Arte y Cultura
La impresionante pictografía de los Códices Mixtecos
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Los mixtecos se desarrollaron independientemente de culturas mediterráneas o asiáticas, y por la variedad de tipos de escritura previa a la conquista, esta iconografía representa un logro intelectual único en esta parte del nuevo mundo.

En mixteco, Ñuu Savi o Ñuudzahui, significa “Gente de la lluvia”.

 

Igual que otros pueblos indígenas en México, los mixtecos tienen una antigua y orgullosa historia de logros en ciencias, matemáticas y escritura con códices. Los mixtecos son bien conocidos en el mundo antropológico por sus códices, o imágenes fonéticas en las que escribieron su historia y genealogías en piel de venado en la forma de “libro doble”.

La historia más conocida de los códices mixtecos es la del Señor Ocho Venado, llamada así por el día en que nació, cuyo nombre personal es Garra de Jaguar, y cuya historia épica está relacionada en tres códices principales, el Codex Vindobonensis Mexicanus I, Codex Bodley, el Zouche-Nuttall.

Estos códices son importantes porque si bien, los mixtecos tuvieron sistemas de escritura textual, optaron por pictograma, signos icónicos dibujados y no lingüísticos, que representa objetos o significados. Estos pictogramas representan eventos históricos como el nacimiento, el matrimonio, la coronación, la guerra y la muerte, mientras que los glifos escritos registrarían la fecha del evento e identificarían a las personas y lugares involucrados.

Aunque todo el sistema de símbolos e iconografía que se encuentran en todo el mundo antiguo son fascinantes, los que se desarrollaron en la antigua Mesoamérica no tienen nada que envidiar. De hecho, por su desarrollo independiente de culturas mediterráneas o asiáticas, y por la variedad de tipos de escritura previa a la conquista, esta iconografía representa un logro intelectual único en esta parte del nuevo mundo.

Este tipo de pictogramas no sólo fue importante en su época, también es un tipo de escritura de gran relevancia al día de hoy; al grado de influir de varias maneras en la cultura mixteca moderna. A pesar de que existen alrededor de 500,000 personas de habla mixteca en México, estos cuentan con grandes diferencias entre los varios dialectos mixtecos modernos, y se ha estimado que existen al menos una docena de idiomas mixtecos diferentes.

El Códice Vindobonensis o Códice Yuta Tnoho es una documento pictográfico importante, ya que registra las creencias mixtecas sobre el origen del universo, sus dioses e historias mitológicas de los pueblos mixtecos. Este códice es responsable de contar mediante pequeños dibujos, el origen mitológico del pueblo mixteco y sus creencias divinas. En el Códice Vindobonensis Mexicanus I, uno de los hombres de maíz copuló con un árbol y dio a luz al Señor de la Mixteca, que retó y venció al sol e impidió que este astro se opusiera al establecimiento de los mixtecos en su territorio.

Fue elaborado en la época de la Mixteca Alta, localizada en lo que ahora es el noroeste de Oaxaca. Es un biombo de piel curtida de venado que consta de 52 láminas escritas por ambas caras. Toma su nombre de la ciudad de Viena (Austria) —Vindobona en latín— donde ahora se encuentra en la colección de la Biblioteca Nacional austriaca. Este códice es uno de los más pocos documentos de la época precolombina que se conservan en la actualidad.

El Codex Zouche-Nuttall es una pieza plegada en acordeón, que registra las genealogías, alianzas y conquistas de varios gobernantes de los siglos 11 y 12 de una pequeña ciudad mixteca en las tierras altas de Oaxaca, de principios del siglo XII al XII. Este código cuenta las historias de un grupo de guerreros que conquistan una ciudad. Pueden observarse los glifos con puntos sobre cada uno de los participantes en la escena. Se cree que los glifos son nombres son signos de un día calendárico. La razón de esto es que entre los nobles mixtecos, el nombre de una persona a menudo es su cumpleaños.

El Codex Zouche-Nuttall se hizo en el siglo XIV. Probablemente llegó a España en el siglo XVI, después de identificarse en el Monasterio de San Marco, Florencia, en 1854 y se vendió en 1859. Hoy en día se encuentra en el Museo Británico.

