Cuando la ciudad aún era el Valle de México existía un equilibrio significativo entre la vida y la muerte; ambas, de alguna manera se entendían como realidades que funcionaban sólo si una podía ser capaz de entender a la otra. Los aztecas solían venerar la muerte natural con rituales funerarios que involucraban la incineración del difunto y con él sus pertenencias más preciadas. Dichas cenizas se enterraban en algún espacio del hogar del fallecido junto a una preciosa ofrenda compuesta de regalos (como hoy en día seguimos haciéndolo cada 1 y 2 de noviembre).
La creencia antiquísima de que el espíritu de un muerto podría regresar a la vida sólo si el cadáver era conservado adecuadamente es parte de una de tantas ceremonias sagradas que surgieron de esa importante mezcla cultural entre Europa y América.
Los sitios destinados al descanso eterno fueron con el tiempo convirtiéndose en increíbles jardines rodeados de arquitectura de todas las épocas; "necropolis" que en epitafios, nos cuentan ciertamente la historia de una cultura sostenida de recuerdos, o quizás sostenida de una memoria colectiva creada a través de millones de personas del pasado que ahora sintonizan un sólo pensamiento dentro de un cementerio.
Quizás, el haber perdido esa conexión que antiguamente teníamos con la muerte, sea la razón por la que hemos dejado de mirar los cementerios como jardines hermosos para ejercer la reflexión de ésta. O incluso como recintos museísticos, de los que se puede aprender tanto de la historia del Arte en nuestra capital como de leyendas y memorias humanas que, paradójicamente, no han muerto, se mantienen como una especie de alma: el alma de una ciudad. Dice el Libro del Samurai (Hagakure) que, si se acostumbra, día a día, a la idea de la muerte, entonces seríamos capaces de morir con toda tranquilidad cuando llegue el momento.
Difícilmente se piensa deliberadamente en qué haremos en el momento de nuestra muerte –o si es que se va a algún lugar-, aisladamente a nuestros pensamientos vitales cotidianos. Tal vez la forma más idónea de recordar la muerte como un proceso de transmigración natural (dirían en épocas prehispánicas, al inframundo), sea visitando estos santuarios ilusorios. La ciudad de México aguarda algunos de los más preciados del país, tanto por las personalidades ilustres que en ellos descansan como por la diversidad de diseños artísticos extraordinarios. Algunos de ellos:
Panteón Civil de Dolores
Este espacio fúnebre es un monolito cultural, ya que alberga los restos de personajes ilustres mexicanos y con ello una variedad de diseños arquitectónicos de muchas épocas; construcciones de granito, de mármol y algunas edificaciones de acero modernas y esculturas conjugan ornamentos estilo neoclásico, neogótico, ecléctico, art déco y por supuesto prehispánico.
Es el panteón más grande de la ciudad y también de Latinoamérica. Su fundación data a 1874, creado por una empresa funeraria que más tarde vendería el terreno al ayuntamiento de la localidad, logrando en este punto absorber varios de los cementerios aledaños y con ello, abrirse al público en general en 1882.
La Rotonda de las Personas Ilustres, es como se hace llamar la fracción del terreno donde encontramos las tumbas de David Alfaro Siqueiros, Diego Rivera, Jaime Nunó, Francisco González Bocanegra, Agustin Lara, Juan O?Gorman, Francisco Montes de Oca entre otras personalidades artísticas, políticas y hasta científicas. Es probablemente el más bello ejemplo de Arte funerario mexicano (física y metafísicamente) y un santuario que ha enterrado las mentes más invaluables de la historia de México.
Dirección: Bosque de Chapultepec II, 11100, Ciudad de México
Museo Panteón de San Fernando
Debido a la gran epidemia de cólera en la ciudad que apareció en 1833, y al incalculable número de cadáveres -especialmente niños-, que no contaban con un espacio mortuorio, este cementerio dejo de ser un lugar exclusivo para frailes fernandinos y comenzó sus servicios como panteón público. Poco tiempo pasó para que familias acomodadas comenzarán a elegir al San Fernando como el sitio ideal para su sepultura, ya que era el único que contaba con grandes pilares que construían templos para las tumbas con un estilo romántico, entonces bastante innovador; un sitio perfecto pues ademas de lucir pequeño y discreto se trataba de un cementerio que "sepultaba" algunos muertos en las paredes, como tradicionalmente se hacia en los muros y suelos de las iglesias.
