Van Gogh Alive The Experience abre de nueva cuenta al público mexicano.
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Durante Julio y Agosto 2022, regresa nuevamente la exposición Van Gogh Alive a la Ciudad de México, su sede el Monumento a la Madre. Av. Insurgentes esq. James Sullivan. Alcaldía Cuauhtémoc. La exposición multisensorial más visitada con 7 millones de personas del todo el mundo.
El concepto Van Gogh Alive resulta especialmente adaptable a la nueva normalidad ya que es una exhibición que permite la sana distancia entre la audiencia, sin manipulación de objetos y permite, a través de su galería de una superficie total de 2 mil metros cuadrados, que cada espectador tenga una experiencia personal y única.
Vincent Van Gogh es el pintor neerlandés del siglo XIX por antonomasia, de los mejores pintores de los países bajos y el principal exponente del postimpresionismo. Van Gogh pintó unos 900 cuadros entre autorretratos y acuarelas, y más de 1600 dibujos. Su hermano menor Theo le brindó apoyo financiero de manera continua y desinteresada, con el que intercambio numerosas cartas desde 1872. De las 800 cartas que se conservan del pintor, unas 650 fueron para Theo, las otras son correspondencia con amigos y familiares.
Van Gogh ha sido uno de los más grandes autodidactas. Su primer trabajo fue en una galería de arte y 1885 pintó su primera gran obra, Los comedores de patatas. En ese momento su paleta se componía principalmente de tonos sombríos y terrosos. La luz y la preferencia por los colores vivos por la que es conocido, nace cuando se traslada al sur de Francia en Arlés en 1888.
Influyó en todo el arte del siglo XX, sobre todo entre los expresionistas alemanes y los fauvistas como Matisse, Derain, Vlaminck y Kees Van Dongen. A pesar de que existe una tendencia general a hablar sobre una enfermedad mental que influyó en su pintura, el crítico de arte Robert Hughes cree que las obras del artista están ejecutadas bajo un completo control; de hecho, el pintor jamás trabajó en los periodos en los que estaba enfermo.
Podrás disfrutar de las pinturas más famosa del artista como La Noche Estrellada, El Café de Noche, El dormitorio en Arles o de cualquiera de sus autorretratos. Van Gogh Alive es una exposición que ha visitado 50 ciudades de cuatro continentes y en 2020 será la primera vez que se presentará en la Ciudad de México.
Utilizando la combinación de arte y un sistema envolvente multicanal (conocido como Sensroy4), esta exposición tendrá decenas de proyecciones de alta definición y gráficos en movimiento en grandes pantallas. Para que la experiencia sea aún más inmersiva, todo esto será acompañado con sonido envolvente de calidad cinematográfica.
La tecnología multidimensional de Van Gogh Alive ? The Experience es un puente para acercar el mundo de arte al gran público. Esta propuesta, basada en el dinamismo y la tecnología multimedia, se convierte en un reclamo absoluto para las nuevas audiencias, habituadas a este tipo de formatos.
Esta exposición contará con decenas de proyecciones de alta definición y gráficos en movimiento en grandes pantallas, para que la experiencia sea más significativa todo esto será acompañado con sonido envolvente de calidad cinematográfica. Por si fuera poco también Van Gogh Alive México contará con varias fragancias (lavanda, limón ámbar, salvia silvestre) que evocarán los ambientes de Arles Saint Rémy and Auvers-sur-Oise, lugares donde Van Gogh creó algunos de sus cuadros.
Para la reapertura, tienen un espectáculo renovado, distinto, con más de tres minutos de escenas nunca antes vistas que hacen de Van Gogh Alive MX una nueva experiencia aun para quienes ya nos han visitado.
Para que todo público pueda disfrutar de una experiencia segura, el equipo de Van Gogh Alive México ha dispuesto de estrictas medidas sanitarias en la galería multimedia instalada en el Monumento a la Madre de la alcaldía Cuauhtémoc.
