La CDMX es una de las grandes capitales artísticas del mundo y su oferta de exposiciones de las más elaboradas.
Lo cierto es que pocas cosas despiertan la sensibilidad, la creatividad e incluso la crítica como el arte. Se trata de una de las expresiones humanas más magníficas, que se vale de distintas técnicas, materiales y medios para estimular las entrañas de todos aquellos que celebran esta clase de creaciones tan subjetivas. Es pertinente aseverar que el arte es un aspecto coetáneo al ser humano. Difícilmente uno podría existir sin el otro, y es que esta bellísima simbiosis brinda un sentido trascendente al ser, que no se podría encontrar en cualquier otra característica propia del hemisferio derecho del cerebro.
El arte se constituye como parte esencial de la cotidianeidad de una sociedad. Y en el caso específico de la Ciudad de México, fue desde finales del siglo XVIII cuando comenzaron a erigirse los recintos museísticos. Los de esta urbe no son nada parecidos a los de otras latitudes del mundo. Alrededor de nuestra fascinante capital convergen museos clásicos, coloniales, históricos, modernos, fotográficos, filosóficos, prehispánicos, arquitectónicos, entre otros.
La realidad es que las exposiciones que se exhiben en la capital de los museos, nuestra CDMX, son profusas. Y como lo hacemos cada mes, hoy presentamos un listado con las mejores muestras que podrás hallar en la metrópoli y que estarán disponibles durante el mes de octubre:
Exposición fotográfica de Thomas Ruff
Galería OMR. Córdoba 100, Roma norte, CDMX.
Thomas Ruff (Alemania, 1958) es considerado uno de los fotógrafos más importantes de la actualidad. Pertenece a la Escuela de Fotografía de Dusseldorf como discípulo de Bernd y Hilla Becher y estudió junto a Candida Höfer y Andreas Gursky; juntos forman parte de la escuela de pensamiento que separa la fotografía del momento decisivo y, además, de su periodismo. Esta exposición es la primera presentación individual del artista en una galería mexicana.
*Hasta 27 de octubre.
Vera 68
Museo Nacional de las Culturas del Mundo. Moneda 13 Centro Histórico, CDMX.
Muestra alrededor de la figura de la competidora olímpica V?ra ?áslavská, que participó en los Juego Olímpicos de México 68. Reúne memorabilia, trofeos, medallas y atuendos que pertenecen a la fundación que lleva el nombre de la gimnasta. En colaboración con la Embajada de la República Checa.
*Hasta 28 de octubre.
Crisol, Daniel Lezama
Maia Contemporary. Colima 159, colonia Roma
En Crisol, Lezama busca domesticar procesos y energías vitales. En busca de un edén mexicano soñado a la manera de un territorio inspirador de una ética del bosque y el volcán interiores, Lezama crea una compensación mental, una Compañía Alquímica ficticia, en un San Rafael igualmente ficticio. Eso representan sus obras "una ciencia imaginaria y una tecnología fantástica" con un elenco de personajes compuesto por la iconografía de una familia de seres energéticos, que se sueñan y se generan mutuamente.
*Hasta 4 de noviembre
Cuarenta y cuatro. Nahúm B. Zenil
Galería José María Velasco. Peralvillo 55, Colonia Morelos, CDMX.
Esta es una muestra homenaje a tan emblemático y magnífico dibujante mexicano, bastión del neo-mexicanismo de los años 80 del siglo XX, cuyo enfoque postmoderno, lúdico y contestatario de varias aristas, lo convierte en una figura emblemática generacional y pionera también, del arte homoerótico y los derechos de la comunidad homosexual en nuestro país.
*Hasta 11 de noviembre.
BajoTech2o
Francisco I. Madero 7 Col. Centro, Cuauhtémoc, CDMX.
