Arte y Cultura
Jardines de la muerte: los cementerios como espacios museísticos de la CDMX
Jaen Madrid
Los cementerios son un notable ejemplo de los innumerables sitios sagrados que se conjugan en nuestra ciudad, al mismo tiempo que metafóricamente se transforman en museos.

Cuando la ciudad aún era el Valle de México existía un equilibrio significativo entre la vida y la muerte; ambas, de alguna manera se entendían como realidades que funcionaban sólo si una podía ser capaz de entender a la otra. Los aztecas solían venerar la muerte natural con rituales funerarios que involucraban la incineración del difunto y con él sus pertenencias más preciadas. Dichas cenizas se enterraban en algún espacio del hogar del fallecido junto a una preciosa ofrenda compuesta de regalos (como hoy en día seguimos haciéndolo cada 1 y 2 de noviembre).

La creencia antiquísima de que el espíritu de un muerto podría regresar a la vida sólo si el cadáver era conservado adecuadamente es parte de una de tantas ceremonias sagradas que surgieron de esa importante mezcla cultural entre Europa y América.

Los sitios destinados al descanso eterno fueron con el tiempo convirtiéndose en increíbles jardines rodeados de arquitectura de todas las épocas; "necropolis" que en epitafios, nos cuentan ciertamente la historia de una cultura sostenida de recuerdos, o quizás sostenida de una memoria colectiva creada a través de millones de personas del pasado que ahora sintonizan un sólo pensamiento dentro de un cementerio.

Quizás, el haber perdido esa conexión que antiguamente teníamos con la muerte, sea la razón por la que hemos dejado de mirar los cementerios como jardines hermosos para ejercer la reflexión de ésta. O incluso como recintos museísticos, de los que se puede aprender tanto de la historia del Arte en nuestra capital como de leyendas y memorias humanas que, paradójicamente, no han muerto, se mantienen como una especie de alma: el alma de una ciudad. Dice el Libro del Samurai (Hagakure) que, si se acostumbra, día a día, a la idea de la muerte, entonces seríamos capaces de morir con toda tranquilidad cuando llegue el momento.

Difícilmente se piensa deliberadamente en qué haremos en el momento de nuestra muerte –o si es que se va a algún lugar-, aisladamente a nuestros pensamientos vitales cotidianos. Tal vez la forma más idónea de recordar la muerte como un proceso de transmigración natural (dirían en épocas prehispánicas, al inframundo), sea visitando estos santuarios ilusorios. La ciudad de México aguarda algunos de los más preciados del país, tanto por las personalidades ilustres que en ellos descansan como por la diversidad de diseños artísticos extraordinarios. Algunos de ellos:

Panteón Civil de Dolores

panteon-civil-de-dolores

Este espacio fúnebre es un monolito cultural, ya que alberga los restos de personajes ilustres mexicanos y con ello una variedad de diseños arquitectónicos de muchas épocas; construcciones de granito, de mármol y algunas edificaciones de acero modernas  y esculturas conjugan ornamentos estilo neoclásico, neogótico, ecléctico, art déco y por supuesto prehispánico.

Es el panteón más grande de la ciudad y también de Latinoamérica. Su fundación data a 1874, creado por una empresa funeraria que más tarde vendería el terreno al ayuntamiento de la localidad, logrando en este punto absorber varios de los cementerios aledaños y con ello, abrirse al público en general en 1882.

La Rotonda de las Personas Ilustres, es como se hace llamar la fracción del terreno donde encontramos las tumbas de David Alfaro Siqueiros, Diego Rivera, Jaime Nunó, Francisco González Bocanegra, Agustin Lara, Juan O?Gorman, Francisco Montes de Oca entre otras personalidades artísticas, políticas y hasta científicas. Es probablemente el más bello ejemplo de Arte funerario mexicano (física y metafísicamente) y un santuario que ha enterrado las mentes más invaluables de la historia de México.