Estos manuscritos permiten rastrear la historia de los mixtecos y de sus centros antiguos capitales como Tilantongo, Mitla y Monte Albán (que se había originado como una ciudad zapoteca antes de que los mixtecos obtuvieran el control de la misma).

En el apogeo del Imperio azteca muchos mixtecos rindieron homenaje pero no todos los mixtecos se convirtieron en vasallos. Mantuvieron una sangrienta resistencia hasta que fueron conquistados por el conquistador español Pedro de Alvarado.

Hoy en día, las comunidades mixtecas se describen como transnacionales o transfronterizas debido a su capacidad de mantener y reafirmar los lazos sociales entre sus países de origen y la comunidad de la diáspora.

Secretos de la Academia de San Carlos, la primera escuela de Arte en América
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Ahí, sobre la calle de moneda, un poco olvidada se encuentra la primer academia de arte en América, destinada especialmente a la pintura y escultura.

Si pasas por la calle de Moneda, encontrarás un edificio de estilo renacimiento italiano, el cual alberga hoy al Museo de San Carlos y la Escuela Nacional de Artes Plásticas para estudiantes de posgrado de la UNAM, el cual a lo largo de su historia ha acogido a grandes artistas mexicanos de la talla de José María Velasco, Diego Rivera, José Clemente Orozco, David Alfaro Siqueiros, Rufino Tamayo, entre otros. Sin embargo, esta escuela de Arte tiene mucha historia, incluso las replicas escultórica que se hayan en su patio la tienen.

Inspirada en la  Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid, la Academia de San Carlos fue la primera escuela de arte en todo América. 

 

 

 

La Real Academia de San Carlos de las Nobles Artes de la Nueva España era su nombre completo, una escuela creada en 1781 por el entonces Rey de España, Carlos III, para difundir en México artes como la pintura, arquitectura y escultura, pero prominentemente el arte del grabado, que ya de por sí destacaba talento en México. Cada año, el rey otorgaba una donativo generoso, así como el patrocinio de profesores doctos en la materia y material artístico. Entre esos amables regalos que recibía el instituto, se encontraron unas 200 piezas, replicas de esculturas griegas y romanas.

Hubo una vez en que el rey encargó al entonces celebre escultor Manuel Tolsá que hiciera un viaje por Europa para observar las piezas escultórica clásicas más relevantes para hacer réplicas y ponerlas en el nuevo instituto. El fin no solo era estético sino que estas piezas servirían a los estudiantes como modelo en clase.

 

 

 

Finalmente cuando se crearon en yeso, fueron envueltas en papel y empacadas cuidadosamente en cajas para transportarlas a la Nueva España. Pero no hubo navío que aceptara el reto de transportar tantas toneladas. Manuel Tolsá hizo de todo para hacer llegar las piezas a México y cuando finalmente logró transportarlas hasta Cuba (ni el mismo navío que había aceptado el reto completó el viaje debido a las terribles tormentas), tuvo que esperar seis meses para confabular el viaje hasta Veracruz, donde serían llevadas a “lomo de mula” hasta la Ciudad de México. 

Lamentablemente en este trayecto las piezas se rompieron y el escultor pasó dos años de su vida intentando arreglarlas. Muchas de ellas hoy se encuentran en el patio del edificio.

 

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Un segundo encargo se realizó años más adelante, esta vez fueron piezas italianas traídas del Capitolino y el Vaticano. La ronda de primeras piezas, aunque replicas de clásicos, aguardan una historia poco usual, una perturbadora travesía que, en la ambición de recrear una academia en México como ninguna otra, cursaron un exhaustivo viaje de cataclismos y obstáculos, lo que las convierte en monumentos emblemáticos de este colegio todavía más fascinantes. 

 

 

 

museo Academia de San Carlos

 

Fuente: JIMÉNEZ Castro Elena, “Los pequeños secretos del Centro Histórico”, CONACULTA, México, 2014.

Dimorfismo Urbano: una exposición sobre los diversos aspectos de nuestra ciudad
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Dimorfismo se utiliza en el campo de la biología para nombrar a la condición de aquellas especies de animales o de plantas que exhiben dos aspectos anatómicos o dos formas diferentes.