Este alucinante lugar cerró sus puertas como cementerio en 1871, y hoy en día funge como museo histórico ya que aquí se encuentran los cadáveres de Melchor Ocampo, Miguel Lerdo de Tejada, Ignacio Comonfort, Ignacio Zaragoza y quizás, la tumba más emblemática, que posee una preciosa escultura de mármol dentro de un templo de pilares estilo romano: la cripta de Benito Juárez.
Dirección: Plaza de San Fernando 17, Cuauhtémoc, col. Guerrero, Ciudad de México, Cd. de México.
Panteón Jardín
Este bello mausoleo aguarda el origen cinematográfico de la ciudad, pues a lo largo de sus pasillos laberínticos encontramos las criptas de personalidades de la época de oro del cine mexicano.
Fue fundado en 1941 y cinco años más tarde se destinó el primer "lote de actores", que sería el espacio para los cuerpos de la Asociación Nacional de Actores. Un par de años más tarde sería insuficiente y se abriría el segundo, éste ornamentado con una gran cruz de mármol y bardeado para la protección de sus hermosas lápidas.
En el cementerio descansan actores y cantantes mexicanos (que en aquellas épocas eran prácticamente lo mismo), algunos de los más notables: Jorge Negrete, Pedro Infante, Pedro Armendáriz, Germán Valdez alias Tin-Tan y Fernando Soto alias Mantequilla. Su ubicación en el Desierto de los Leones -una de las zonas ecológicas más místicas de la ciudad-, lo convierte realmente en un hermoso jardín de la muerte, pues se encuentra ensimismado en su flora endémica que reluce con especial brillo; quizás, un resplandor de distinguida vanidad y estética.
Dirección: Desierto de Los Leones, Km 14.5, San Ángel Inn, Cd. de México
Panteón francés de la piedad
Heureux qui mort dans le seigneur (dichoso aquel que muere en el Señor), es la elegante frase que nos invita a cruzar su paraje sombrío principal. Este lugar era el destino mortuorio de extranjeros, en su mayoría franceses desde sus inicios, en 1859, y no fue sino hasta 1873 que se permitió la exhumación de mexicanos al recinto (en su mayoría de clases acomodadas pertenecientes a la época del porfiriato). También es un cementerio célebre y cuenta con la presencia de los cuerpos de personajes ilustres destacando notoriamente la figura de políticos.
A pesar de que no se considera como tal un museo, el panteón francés cuenta con extraordinarios obras arquitectónicas que entremezclan los estilos más prominentes de todos los tiempos: romántico, neoclásico, art noveau y el neogótico, que destaca exclusivamente en su capilla católica y algunas hermosas criptas que se encuentran dentro de pequeños santuarios lúgubres que nos dejan entrever fugazmente un umbral hacía la Francia medieval.
Dirección: Eje 1 Pte. Av. Cuauhtémoc, Cuauhtemoc, col. Buenos Aires, Cd. de México.
Panteón Español
De la mano al Panteón Frances, El Panteón Español es también un laberinto museístico de arquitectura gótica. Inaugurado por la esposa de Porfirio Diaz, Carmen Romero Rubio, en este lugar se pueden admirar desde esculturas celestes en finísimas piezas de mármol hasta santuarios de cúpulas preciosas, arcos ojival o lobulado y grandes alzados de hasta cuatro metros de largo. Las imágenes de apóstoles, arcángeles, vírgenes y demás concepciones teológicas inmortalizadas en esculturas de gran tamaño, se pueden encontrar tanto en las tumbas como a la mitad de los caminos, adornando las pequeñas jardineras que transforman a este cementerio en un hermoso jardín ideal inclusive para la reflexión.
Dirección: Nueva Argentina (Argentina Poniente), Miguel Hidalgo, Cd. de México
Fotos cortesía de INAH
Esta instalación forma parte de la celebración de los 60 años del Museo Nacional de Antropología.
El Museo Nacional de Antropología (MNA) celebra 60 años, con la pieza monumental Tú del artista jalisciense José Rivelino Moreno Valle (1973) una de sus obras escultóricas monumentales más emblemáticas. Dicha pieza se encuentra expuesta en la explanada principal del recinto capitalino y ya es posible visitarla.