Dirección: Bosque de Chapultepec II, 11100, Ciudad de México

Museo Panteón de San Fernando 

Debido a la gran epidemia de cólera en la ciudad que apareció en 1833, y al incalculable número de cadáveres -especialmente niños-, que no contaban con un espacio mortuorio, este cementerio dejo de ser un lugar exclusivo para frailes fernandinos y comenzó sus servicios como panteón público. Poco tiempo pasó para que familias acomodadas comenzarán a elegir al San Fernando como el sitio ideal para su sepultura, ya que era el único que contaba con grandes pilares que construían templos para las tumbas con un estilo romántico, entonces bastante innovador; un sitio perfecto pues ademas de lucir pequeño y discreto se trataba de un cementerio que "sepultaba" algunos muertos en las paredes, como tradicionalmente se hacia en los muros y suelos de las iglesias.

Este alucinante lugar cerró sus puertas como cementerio en 1871, y hoy en día funge como museo histórico ya que aquí se encuentran los cadáveres de Melchor Ocampo, Miguel Lerdo de Tejada, Ignacio Comonfort, Ignacio Zaragoza y quizás, la tumba más emblemática, que posee una preciosa escultura de mármol dentro de un templo de pilares estilo romano: la cripta de Benito Juárez.

Dirección: Plaza de San Fernando 17, Cuauhtémoc, col. Guerrero, Ciudad de México, Cd. de México.

Panteón Jardín 

panteon jardin

Este bello mausoleo aguarda el origen cinematográfico de la ciudad, pues a lo largo de sus pasillos laberínticos encontramos las criptas de personalidades de la época de oro del cine mexicano.

Fue fundado en 1941 y cinco años más tarde se destinó el primer "lote de actores", que sería el espacio para los cuerpos de la Asociación Nacional de Actores. Un par de años más tarde sería insuficiente y se abriría el segundo, éste ornamentado con una gran cruz de mármol y bardeado para la protección de sus hermosas lápidas.

En el cementerio descansan actores y cantantes mexicanos (que en aquellas épocas eran prácticamente lo mismo), algunos de los más notables: Jorge Negrete, Pedro Infante, Pedro Armendáriz, Germán Valdez alias Tin-Tan y Fernando Soto alias Mantequilla. Su ubicación en el Desierto de los Leones -una de las zonas ecológicas más místicas de la ciudad-, lo convierte realmente en un hermoso jardín de la muerte, pues se encuentra ensimismado en su flora endémica que reluce con especial brillo; quizás, un resplandor de distinguida vanidad y estética.

Dirección: Desierto de Los Leones, Km 14.5, San Ángel Inn, Cd. de México

Panteón francés de la piedad

Heureux qui mort dans le seigneur (dichoso aquel que muere en el Señor), es la elegante frase que nos invita a cruzar su paraje sombrío principal. Este lugar era el destino mortuorio de extranjeros, en su mayoría franceses desde sus inicios, en 1859, y no fue sino hasta 1873 que se permitió la exhumación de mexicanos al recinto (en su mayoría de clases acomodadas pertenecientes a la época del porfiriato). También es un cementerio célebre y cuenta con la presencia de los cuerpos de personajes ilustres destacando notoriamente la figura de políticos.

A pesar de que no se considera como tal un museo, el panteón francés cuenta con extraordinarios obras arquitectónicas que entremezclan los estilos más prominentes de todos los tiempos: romántico, neoclásico, art noveau y el neogótico, que destaca exclusivamente en su capilla católica y algunas hermosas criptas que se encuentran dentro de pequeños santuarios lúgubres que nos dejan entrever fugazmente un umbral hacía la Francia medieval.

Dirección: Eje 1 Pte. Av. Cuauhtémoc, Cuauhtemoc, col. Buenos Aires, Cd. de México.