Una exposición en el metro de la ciudad.

 

El dimorfismo está presente de diversas formas en la vida de los seres vivos. Es una noción que se utiliza en el campo de la biología para nombrar a los seres vivos que muestran dos aspectos anatómicos diferentes a pesar de ser de la misma especie. Esto se caracteriza por las variaciones en la fisonomía entre machos y hembras, y esto suele estar presente en la mayor parte de las especies en grados distintos.

En el caso de los reptiles, los insectos y las arañas, por ejemplo, las hembras suelen ser más grandes que los machos. Lo contrario ocurre con los mamíferos, un grupo donde los machos pueden alcanzar un tamaño mucho mayor al exhibido por las hembras. En los leones el macho sobresale por su melena y en el caso del ser humano, el dimorfismo sexual es evidente, ya que los órganos sexuales de los hombres se manifiestan externamente, mientras que las mujeres tienen marcadas las glándulas mamarias.

Existen otras formas de dimorfismo, que se refieren a las alteraciones de acuerdo a la relación con el ambiente o los hábitos. Estos son otros tipos de dimorfismos advertidos por la biología: dimorfismo ecológico, sexual cerebral, el dimorfismo en hongos.

Existe otro tipo de dimorfismo, que presenta el fotógrafo mexicano Arturo Morales, uno que se refiere a nuestra cotidianeidad pero que nadie toma en cuenta, precisamente porque es parte de nuestra costumbre; el dimorfismo citadino, el de las diferencias biológicas que nos pasan y atraviesan todos los días, pero que no notamos porque lo maravilloso del paisaje ya nos resulta común.

La exposición fotográfica titulada Dimorfismo Urbano conmemora el 49 aniversario del Metro de la Ciudad de México y muestra la diversidad cultural y arquitectónica de esta gran y hermosa ciudad.

Aquí te dejamos una muestra fotográfica del trabajo de Arturo Morales.

 

 

 

 

 

 

 

Exposición Dimorfismo Urbano

¿Dónde? Vitrinas del metro Copilco

¿Cuándo? Hasta el domingo 28 de Octubre

Entrada Libre

 

Escuchar con los ojos, arte sonoro en el Tamayo
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En la exposición de arte sonoro de España, podrás saber los orígenes, la diversidad de trayectorias y la vitalidad del sonido en sus aspectos artísticos.

Exposición del arte sonoro de España de 1961-2016.

 

El arte sonoro es una práctica artística que poco a poco ha llegado a verse como independiente de la música. Se sirve del sonido y de lo sonoro, aunque sin tener los principios compositivos que caracterizan a la música en su larga tradición. Este arte atiende a la constelación de las artes plásticas.

Parte de los orígenes del arte sonoro se encuentran en el empleo del ruido de la máquina por parte del futurismo, y en un proceso que comienza en los últimos decenios del siglo XIX, la expansión de los instrumentos de percusión no afinados, en la salida del poema de la página impresa o en las experiencias sinestésicas. A esto se suma el surgimiento de nuevas herramientas tecnológicas que descubrieron inesperadas opciones.

El arte sonoro, llega al museo Tamayo con la exposición Escuchar con los ojos. Arte sonoro en España muestra los orígenes, la diversidad de trayectorias y la vitalidad del arte sonoro realizado en España desde 1961 hasta nuestros días. Más de 200 piezas, que incluyen obras y material documental, la exposición recopila la producción de arte sonoro español, incluso en tiempos en los que este término no había sido enunciado como tal.

La inauguración contará con un programa de performances, improvisaciones electroacústicas e interpretaciones instrumentales a cargo de algunos de los artistas participantes en la exposición. El punto de partida es la primera pieza de música concreta española, Étude de Stage, compuesta por Juan Hidalgo en 1961.

La exposición plantea el desafío de mostrar y enfatizar el sonido desde todos sus aspectos artísticos: la resonancia del espacio sonoro y su relación con la arquitectura, el silencio y el límite de lo audible, la asincronía y los procesos rítmicos sonoros, la insistencia vibratoria del sonido y su sentir en el cuerpo, la obsolescencia de la tecnología y su relación con la memoria colectiva.

