Pueblos mágicos para conocer en la ciudad.
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A inicio del siglo XXI, el programa Pueblos Mágicos no ha tenido cambios significativos, y su plan inicial ha sido el de estructurar una oferta turística complementaria y diversificada hacia el interior del país, cuyos singulares sitios tienen grandes atributos histórico-culturales.
Asimismo, este plan tienen como objetivo, generar y promocionar las artesanías, festividades, tradiciones y gastronomía del lugar; así como poner a la vista del turismo lo productos turísticos como la aventura, deporte extremo, ecoturismo y gastronomía. Esta forma de revalorar, consolidar y reforzar los atractivos de los diversos barrios que conforman nuestra ciudad, representa una alternativa fresca y diferente para atender a la naciente demanda de visitantes nacionales y extranjeros.
Es por eso que en MxCity te queremos recomendar 10 barrios mágicos, llenos de cultura, arte, gastronomía y arquitectura de la CDMX.
Roma, Condesa
Desde finales los noventa del siglo XX, las colonias Roma y Condesa iniciaron un proceso de revitalización que tuvo como prioridad crear una gran zona de galerías de arte y nuevos restaurantes. Los dueños de estas galerías decidieron crear el Corredor Cultural de la Roma, realizando una inauguración simultánea el último jueves de cada mes y poniendo a disposición del público un transporte que movía a los asistentes entre galerías.
Este plan a dado buen resultado que ahora cuenta con la participación de más de 85 espacios culturales, que ayudan a impulsar actividades culturales en estos barrios de la Ciudad de México; que contempla actividades de arte contemporáneo, diseño, moda, cine, medio ambiente y gastronomía, e involucra a galerías, tiendas, restaurantes, centros e iniciativas culturales de ambas colonias.
Coyoacan
El "Lugar de coyotes" dotó de agua a la gran Tenochtitlan en la época prehispánica. Durante la Conquista fue el sitio que Hernán Cortés eligió para edificar su Palacio. En el siglo XX fue el sitio de reunión de intelectuales y artistas como Dolores del Río, diego Rivera, Frida Kahlo y Leon Trotsky. Hoy en día continúa siendo un barrio importante que combina un aire provincial con excelentes propuestas gastronómicas y de entretenimiento.
San Ángel
El valor arquitectónico de esta zona es incalculable. Lamentablemente, poco a poco se va perdiendo conforme la modernidad avanza, pero por lo general se ha mantenido una gran cantidad de espacios y edificios representativos de estilos barroco, neoclásico y neocolonial, así como variados ejemplos de arquitectura popular. Los rasgos principales de esta zona son sus monumentos, plazas, calles angostas y empedradas, las casas de uno o dos pisos, generalmente de ladrillo o pintadas con colores vivos, con balcones a la avenida, con enredaderas y puertas adornadas así como las pequeñas plazas.
Santa María Magdalena Atlitic
Santa María Magdalena Atlitic estaba integrado a Coyoacán, dominio de la cultura tepaneca y posteriormente azteca. Luego de la Conquista, los españoles decidieron fundar en ese sitio Santa María Magdalena y en el siglo XVI construyeron una ermita, que con el tiempo se transformó en el actual templo. En nuestros días, este paraje, conocido como el Parque y Corredor Ecoturístico Los Dinamos, se ha transformado en un relevante destino de fin de semana, para los habitantes de la Ciudad de México.
Tlalpan
"El pequeño vaticano" como le llaman algunos de sus habitantes, puesto que en este lugar se han construido seminarios, conventos y la Universidad Pontificia, además de hospitales y sanatorios; significa "tierra firme" en náhuatl. Fue hacia 1500-1200 a.C. que un grupo de indígenas decidió habitar las faldas del cerro del Ajusco y edificar Cuicuilco. Ya en tiempos virreinales, la zona de Tlalpan tomó como cabecera el pueblo de San Agustín de las Cuevas, cuyo nombre se decidió en honor al Santo Patrono del lugar, a quien se le dedicó la iglesia principal. De hecho, por su proximidad con el estado de Morelos, San Agustín de las Cuevas y otros pueblos de Tlalpan se involucraron en los monumentales revolucionarios de 1910.