Panteón Español 

panteon-espanol-panoramio

De la mano al Panteón Frances, El Panteón Español es también un laberinto museístico de arquitectura gótica. Inaugurado por la esposa de Porfirio Diaz, Carmen Romero Rubio, en este lugar se pueden admirar desde esculturas celestes en finísimas piezas de mármol hasta santuarios de cúpulas preciosas, arcos ojival o lobulado y grandes alzados de hasta cuatro metros de largo. Las imágenes de apóstoles, arcángeles, vírgenes y demás concepciones teológicas inmortalizadas en esculturas de gran tamaño, se pueden encontrar tanto en las tumbas como a la mitad de los caminos, adornando las pequeñas jardineras que transforman a este cementerio en un hermoso jardín ideal inclusive para la reflexión.

Dirección: Nueva Argentina (Argentina Poniente), Miguel Hidalgo, Cd. de México

Parafraseando a Picasso: una oda a uno de los grandes pintores del siglo XX
MXCity
Parafraseando a Picasso es una exposición que rinde homenaje a uno de los grandes maestros del siglo XX.

Fotos cortesía de Colegio de San Ildefonso

Parafraseando a Picasso es una exposición que reúne la obra de 52 artistas homenajeando al maestro.  

 

Parafraseando a Picasso es un experimento artístico que surgió del ejercicio de varios artistas mexicanos y extranjeros que reflexionan sobre el legado del gran artista Pablo Picasso, quien el año pasado cumplió 50 años de fallecido.

Esta exposición la podrás ver en la sala 17 del Colegio de San Ildefonso, en un homenaje que hicieron 52 artistas a la obra del artista español, que consiste en pinturas, esculturas y fotografías, todas hechas especialmente para la muestra.

Los curadores de la exposición son el fotógrafo Rogelio Cuéllar y la editora María Luisa Passarge, quienes aclaran que se trata de un homenaje al legado artístico de Picasso; al margen de las discusiones  que podrían aparecer sobre la supuesta “misoginia de Picasso”, así como de ni sus “actos de maltrato hacia las mujeres”. Se espera que esta exposición pueda abrir un diálogo ante el dilema de si es posible separar el arte del artista.

"En el escenario de la memoria colectiva, su producción artística no puede ser relegada a la periferia de este debate, pues su influencia y trascendencia han reverberado a lo largo de las generaciones", escribieron los curadores para el texto de sala. "Pienso que no se puede calificar y evaluar con criterios de ahorita algo que se hizo hace 50, 100 o 200 años", recalca María Luisa Passarge durante el recorrido de prensa.

Para hacer esta exposición, se les pidió a los artistas que trabajaran en un formato de 50 por 50 centímetros, en caso de ser bidimensional, y en uno de 40 por 40, tridimensional; pero algunos fueron más audaces al rendir tributo a la sinfonía visual que Picasso concibió, cuyos acordes han resonado en la historia e incitado una exploración sensorial y emotiva.

Algunos de los participantes en la muestra son Per Anderson, Jordi Boldó, Arturo Buitrón, Lorena Camarena, Miguel Casco, Héctor de Anda, Claudia Doring Baez, Laura Echevarría, José Antonio Farrera, Demián Flores, René Freire, Claudia Gallegos, Vanessa García Lembo, Javier Guadarrama, Manuela Generali, Jazzamoart, Arturo Lazcano, Antonio Luquín, Adán Paredes, Néstor Quiñones, Paloma Torres y Gustavo Monroy.

Picasso tejió un tapiz de significados que refleja no su perspicacia como artista, y también la evolución de la sociedad y la cultura en su época. Es un  montaje nos recuerda que el arte constituye un lenguaje universal que conecta a las personas a través de las generaciones y las culturas.

Al respecto, María Luisa Passarge puntualizó: "Picasso es sinónimo de creatividad. Es uno de esos genios que siempre usó el tiempo para realizar lo que más quería: pintar. Pintaba cuando comía, cuando iba al baño e incluso en sus momentos de ocio. Más allá de apreciar sus obras, me emocionó mucho descubrir su proceso de creación.

Parafraseando a Picasso

Dónde: Colegio de San Ildefonso; Justo Sierra 16, colonia Centro Histórico

Cuándo: hasta 30 de junio de martes a domingo de 11 a 17:30 horas

Cuánto: $50 

Estudiantes y maestros con credencial vigente $25; niños menores de 12 años, adultos mayores con credencial Inapam entran gratis.