Las medidas con las que cuentan a su regreso seguro son:
- Horario extendido de funciones: De lunes a viernes función cada hora a partir de las 9 de la mañana y última iniciando a las 7 de la noche; sábados y domingos, función cada hora, a partir de las 9 de la mañana y con un último acceso a las 10 pm.
- Aforo del 30% de cada función.
- Arco de desinfección y toma de temperatura al ingreso a la galería
- Equipo médico de primera respuesta debidamente capacitado
- Reacomodo de espacios para favorecer la sana distancia
- Desinfección constante de todos los espacios de la galería.
Para que el público tenga una visita cómoda y segura, recomendamos:
- Llegar a tiempo. Para que el regreso sea seguro y cumplamos con los aforos señalados por las autoridades será estrictamente necesario iniciar la función en punto de la hora señalada. No se permitirán accesos en otros horarios del mismo día.
- Respetar los espacios señalados para guardar la sana distancia.
- El uso de cubrebocas es requisito indispensable para ingresar a la galería.
- No acudir a la galería si se presentan alguno de los síntomas como dolor de cabeza, garganta o fiebre. Pedimos a todos colaborar para la adaptación a la nueva normalidad.
- Seguir las indicaciones del personal de seguridad y apoyo que estará debidamente identificado y protegido.
Van Gogh Alive – The Experience
Dónde: Monumento a la Madre, Av. Insurgentes, Esq. James Sullivan
Del. Cuauhtémoc, CDMX. Entre Paseo de la Reforma e Insurgentes, Alcaldía Cuauhtémoc.
Cuándo:01 Julio – 31 Agosto 2022
Fuente: Grande Exhibitions
Fotos cortesía de Tany Folgoso
Un nuevo museo en la CDMX mostrará la riqueza musical de Los Ángeles Azules.
El Museo Comunitario Ocho Barrios es uno de los museos que se suma a la CDMX y poco a poco llegaremos a ser la ciudad con más museos del mundo, aunque todavía estamos por detrás de Londres. Para inaugurar este recinto, se abrió la exposición dedicada a la música que muestra las tradiciones y manifestaciones culturales de las comunidades originarias de Iztapalapa.
La exposición de este museo está dedicada a la Música y Músicos de Ixtapalapa, en donde podremos conocer la historia de algunas agrupaciones de esta región, siendo una de las más conocidas, Los Ángeles Azules; que han dejado un impresionante legado en muchas generaciones, musicalizando bailes, ceremonias religiosas, conformado orquestas tradicionales o puesto en alto el nombre de Iztapalapa.
Así que uno de los atractivos de esta exposición es justo ver las fotografías, acetatos firmados, trajes y notas de periódicos sobre grupos musicales emblemáticos de la demarcación, y sobre todo de Los Ángeles Azules. Ya que el Museo Comunitario de los Ocho Barrios busca reconocer la importancia de esta gran banda originaria de Iztapalapa.
Esta agrupación, ya reconocida en muchas partes del mundo, comenzó con la familia Mejía Avante a finales de los 70, aunque debutaron oficialmente en 1980 y desde esa fecha han sido "de Iztapalapa para el mundo". Sus primeros instrumentos fueron sacados con ayuda de Mamá Martha, madre y fundadora del grupo musical, quien fue aval y obtuvo un préstamo para que sus hijos tuvieran guitarras, un bajo y una tarola. Incluso tuvieron que vender la camioneta de su papá para comprar bocinas. Cuarenta años después, Los Ángeles Azules llevan la cumbia de Iztapalapa a muchas partes del mundo y a todas las fiestas mexicanas.
Música y Músicos de Ixtapalapa
Dónde: Museo Comunitario de los Ocho Barrios; Ermita Iztapalapa 100, San Pablo, alcaldía Iztapalapa.
Cuándo: martes a domingo de 10:00 a 18:00 horas
Entrada libre
Fotos cortesía Google Arts & Culture
David LaChapelle combina la cultura pop con la religión, sexualidad y el glamour surrealista.
