Arte y Cultura
La muerte, distintos rituales alrededor del mundo de un encuentro inevitable
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Carnaval de muertos enMéxico, ataúdes vistosos en Ghana y rituales funerarios diferentes y escabrosos... así se enfrenta una parte del mundo a la muerte.

La muerte alrededor del mundo.

 

Como todos sabemos, el 01 y 02 de noviembre celebramos el Día de los Muertos en México. Esto, más que ser un día de luto, es un momento de festejo, comida, risas y alegría. También se construyen ofrendas y/o altares dentro y fuera de las casas para la familia fallecida, y se decoran tumbas para las ánimas que regresando a visitar y probar sus cosas favoritas.

La muerte nos marca. Hay tantas maneras de tratar de comprender y relatarnos este suceso inevitable, que en todo el mundo, todas las culturas crean diferentes rituales para intentar comprender lo que pasa. Además de la muerte como tal, lo que lo que experimentamos universalmente, es el dolor y la perdida. Aquí te dejamos algunos rituales y costumbres de otros países, para ver cómo es que experimentamos la muerte del otro, porque la muerte propia es algo que no podremos conocer jamás.

 

Ghana

 

 

En Ghana se elaboran ataúdes que ilustran los intereses, profesión y/o el estatus de los difuntos, además de ser el camino a la próxima vida con mucho estilo. Un ataúd puede tomar la forma de un avión, o un Porsche, o una botella de Coca Cola, un animal o incluso, de dudoso sabor, un paquete de cigarrillo gigante. Los fabricantes de ataúdes son muy buscados y son considerados artistas. Los funerales a menudo cuestan más que las bodas, y se anuncian en enormes carteles para que nadie en la comunidad se pierda.

 

China

 

 

El blanco es el color del luto en China; los rituales funerarios varían según la edad y el estado del fallecido, donde se incluye la contratación de dolientes profesionales, en la creencia de que los jóvenes en China ya no saben cómo mostrar la emoción de manera apropiada. Estos dolientes aprenden datos sobre el fallecido y luego comienzan el proceso de expresar el dolor en el funeral, sollozando y lamentándose, abriendo las puertas a cualquier doliente familiar que se sienta avergonzado por las demostraciones públicas de emoción.

 

Japón

 

 

En el país vecino la muerte es vista como liberación y aceptación. La gente trae dinero de condolencia en sobres blancos con cinta blanca y negra. Los cuerpos se incineran, pero las cenizas se separan de los huesos, estos restos a veces se dividen entre el templo, la familia e incluso el empleador de los difuntos. Los muertos son recordados durante unas vacaciones de tres días en agosto, Obon, cuando se cree que los espíritus de los antepasados ??regresan a la casa de la familia, se limpian las tumbas y se encienden los incendios

 

India

 

 

En la fe hindú es preferible morir en casa y rodeado de la familia. Se cree que el alma continúa, de acuerdo con el karma de uno. Los cuerpos se incineran después de 24 horas para liberar el alma. Los dolientes se visten de blanco y la gente no lleva comida al velatorio, sino a una ceremonia que se realiza 13 días después de la cremación, en la que el alma se libera y el período de duelo se considera terminado. Las cenizas se dispersan sobre el agua, el lugar más deseable es el sagrado Ganges y muchas familias hindúes que viven fuera de la India harán la peregrinación para hacer esto.

 

India musulmana

 

 

Los hindúes de religión musulmana entierran a sus muertos en lugar de incinerarlos, con la creencia de que habrá una resurrección física en el Día del Juicio. Los muertos están enterrados frente a La Meca y las tumbas levantadas sobre el suelo, o marcadas con piedras, por lo que nadie camina sobre ellas. Debido a que la muerte de un musulmán se considera una pérdida para la comunidad musulmana en general, es frecuente que las personas que ni siquiera conocieron a los fallecidos asistan a los funerales. Se espera el llanto en los entierros, pero una pérdida de control, lamentos y chillidos, se considera inapropiado.

 

 

EU, Nueva Orleans

 

 

El funeral de jazz de Nueva Orleans, es una procesión funeraria bulliciosa, teñida de jazz. Esta procesión festejo, fusiona las tradiciones de África occidental, francesa y afroamericana, logrando un equilibrio único entre la alegría y el dolor, ya que los dolientes son liderados por una banda de música. La banda toca penas tristes al principio, pero una vez que el cuerpo está enterrado, cambian a una nota optimista.