 

Museo Casa del Risco celebra 60 años con obras de Carrigton, Beloff y O’Higgins
MXCity
El Risco exhibirá 63 obras de la Colección Muñoz-Kuri, además de un ciclo de conferencias magistrales y visitas guiadas y talleres.

Foto destacada:

El Museo Casa del Risco celebra su 60 aniversario con la exhibición de su gran colección privada.

 

El Museo Casa del Risco se encuentra en una imponente casona del siglo XVIII, en el barrio de San Ángel de la CDMX, y es uno de los destinos que albergar una gran colección e identidad, que durante estos años, se ha ocupado de preservar los valores artísticos y estéticos de los compradores mexicanos.

Para celebrar sus primeros 60 años, “El Risco” expondrá la colección del doctor Luis Muñoz Castellanos y a la doctora Magda Kuri Nivón; que desde 1964 tienen un acervo fascinante. Además, es una obra que presenta la selección curada por el arquitecto, docente en historia y teoría del arte Jorge Reynoso Pohlenz, titulada "Visitas a la Suave Patria.

Esta colección de arte moderno mexicano pertenece a la Colección Muñoz-Kuri, integrada por 64 piezas realizadas entre 1932 y 2000, entre las que destacan numerosos paisajes, bodegones y retratos de los dueños del acervo y sus hijos, en el conjunto sobresalen óleos de Arturo Estrada, Olga Costa, José Chávez Morado, Rina Lazo, Pablo O?Higgins y Jesús Guerrero Galván.

Entre la obra en papel se encuentra una  xilografía de Leopoldo Méndez de 1932, dos estampas, una acuarela de Angelina Beloff, grabados de Leonora Carrington, una litografía de Guerrero Galván y paisajes de Erasto Cortés.

Otra de las cosas que destaca de esta exposición, son las obras de artistas poco conocidos como Luis Muñoz, Olga Méndez, Aurelio Pescina y Rosa Castillo. Artistas olvidados por la historiografía del arte mexicano, pero que sin duda darán inicio a la reflexión en esta exposición.

Además de esta exposición, se llevarán a cabo actividades complementarias relacionadas con: la pintura y la poesía, la preservación de patrimonio, la importancia del coleccionismo, el arte moderno mexicano, y también sobre la relación del arte y las visiones de lo nacional, entre otros temas.

Asimismo, habrá charlas, conferencias magistrales y visitas guiadas y talleres y, por supuesto, las 63 obras de la Colección Muñoz-Kuri de 26 artistas activos en nuestro país durante la primera mitad del siglo XX, cuyo trabajo fue fundamental para la consolidación del repertorio visual del México postrevolucionario.

Suave Patria

Dónde: Museo Casa del Risco; Plaza de San Jacinto No. 5 y 15 San Ángel Alcaldía Álvaro Obregón.

Cuándo: hasta noviembre de 2024, de martes a domingo de 10:00 a 17:00 h.

Entrada libre

 

Tlanchana: la leyenda sobre la vengativa dueña de las aguas
MXCity
La Tlanchana es la leyenda otomí, de una mujer enigmática que sigue presente hasta nuestros días en muchas representaciones artísticas.

Foto destacada: @iuem_oficial

La leyenda de la Tlancha tiene su origen en un hermoso relato otomí del Estado de México. 

 

La “hechicera de la laguna”, madre de los peces, Atl tonan Chane, Atlanchane o Tlanchana; tiene su origen en una antigua leyenda de la cultura otomí, que ha formado parte de la cultura del Estado de México, particularmente de Metepec, desde hace muchos años. La Tlanchana es una criatura mitológica cuyo nombre proviene del náhuatl “tlalli”, que significa tierra, y “chana”, que se traduce como mujer.