BajoTech2o es una intervención del estudio MAPA que busca crear un espacio de contemplación, reflexión y vinculación en torno a la problemática del agua en la Ciudad de México. El paisaje creado pretende bajar los techos de la ciudad a nivel de calle utilizando algunos de sus elementos representativos y aprovechar la temporada de lluvia y su captación, como un recurso al alcance de todos. La instalación toma como referencia el karesansui o jardín de rocas japonés y, a partir del uso de materiales naturales autóctonos y elementos urbanos de las azoteas de la Ciudad, generará un ecosistema en el que naturaleza y ciudad interactúan.
*Hasta 21 de octubre de 2018.
Roger Von Gunten. La instancia del arte
Prolongación Paseo de la Reforma 880 Col. Lomas de Santa Fe, C.P. 1219, Deleg. Alvaro Obregón México, CDMX.
La Universidad Iberoamericana Ciudad de México, presentan la exposición antológica titulada, La instancia del arte del maestro Roger Von Gunten. Esta muestra artística consta de 58 obras en pintura, estampa y dibujo realizadas entre 1954 y 2018 en diversos formatos que abordan los temas clásicos del autor: el paisaje y la figura humana.
*Hasta 26 de octubre de 2018
Las Huellas de Buda
Museo Nacional de Antropología. Paseo de la Reforma s/n Colonia Chapultepec 11560, Miguel Hidalgo.
Esta reúne 250 obras procedentes de 17 países asiáticos: India, Afganistán, Pakistán, Mongolia, Sri Lanka, Myanmar, Laos, Tailandia, Camboya, Vietnam, Indonesia, Bangladés, Nepal, Tíbet, China, Corea y Japón. También exhibe piezas prestadas de del Museo de Arte de Los Ángeles (Lacma, por su siglas en inglés) y del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Met). Las huellas de Buda presenta piezas del siglo I antes de nuestra era, hasta el siglo XIX.
*Hasta 28 de octubre.
Vaticano: de San Pedro a Francisco
Colegio de San Ildelfonso. Justo Sierra 16, Centro Histórico.
Una asombrosa exposición que reunirá en una sola experiencia dos mil años de historia del cristianismo, algo nunca visto en Latinoamérica. Esta muestra sin precedentes, se ha organizado con el propósito de celebrar los primeros 25 años de relaciones entre México y la Santa Sede, por lo que se traerán más de 180 piezas distintas desde lo Museos del Vaticano, de la Biblioteca Apostólica Vaticana, de la Fábrica de San Pedro y de diversas colecciones nacionales.
*Hasta 28 de octubre.
*Entrada libre, con registro previo.
Ruptura I. Colección Betsy Pecanins
Taller 138 Galería. Santa María la Ribera 138 , Santa María la Ribera, CDMX.
Se trata de un grupo de artistas que se agruparon durante la década de los años 50 y que de cierta manera rompieron con el canon del arte oficial que limitaba la creatividad, el estilo y la creación propia. Ésta se caracterizaba por la autenticidad y un estilo propio, generando dos vertientes: la abstracta y la figurativa. A esta generación pertenecieron artistas como Manuel Felguérez, José Luis Cuevas, Lilia Carrillo, Vicente Rojo, Alberto Gironella y Fernando García Ponce.
*Hasta 30 de octubre.
Cuerpos en resistencia. Anulaciones/ Sublevaciones
Centro Cultural Universitario Tlatelolco Contacto. Ricardo Flores Magón 1,
Nonoalco Tlatelolco, CDMX.
Esta exposición de fotografía y video reúne el trabajo de artistas como Pedro Meyer, Pedro Mera, Yolanda Andrade, Ernesto Ramírez, Francisco Mata Rosas, Marco Antonio Cruz, Fernando Brito y Jorge Izquierdo. La peculiaridad de las piezas exhibidas es que todas crean un discurso conmovedor de resistencia a partir de mostrar al cuerpo como ente político.
Africamericanos
Plaza de la Ciudadela 2, Av. Balderas Col. Centro, 6040, Cuauhtémoc, CDMX.