David LaChapelle comenzó en el mundo de la fotografía, utilizó la cámara familiar para retratar a su madre, quedando obsesionado con este arte. Su carrera como fotógrafo profesional comenzó en 1980, llamando la atención de Andy Warhol, quien le ofreció su primer trabajo como fotógrafo en la Revista Interview. Ahí fue que tomó las primeras fotografías de celebridades, y muy pronto se encontró tomando fotos para las mejores casas editoriales y creando algunas de las campañas de publicidad más famosas de su generación.
El fotógrafo y artista estadounidense llega a México con una nueva exhibición en el Palacio de Minería. David LaChapelle: Amor presenta una retrospectiva de gran escala, tanto física como metafóricamente. Sus imágenes conviven en el espacio como una especie de homenaje al muralismo mexicano. Las obras que componen esta muestra resumen cuatro décadas de creación de imágenes con un punto de vista único.
Sobre todo, las fotografías de David LaChapelle se caracterizan por parecer pinturas surreales y llenas de movimiento y pop. Lo que podremos ver en la CDMX, es la serie relacionada con la reimaginación de la religión con la serie Vía Crucis (2023), en dónde presenta diferentes viñetas de esta tradición espiritual. De igual forma presentará Spree(2019-2020), inspirada en los relatos de la Expedición Transantártica de Shakelton y obras basadas en las pinturas hawaianas de Georgia O Keeffe.
Además, LaChapelle ha sido el fotógrafo de artistas como Keke Palmer, Nicki Minaj, Lady Gaga y Britney Spears. En el centro de la exhibición está la expresión de temas universales de su trabajo como la alegría, el dolor, la pérdida, la devoción y el amor.
Es una exposición que amarán los mexicanos, ya que su fotografía no es tan alejada de nuestras propias sensibilidades. Es una fotografía cercana al barroco, a la dramatización, a las telenovelas, un poco surrealistas y sí, hay qué decirlo, un poco kitsch en el buen sentido.
David LaChapelle: Amor
Dónde: Palacio de Minería, Facultad de Ingeniería de la UNAM; Tacuba 5, Centro Histórico, CDMX.
Cuándo: a partir del 11 de mayo hasta julio de 2024; de martes a domingo de 10:00 am a 7:00 pm.
Cuánto: $225 preventa premier.
Estudiantes, adultos mayores y maestros $150 pesos.
Mayores de 85 años y menores de 5 entran gratis.
Fotos cortesía de Loader Sound
Redbone se caracterizó por su increíble mezcla cultural, política y musical.
Redbone es un término cajún que designa a una persona mestiza, y también es el nombre de una banda que formó parte del Movimiento Indígena Americano, que es mejor conocida por su canción Come and get your love, uno de los mayores éxitos de la radio en su época; que desde su lanzamiento en el álbum Wovoka de 1973, se ha utilizado en comerciales, programas de TV como la serie de Netflix F Is for Family y sobre todo en Guardianes de la Galaxia de Marvel de 2014, cuando el actor Chris Pratt la bailó en la escena inicial.
La banda adoptó este nombre porque designa a un grupo étnico, localizado en el estado de Luisiana, Estados Unidos, ?que comprende descendientes de exiliados de una parte de Nueva Francia en el siglo XVIII, y posteriormente a españoles, alemanes y criollos franceses de dicho estado.
Pero Redbone es una agrupación de ascendencia mixta, los hermanos Vásquez-Vegas eran de ascendencia yaqui, shoshone y mexicana y a menudo aludía a la cultura Cajun y Nueva Orleans en sus letras y estilo de interpretación.