Toluca la Bella

De acuerdo con las historias que se cuentan de la Tlanchana, se dice que era una mujer que habitaba los ríos y canales, por lo que la Comisión Nacional del Agua (Conagua), afirma, en su blog, que la Tlanchana data de hace más de 11 mil años en lo que antes fue era una zona lacustre llena de pantanos y nueve lagunas que estaban custodiadas por comunidades matlatzincas, cerca de Xinantécatl (Nevado de Toluca) y Chignahuapan (Río Lerma).

Cuenta la leyenda que esta deidad tenía en control de toda la región con su belleza, que deslumbraba a cualquiera. A pesar de que su rostro, torso y brazos eran de un ser humano, en vez de piernas tenía una cola de serpiente. Se dice que los lugareños que la veían, escondidos detrás de los árboles de tule que había en la laguna, veían la hermosura de esta mujer que estaba desnuda y llevaba consigo una corona y varios collares, así como un cinturón adornado con peces, acociles y ajolotes.

Toluca la Bella

Pero la Tlanchana era voluble, posesiva y vengativa. Cuando estaba de buen humor presumía su cola de serpiente negra y esto era algo que esperaban los pescadores, pues al mover su cola se auguraba que tendrían abundancia de peces en sus redes. Pero en otras ocasiones, la reina convertía su cola en un par de piernas y salía del agua para buscar a aquel hombre que la había visto, con el fin de llevarlo a la mitad del lago donde los ahogaba.

A medida que las lagunas se secaron, que se terminó el trabajo de pesca, y sus apariciones poco a poco fueron menos constantes. Pero la leyenda de la Tlanchana ha trascendido el paso del tiempo y hoy en día, continúa siendo parte integral de la identidad de Metepec. Además, esta sirena ha inspirado la creación de varios museos y exposiciones culturales en Metepec.

Quadratin

Es por eso, que al día de hoy, los maestros artesanos que se han dedicado a la alfarería, son reconocidos dentro y fuera de la entidad por sus creaciones, las cuales ayudan a mantener vivas las tradiciones culturales a través de símbolos artesanales. La Tlanchana, al igual que el Árbol de la vida, es una pieza de barro que representa la zona lacustre, su forma es mitad pez, con largas trenzas, tez hermosa y coronada con flores.

 

Así es la intervención artística de Quetzalcóatl en Madrid
MXCity
Un imponente Quetzalcóatl llegó a Madrid para inaugurar la primavera, acompañado de una intervención efímera de flores.

Fotos cortesía de Fundación Casa de México

Dos instalaciones de artistas mexicanos se encuentran en este recinto en Madrid.

 

Una hermosa intervención de 42 metros de largo que rinde homenaje a Quetzalcóatl, además de una instalación de luminarias inspiradas en las frutas mexicanas dan la bienvenida a la primavera. Estas instalaciones se encuentran en la Fundación Casa de México, en la ciudad de Madrid, España.

Se trata de una intervención efímera con flores y plantas naturales que ocupa la fachada del edificio y que esta vez lleva por nombre Quetzalcóatl, la serpiente emplumada. La pieza esta conformada por 113 "plumas" y es fascinante.

Este trabajo fue hecho por Ricardo Salas, un diseñador mexicano que ve este proyecto como un puente entre naciones y culturas. Su diseño, en el que participaron más de 120 personas en su realización, presenta una variedad de flora de todo el mundo, incluidos México, España, Costa Rica, Italia y los Países Bajos, cada uno de los cuales contribuye al vibrante tapiz que forma el cuerpo de la serpiente.

Quetzalcóatl es considerado como “la Serpiente Emplumada”; una deidad que representa la dualidad inherente a la condición humana, además de ser el título de los sacerdotes supremos de la religión tolteca; debido a que la cosmogonía tolteca consideraban que todo el universo tiene una naturaleza dual  y que cada ser supremo tiene una doble condición.

Así que Quetzalcóatl, por una arte, crea el mundo y por el otro lo destruye. Esta deidad tiene una función destructora que recibe el nombre de Tezcatlipoca; el que sabía todos los pensamientos y estaba en todo lugar y conocía los corazones; por eso le llamaban moyocoyani, que quiere decir que “el que se inventa a sí mismo”.