Africamericanos es una investigación y curaduría de Claudi Carreras conformada por cerca de 400 fotografías de más de 15 países de América Latina. Un proyecto transmedia de investigación, exhibición, difusión y producción que pretende dimensionar e incidir sobre la construcción de imaginarios en torno a los pueblos de origen africano en América Latina y mostrar cómo su pulsión atraviesa el continente de norte a sur.
*Hasta 04 de noviembre de 2018
Alcira Soust Scaffo: Escribir poesía y vivir dónde
Museo Universitario de Arte Contemporáneo. Insurgentes 3000, Ciudad Universitaria, 04510 Ciudad de México, CDMX.
La exposición busca rescatar la figura de la poeta y activista uruguaya Alcira Soust Scaffo (1924 ? 1997), quien vivió en México de fines de la década de los 50 hasta el inicio de los 90. Mediante una amplia investigación documental, la muestra denota la relación entre su militancia política y poética a través de una amplia gama de poemas-acción y poemas gráficos, encontrados en su archivo personal.
*Hasta 11 de noviembre
Félix Beltrán Vistas Aéreas de la Ciudad
Museo de la Ciudad de México. Pino Suárez, 30 Colonia Centro, Cuauhtémoc.
Una serie de obras realizadas de 2010 a 2018, que representan paisajes urbanos visibles a la distancia y que interpretan el mundo desde una vista aérea en imágenes pixeleadas, conforman la muestra Vistas aéreas de la ciudad, del artista y diseñador gráfico Félix Beltrán, que se exhibe en el Museo de la Ciudad de México.
La exposición está integrada por obras en gran formato en tonalidades verde, azul, naranja o lila, con forma de entramado "creando composiciones armoniosas y estéticas que tienen continuidad entre ellas".
*Hasta 18 de noviembre.
150 años de Historia Natural en México
Museo Nacional de las Culturas del Mundo. Moneda 13 Centro Histórico, CDMX.
A través de ejemplares de taxidermia, publicaciones, algunos esqueletos de animales e instrumentos que ocuparon los primeros naturalistas en sus estudios académicos, la muestra busca acercar al público a los antecedentes de las ciencias naturales en nuestro país. Es organizada con motivo del 150 aniversario de la Sociedad Mexicana de Historia Natural (SMHN) y cuya primera sede fue, precisamente, el museo del INAH. Está integrada por alrededor de 380 piezas entre las que destacan el esqueleto de una orca, el cráneo de un mamut y el esqueleto prehistórico del tigre dientes de sable (Smilodon).
Vlaminck, la expresión del color
Museo Soumaya Plaza Carso.
La muestra presenta más de 120 obras entre óleos, gouaches, acuarelas y dibujos de Maurice de Vlaminck que van, desde su llamado periodo cezaniano (1907-1916), hasta los lienzos que realizó a partir de 1925 cuando se retiró al campo. Es un recorrido a través de los temas predilectos del controvertido artista: radiantes almiares, agitados mares, ventosos bosques, geométricas naturalezas muertas, sosegadas tormentas de nieve, villas y puentes.
*31 de diciembre de 2018
De la piedra al barro. Escultura mexicana. Siglos XIX y XX
Museo Nacional de Arte. Tacuba 8, Colonia Centro 06010, Cuauhtémoc, CDMX.
En una magna muestra que reúne más de 70 piezas de artistas como Manuel Tolsá, Jesús Contreras o José María Labastida, fue abierta al público la primera gliptoteca de la historia del Munal para enriquecer la visión sobre las expresiones del neoclasicismo, el realismo poético, el idealismo y el esteticismo. La exposición se integra en su mayoría con obras del acervo del Munal, y se complementó con piezas de colecciones privadas para que el público tenga una visión integral del arte mexicano. Abarca la hegemónica influencia del clasicismo grecolatino del siglo XVIII, también conocido como el Siglo de las luces, hasta llegar a las influencias nacionalistas de la primera mitad del siglo XX.
*Hasta 30 de diciembre.