Este grupo comenzó interpretando y grabando música de surf, pero su agente les dijo que "el mundo aún no estaba preparado para acoger a un dúo de músicos mexicanos tocando surf” así que con el tiempo se diversificaron musicalmente hablando, en una banda ya de por sí diversa. La canción de Redbone fue la primera de una banda exclusivamente nativa y mexicoamericana en llegar al Top 10 de Billboard, alcanzando el puesto número 5 el 13 de abril de 1974.
Redbone también se caracterizó porque todos estaban vestidos como nativos y porque siempre han cultivado una apariencia llamativa en el escenario. Ya que a pesar de que crecieron en Fresno, California, los padres de algunos miembros eran shoshone, y otros tenían raíces tanto mexicanas como nativas, incluidas yaqui, pápago y navajo. Además, uno de los abuelos maternos fue músico de Texarkana que tocaba música cajún y mariachi.
Además de componer algunos éxitos, algunos miembros de la agrupación se inspiraron en el movimiento de derechos civiles y en los activistas nativos que denunciaban la pobreza en las reservas, los tratados rotos y otras injusticias.
El guitarrista Tony Bellamy también era de ascendencia mexicana y yaqui, y el baterista Pete DePoe, que era cheyenne. La música de Redbone marca un hito histórico, porque además fusionaron muchos estilos como rock, swamp funk, Tex-Mex, música indígena de Norteamérica, soul, música cajún, jazz y música latina.
Foto destacada: Ñuu Savi: Pasado, Presente y Futuro
El seku es una variante de la Pelota mixteca que se preserva en Oaxaca.
Es seku es un deporte que se practica en la comunidad de Yucunani, municipio de San Juan Mixtepec, Oaxaca. Yucunani es una pequeña comunidad con apenas 130 personas con un alto índice de migración, ubicada en la montaña de la región de la Mixteca, en el municipio de San Juan Mixtepec, en el estado de Oaxaca.
Es un juego que se ha retomado en los últimos años, con el fin de preservar la cultura y transmitirlo a las nuevas generaciones de jóvenes que se han integrado en los equipos de seku, además de que ya es un juego con apertura a las mujeres que toman la estaca y meten una bola de madera entre dos banderas que simulan una portería, con el fin de obtener puntos.
Este deporte prehispánico de los pueblos de Ñu?u Savi, estuvo a punto de extinguirse a finales de los años 90, pero un grupo de pobladores, en coordinación con profesores de San Juan Mixtepec, comenzaron a promoverlo y a rescatarlo en la comunidad de Yucunani y en otros espacios. Ahora, los vecinos les enseñan a sus hijos a jugarlo, se resisten a la extinción del deporte de sus abuelos.
El seku es el juego de los ancestros. Es por eso que es un deporte básico en donde solo son necesarios dos equipos de cinco personas en cada una; cada persona usa un bastón de madera con la base curvada, una bola de madera de algún árbol. Además, de estacas con antorchas encendidas colocadas sobre la orilla del perímetro donde se desarrolla el juego.
Cada partido dura 20 minutos con descansos de 10 minutos, aunque algunas veces los partidos pueden llegar a durar hasta media hora. Los pobladores explican que la bola con la que se juega está hecha del tallo del colorín, un árbol escaso en la zona, por lo que en ocasiones lo sustituyen por otros árboles de la región.
La antorcha, que todavía se prende en este juego, sirve para definir las líneas que conforman el campo. Además, como es un juego que tradicionalmente se jugaba de noche, el fuego es para guiar a los jugadores y que no se salgan del campo. Es un juego nocturno porque antes no había tiempo para jugar, y todos se dedicaban a trabajar en el campo.
Asimismo, este juego ya forma parte de las actividades del pedimento de la lluvia que realizan cada año los pueblos de la nación Ñu´u Savi. Hoy en día se abren torneos, y se dan premios y otros estímulos para que haya cada vez más participantes en este juego ancestral.
Además, el torneo está programado a la par de la feria anual de Yucunani, así que se invitan pueblos vecinos como Santiago Juxtlahuaca, Yanhuintlán, Nochixtlán, Tamazulápam, a la competencia, para que sea posible observar los encuentros de cerca, incluso se explican las reglas de este juego que preserva la identidad de Oaxaca.