Paralelamente a la “grandeza de Quetzalcóatl” dentro de la Fundación Casa de México, se encuentra otra instalación captura la imaginación: "Kauani: al sol de los frutos". Este proyecto, una colaboración entre la diseñadora textil mexicana Inés Quezada y la diseñadora de productos madrileña Inés Llasera, se centra en la belleza luminiscente de las frutas mexicanas. A través del uso innovador de textiles y luz, crean una experiencia inmersiva que trasciende lo meramente visual.

Las autoras de la instalación, señalaron que su propósito era indagar en las historias compartidas entre México y España en torno a los frutos y alimentos comunes y sus diferentes guiños y juegos de palabras. Este proyecto surgió durante la pandemia de covid-19, en donde las artistas crearon piezas en tejido de punto con el objetivo de sacar la luz de los propios frutos, reinterpretarlos y mostrar la cultura desde distintos hilos, formas, colores, texturas y materiales.

Con estas dos presentaciones, la Fundación Casa de México celebra la llegada de la primavera y desarrolla un programa de actividades para toda la familia que refuerza los vínculos entre España y México.

Palmas tejidas: herencia del Estado de México para el Domingo de Ramos
MXCity
Las Palmas tejidas son artesanías que se preservan hasta el día de hoy, gracias a las manos otomís del pequeño poblado de San Cristóbal Huichochitlán.

Foto destacada: Ayuntamiento de Toluca

El consumo de las palmas tejidas preservará una artesanía otomí del Edomex.

 

Cada año, miles de pobladores de la comunidad de San Cristóbal Huichochitlán, comienzan la producción de cruces y figuras de palma para vender, sobre todo, en la Ciudad de México, un ritual específico para el Domingo de Ramos.

Esta tradición artesanal es una herencia de las mujeres otomíes de San Cristóbal Huichochitlán; en los valles de Toluca, junto a los Mazahuas y Matlatzincas. Los otomís es un pueblo que ha heredado tradiciones y costumbres, así como fiestas religiosas, populares y artesanías, siendo el tejido de palma uno de ellos.

 Tejer es una de las actividades más representativas de la región, incluso hasta el día de hoy. En esta comunidad, hay muchas familias que conservar la tradición, a pesar de que en los últimos años, poco a poco se ha ido extinguiendo en poblados como Zinacantepec y San Cristóbal. De hecho, hace algunos años, San Cristóbal tejía sombrero y algunos tipos de bolsas, pero ya solo quedan algunos tejedores de estas artesanías, y buena parte del mercado solo se dedica ya a las palmas en épocas de Semana Santa. 

El alza de precio en la materia prima del tejido, también ha provocado una disminución de tejedores y un incremento en el costo de los productos. Sobre todo teniendo en cuenta que es un artículo que se vende particularmente el Domingo de ramos, la fecha más alta en cuanto a ventas para quienes se dedican a la venta de palmas.

Otra de las manifestaciones que ha provocado una disminución en la producción de tejido de palma, es que muchas familias dedicadas a esta expresión, han decidido migrar a otros Estados en busca de un trabajo con mejores ingresos. Las piezas, que van de los tres a los 20 centímetros, son de palma, material que compran en 200 pesos y sirve para la elaboración de hasta 15 o 20 docenas, dependiendo del tamaño.

Asimismo, en un poblado donde la mayor parte de la gente es pobre y pocos de los adultos hablan español de manera fluida, casi todos se comunican en el idioma otomí; suele hacer un poco más complicado generar un intercambio comercial más amplio, sin mencionar que muchas personas regatean el precio de las figuras.

Daniel Camacho/ El Sol de México

El Domingo de Ramos, finalmente, es una celebración religiosa en la que la mayoría de las confesiones del cristianismo conmemora la entrada de Jesucristo en Jerusalén, dando inicio a la Semana Santa. Es una fiesta cristiana movible que cae el domingo antes de Pascua, es decir, el sexto domingo de Cuaresma.?