Xochimilco
Chinampas, trajineras, canales y flores hacen de este lugar un sitio hermoso y único. En Xochimilco quedan vestigios de la época precolombina, los españoles construyeron un casco en el centro de la ciudad y se asentaron dos tipos de convivencia, al centro los criollos, mestizos y nobles y a los alrededores barrios donde se encontraban los indígenas. Xochimilco fue declarado patrimonio de la Humanidad en 1987, y hasta el día de hoy todavía conserva muchas tradiciones y fiestas religiosas por lo que casi todo el año hay alguna festividad en cualquiera de los barrios que lo conforman.
Zona Rosa
La Zona Rosa se distingue por su alta tolerancia y aceptación para la comunidad LGBTTTIQA. Originalmente, esta zona se encontraba en uno de los barrios de mayor aristocracia: la Colonia Americana, fundada alrededor de 1898 y que eventualmente cambió su nombre a Colonia Juárez. Todas sus calles, excepto Tokio, fueron nombradas según las ciudades europeas de mayor renombre. Debido al Porfiriato, aquí no sólo se construyeron chalets y mansiones que imitaban el estilo francés de la época, sino que este fue un foco para la vida cultural e intelectual de la capital en ese entonces. Alrededor de 1950 dichas mansiones fueron modificadas para servir como negocios, tales como cafés, bares, etc., dando el ambiente bohemio que actualmente conserva.
Cuajimalpa
Su nombre original era Cuauhximalpan, "sobre las astillas de madera", y tiene que ver con la actividad que realizaban sus antiguos pobladores, quienes eran leñadores y talladores de madera. Hernán Cortés la bautizó como San Pedro Cuauhximalpan y a lo largo del virreinato sus habitantes continuaron con sus trabajos de carpintería y con la producción de carbón, sin desatender la agricultura y la ganadería.
A comienzos del siglo XIX, durante el movimiento insurgente, a Cuajimalpa llegó el cura Hidalgo quien se hospedó en el entonces Mesón San Luisito; ahí estuvo una noche y después se dirigió al Monte de las Cruces, donde tuvo lugar aquella gran batalla en la que vencieron al ejército realista. Recuerdos de esa visita perduran aún en dicho mesón, ahora convertido en el Museo Hidalgo.
Garibaldi
Este lugar se ubicó en tiempos prehispánicos en el barrio de Cuepopan, uno de los cuatro que conformaban la gran ciudad lacustre de Tenochtitlán. A lo largo del virreinato fue conocida como la Plazuela del Jardín, cuyo trazo aún no estaba definido; se le veía rodeada de jacalones habitados por los indígenas considerados vagabundos o ladrones; cabe recordar que esta zona, al norte de la capital, quedaba fuera de la traza española.
En el siglo XIX comenzaron a establecerse varias pulquerías a su alrededor que gozaron de mucha popularidad entre la población. Por 1830 las pulquerías sólo podían vender su producto a través de pequeños mostradores en las fachadas, porque no se permitía el paso al interior del local. Entonces los que gustaban del pulque no tenían otra opción más que beberlo en plena plazuela, con lo cual empezó a adquirir su perfil fiestero.
Esta plaza entró en la historia de la ciudad al ser la sede, en 1871, del problemático mercado El Baratillo, donde se vendían objetos, baratijas de segunda y tercera mano, e e incluso cosas robadas. También era el lugar de asaltos, fraudes y "léperos". Los comerciantes del mercado propusieron a las autoridades construir un inmueble de mampostería, pero no prosperó la idea.
Tacubaya
Atlacuihuayan fue el nombre prehispánico de Tacubaya, y en náhuatl esa palabra significa "lugar donde se tuerce el río". De acuerdo a Fray Bernardo de Sahagún, los sacrificios humanos que allí se practicaban eran impresionantes. Allí se encontraba un adoratorio en honor de la diosa Cihuacóatl, donde actualmente se encuentra un templo y ex convento dominico.
En Tacubaya destaca el edificio Ermita, uno de los primeros rascacielos que aparecieron en la Ciudad de México en la década de 1930. El Edificio Ermita está considerado como uno de los ejemplos más brillantes de art déco. El autor de esta construcción, fue el arquitecto Juan Segura, quien también edificó el cercano Edificio Isabel. Si se presenta la ocasión, hay que asomarse a los patios interiores de esta construcción, ya que es algo sumamente admirable.
Fotos cortesía de Tany Folgoso
Un nuevo museo en la CDMX mostrará la riqueza musical de Los Ángeles Azules.