Fotos cortesía el INAH
La Exposición del Archivo Casasola está compuesta por más de 40 fotografías tomadas entre 1970 y 1940.
Hoy en día la fotografía es algo cotidiano, pero en el siglo XX eran auténticos documentos históricos, con lo que se dio origen en el desarrollo de la prensa. En México, los hermanos Agustín Víctor y Miguel Casasola fueron pioneros en la materia, al fundar la primera dependencia de información periodística del país, en 1912, la cual derivaría en la creación de la Agencia Casasola, donde se sentarían las bases del fotoperiodismo mexicano.
Con el fin de promover y rescatar este valor histórico de la colección Casasola, se invita al público a la galería virtual Los inicios del México contemporáneo. La muestra está compuesta de 40 fotografías, capturadas por la Agencia Casasola, entre 1920 y 1940, y es una oportunidad para transportarse a la primera mitad del siglo XX y observar a detalle las calles y los rostros del México posrevolucionario.
En este recorrido podrás adentrarte en calles del Centro Histórico de la capital del país, así como en mercados, pulquerías, oficinas, cafés, tiendas, teatros y escenarios de la vida cotidiana de antaño. Asimismo, incorpora retratos de destacados personajes del ámbito cultural y político, como Diego Rivera, Agustín Lara y María Conesa, "La gatita blanca", entre otros.
El Archivo Casasola es resguardado por la Fototeca Nacional desde hace décadas. Su adquisición se remonta a 1976, cuando el entonces presidente de la República, Luis Echeverría Álvarez, encargó al INAH su custodia, investigación y difusión.
Al día de hoy, además de haberse posicionado como uno de los acervos fotográficos más consultados y analizados en nuestro país e incluso a nivel mundial, tanto el Archivo Casasola como la Fototeca Nacional, tienen todavía muchas lecturas inéditas que ofrecer. La galería Los inicios del México contemporáneo acerca a más personas a los ya citados pasajes de la historia mexicana, en la medida que revelan las identidades y los contextos de un periodo importante para el devenir del país y de la sociedad contemporánea.
Exposición del Archivo Casasola
Dónde: Fototeca Nacional del INAH; Casasola s/n, Centro, Pachuca de Soto, Hgo.
Cuándo: hasta el 24 de mayo de 2024
Entrada libre
Fotos cortesía de Marina Baysands
Frida Kahlo supera las fronteras y llega al Museo de arte de Singapur.
Dese hace muchos años, la visión creativa de Frida Kahlo dejó ser un impacto en la cultura popular mexicana para formar parte de algo más global; e incluso para llegar a tierras tan lejanas como la República de Singapur, es una pequeña ciudad-Estado y país insular, situado en el corazón del Sudeste asiático.
Hasta dicho país llega la historia de vida de la artista mexicana a través de ‘Frida Forever’, que incluye dos cautivadoras exposiciones de Frida Kahlo y una experiencia de realidad virtual en el ArtScience Museum Singapore.
Y es que la influencia de Frida Kahlo va más allá de su arte y de su simbolismo; porque miles de personas pueden identificarse con sus experiencias personales y reflexiona sobre sus pasiones, luchas y creencias. Sobre todo sus autorretratos ha sido muy elogiados, pues logran romper límites con su descripción cruda y sin complejos de la feminidad, el dolor, la muerte, el cuerpo humano y la identidad.
‘Frida Forever’ también celebra el importante impacto que sigue teniendo, 70 años después de su fallecimiento, no solo en el arte, sino en la moda, la cultura popular, el feminismo y más.
Frida Kahlo: La vida de un icono es la segunda exposición biográfica inmersiva, desarrollada por Layers of Reality y Frida Kahlo Corporation, que se estrenará en el sudeste asiático con proyecciones de 360 ??grados y un espacio creativo que da vida a sus dibujos. Además de recorrer la rica tradición mexicana.