Esta exposición fue organizada por la Fundación Juan March, Escuchar con los ojos. Arte sonoro en España se presenta por primera vez fuera de territorio español, después ser expuesta en el Museu Fundación Juan March de Palma y el Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca. Los algunos artistas de la exposición son Edith Alonso, María de Alvear, Marcellí Antunez, Mikel Arce, Eduardo Armenteros, Elena Asins, Llorenç Balsach, Llorenç Barber, José Manuel Berenguer, Antonio Caimari, Lluis Callejo, José Luis Castillejo, Juan-Eduardo Cirlot, Miguel Ángel Coria, Alfredo Costa Monteiro, Nacho Criado, Carlos Cruz de Castro, José María Cruz Novillo, Ferran Fages, Esther Ferrer, Jaime Gonzalo, Lily Greenham, entre muchos otros.

Escuchar con los ojos. Arte sonoro en España, 1961-2016 quiere exhibir el sonido, enfatizando todos sus aspectos artísticos: la resonancia del espacio sonoro y su relación con la arquitectura, el silencio y el límite de lo audible, la asincronía y los procesos rítmicos sonoros, la insistencia vibratoria del sonido y su sentir en el cuerpo, la obsolescencia de la tecnología y su relación con la memoria colectiva. La exposición plantea, de manera muy consciente, un auténtico desafío curatorial: el de mostrar el sonido en espacios diseñados conforme a la lógica de la mirada.

La exposición presenta más de una veintena de instalaciones sonoras, esculturas, vídeoinstalaciones y una cuidada selección documental de objetos, ediciones, vinilos, casetes y fotografías. Tiene la peculiaridad de que las obras sonoras, piezas, instalaciones y la documentación audiovisual e impresa que la componían no se presentaban en espacios expositivos aislados (como los habitualmente dedicados a muestras temporales), sino que se insertaron en los espacios de los museos ocupados habitualmente con las que han convivido temporalmente.

La muestra pretende que las obras “sonoras” convivan con las “visuales”, atendiendo tanto a las maneras en las que el sonido pone en cuestión el espacio expositivo tradicional, como a las formas en que su exhibición puede resolverse, presentándolo mediante técnicas que permiten ordenar el espacio expositivo para que no se produzcan colisiones en la escucha, salvando aquellas que forman, de hecho, parte integrante de las propias obras sonoras.

Escuchar con los ojos… es curada por José Iges y José Luis Maire, muestra los orígenes, la diversidad de trayectorias y la vitalidad del arte sonoro, con el desafío de mostrar y enfatizar el sonido desde todos sus aspectos artísticos. Aquí te dejamos parte del programa.

19 de septiembre / 8:00 pm

Centro Cultura España

5 sesiones de improvisación.

Participan: Antonio Russek, Generación Espontánea, Rogelio Sosa, Alacrán del Cántaro, Remi Álvarez.

7 de noviembre / 6:00 pm

Auditorio del Museo Tamayo

–Mesa de discusión: Arte sonoro y la relación México-España

Participan: Vicente Rojo Cama, Juanjosé Rivas, Manuel Rocha Iturbide y Luz María Sánchez. Modera: Bárbara Perea.

7 de noviembre / 7:00 pm

Auditorio del Museo Tamayo

–Concierto de música experimental II

5 sesiones de improvisación.

Participan: Fernando Vigueras, Vicente Rojo Cama, Juanjosé Rivas, Sarmen Almond y Rodrigo Ambriz.

Escuchar con los ojos. Arte sonoro en España, 1961-2016

¿Dónde? Museo Tamayo. Paseo de la Reforma 51, Bosque de Chapultepec, Bosque de Chapultepec I Secc, 11580, CDMX

¿Cuándo? 12 al 02 de diciembre 2018

¿Cuánto? $19.00 Entrada libre a estudiantes, maestros y adultos mayores con credencial vigente

Domingo: entrada libre.