El Museo Comunitario Ocho Barrios es uno de los museos que se suma a la CDMX y poco a poco llegaremos a ser la ciudad con más museos del mundo, aunque todavía estamos por detrás de Londres. Para inaugurar este recinto, se abrió la exposición dedicada a la música que muestra las tradiciones y manifestaciones culturales de las comunidades originarias de Iztapalapa.
La exposición de este museo está dedicada a la Música y Músicos de Ixtapalapa, en donde podremos conocer la historia de algunas agrupaciones de esta región, siendo una de las más conocidas, Los Ángeles Azules; que han dejado un impresionante legado en muchas generaciones, musicalizando bailes, ceremonias religiosas, conformado orquestas tradicionales o puesto en alto el nombre de Iztapalapa.
Así que uno de los atractivos de esta exposición es justo ver las fotografías, acetatos firmados, trajes y notas de periódicos sobre grupos musicales emblemáticos de la demarcación, y sobre todo de Los Ángeles Azules. Ya que el Museo Comunitario de los Ocho Barrios busca reconocer la importancia de esta gran banda originaria de Iztapalapa.
Esta agrupación, ya reconocida en muchas partes del mundo, comenzó con la familia Mejía Avante a finales de los 70, aunque debutaron oficialmente en 1980 y desde esa fecha han sido "de Iztapalapa para el mundo". Sus primeros instrumentos fueron sacados con ayuda de Mamá Martha, madre y fundadora del grupo musical, quien fue aval y obtuvo un préstamo para que sus hijos tuvieran guitarras, un bajo y una tarola. Incluso tuvieron que vender la camioneta de su papá para comprar bocinas. Cuarenta años después, Los Ángeles Azules llevan la cumbia de Iztapalapa a muchas partes del mundo y a todas las fiestas mexicanas.
Música y Músicos de Ixtapalapa
Dónde: Museo Comunitario de los Ocho Barrios; Ermita Iztapalapa 100, San Pablo, alcaldía Iztapalapa.
Cuándo: martes a domingo de 10:00 a 18:00 horas
Entrada libre
Fotos cortesía Google Arts & Culture
David LaChapelle combina la cultura pop con la religión, sexualidad y el glamour surrealista.
David LaChapelle comenzó en el mundo de la fotografía, utilizó la cámara familiar para retratar a su madre, quedando obsesionado con este arte. Su carrera como fotógrafo profesional comenzó en 1980, llamando la atención de Andy Warhol, quien le ofreció su primer trabajo como fotógrafo en la Revista Interview. Ahí fue que tomó las primeras fotografías de celebridades, y muy pronto se encontró tomando fotos para las mejores casas editoriales y creando algunas de las campañas de publicidad más famosas de su generación.
El fotógrafo y artista estadounidense llega a México con una nueva exhibición en el Palacio de Minería. David LaChapelle: Amor presenta una retrospectiva de gran escala, tanto física como metafóricamente. Sus imágenes conviven en el espacio como una especie de homenaje al muralismo mexicano. Las obras que componen esta muestra resumen cuatro décadas de creación de imágenes con un punto de vista único.
Sobre todo, las fotografías de David LaChapelle se caracterizan por parecer pinturas surreales y llenas de movimiento y pop. Lo que podremos ver en la CDMX, es la serie relacionada con la reimaginación de la religión con la serie Vía Crucis (2023), en dónde presenta diferentes viñetas de esta tradición espiritual. De igual forma presentará Spree(2019-2020), inspirada en los relatos de la Expedición Transantártica de Shakelton y obras basadas en las pinturas hawaianas de Georgia O Keeffe.
Además, LaChapelle ha sido el fotógrafo de artistas como Keke Palmer, Nicki Minaj, Lady Gaga y Britney Spears. En el centro de la exhibición está la expresión de temas universales de su trabajo como la alegría, el dolor, la pérdida, la devoción y el amor.
Es una exposición que amarán los mexicanos, ya que su fotografía no es tan alejada de nuestras propias sensibilidades. Es una fotografía cercana al barroco, a la dramatización, a las telenovelas, un poco surrealistas y sí, hay qué decirlo, un poco kitsch en el buen sentido.
David LaChapelle: Amor
Dónde: Palacio de Minería, Facultad de Ingeniería de la UNAM; Tacuba 5, Centro Histórico, CDMX.
Cuándo: a partir del 11 de mayo hasta julio de 2024; de martes a domingo de 10:00 am a 7:00 pm.
Cuánto: $225 preventa premier.