 

Corea del Sur

 

 

Las cuentas de entierro de Corea del Sur, se llevan a cabo por una ley del año 2000 que exige que cualquier persona que entierre a un ser querido extraiga la tumba después de 60 años, debido a la disminución del espacio de los cementerios. De ahí que la cremación se haya vuelto popular y  varias compañías comprimen restos en cuentas de color turquesa, rosa o negro, que sirven como adornos familiares en el hogar.

 

Filipinas

 

 

Muchos grupos étnicos en las Filipinas tienen prácticas funerarias únicas. Los Benguet del noroeste de Filipinas vendan los ojos a sus muertos y los colocan junto a la entrada principal de la casa; sus vecinos visten sus mejores ropas, los sientan en una silla y colocan un cigarrillo encendido en sus labios. Cerca de Manila entierran a sus muertos en un tronco de árbol ahuecado; y cuando alguien se enferma, seleccionan el árbol donde eventualmente serán enterrados. Los apayo, que viven en el norte, entierran a sus muertos debajo de la cocina.

 

Mongolia y Tibet

 

 

Los budistas vajrayana de Mongolia y el Tíbet creen en la transmigración de los espíritus después de la muerte: que el alma avanza, mientras que el cuerpo se convierte en un recipiente vacío. Para devolverlo a la tierra, el cuerpo se corta en pedazos y se coloca en la cima de una montaña, lo que lo expone a los elementos, incluidos los buitres. Es una práctica que se ha realizado durante miles de años y, según un informe reciente, alrededor del 80% de los tibetanos todavía lo eligen

 

Australia

 

 

En los ritos mortuorios aborígenes en el territorio del norte de Australia, se lleva a cabo una ceremonia de fumar en la sala de estar del ser querido para ahuyentar su espíritu. Se celebra una fiesta, con dolientes pintados de ocre mientras participan en la comida y el baile. El cuerpo se coloca sobre una plataforma y se cubre con hojas, ya que se deja descomponer. Se ha informado que en algunas tradiciones, los fluidos de la plataforma pueden ayudar a identificar al asesino del difunto.

Exhibe Munal la extraordinaria transformación de la Ciudad de México
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Estas fotografías, estampas y documentos hemerográficos, conforman la colección que muestra la transformación de la CDMX en el Munal.

Foto cortesía Munal

Esta muestra aborda los cambios arquitectónicos, urbanos y sociales de la CDMX en el siglo XX.

 

El Museo Nacional de Arte (Munal) es uno de los recintos de la CDMX, que resguarda, exhibe y difunde muchos óleos, acuarelas y dibujos, siendo el paisajista mexicano José María Velasco (1840-1912) una de sus colecciones más apreciadas. De hecho, es la más grande que se conoce sobre el artista, reconocido por su apropiación visual del paisaje nacional y por la interpretación sugestiva del naturalismo científico.

Esa muestra es permanente en este museo, así que siempre podrás visitarla. Lo que más se destaca de Velasco, como de toda la constelación de artistas que orbitan en las múltiples dimensiones estilísticas sobre México, es que nos muestran los cambios que ha tenido el país a lo largo de los años.

A esta colección de Velasco, se suma otra muestra permanente, llamada Ciudad de contrastes. Fotografía y gráfica; que será exhibida por primera vez e integra a las salas del primer piso del museo. La exposición ya se puede conocer por el público, que podrá dimensionar la evolución de la gran urbe mexicana, a través de la mirada y sensibilidad de grandes artistas nacionales y extranjeros.

La Ciudad de México se acompaña de un recorrido por los procesos de transformación, que la construyen y (re) significan en la vida cotidiana de sus habitantes.

Con la selección curatorial de David Caliz y Ramón Avendaño, y la investigación de Claudia Coronado García, la sala integra 38 piezas, entre fotografías, estampas y documentos hemerográficos. Resalta la presencia en paridad de artistas hombres y mujeres, quienes, a través de sus obras, buscan dar expresión al complejo fenómeno de la modernidad, sus tensiones y contradicciones.

Ciudad de contrastes aborda desde la temprana albúmina de Alfred Briquet hasta la Anarquía arquitectónica de la Ciudad de México, de Lola Álvarez Bravo.

La exposición, asimismo, destaca la reproductibilidad técnica que comparten las artes gráficas y la fotografía, así como los diversos usos y significados del universo de la imagen en su factura, exhibición y montaje. Una muestra que permanecerá en las salas del Munal, para mostrarnos que todo cambia, y que esos cambios son bastante agradables la mayoría de las veces. ¡No te la pierdes este fin de semana!