Se trata de un conjunto escultórico que consta de dos dedos índices de color blanco, elaborados en bronce, acero y concreto, los cuales se apuntan uno al otro, y pesa 30 toneladas, sumándose a la Piedra del Sol como una de las obras más pesadas exhibidas en Ciudad de México.
Esta instalación fue revelada por primera vez en Trafalgar Square, Londres, en Reino Unido, en 2015, y desde entonces ha formado parte del espacio público de latitudes como Alemania, Bélgica, Rusia, España, Italia y Estados Unidos. En México, esta pieza ha visitado la Macroplaza de Monterrey, el Patio Mayor del Instituto Cultural Cabañas y los centros históricos de las ciudades de Puebla y San Luis Potosí.
Por su parte, Rivelino es un artista que divide su tiempo entre la creación, la investigación y el activismo en los ámbitos de economía, cultura y desigualdad, y destacó la relevancia de la presentación de su obra en el museo más visitado de Latinoamérica. La intención de esta pieza es que el público pueda interactuar en diversas formas: "Que el individuo esté frente a frente del otro. De ellos frente a mí y de todos juntos, en el paso del yo al nosotros".
Esta pieza es polisémica, interactúa con el espacio en el que se instala y, al mismo tiempo, con el público. Visibiliza lo que las personas a veces quieren decir, en el espacio que hay entre los dos dedos que se señalan entre sí, puntualizó, caben todas las ideologías, las conversaciones y todo tipo de personas.
Además de admirar la instalación artística, las y los visitantes del MNA podrán tocarla e interactuar con ella, fotografiarse o mirarla a detalle y reflexionar sobre la propuesta del artista.
Tú de Rivelino
Dónde: patio del Museo Nacional de Antropología; Paseo de la Reforma y Gandhi, Chapultepec, Polanco, Miguel Hidalgo.
Cuándo: hasta 26 de agosto de 2024, lunes a viernes desde las 07:00.
Entrada libre
Fotos cortesía de Procine
Nudus es una de las cintas mexicanas más perturbadoras de los últimos años.
Nudus significa "desnudo" en latín, y es una analogía de estar desnudos en las redes sociales, vulnerables o con la falsa seguridad de privacidad, muy a pesar de que todo el internet está siendo vigilado por terceros, según el cineasta Gibrán Bazán cuando habla de su nuevo filme.
Esta historia llega a fortalecer el cine mexicano, que demuestra su variedad de estilos, directores, talentos e historias que enriquecen a la industria fílmica, a la cultura e identidad del país.
Nudus es un film de terror psicológico, que nos sumerge la superstición, la religión y las creencias populares, agregando capas de complejidad a las narrativas y generando una mayor sensación de inquietud en la audiencia. Pero esta ocasión, la cinta se centra en los avances digitales y el terror tecnológico; ofreciéndonos una ventana hacia el hackeo mundial, en un mundo postapocalíptico en donde no existe la privacidad en internet.
Asimismo, Nudus aborda a nuestro mundo hiperconectado: cibercrimen, espionaje global, falta de privacidad y vulnerabilidad de la información. Se trata de poner bajo el reflector el poder de las redes sociales, que concentran miles de millones de datos de los usuarios, en una sociedad cada vez más vigilada.
Carla Hernández, Alex Crusa y Sayaka Yokoyama, son los protagonistas de la cinta de escrita y dirigida por Gibrán Bazán, además de otros trabajos como "Los rollos perdidos" (2012), "Generación Spielberg" (2014) y "El buquinista" (2018); discípulo de Juan López Moctezuma, colaboró con el cineasta en varios proyectos.
Esta cinta se estrenó primero en Estados Unidos, debido a que el tema llamo la atención, además de reflejar el poder de la Inteligencia Artificial, sobre todo con toda la polémica de la huelga de Hollywood, la intromisión cada vez mayor de las redes sociales en nuestras vidas y el gran hackeo es algo que ya comenzó y que tendrá mayor impacto en unos cinco o siete años.
La premisa de su película es que los datos de miles de millones de personas estarán disponibles y abiertos en la red para consulta libre gracias a la poderosa tecnología de las computadoras cuánticas que serán capaces de vulnerar cualquier contraseña o sistema de seguridad online, dejando expuestas nuestras búsquedas, llamadas, mensajes de WhatsApp, passwords, transacciones y cualquier acción que realicemos en internet, es ya una terrible realidad.