Miradas a la Ciudad. Espacio de reflexión urbana
Museo de la Ciudad de México. Pino Suárez 30 Col. Centro C.P. 6060, Deleg. Cuauhtémoc, CDMX.
Exposición que reflexiona sobre el fenómeno urbano en la Ciudad de México desde distintos puntos de vista, a través de un recorrido por ocho salas de exhibición que utilizan textos, objetos, obras de arte y tecnología para describir las diferentes facetas de la ciudad, desde su historia, concepción filosófica, problemáticas, sustentabilidad, arquitectura, urbanismo, festividades y movimientos sociales.
*Hasta 31 de diciembre.
Anarquistas: Libros, Regeneración y Revolución de los Flores Magón
Museo Nacional de la Revolución. Plaza de la República, s/n Colonia Tabacalera, Cuauhtémoc, CDMX.
La muestra consta de 116 manuscritos, varios libros, 28 periódicos, 56 fotos y 28 objetos pertenecientes al acervo de la Casa de El Hijo del Ahuizote que, con una narrativa museográfica, plantean un recorrido íntimo a través de la vida de los hermanos Jesús, Ricardo y Enrique Flores Magón, así como sus relaciones, marcadas por la unión, la separación y la reconciliación.
*Hasta enero de 2019.
Fotos cortesía de Marina Baysands
Frida Kahlo supera las fronteras y llega al Museo de arte de Singapur.
Dese hace muchos años, la visión creativa de Frida Kahlo dejó ser un impacto en la cultura popular mexicana para formar parte de algo más global; e incluso para llegar a tierras tan lejanas como la República de Singapur, es una pequeña ciudad-Estado y país insular, situado en el corazón del Sudeste asiático.
Hasta dicho país llega la historia de vida de la artista mexicana a través de ‘Frida Forever’, que incluye dos cautivadoras exposiciones de Frida Kahlo y una experiencia de realidad virtual en el ArtScience Museum Singapore.
Y es que la influencia de Frida Kahlo va más allá de su arte y de su simbolismo; porque miles de personas pueden identificarse con sus experiencias personales y reflexiona sobre sus pasiones, luchas y creencias. Sobre todo sus autorretratos ha sido muy elogiados, pues logran romper límites con su descripción cruda y sin complejos de la feminidad, el dolor, la muerte, el cuerpo humano y la identidad.
‘Frida Forever’ también celebra el importante impacto que sigue teniendo, 70 años después de su fallecimiento, no solo en el arte, sino en la moda, la cultura popular, el feminismo y más.
Frida Kahlo: La vida de un icono es la segunda exposición biográfica inmersiva, desarrollada por Layers of Reality y Frida Kahlo Corporation, que se estrenará en el sudeste asiático con proyecciones de 360 ??grados y un espacio creativo que da vida a sus dibujos. Además de recorrer la rica tradición mexicana.
Esta exposición es curada por el ArtScience Museum con el apoyo de Cristina Kahlo Alcalá, sobrina nieta de Frida Kahlo, y muestra archivos íntimos de su relación con su cuerpo, sus dolencias médicas y el profundo impacto que estas luchas tuvieron en su trabajo artístico.
Los visitantes podrán ver cerca de 40 fotografías, páginas de diarios, obras de arte contemporáneas, registros médicos y entrevistas exclusivas con Cristina Kahlo Alcalá. Esta última revelará cómo adquirió estos documentos médicos del American British Cowdry Hospital donde estuvo internada Frida Kahlo.
La cereza del pastel es una experiencia de realidad virtual que se lleva a cabo dentro de la Galería VR del Museo ArtScience, donde los visitantes pueden ingresar a las pinturas de Frida para sumergirse en su estética, la paleta de colores de sus obras y las diversas texturas que utilizó. Las exposiciones y eventos de ‘Frida Forever’ se llevarán a cabo en el ArtScience Museum del 4 de mayo al 1 de septiembre.
Fotos cortesía de Google Arts & Culture
Estos artistas lograron construir un movimiento que le dio identidad a los chicanos.