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PARQUE Galería celebra 3 años con un “Cambio de Estado”
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PARQUE Galería es un espacio que se enfoca en el apoyo y promoción de artistas con intereses críticos y analíticos, cuya obra refleja las múltiples relaciones entre el arte, el reconocimiento de sistemas y estructuras opresivos y el contexto político social contemporáneo.

Tan grande es la cultura de la Ciudad de México que se necesitarían varios textos como este para definir a los recintos culturales de cada colonia. Muchos de nuestros barrios artísticos han transformado en galerías sus cafés, departamentos y hasta sus calles, cualquier espacio es pretexto para disfrutar del arte que emerge principalmente de los artistas locales.

La colonia San Miguel Chapultepec es uno de los sitios que ha ido forjándose una identidad meramente artística, contrastando con algunos buenos recintos que además de exponer artistas consolidados, dan oportunidad a otros emergentes para su difusión.

 

 

 

 

Dentro de este contexto surgió PARQUE Galería, cuyo nombre alude al término militar para una bodega de armas, y empezó muy cerca de la esquina de uno de los accesos a la explanada de la glorieta de Insurgentes. 

PARQUE Galería cumple 3 años este septiembre 2018, abrió sus puertas en 2015 con el objetivo de reunir a artistas nacionales e internacionales cuya obra describe el contexto político-social contemporáneo, al revelar estructuras opresivas de poder que a menudo no se reconocen como tal. Son un espacio de diálogo y difusión de distintas miradas e interpretaciones de la situación actual del mundo en el que todos vivimos, y todos cabemos.

 

 

 

En 2013, lo que fue una guardería perruna, en 2015 se convirtió en PARQUE Galería, con la búsqueda de un espacio de exhibición, la historiadora Ana María Sánchez, el financiero Andrés Rojo y el arquitecto y artista, Homero Fernández descubrieron una edificación abandonada en Puebla, en la Roma. Inmediatamente visualizaron allí lo que sería su proyecto artístico.

Al no tener una placa con su nombre a la vista, parecía una casa más; sin embargo, no es así. Bastaba tocar el timbre para descubrir este espacio de estilo minimalista con vidrios biselados, cuya línea de trabajo se basa en la crítica a las estructuras de poder y hace énfasis en las consecuencias provocadas por sus líderes en la sociedad.

PARQUE Galería propone obras donde se habla del contexto político social actual y se critica a las estructuras de poder desde su nuevo espacio, una casona en la colonia San Miguel Chapultepec.

 

 

 

 

PARQUE Galería, celebra su tercer año con la representación del artista mexicano Juan Caloca así como su primera muestra individual con la galería, “Cambio de estado (desmembrar, abstraer, desgarrar, penetrar, transmutar)” curada por Marina Reyes Franco.

 

 

 

 

Las piezas incluidas en “Cambio de estado” comentan sobre la transmutación de los símbolos y el análisis sensible de lo que puede implicar la deconstrucción de un escudo, una bandera o un asta, más allá de su forma reconocible como representación de poder en el siglo XXI. A través de la pintura, bordado, instalación, escultura y ambientación, Caloca se ocupa de realizar otra serie de acciones sobre la materia: desmiembra, abstrae, desgarra, penetra y transmuta. De esta manera, parte de la simbología patria vuelve a un estado previo al institucionalizado, incomoda al cuerpo la experiencia en sala, y cobra nuevas dimensiones atravesadas por los usos críticos de varios elementos.

 

 

 

El cuerpo de obra de Caloca está marcado por el nacionalismo de la celebración de la independencia, los peores años de la guerra contra el narcotráfico, y la represión sistemática que implica la Ley de Seguridad Interior.

Su trabajo ha cuestionado el límite de lo legal para darle un nuevo significado a partir de un accionar particular: beber, cantar, archivar, vomitar, desarticular, infiltrar, ondear. Si anteriormente Caloca se fijaba en el todo que compone los símbolos patrios, ahora también se fija en el simbolismo de sus partes. Los colores y fragmentos del poder, descontextualizados, adquieren una dimensión casi mística.

 

 

 

 

Parque Galería

Dónde: General Juan Cano 5, San Miguel Chapultepec

Web: parquegaleria.com

Exposición Cambio de Estado de Juan Caloca hasta el 13 de octubre 2018

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