Fotos cortesía de Betsabeé Romero
La artista Betsabeé Romero forma parte de una exposición conjunta de la 60 Bienal de Venecia.
La artista Betsabeé Romero lleva su exposición "La espiral sin fin" a la Galleria Piazza San Marco, como parte de la 60 Biennale di Venezia presentada por el Museo de Arte Latinoamericano (MOLAA) con la Fundación Bevilacqua La Masa y el apoyo de los main partners William S. Y Michelle Ciccarelli Lerach e Itaca Arts, cuyo CEO es Santiago García Galván.
Diversos medios italianos han hablado de la exposición, tanto como de la trayectoria de Betsabé y los hallazgos de "La espiral sin fin". Esta exposición explora las prácticas artísticas de Betsabeé Romero a través de obras de arte encargadas y nuevas instalaciones, que también se presentará en el Museum Of Latin America Art (MOLAA) en 2025, en Long Beach, California, EU.
Según, Santiago García Galván, la exposición que Betsabeé Romero "a través de sus imágenes poderosas y su simbolismo profundo, ha capturado la esencia de la experiencia migratoria, entretejiendo los hilos de la cultura, la identidad y la resiliencia. Su obra sirve como testimonio del espíritu humano, recordándonos nuestra humanidad compartida y la importancia de la empatía y la compasión".
Betsabeé Romero ha dicho sobre esta exposición que ya está montada y lista para su inauguración en la Galleria Piazza San Marco, que la selección tomó muchos meses, es un formato muy complicado para participar, participan muchos proyectos paralelos de todo el mundo, y al final, fuimos uno de los 30 proyectos seleccionados para hacer una exposición paralela.
En esta exposición, que está muy en la línea del tema general de la bienal, pero más específicamente desde lo que significa la imposición de fronteras, de bordes, de líneas casi punzocortantes que hieren la identidad cultural, de género, la identidad personal y comunitaria, cultural e histórica.
Buena parte de esta exposición reflexiona sobre la Cultura como el hogar que llevamos dentro y que sobrevivió a la sombra de todos los poderes; la forma en que se reproducen las fronteras, las polarizaciones han dividido incluso la cama en el paisaje familiar.
Fotos cortesía de Tany Folgoso
Un nuevo museo en la CDMX mostrará la riqueza musical de Los Ángeles Azules.
El Museo Comunitario Ocho Barrios es uno de los museos que se suma a la CDMX y poco a poco llegaremos a ser la ciudad con más museos del mundo, aunque todavía estamos por detrás de Londres. Para inaugurar este recinto, se abrió la exposición dedicada a la música que muestra las tradiciones y manifestaciones culturales de las comunidades originarias de Iztapalapa.
La exposición de este museo está dedicada a la Música y Músicos de Ixtapalapa, en donde podremos conocer la historia de algunas agrupaciones de esta región, siendo una de las más conocidas, Los Ángeles Azules; que han dejado un impresionante legado en muchas generaciones, musicalizando bailes, ceremonias religiosas, conformado orquestas tradicionales o puesto en alto el nombre de Iztapalapa.
Así que uno de los atractivos de esta exposición es justo ver las fotografías, acetatos firmados, trajes y notas de periódicos sobre grupos musicales emblemáticos de la demarcación, y sobre todo de Los Ángeles Azules. Ya que el Museo Comunitario de los Ocho Barrios busca reconocer la importancia de esta gran banda originaria de Iztapalapa.
Esta agrupación, ya reconocida en muchas partes del mundo, comenzó con la familia Mejía Avante a finales de los 70, aunque debutaron oficialmente en 1980 y desde esa fecha han sido "de Iztapalapa para el mundo". Sus primeros instrumentos fueron sacados con ayuda de Mamá Martha, madre y fundadora del grupo musical, quien fue aval y obtuvo un préstamo para que sus hijos tuvieran guitarras, un bajo y una tarola. Incluso tuvieron que vender la camioneta de su papá para comprar bocinas. Cuarenta años después, Los Ángeles Azules llevan la cumbia de Iztapalapa a muchas partes del mundo y a todas las fiestas mexicanas.