El arte chicano forma parte de los movimientos culturales desde los años 50 del siglo XX, pero fue 1960 que se da el boom, junto con las protestas de la guerra de Vietnam, el movimiento Black Power a favor de los derechos civiles. De ahí, que la lucha chicana desafió la categorización y los estereotipos divulgados entre la población anglosajona.
Se trató de un movimiento de artistas chicanos, sobre todo del sureste de California, siendo uno los más representativos el Colectivo de Los Four ( Los cuatro) integrado por Beto de la Rocha (California, 1937), Frank Romero (California, 1941), Carlos Almaraz (Ciudad de México, 1941-California, 1989), Gilberto Sánchez Luján (California, 1940-2011)
En 1974 se unió Judithe Hernández (California, 1948) al colectivo, y todos se caracterizaban por ser activistas de origen mexicoamericano, educados en universidades de Estados Unidos, y sobre todo por ser los primeros artistas en romper las barreras que los museos tenían para el arte chicano, cuando en 1974 el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles (LACMA) incluyó una exposición sobre su obra.
También se caracterizan por impulsar el ?muralismo chicano?, expresión que se desarrolló sobre todo a partir de la década de 1970 en los estados fronterizos del suroeste de los Estados Unidos, y que son reconocidos por representar la vanguardia intelectual del movimiento y de forjar una nueva sensibilidad artística chicana.
Los Four lograron construir muchos puentes híbridos entre la cultura mexicana y estadounidense, plasmando la dualidad cultural de ambos países, superando la geografía, y también creando técnicas y formatos que fueron muy característicos de esa época.
Hoy en día, Los Four no representan la visión definitiva del arte chicano; pero en su momento sí fueron los que abrieron paso a la exploración del arte de Los Ángeles, tuvieron la osadía de crear un diálogo con México, resignificar las piezas en un dicho momento histórico y presentar un arte chicano único, una escuela original que no era ni mexicana, pero tampoco ?gringa?.
En efecto, el movimiento de arte chicano representa los miles de intentos de los artistas estadounidenses de origen mexicano para establecer una identidad única. Es un movimiento que trabajó para resistir y desafiar las normas sociales dominantes y los estereotipos de la autonomía cultural y la autodeterminación, en donde los chicanos han utilizado el arte para expresar sus valores culturales, como una forma de protesta con un valor estético fascinante.
De los cinco artistas, quizá el que ha sido más reconocido a lo largo de los años es Frank Romero, de ascendencia española y mexicana. Algunos se lo atribuyen a que hablaba inglés en casa y Romero aprendió a hablar español más adelante en la vida. Pero no hay duda que todos son grandes artistas y que poseen su propia identidad.
Fotos cortesía de Museo de Bellas Artes
Damián Ortega: Pico y elote, más de 82 obras del artista mexicano en el Palacio de Bellas Artes.
Es la primera vez que la obra de Damián Ortega, una de las figuras centrales del arte contemporáneo latinoamericano, es puesta en una retrospectiva institucional en México; nada más ni nada menos que en el majestuoso Palacio de Bellas Artes de la CDMX.
Damián Ortega: pico y elote, es el nombre de esta revisión de la poética del escultor mexicano, que confirma el nuevo impulso del arte mexicano contemporáneo en México. Esta exposición ya está abierta al público, y en la inauguración, el artista comentó: "Ha sido muy emocionante todo lo que ha sucedido aquí. Llegar al Palacio de Bellas Artes significa mucho para mí, porque fue un largo camino andado y lo entiendo como un reconocimiento no solo para mí, sino también para toda la gente con la que he colaborado".
Asimismo, el expositor agradeció a Abraham Cruzvillegas, Gabriel Orozco, Abel Kuri, Dr. Lakra; Guillermo Santamarina y a todos los que han colaborado para esta exposición, "con quienes se fue haciendo un colegio de ideas y han sido como pilares de todo este trabajo".