Ciudad de contrastes. Fotografía y gráfica

Dónde: Museo Nacional de Arte; Tacuba 8, Centro Histórico, Cuauhtémoc.

Cuándo: martes a domingo de 10:00 a 18:00 h.

Cuánto: $90

Entrada libre a Inapam, menores de 13 años, personas con discapacidad, maestros y estudiantes con credencial vigente.

Domingo entrada libre.

Lum: la experiencia inmersiva con meditación, imaginación y sonidos
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Sumérgete en los mundos alternos de Lum, la nueva experiencia inmersiva que se apoderó de la CDMX.

Fotos cortesía de IntusTV

Lum es una experiencia multisensorial que te mostrará el poder de la luz.

 

Lum es una experiencia inmersiva creada por artistas de México, Colombia y Bélgica. Tendrás la oportunidad de descubrir cinco instalaciones inmersivas que se transforman en paisajes lumínicos, que te envolverán con colores vibrantes y animaciones impactantes.

Además, podrás disfrutar de cautivadores ambientes sonoros para tener una conexión única contigo mismo, a través de la magia de la luz. Estos “mundos alternos” se apoderan de la CDMX, con esta experiencia multisensorial, a través de instalaciones vanguardistas.

Por medio de una magnífica combinación de arte, luz, tecnología multimedia e iluminación inmersiva, explorarás espacios para tener fotos magníficas. Además, cuenta con música original, que ha sido compuesta exclusivamente para su puesta en escena en la Ciudad de México, por el músico de Bélgica conocido como Before Tigers, bajo la dirección artística y creativa de Josue Ibañez y la producción ejecutiva de Gilberto Castro.

Asimismo, esta experiencia cuenta también con la colaboración del artista contemporáneo colombiano Mario Arroyave, y la participación de Immersive Creators y LEDpulse que presentan el Dragon02, un display volumétrico tridimensional, conformado por miles de neuronas LED inteligentes que procesan información de manera interconectada, donde también, Gilberto Castro apoyó en el desarrollo y diseño de esta tecnología.

LUM es una producción a cargo de INTUS, un equipo mexicano pionero en la creación de experiencias inmersivas, integrado por: Emmanuel Palacios, Juan Manuel Ponce, Alexander Kursanov, Ana Betancourt, Javier Martínez, Natharen Rosa, Luis Ocampo, Luz Vega, Erick Solís, Gerardo Villegas, Eduardo García, Edgar Soto, Sergio Domínguez y Emilia Pérez.

Cada una de las cinco salas de LUM están diseñadas para provocar momentos de asombro e inspiración. Es un recorrido con una duración de 45 minutos, que promete ser el escenario perfecto para las fotos perfectas. Y después, no te pierda la selección de cócteles diseñados especialmente para completar la experiencia de LUM.

Lum, Experiencia inmersiva

Dónde: InSpace; C. J. Enrique Pestalozzi 35, Piedad Narvarte, Benito Juárez, CDMX.

Cuándo: hasta 15 de agosto, desde las 14:00 entre semana, 12:00 fin de semana

Cuánto: $270 martes, miércoles y jueves

$360 viernes, sábado, domingo y días festivos

Estudiantes $150 solo en taquilla día jueves

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Parafraseando a Picasso: una oda a uno de los grandes pintores del siglo XX
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Parafraseando a Picasso es una exposición que rinde homenaje a uno de los grandes maestros del siglo XX.

Fotos cortesía de Colegio de San Ildefonso

Parafraseando a Picasso es una exposición que reúne la obra de 52 artistas homenajeando al maestro.  

 

Parafraseando a Picasso es un experimento artístico que surgió del ejercicio de varios artistas mexicanos y extranjeros que reflexionan sobre el legado del gran artista Pablo Picasso, quien el año pasado cumplió 50 años de fallecido.

Esta exposición la podrás ver en la sala 17 del Colegio de San Ildefonso, en un homenaje que hicieron 52 artistas a la obra del artista español, que consiste en pinturas, esculturas y fotografías, todas hechas especialmente para la muestra.

Los curadores de la exposición son el fotógrafo Rogelio Cuéllar y la editora María Luisa Passarge, quienes aclaran que se trata de un homenaje al legado artístico de Picasso; al margen de las discusiones  que podrían aparecer sobre la supuesta “misoginia de Picasso”, así como de ni sus “actos de maltrato hacia las mujeres”. Se espera que esta exposición pueda abrir un diálogo ante el dilema de si es posible separar el arte del artista.