La fiesta conmemora la Entrada triunfal en Jerusalén, un evento mencionado en cada uno de los cuatro evangelios canónicos. El Domingo de Ramos marca el primer día de la Semana Santa y en la mayoría de las iglesias litúrgicas, el Domingo de Ramos se celebra con la bendición y distribución de ramas de palma o las ramas de otros árboles nativos, que representan las ramas de palma que la multitud esparció frente a Cristo mientras él entraba en Jerusalén.

Daniel Camacho/ El Sol de México

Códices de San Andrés Tetepilco: importancia del legado patrimonio de la CDMX
MXCity
Los Códices de San Andrés Tetepilco se compone de tres documentos pictográficos que se integran a la Colección de Códices Mexicanos, patrimonio del país.

Foto destacada: EFE/Sáshenka Gutiérrez

Los Códices de San Andrés Tetepilco forman parte de la historia de la fundación de México Tenochtitlan.

 

Estos tres documentos pictográficos denominados como los Códices de San Andrés Tetepilco, tienen una autenticidad comprobada que los liga al periodo de transición entre los siglos XVI y XVII; siendo uno el que más se destaca, ya que puede considerarse continuación de la Tira de la Peregrinación o Códice Boturini, han sido recuperados por el pueblo mexicano, para su resguardo.

Esto fue informado en una conferencia de prensa, realizada en el Museo Nacional de Antropología, donde se dieron a conocer los detalles de la adquisición de estos bienes patrimoniales, los cuales se incorporan a la Colección de Códices Mexicanos de la Biblioteca Nacional de Antropología e Historia (BNAH).

Esta adquisición fue calificada como un hito comparable con la autenticación como prehispánico, del Códice Maya de México (antes Grolier), hace seis años. En este caso, son códices que preservan la tradición escritural mesoamericana y refieren a la fundación de San Andrés Tetepilco, así como su ingreso a un nuevo orden sociopolítico, en las primeras décadas del virreinato.

Estos tres documentos se suman a los 200 códices mesoamericanos, de los aproximadamente 550 que se reconocen en el mundo, bajo custodia de la BNAH, y que desde 1997 son parte de la Memoria del Mundo, por la Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura.

Esto ha sido posible gracias a diversos patrocinadores y empresas comprometidas con la conservación y preservación del patrimonio cultural mexicano, cuya voluntad permitió reunir 9.5 millones de pesos para obtener este corpus documental, que permaneció por generaciones en manos de una familia, la cual pidió guardar el anonimato.

Gracias a este traslado de dominio, ahora el pueblo de México detenta los Códices de San Andrés Tetepilco que, de acuerdo con investigadores del INAH, se inscriben en los llamados códices mixtos, por contener pinturas de tradición indígena y textos en náhuatl o español, escritos con el alfabeto europeo.

 

Importancia de San Andrés Tetepilco

San Andrés Tetepilco está situado en el sureste de la Ciudad de México, dentro de la mancha urbana de la alcaldía Iztapalapa, en los periodos a los que hacen referencia los tres documentos, estuvo bajo la jurisdicción de Iztacalco. Se trata del Mapa de la fundación de Tetepilco, el Inventario de la iglesia de San Andrés Tetepilco y la Tira de Tetepilco.

Yuri Cortez/AFP

Académicos de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), recordaron que hace 15 años, a invitación del entonces cronista de Azcapotzalco, acudieron a un domicilio particular en la alcaldía Coyoacán y vieron por vez primera las pictografías, mediante un monitor. Fue hasta hace dos años que autoridades de la BNAH pudieron verlos de forma directa y gestionar un estudio para confirmar su autenticidad, lo que ha implicado el análisis de su composición, por parte de los expertos del Instituto de Física de la UNAM y de la Coordinación Nacional de Conservación del Patrimonio Cultural del INAH.

La Tira de Tetepilco está compuesta por 20 láminas plisadas en biombo, narra la historia de Tenochtitlan por medio de cuatro temas: la fundación de la ciudad, en 1300 (lo que implica un desfase de 25 años); el registro de los señores que la gobernaron en tiempos prehispánicos; la llegada de los españoles, en 1519, y el periodo virreinal, hasta 1611.