Estudiantes, adultos mayores y maestros $150 pesos.
Mayores de 85 años y menores de 5 entran gratis.
Fotos cortesía de Loader Sound
Redbone se caracterizó por su increíble mezcla cultural, política y musical.
Redbone es un término cajún que designa a una persona mestiza, y también es el nombre de una banda que formó parte del Movimiento Indígena Americano, que es mejor conocida por su canción Come and get your love, uno de los mayores éxitos de la radio en su época; que desde su lanzamiento en el álbum Wovoka de 1973, se ha utilizado en comerciales, programas de TV como la serie de Netflix F Is for Family y sobre todo en Guardianes de la Galaxia de Marvel de 2014, cuando el actor Chris Pratt la bailó en la escena inicial.
La banda adoptó este nombre porque designa a un grupo étnico, localizado en el estado de Luisiana, Estados Unidos, ?que comprende descendientes de exiliados de una parte de Nueva Francia en el siglo XVIII, y posteriormente a españoles, alemanes y criollos franceses de dicho estado.
Pero Redbone es una agrupación de ascendencia mixta, los hermanos Vásquez-Vegas eran de ascendencia yaqui, shoshone y mexicana y a menudo aludía a la cultura Cajun y Nueva Orleans en sus letras y estilo de interpretación.
Este grupo comenzó interpretando y grabando música de surf, pero su agente les dijo que "el mundo aún no estaba preparado para acoger a un dúo de músicos mexicanos tocando surf” así que con el tiempo se diversificaron musicalmente hablando, en una banda ya de por sí diversa. La canción de Redbone fue la primera de una banda exclusivamente nativa y mexicoamericana en llegar al Top 10 de Billboard, alcanzando el puesto número 5 el 13 de abril de 1974.
Redbone también se caracterizó porque todos estaban vestidos como nativos y porque siempre han cultivado una apariencia llamativa en el escenario. Ya que a pesar de que crecieron en Fresno, California, los padres de algunos miembros eran shoshone, y otros tenían raíces tanto mexicanas como nativas, incluidas yaqui, pápago y navajo. Además, uno de los abuelos maternos fue músico de Texarkana que tocaba música cajún y mariachi.
Además de componer algunos éxitos, algunos miembros de la agrupación se inspiraron en el movimiento de derechos civiles y en los activistas nativos que denunciaban la pobreza en las reservas, los tratados rotos y otras injusticias.
El guitarrista Tony Bellamy también era de ascendencia mexicana y yaqui, y el baterista Pete DePoe, que era cheyenne. La música de Redbone marca un hito histórico, porque además fusionaron muchos estilos como rock, swamp funk, Tex-Mex, música indígena de Norteamérica, soul, música cajún, jazz y música latina.
Foto destacada: Ñuu Savi: Pasado, Presente y Futuro
El seku es una variante de la Pelota mixteca que se preserva en Oaxaca.
Es seku es un deporte que se practica en la comunidad de Yucunani, municipio de San Juan Mixtepec, Oaxaca. Yucunani es una pequeña comunidad con apenas 130 personas con un alto índice de migración, ubicada en la montaña de la región de la Mixteca, en el municipio de San Juan Mixtepec, en el estado de Oaxaca.
Es un juego que se ha retomado en los últimos años, con el fin de preservar la cultura y transmitirlo a las nuevas generaciones de jóvenes que se han integrado en los equipos de seku, además de que ya es un juego con apertura a las mujeres que toman la estaca y meten una bola de madera entre dos banderas que simulan una portería, con el fin de obtener puntos.
Este deporte prehispánico de los pueblos de Ñu?u Savi, estuvo a punto de extinguirse a finales de los años 90, pero un grupo de pobladores, en coordinación con profesores de San Juan Mixtepec, comenzaron a promoverlo y a rescatarlo en la comunidad de Yucunani y en otros espacios. Ahora, los vecinos les enseñan a sus hijos a jugarlo, se resisten a la extinción del deporte de sus abuelos.
El seku es el juego de los ancestros. Es por eso que es un deporte básico en donde solo son necesarios dos equipos de cinco personas en cada una; cada persona usa un bastón de madera con la base curvada, una bola de madera de algún árbol. Además, de estacas con antorchas encendidas colocadas sobre la orilla del perímetro donde se desarrolla el juego.
