmar las contribuciones artísticas y culturales de los mexicanos en ambos lados de la frontera. Asimismo, recibe a un público diverso de maestros, artistas, estudiantes y familias, que se involucran con el arte y valorar la experiencia mexicana fuera de la geografía nacional. Este Museo se encuentra en 1852 W 19th Street, Chicago, IL 60608, y está abierto de martes a domingo de 10:00a 17:00 hrs.
Información y fotos cortesía de Milenio Cultura
Lorena Camarena llevará sus pinturas a un Pop Up Cultural de Reino Unido.
Lorena Camarena llevará su reciente obra pictórica en El pop Up Cultural de la Embajada de México en Reino Unido, Londres. Esta pintora mexicana se destaca porque su obra aborda nostalgia, memoria y naturaleza como hilo conductor. Sus pinturas son "accidentes y marcas que dejan huellas o ecos de primeras intenciones en el lienzo."
Esta ocasión llega al viejo continente para presentar esta exposición conformada por seis pinturas realizadas entre 2023 y 2024. Lorena Camarena Osorno es una artista que forma parte de la Colección Milenio Arte, y presenta una propuesta pictórica donde explora los límites del paisaje interno imaginado, el mundo concreto y la disonancia entre ambos.
La exposición Alguna vez el paraíso (Once Paradise) en el Pop up Cultural de la Embajada de México en Reino Unido, en Londres. Ahora que su prioridad es aumentar la visibilidad de su obra en el extranjero fomentado el diálogo con nuevos públicos y el intercambio cultural. Esta muestra se inaugurará el 15 de mayo de 2024 a las 18:00 horas en la Embajada de México en Reino Unido en Londres.
Lorena Camarena nació en la CDMX en 1974 y ha vivido entre México, Estados Unidos y Uruguay hasta 1992, cuando se afianzó por completo en México. A lo largo de su trayectoria ha realizado 18 exposiciones individuales y participado en 33 colectivas en México, Canadá, Francia, Estados Unidos y China.
La temática central de sus piezas es la mortalidad, la belleza, lo efímero, la memoria. Es por eso que regularmente podemos ver árboles, plantas y ramas, que comparten el espacio pictórico con elementos como una taza, una pistola o fragmentos de mármol o metal.
Una de sus obras más celebradas ha sido la del 2016, en donde expuso Luz fósil, en la Fundación Sebastián. En junio de 2017 presentó su obra mural Vestigio de sombra en la Fundación Sebastián. ¡Enhorabuena para esta gran artista mexicana!
Fotos cortesía de Tlacolulokos
Los Tlacolulokos muestran lo más interesante del arte contemporáneo oaxaqueño.
Darío Canul y Cosijoesa Cernas son los artistas que forman el colectivo Tlacolulokos. Ambos artistas son del pueblo de Tlacolula, Oaxaca, una comunidad zapoteca ubicada en la región del Valle Central del estado, que ha tenido fuertes vínculos con el sur de California desde la década de 1940, cuando un gran número de trabajadores agrícolas emigró al estado.
De modo que hoy Oaxaca, es también una de las regiones dentro de México con mayor migración hacia Estados Unidos.
Pero lo que más destaca a Los tlacolulokos es su trabajo artístico con una variedad de técnicas y medios gráficos como video, audio, grabados, fotografía y pintura. Su trabajo combina diferentes estilos como el street art, la pintura de caballete y mural y la serigrafía; además se desarrolla en las calles y en espacios artísticos públicos
El Colectivo Tlacolulokos, también se dedica a la difusión musical del rock y rap, así como la pintura a caballete, mural y la intervención sonidera.
Desde 2009 son Tlacolulokos, aunque ya tenían un trabajo anterior como difusores de la cultura al realizar eventos musicales. Su arte se enfoca en la crítica y el autoanálisis de vivir en Oaxaca y en los pueblos idealizados a partir del turismo; asimismo, se trata de mostrar lo que realmente se vive en las comunidades, en las periferias de la ciudad y la "contaminación cultural" a partir de la globalidad.
Sus pinturas más celebradas y creativas son las mujeres oaxaqueñas con trajes de tehuanas, pero tenis de marca norteamericana o en contextos de mezclas culturales, contaminaciones, choques y flujos. Muchas de sus pinturas son en gran formato.
Pero más allá de sus pinturas, es posible seguirlos en su canal de YouTube. Sus intervenciones sonideras son bastante interesantes.