"En el escenario de la memoria colectiva, su producción artística no puede ser relegada a la periferia de este debate, pues su influencia y trascendencia han reverberado a lo largo de las generaciones", escribieron los curadores para el texto de sala. "Pienso que no se puede calificar y evaluar con criterios de ahorita algo que se hizo hace 50, 100 o 200 años", recalca María Luisa Passarge durante el recorrido de prensa.

Para hacer esta exposición, se les pidió a los artistas que trabajaran en un formato de 50 por 50 centímetros, en caso de ser bidimensional, y en uno de 40 por 40, tridimensional; pero algunos fueron más audaces al rendir tributo a la sinfonía visual que Picasso concibió, cuyos acordes han resonado en la historia e incitado una exploración sensorial y emotiva.

Algunos de los participantes en la muestra son Per Anderson, Jordi Boldó, Arturo Buitrón, Lorena Camarena, Miguel Casco, Héctor de Anda, Claudia Doring Baez, Laura Echevarría, José Antonio Farrera, Demián Flores, René Freire, Claudia Gallegos, Vanessa García Lembo, Javier Guadarrama, Manuela Generali, Jazzamoart, Arturo Lazcano, Antonio Luquín, Adán Paredes, Néstor Quiñones, Paloma Torres y Gustavo Monroy.

Picasso tejió un tapiz de significados que refleja no su perspicacia como artista, y también la evolución de la sociedad y la cultura en su época. Es un  montaje nos recuerda que el arte constituye un lenguaje universal que conecta a las personas a través de las generaciones y las culturas.

Al respecto, María Luisa Passarge puntualizó: "Picasso es sinónimo de creatividad. Es uno de esos genios que siempre usó el tiempo para realizar lo que más quería: pintar. Pintaba cuando comía, cuando iba al baño e incluso en sus momentos de ocio. Más allá de apreciar sus obras, me emocionó mucho descubrir su proceso de creación.

Parafraseando a Picasso

Dónde: Colegio de San Ildefonso; Justo Sierra 16, colonia Centro Histórico

Cuándo: hasta 30 de junio de martes a domingo de 11 a 17:30 horas

Cuánto: $50 

Estudiantes y maestros con credencial vigente $25; niños menores de 12 años, adultos mayores con credencial Inapam entran gratis.

 

Museo Casa del Risco celebra 60 años con obras de Carrigton, Beloff y O’Higgins
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El Risco exhibirá 63 obras de la Colección Muñoz-Kuri, además de un ciclo de conferencias magistrales y visitas guiadas y talleres.

Foto destacada:

El Museo Casa del Risco celebra su 60 aniversario con la exhibición de su gran colección privada.

 

El Museo Casa del Risco se encuentra en una imponente casona del siglo XVIII, en el barrio de San Ángel de la CDMX, y es uno de los destinos que albergar una gran colección e identidad, que durante estos años, se ha ocupado de preservar los valores artísticos y estéticos de los compradores mexicanos.

Para celebrar sus primeros 60 años, “El Risco” expondrá la colección del doctor Luis Muñoz Castellanos y a la doctora Magda Kuri Nivón; que desde 1964 tienen un acervo fascinante. Además, es una obra que presenta la selección curada por el arquitecto, docente en historia y teoría del arte Jorge Reynoso Pohlenz, titulada "Visitas a la Suave Patria.

Esta colección de arte moderno mexicano pertenece a la Colección Muñoz-Kuri, integrada por 64 piezas realizadas entre 1932 y 2000, entre las que destacan numerosos paisajes, bodegones y retratos de los dueños del acervo y sus hijos, en el conjunto sobresalen óleos de Arturo Estrada, Olga Costa, José Chávez Morado, Rina Lazo, Pablo O?Higgins y Jesús Guerrero Galván.

Entre la obra en papel se encuentra una  xilografía de Leopoldo Méndez de 1932, dos estampas, una acuarela de Angelina Beloff, grabados de Leonora Carrington, una litografía de Guerrero Galván y paisajes de Erasto Cortés.

Otra de las cosas que destaca de esta exposición, son las obras de artistas poco conocidos como Luis Muñoz, Olga Méndez, Aurelio Pescina y Rosa Castillo. Artistas olvidados por la historiografía del arte mexicano, pero que sin duda darán inicio a la reflexión en esta exposición.