Esta exposición es curada por el ArtScience Museum con el apoyo de Cristina Kahlo Alcalá, sobrina nieta de Frida Kahlo, y muestra archivos íntimos de su relación con su cuerpo, sus dolencias médicas y el profundo impacto que estas luchas tuvieron en su trabajo artístico.
Los visitantes podrán ver cerca de 40 fotografías, páginas de diarios, obras de arte contemporáneas, registros médicos y entrevistas exclusivas con Cristina Kahlo Alcalá. Esta última revelará cómo adquirió estos documentos médicos del American British Cowdry Hospital donde estuvo internada Frida Kahlo.
La cereza del pastel es una experiencia de realidad virtual que se lleva a cabo dentro de la Galería VR del Museo ArtScience, donde los visitantes pueden ingresar a las pinturas de Frida para sumergirse en su estética, la paleta de colores de sus obras y las diversas texturas que utilizó. Las exposiciones y eventos de ‘Frida Forever’ se llevarán a cabo en el ArtScience Museum del 4 de mayo al 1 de septiembre.
Fotos cortesía de Google Arts & Culture
Estos artistas lograron construir un movimiento que le dio identidad a los chicanos.
El arte chicano forma parte de los movimientos culturales desde los años 50 del siglo XX, pero fue 1960 que se da el boom, junto con las protestas de la guerra de Vietnam, el movimiento Black Power a favor de los derechos civiles. De ahí, que la lucha chicana desafió la categorización y los estereotipos divulgados entre la población anglosajona.
Se trató de un movimiento de artistas chicanos, sobre todo del sureste de California, siendo uno los más representativos el Colectivo de Los Four ( Los cuatro) integrado por Beto de la Rocha (California, 1937), Frank Romero (California, 1941), Carlos Almaraz (Ciudad de México, 1941-California, 1989), Gilberto Sánchez Luján (California, 1940-2011)
En 1974 se unió Judithe Hernández (California, 1948) al colectivo, y todos se caracterizaban por ser activistas de origen mexicoamericano, educados en universidades de Estados Unidos, y sobre todo por ser los primeros artistas en romper las barreras que los museos tenían para el arte chicano, cuando en 1974 el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles (LACMA) incluyó una exposición sobre su obra.
También se caracterizan por impulsar el ?muralismo chicano?, expresión que se desarrolló sobre todo a partir de la década de 1970 en los estados fronterizos del suroeste de los Estados Unidos, y que son reconocidos por representar la vanguardia intelectual del movimiento y de forjar una nueva sensibilidad artística chicana.
Los Four lograron construir muchos puentes híbridos entre la cultura mexicana y estadounidense, plasmando la dualidad cultural de ambos países, superando la geografía, y también creando técnicas y formatos que fueron muy característicos de esa época.
Hoy en día, Los Four no representan la visión definitiva del arte chicano; pero en su momento sí fueron los que abrieron paso a la exploración del arte de Los Ángeles, tuvieron la osadía de crear un diálogo con México, resignificar las piezas en un dicho momento histórico y presentar un arte chicano único, una escuela original que no era ni mexicana, pero tampoco ?gringa?.
En efecto, el movimiento de arte chicano representa los miles de intentos de los artistas estadounidenses de origen mexicano para establecer una identidad única. Es un movimiento que trabajó para resistir y desafiar las normas sociales dominantes y los estereotipos de la autonomía cultural y la autodeterminación, en donde los chicanos han utilizado el arte para expresar sus valores culturales, como una forma de protesta con un valor estético fascinante.
De los cinco artistas, quizá el que ha sido más reconocido a lo largo de los años es Frank Romero, de ascendencia española y mexicana. Algunos se lo atribuyen a que hablaba inglés en casa y Romero aprendió a hablar español más adelante en la vida. Pero no hay duda que todos son grandes artistas y que poseen su propia identidad.