Cada partido dura 20 minutos con descansos de 10 minutos, aunque algunas veces los partidos pueden llegar a durar hasta media hora. Los pobladores explican que la bola con la que se juega está hecha del tallo del colorín, un árbol escaso en la zona, por lo que en ocasiones lo sustituyen por otros árboles de la región.
La antorcha, que todavía se prende en este juego, sirve para definir las líneas que conforman el campo. Además, como es un juego que tradicionalmente se jugaba de noche, el fuego es para guiar a los jugadores y que no se salgan del campo. Es un juego nocturno porque antes no había tiempo para jugar, y todos se dedicaban a trabajar en el campo.
Asimismo, este juego ya forma parte de las actividades del pedimento de la lluvia que realizan cada año los pueblos de la nación Ñu´u Savi. Hoy en día se abren torneos, y se dan premios y otros estímulos para que haya cada vez más participantes en este juego ancestral.
Además, el torneo está programado a la par de la feria anual de Yucunani, así que se invitan pueblos vecinos como Santiago Juxtlahuaca, Yanhuintlán, Nochixtlán, Tamazulápam, a la competencia, para que sea posible observar los encuentros de cerca, incluso se explican las reglas de este juego que preserva la identidad de Oaxaca.
Fotos cortesía el INAH
La Exposición del Archivo Casasola está compuesta por más de 40 fotografías tomadas entre 1970 y 1940.
Hoy en día la fotografía es algo cotidiano, pero en el siglo XX eran auténticos documentos históricos, con lo que se dio origen en el desarrollo de la prensa. En México, los hermanos Agustín Víctor y Miguel Casasola fueron pioneros en la materia, al fundar la primera dependencia de información periodística del país, en 1912, la cual derivaría en la creación de la Agencia Casasola, donde se sentarían las bases del fotoperiodismo mexicano.
Con el fin de promover y rescatar este valor histórico de la colección Casasola, se invita al público a la galería virtual Los inicios del México contemporáneo. La muestra está compuesta de 40 fotografías, capturadas por la Agencia Casasola, entre 1920 y 1940, y es una oportunidad para transportarse a la primera mitad del siglo XX y observar a detalle las calles y los rostros del México posrevolucionario.
En este recorrido podrás adentrarte en calles del Centro Histórico de la capital del país, así como en mercados, pulquerías, oficinas, cafés, tiendas, teatros y escenarios de la vida cotidiana de antaño. Asimismo, incorpora retratos de destacados personajes del ámbito cultural y político, como Diego Rivera, Agustín Lara y María Conesa, "La gatita blanca", entre otros.
El Archivo Casasola es resguardado por la Fototeca Nacional desde hace décadas. Su adquisición se remonta a 1976, cuando el entonces presidente de la República, Luis Echeverría Álvarez, encargó al INAH su custodia, investigación y difusión.
Al día de hoy, además de haberse posicionado como uno de los acervos fotográficos más consultados y analizados en nuestro país e incluso a nivel mundial, tanto el Archivo Casasola como la Fototeca Nacional, tienen todavía muchas lecturas inéditas que ofrecer. La galería Los inicios del México contemporáneo acerca a más personas a los ya citados pasajes de la historia mexicana, en la medida que revelan las identidades y los contextos de un periodo importante para el devenir del país y de la sociedad contemporánea.
Exposición del Archivo Casasola
Dónde: Fototeca Nacional del INAH; Casasola s/n, Centro, Pachuca de Soto, Hgo.
Cuándo: hasta el 24 de mayo de 2024
Entrada libre
Fotos cortesía de Marina Baysands
Frida Kahlo supera las fronteras y llega al Museo de arte de Singapur.
Dese hace muchos años, la visión creativa de Frida Kahlo dejó ser un impacto en la cultura popular mexicana para formar parte de algo más global; e incluso para llegar a tierras tan lejanas como la República de Singapur, es una pequeña ciudad-Estado y país insular, situado en el corazón del Sudeste asiático.
Hasta dicho país llega la historia de vida de la artista mexicana a través de ‘Frida Forever’, que incluye dos cautivadoras exposiciones de Frida Kahlo y una experiencia de realidad virtual en el ArtScience Museum Singapore.
Y es que la influencia de Frida Kahlo va más allá de su arte y de su simbolismo; porque miles de personas pueden identificarse con sus experiencias personales y reflexiona sobre sus pasiones, luchas y creencias. Sobre todo sus autorretratos ha sido muy elogiados, pues logran romper límites con su descripción cruda y sin complejos de la feminidad, el dolor, la muerte, el cuerpo humano y la identidad.