Música y Músicos de Ixtapalapa
Dónde: Museo Comunitario de los Ocho Barrios; Ermita Iztapalapa 100, San Pablo, alcaldía Iztapalapa.
Cuándo: martes a domingo de 10:00 a 18:00 horas
Entrada libre
Foto destacada: Ñuu Savi: Pasado, Presente y Futuro
El seku es una variante de la Pelota mixteca que se preserva en Oaxaca.
Es seku es un deporte que se practica en la comunidad de Yucunani, municipio de San Juan Mixtepec, Oaxaca. Yucunani es una pequeña comunidad con apenas 130 personas con un alto índice de migración, ubicada en la montaña de la región de la Mixteca, en el municipio de San Juan Mixtepec, en el estado de Oaxaca.
Es un juego que se ha retomado en los últimos años, con el fin de preservar la cultura y transmitirlo a las nuevas generaciones de jóvenes que se han integrado en los equipos de seku, además de que ya es un juego con apertura a las mujeres que toman la estaca y meten una bola de madera entre dos banderas que simulan una portería, con el fin de obtener puntos.
Este deporte prehispánico de los pueblos de Ñu?u Savi, estuvo a punto de extinguirse a finales de los años 90, pero un grupo de pobladores, en coordinación con profesores de San Juan Mixtepec, comenzaron a promoverlo y a rescatarlo en la comunidad de Yucunani y en otros espacios. Ahora, los vecinos les enseñan a sus hijos a jugarlo, se resisten a la extinción del deporte de sus abuelos.
El seku es el juego de los ancestros. Es por eso que es un deporte básico en donde solo son necesarios dos equipos de cinco personas en cada una; cada persona usa un bastón de madera con la base curvada, una bola de madera de algún árbol. Además, de estacas con antorchas encendidas colocadas sobre la orilla del perímetro donde se desarrolla el juego.
Cada partido dura 20 minutos con descansos de 10 minutos, aunque algunas veces los partidos pueden llegar a durar hasta media hora. Los pobladores explican que la bola con la que se juega está hecha del tallo del colorín, un árbol escaso en la zona, por lo que en ocasiones lo sustituyen por otros árboles de la región.
La antorcha, que todavía se prende en este juego, sirve para definir las líneas que conforman el campo. Además, como es un juego que tradicionalmente se jugaba de noche, el fuego es para guiar a los jugadores y que no se salgan del campo. Es un juego nocturno porque antes no había tiempo para jugar, y todos se dedicaban a trabajar en el campo.
Asimismo, este juego ya forma parte de las actividades del pedimento de la lluvia que realizan cada año los pueblos de la nación Ñu´u Savi. Hoy en día se abren torneos, y se dan premios y otros estímulos para que haya cada vez más participantes en este juego ancestral.
Además, el torneo está programado a la par de la feria anual de Yucunani, así que se invitan pueblos vecinos como Santiago Juxtlahuaca, Yanhuintlán, Nochixtlán, Tamazulápam, a la competencia, para que sea posible observar los encuentros de cerca, incluso se explican las reglas de este juego que preserva la identidad de Oaxaca.
Fotos cortesía de Marina Baysands
Frida Kahlo supera las fronteras y llega al Museo de arte de Singapur.
Dese hace muchos años, la visión creativa de Frida Kahlo dejó ser un impacto en la cultura popular mexicana para formar parte de algo más global; e incluso para llegar a tierras tan lejanas como la República de Singapur, es una pequeña ciudad-Estado y país insular, situado en el corazón del Sudeste asiático.
Hasta dicho país llega la historia de vida de la artista mexicana a través de ‘Frida Forever’, que incluye dos cautivadoras exposiciones de Frida Kahlo y una experiencia de realidad virtual en el ArtScience Museum Singapore.
Y es que la influencia de Frida Kahlo va más allá de su arte y de su simbolismo; porque miles de personas pueden identificarse con sus experiencias personales y reflexiona sobre sus pasiones, luchas y creencias. Sobre todo sus autorretratos ha sido muy elogiados, pues logran romper límites con su descripción cruda y sin complejos de la feminidad, el dolor, la muerte, el cuerpo humano y la identidad.