"La exposición comenzó hace alrededor de un año y medio en Monterrey, donde su directora Taiyana Pimentel rompió inercias y se esforzó en dar espacio al trabajo para poder traerlo a México. Pidió la beca de Efiartes, un esfuerzo sostenido también por el Estado, y entonces se hizo una ecuación y se alinearon muchos elementos para que finalmente el Museo del Palacio de Bellas Artes reciba esta exposición, en la Ciudad de México, de donde soy oriundo".
La exposición "Damián Ortega: Pico y elote" consta de 82 obras que recorren más de tres décadas de trabajo ininterrumpido. Es un recorrido no cronológico a través de tres ejes curatoriales: cosechar, ensamblar y colapsar, los cuales favorecen criterios de carácter plástico y conceptual, manteniendo un escepticismo ante la idea de progreso en México.
Lo que caracteriza esta exposición, es que al menos 20 piezas pertenecen a la obra inédita de Damián, entre las que se encuentran Demonio alucinado (2022), Mascarón (2024), además de la Pieza de la serie Torre Latino (2007) y los uniformes de papel Kraft de la serie Utopía mexicana (2019).
De igual manera, se ha editado un catálogo que reúne una serie de textos escritos exprofeso para la muestra, realizados por José Esparza Chong Cuy, Aurora Gómez Galvarriato, Julieta González y Guillermo Osorno, especialistas y conocedores de la obra de Ortega.
Damián Ortega: Pico y elote
Dónde: Museo Palacio de Bellas Artes; Av. Juárez s/n esq. Eje Central Lázaro Cárdenas
Centro Histórico, CDMX.
Cuándo: marte domingo, en horario de 10:00 a 18:00 h.
Cuánto: $90
Estudiantes, maestros, INAPAM, empleados de la Secretaría de Cultura e INBA con credencial vigente: entrada libre
Entrada libre los domingos
Fotos cortesía de Ballet Nepantla
El Ballet de Nepantla lleva el folclor mexicano a diversas partes del mundo.
El Ballet Nepantla es uno de los grupos de danza folklórica más reconocidos fuera de México, nacido en la comunidad mexicana, pero siendo una compañía que rescata la identidad mexicana para muchos de los habitantes en Estados Unidos. De hecho, su nombre proviene de San Miguel Nepantla, una población mexicana ubicada en el municipio de Tepetlixpa, donde nació la poeta Sor Juana Inés de la Cruz, una de las figuras más relevantes de la literatura hispánica de corte Barroco.
Una de las producciones más representativas de este ballet es Valentina; inspirado en María Valentina de Jesús Ramírez Avitia, La Leona de Norotal, una revolucionaria mexicana que a principios del siglo XX se habría hecho pasar como hombre para poder luchar contra la dictadura de Porfirio Díaz.
Este ballet habla de la importancia de la mujer en la revolución mexicana, y visibiliza a las mujeres que combatieron mano a mano con los hombres, a pesar de que muchas de ellas tuvieron que simular ser hombres para poder pelear en los más de diez años que duró el conflicto armado en México. De este modo, la interpretación que hace el Ballet Nepantla de ese momento de la historia mexicana no podía ser más crucial, en este contexto contemporáneo del empoderamiento femenino.
Valentina es un ballet que se ha presentado varias veces en Nueva York, al grado de que se ha dicho que lo que George Balanchine del New York City Ballet hizo con las danzas folclóricas de su Rusia natal, el Ballet Nepantla lo está haciendo con las danzas folclóricas de México; además de ser comparada con el Ballet Folklórico de México de Amalia Herández.
Valentina del Ballet Nepantla es un gran arte para nuestro tiempo. Si las mexicanas de la revolución tuvieron que verse obligadas a defenderse con armas de fuego; hoy en día, se defiende a través de la fuerza de las comunidades y la riqueza de la cultura. Valentina, además, es un gran ballet que solo podría haber sido creado en la ciudad de Nueva York.