‘Frida Forever’ también celebra el importante impacto que sigue teniendo, 70 años después de su fallecimiento, no solo en el arte, sino en la moda, la cultura popular, el feminismo y más.
Frida Kahlo: La vida de un icono es la segunda exposición biográfica inmersiva, desarrollada por Layers of Reality y Frida Kahlo Corporation, que se estrenará en el sudeste asiático con proyecciones de 360 ??grados y un espacio creativo que da vida a sus dibujos. Además de recorrer la rica tradición mexicana.
Esta exposición es curada por el ArtScience Museum con el apoyo de Cristina Kahlo Alcalá, sobrina nieta de Frida Kahlo, y muestra archivos íntimos de su relación con su cuerpo, sus dolencias médicas y el profundo impacto que estas luchas tuvieron en su trabajo artístico.
Los visitantes podrán ver cerca de 40 fotografías, páginas de diarios, obras de arte contemporáneas, registros médicos y entrevistas exclusivas con Cristina Kahlo Alcalá. Esta última revelará cómo adquirió estos documentos médicos del American British Cowdry Hospital donde estuvo internada Frida Kahlo.
La cereza del pastel es una experiencia de realidad virtual que se lleva a cabo dentro de la Galería VR del Museo ArtScience, donde los visitantes pueden ingresar a las pinturas de Frida para sumergirse en su estética, la paleta de colores de sus obras y las diversas texturas que utilizó. Las exposiciones y eventos de ‘Frida Forever’ se llevarán a cabo en el ArtScience Museum del 4 de mayo al 1 de septiembre.
Fotos cortesía de Google Arts & Culture
Estos artistas lograron construir un movimiento que le dio identidad a los chicanos.
El arte chicano forma parte de los movimientos culturales desde los años 50 del siglo XX, pero fue 1960 que se da el boom, junto con las protestas de la guerra de Vietnam, el movimiento Black Power a favor de los derechos civiles. De ahí, que la lucha chicana desafió la categorización y los estereotipos divulgados entre la población anglosajona.
Se trató de un movimiento de artistas chicanos, sobre todo del sureste de California, siendo uno los más representativos el Colectivo de Los Four ( Los cuatro) integrado por Beto de la Rocha (California, 1937), Frank Romero (California, 1941), Carlos Almaraz (Ciudad de México, 1941-California, 1989), Gilberto Sánchez Luján (California, 1940-2011)
En 1974 se unió Judithe Hernández (California, 1948) al colectivo, y todos se caracterizaban por ser activistas de origen mexicoamericano, educados en universidades de Estados Unidos, y sobre todo por ser los primeros artistas en romper las barreras que los museos tenían para el arte chicano, cuando en 1974 el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles (LACMA) incluyó una exposición sobre su obra.
También se caracterizan por impulsar el ?muralismo chicano?, expresión que se desarrolló sobre todo a partir de la década de 1970 en los estados fronterizos del suroeste de los Estados Unidos, y que son reconocidos por representar la vanguardia intelectual del movimiento y de forjar una nueva sensibilidad artística chicana.
Los Four lograron construir muchos puentes híbridos entre la cultura mexicana y estadounidense, plasmando la dualidad cultural de ambos países, superando la geografía, y también creando técnicas y formatos que fueron muy característicos de esa época.
Hoy en día, Los Four no representan la visión definitiva del arte chicano; pero en su momento sí fueron los que abrieron paso a la exploración del arte de Los Ángeles, tuvieron la osadía de crear un diálogo con México, resignificar las piezas en un dicho momento histórico y presentar un arte chicano único, una escuela original que no era ni mexicana, pero tampoco ?gringa?.
En efecto, el movimiento de arte chicano representa los miles de intentos de los artistas estadounidenses de origen mexicano para establecer una identidad única. Es un movimiento que trabajó para resistir y desafiar las normas sociales dominantes y los estereotipos de la autonomía cultural y la autodeterminación, en donde los chicanos han utilizado el arte para expresar sus valores culturales, como una forma de protesta con un valor estético fascinante.
De los cinco artistas, quizá el que ha sido más reconocido a lo largo de los años es Frank Romero, de ascendencia española y mexicana. Algunos se lo atribuyen a que hablaba inglés en casa y Romero aprendió a hablar español más adelante en la vida. Pero no hay duda que todos son grandes artistas y que poseen su propia identidad.