Por lo que toca al Mapa de la fundación de Tetepilco, investigadores de la UNAM explicaron que contiene información histórico-geográfica, incluidos registros, coincidentes con ubicaciones reales, de los topónimos de Culhuacan, Tetepilco, Tepanohuayan, Cohuatlinchan, Xaltocan y Azcapotzalco.

 

Textiles de Contla llegan a la feria de arte popular más grande del mundo
MXCity
Ignacio Netzahualcoyotl es un artesano tlaxcalteca que pondrá el nombre de México en alto, con sus hermosos textiles.

Fotos cortesía de Ignacio Netzahualcoyotl

Los textiles de Contla, Tlaxcala, llegarán a una de las ferias de arte popular más grandes de todo el mundo.

 

El International Folk Art Market (IFAM) es la feria más grande e importante de arte popular a nivel mundial. Se ha llevado a cabo desde hace 15 años en Santa Fe, Nuevo México, en Estados Unidos, y su importancia radica en el impacto social y económico que tiene en la vida de los artesanos que participan en dicha feria, ya que las ganancias del evento se destinan directamente a ellos.

En esta feria, participan artistas enfocados en múltiples ramas artesanales como barro, fibras naturales, cestería, joyería, juguetería, marquetería, trabajo en vidrio, cerería y plumaria. Este 2024 se exhibirán casi 500 piezas en la IFAM y entre esas piezas, destacan algunos textiles de Contla de Juan Cuamatzi, de Tlaxcala.

Estas piezas de Contla, estarán participando con artesanos de los cinco continentes, de países como Etiopía, Indonesia, Kirguistán, Malasia, Namibia, Ucrania, Tanzania, entre otras decenas más; de tal manera que reunirá una extensa gama de exóticas artesanías de las más variadas formas, colores y materiales.

Dichas piezas pertenecen a artesanos dedicados a hacer sarapes inspirados en los diseños del siglo XVIII, que desde hace más de dos décadas se ha dedicado a crear Ignacio Netzahualcoyotl, heredero de la tradición del Taller Netzahualcoyotl.

Según el sitio web de la IFAM, Ignacio Netzahualcoyotl es un dedicado artesano textil indígena nahua, que comenzó a tejer desde muy joven, aprendiendo el oficio en el taller textil construido por su familia. Ignacio se dedica a preservar las técnicas tradicionales de teñido y tejido exclusivas de los pueblos indígenas de Tlaxcala; además de ser un maestro artesano que se ha convertido en profesor textil, transmitiendo sus habilidades a una comunidad de tejedores y asegurando la continuación de esta profunda tradición durante generaciones.

La pasión de Ignacio por los textiles de Contla, profundiza en la interconectividad del patrimonio, la identidad y la forma de vida en constante evolución en la región. Enfatiza la necesidad de que los pueblos indígenas resistan y defiendan sus costumbres, contribuyendo al tapiz multicultural de México.

Asimismo, las tradiciones textiles de Tlaxcala conservan elementos de la cultura, y hoy en día incorporan la iconografía de flora y fauna local. Este artesano se ha distinguido rescatar diseños que fueron populares entre los siglos XVIII y XIX, que se caracterizan por su iconografía en la que destacan las figuras típicas de la época como la de diamante, conchitas y medallones de líneas curvas.

Además, en su proceso de elaboración se incluye el telar de pedales que, en el caso del Taller Netzahualcóyotl, son herramientas con una antigüedad de un siglo que aún funcionan a la perfección. ¡Enhorabuena para este gran artista mexicano que pone el nombre de México en alto!

 

Ads Blocker Image Powered by Code Help Pro

Ads Blocker Detectado!!!

Hemos detectado que está utilizando extensiones para bloquear anuncios. Ayúdenos deshabilitando estas extensiones o software de Adblock.

Powered By
100% Free SEO Tools - Tool Kits PRO
x