Para los diletantes del arte, ya sea en cualquiera de sus representaciones como las esculturas, arquitectura, música, pintura, literatura, danza o cine, alrededor del mundo hay grandes recintos que resguardan estas riquezas.
Hay ciudades que son reconocidas y llamadas como ciudades que son capitales culturales, las cuales concentran gran parte de museos. Las ciudades resguardan obras de artistas importantes, así como los hogares, sitios importantes donde se llevaron a cabo los trabajos o donde surgieron las ideas de estos personajes. Toma nota de las ciudades que tienen una amplia oferta artística para tu próximo viaje.
Los museos en la ciudades de todo el mundo forman parte del atractivo turístico y de entretenimiento que estas ofrecen, sin embargo, no todas las metrópolis del cuentan con una amplia oferta de estos espacios. La Ciudad de México (CDMX), además de ser conocida como el lugar ideal para comer y disfrutar de la cultura mexicana, también es conocida porque tiene muchos museos, pero no es la única.
A continuación te diremos cuáles son las ciudades con más museos en el mundo.
Londres
Con más de 200 museos, Londres encabeza la lista de ciudades con más museos en el mundo, siendo el Museo Británico el más famoso. Éste alberga más de 8 millones de objetos de las culturas orientales, egipcias, griegas, etruscas, romanas, chinas y europeas. Cabe mencionar que la Piedra Rosetta se encuentra en este recinto.
Ciudad de México
En los últimos años, la Ciudad de México se ha posicionado como la segunda ciudad con más museos en el mundo. Con 170 museos y 43 galerías, el Museo Nacional de Historia, el Castillo de Chapultepec, el Museo de Antropología ocupa y el Museo de Templo Mayor, son algunos de los más visitados.
París
París no es solo la ciudad del amor, sino una de las que más museos alberga en el mundo. El más famoso sin duda es el Museo de Louvre, el cual es uno de los más grandes y más visitados a nivel internacional, cuya obra más reconocida es "La Gioconda", mejor conocida como la "Mona Lisa" de Da Vinci.
Moscú
Otra de las ciudades con mayor número de museos en el mundo es Moscú, siendo el Museo del Kremlin el más visitado, ya que alberga importantes piezas históricas y armería rusa, además de tener una arquitectura impresionante.
Los Ángeles
No es casualidad que Los Ángeles sea una de las ciudades con más museos, ya que Estados Unidos es el país que encabeza la lista a nivel mundial. El Museo de Arte Contemporáneo, el Museo Getty y el LACMA, son tan solo algunos de los más visitados.
Seúl
La capital de Corea del Sur es también una de las ciudades con más museos, siendo el Museo Nacional de Corea un emblema del país y uno de los museos más visitados de Asia y del mundo, gracias a sus impresionantes colecciones.
Tokio
Tokio en Japón es una de las ciudades culturales más importantes, con gran cantidad de museos y galerías. El Museo Nacional de Tokio es el museo más grande del país, con cinco edificios donde se exponen piezas japonesas y de otras culturas asiáticas.
Chengdu
Famoso por su centro de conservación de osos panda, Chengdu en China es una de las ciudades con más museos en el mundo. Algunos de los más importantes son el Museo Guanghan Sanxingdui, el Museo Jinsha Site y el Museo de Chengdu.
Nueva York
Aunque no encabeza la lista, Nueva York es una de las ciudades con más museos y galerías en el mundo. El Museo Metropolitano de Arte, el MoMa, el Museo Americano de Historia Natural y el Museo Solommon R. Guggenheim son algunos de los más visitados.
Fotos cortesía de Darcstudio
Este complejo es el segundo proyecto de Frida Escobedo en New York.
Frida Escobedo está rediseñando la nueva ala del Museo Metropolitano de Arte de New York y al mismo tiempo incursiona en el proyecto Bergen: un edificio de 209 mil metros cuadrados, que contará con 105 viviendas de lujo, con estudios, residencias de cinco dormitorios distribuidas en 53 plantas únicas en el corazón de Brooklyn.