‘Frida Forever’ también celebra el importante impacto que sigue teniendo, 70 años después de su fallecimiento, no solo en el arte, sino en la moda, la cultura popular, el feminismo y más.
Frida Kahlo: La vida de un icono es la segunda exposición biográfica inmersiva, desarrollada por Layers of Reality y Frida Kahlo Corporation, que se estrenará en el sudeste asiático con proyecciones de 360 ??grados y un espacio creativo que da vida a sus dibujos. Además de recorrer la rica tradición mexicana.
Esta exposición es curada por el ArtScience Museum con el apoyo de Cristina Kahlo Alcalá, sobrina nieta de Frida Kahlo, y muestra archivos íntimos de su relación con su cuerpo, sus dolencias médicas y el profundo impacto que estas luchas tuvieron en su trabajo artístico.
Los visitantes podrán ver cerca de 40 fotografías, páginas de diarios, obras de arte contemporáneas, registros médicos y entrevistas exclusivas con Cristina Kahlo Alcalá. Esta última revelará cómo adquirió estos documentos médicos del American British Cowdry Hospital donde estuvo internada Frida Kahlo.
La cereza del pastel es una experiencia de realidad virtual que se lleva a cabo dentro de la Galería VR del Museo ArtScience, donde los visitantes pueden ingresar a las pinturas de Frida para sumergirse en su estética, la paleta de colores de sus obras y las diversas texturas que utilizó. Las exposiciones y eventos de ‘Frida Forever’ se llevarán a cabo en el ArtScience Museum del 4 de mayo al 1 de septiembre.
Fotos cortesía de Google Arts & Culture
Estos artistas lograron construir un movimiento que le dio identidad a los chicanos.
El arte chicano forma parte de los movimientos culturales desde los años 50 del siglo XX, pero fue 1960 que se da el boom, junto con las protestas de la guerra de Vietnam, el movimiento Black Power a favor de los derechos civiles. De ahí, que la lucha chicana desafió la categorización y los estereotipos divulgados entre la población anglosajona.
Se trató de un movimiento de artistas chicanos, sobre todo del sureste de California, siendo uno los más representativos el Colectivo de Los Four ( Los cuatro) integrado por Beto de la Rocha (California, 1937), Frank Romero (California, 1941), Carlos Almaraz (Ciudad de México, 1941-California, 1989), Gilberto Sánchez Luján (California, 1940-2011)
En 1974 se unió Judithe Hernández (California, 1948) al colectivo, y todos se caracterizaban por ser activistas de origen mexicoamericano, educados en universidades de Estados Unidos, y sobre todo por ser los primeros artistas en romper las barreras que los museos tenían para el arte chicano, cuando en 1974 el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles (LACMA) incluyó una exposición sobre su obra.
También se caracterizan por impulsar el ?muralismo chicano?, expresión que se desarrolló sobre todo a partir de la década de 1970 en los estados fronterizos del suroeste de los Estados Unidos, y que son reconocidos por representar la vanguardia intelectual del movimiento y de forjar una nueva sensibilidad artística chicana.
Los Four lograron construir muchos puentes híbridos entre la cultura mexicana y estadounidense, plasmando la dualidad cultural de ambos países, superando la geografía, y también creando técnicas y formatos que fueron muy característicos de esa época.
Hoy en día, Los Four no representan la visión definitiva del arte chicano; pero en su momento sí fueron los que abrieron paso a la exploración del arte de Los Ángeles, tuvieron la osadía de crear un diálogo con México, resignificar las piezas en un dicho momento histórico y presentar un arte chicano único, una escuela original que no era ni mexicana, pero tampoco ?gringa?.
En efecto, el movimiento de arte chicano representa los miles de intentos de los artistas estadounidenses de origen mexicano para establecer una identidad única. Es un movimiento que trabajó para resistir y desafiar las normas sociales dominantes y los estereotipos de la autonomía cultural y la autodeterminación, en donde los chicanos han utilizado el arte para expresar sus valores culturales, como una forma de protesta con un valor estético fascinante.
De los cinco artistas, quizá el que ha sido más reconocido a lo largo de los años es Frank Romero, de ascendencia española y mexicana. Algunos se lo atribuyen a que hablaba inglés en casa y Romero aprendió a hablar español más adelante en la vida. Pero no hay duda que todos son grandes artistas y que poseen su propia identidad.