El concepto arquitectónico de la urbanización Bergen, es el resultado de la colaboración entre el Taller Frida Escobedo y el estudio DXA. Escobedo se aseguró de que Bergen rindiera homenaje a su contexto, al tiempo que forjaba su propia identidad en el horizonte de Brooklyn. El edificio está situado en una calle arbolada de postal y expresará las influencias de Boerum Hill.
Proyecto residencial Bergen
Tiene una fachada plisada, construida con bloques hechos a medida, en donde Escobedo aprovechó la orientación del edificio para maximizar la luz natural tanto del este como del oeste. El diseño general sigue un ritmo coherente en términos de escala, materialidad y color, con porosidad y transparencia entretejidas en toda la forma del edificio.
Asimismo, Bergen ofrece a sus residentes más de 14 mil 500 metros cuadrados de servicios en cuatro niveles. Tiene una escalera cilíndrica, piscina de agua fría, un estudio de podcast y sala de vapor. Además de las excepcionales instalaciones interiores, los residentes pueden relajarse y socializar en más de 4 mil metros cuadrados de espacios exteriores con dos terrazas comunes en la azotea diseñadas por el equipo de paisajismo. También se puede adquirir aparcamiento, trastero y espacio para guardar bicicletas.
El estudio mexicano Taller Frida Escobedo ha conseguido algunos de los proyectos más interesantes de los últimos años. Desde su fundación en 2006 en Ciudad de México consiguió ser la arquitecta más joven en proyectar el Pabellón de la Serpentine en Londres (2018) el Metropolitan Museum of Art (Met), y ahora este segundo proyecto residencial en Nueva York, después de su colaboración con Handel en la promoción de uso mixto del National Black Theatre en Harlem. El proyecto para el nuevo complejo residencial se entregará el próximo 2025.
Foto destacada: INAH
La restauración de los azulejos de la embajada mexicana en Portugal se llevaron a cabo por especialistas del INAH.
Los muros de la embajada mexicana en Portugal, están decorados con preciosos paneles de azulejos que integran escenas bucólicas, satíricas y fabulísticas elaboradas en el siglo XVIII. Este inmueble fue adquirido por el Estado mexicano en 1976, y se trata de una antigua quinta ubicada en el Parque Forestal de Monsanto de Lisboa.
La producción de azulejos del barroco en Portugal surgió influenciada por las cerámicas china y holandesa, especialmente de Delft. Pintores de caballete portugueses como Gabriel del Barco, António de Oliveira Bernardes, Raimondo du Couto y Manuel dos Santos, por citar algunos, crearon verdaderas composiciones sobre cerámica.
Este arte alcanzó su apogeo en el último cuarto del siglo XVII y las primeras décadas del XVIII, bajo las monarquías de Pedro II y Juan V. La bonanza de la Corona por el usufructo de su colonia americana, Brasil, que permitió el patrocinio de estas obras monumentales con pintores preciosistas, de ahí que se le nombre a este periodo como el "ciclo de los maestros".
Los paneles están atribuidos por los estudiosos del azulejo portugués como piezas pintadas por artista desconocido, y se caracterizan por un estilo más libre que el de sus contemporáneos, al retratar escenas de la vida palaciega, fábulas y sátiras, en colores blanco y azul, este último extraído del óxido de cobalto.
"Estos bienes son patrimonio mexicano desde hace casi 50 años, aunque estén fuera de nuestras fronteras", señaló la restauradora-perito del INAH, Renata Schneider, quien coordina el proyecto de conservación y restauración de los paneles de azulejos; y prevé concluir el trabajo en septiembre.
El trabajo que se llevó a cabo en las 158 piezas intervenidas, fue el de la desalinización y limpieza mecánica y química, organización de escamas desprendidas, pruebas de sustratos para mitigar la colonización de microorganismos adhesión de fragmentos y resanes. Asimismo, bajo la asesoría de Lurdes Esteves, se incursionó en la manufactura de fragmentos cerámicos para la reposición de faltantes.