Además de esta exposición, se llevarán a cabo actividades complementarias relacionadas con: la pintura y la poesía, la preservación de patrimonio, la importancia del coleccionismo, el arte moderno mexicano, y también sobre la relación del arte y las visiones de lo nacional, entre otros temas.

Asimismo, habrá charlas, conferencias magistrales y visitas guiadas y talleres y, por supuesto, las 63 obras de la Colección Muñoz-Kuri de 26 artistas activos en nuestro país durante la primera mitad del siglo XX, cuyo trabajo fue fundamental para la consolidación del repertorio visual del México postrevolucionario.

Suave Patria

Dónde: Museo Casa del Risco; Plaza de San Jacinto No. 5 y 15 San Ángel Alcaldía Álvaro Obregón.

Cuándo: hasta noviembre de 2024, de martes a domingo de 10:00 a 17:00 h.

Entrada libre

 

Tlanchana: la leyenda sobre la vengativa dueña de las aguas
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La Tlanchana es la leyenda otomí, de una mujer enigmática que sigue presente hasta nuestros días en muchas representaciones artísticas.

Foto destacada: @iuem_oficial

La leyenda de la Tlancha tiene su origen en un hermoso relato otomí del Estado de México. 

 

La “hechicera de la laguna”, madre de los peces, Atl tonan Chane, Atlanchane o Tlanchana; tiene su origen en una antigua leyenda de la cultura otomí, que ha formado parte de la cultura del Estado de México, particularmente de Metepec, desde hace muchos años. La Tlanchana es una criatura mitológica cuyo nombre proviene del náhuatl “tlalli”, que significa tierra, y “chana”, que se traduce como mujer.

Toluca la Bella

De acuerdo con las historias que se cuentan de la Tlanchana, se dice que era una mujer que habitaba los ríos y canales, por lo que la Comisión Nacional del Agua (Conagua), afirma, en su blog, que la Tlanchana data de hace más de 11 mil años en lo que antes fue era una zona lacustre llena de pantanos y nueve lagunas que estaban custodiadas por comunidades matlatzincas, cerca de Xinantécatl (Nevado de Toluca) y Chignahuapan (Río Lerma).

Cuenta la leyenda que esta deidad tenía en control de toda la región con su belleza, que deslumbraba a cualquiera. A pesar de que su rostro, torso y brazos eran de un ser humano, en vez de piernas tenía una cola de serpiente. Se dice que los lugareños que la veían, escondidos detrás de los árboles de tule que había en la laguna, veían la hermosura de esta mujer que estaba desnuda y llevaba consigo una corona y varios collares, así como un cinturón adornado con peces, acociles y ajolotes.

Toluca la Bella

Pero la Tlanchana era voluble, posesiva y vengativa. Cuando estaba de buen humor presumía su cola de serpiente negra y esto era algo que esperaban los pescadores, pues al mover su cola se auguraba que tendrían abundancia de peces en sus redes. Pero en otras ocasiones, la reina convertía su cola en un par de piernas y salía del agua para buscar a aquel hombre que la había visto, con el fin de llevarlo a la mitad del lago donde los ahogaba.

A medida que las lagunas se secaron, que se terminó el trabajo de pesca, y sus apariciones poco a poco fueron menos constantes. Pero la leyenda de la Tlanchana ha trascendido el paso del tiempo y hoy en día, continúa siendo parte integral de la identidad de Metepec. Además, esta sirena ha inspirado la creación de varios museos y exposiciones culturales en Metepec.

Quadratin

Es por eso, que al día de hoy, los maestros artesanos que se han dedicado a la alfarería, son reconocidos dentro y fuera de la entidad por sus creaciones, las cuales ayudan a mantener vivas las tradiciones culturales a través de símbolos artesanales. La Tlanchana, al igual que el Árbol de la vida, es una pieza de barro que representa la zona lacustre, su forma es mitad pez, con largas trenzas, tez hermosa y coronada con flores.

 

Así es la intervención artística de Quetzalcóatl en Madrid
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Un imponente Quetzalcóatl llegó a Madrid para inaugurar la primavera, acompañado de una intervención efímera de flores.

Fotos cortesía de Fundación Casa de México

Dos instalaciones de artistas mexicanos se encuentran en este recinto en Madrid.

 

Una hermosa intervención de 42 metros de largo que rinde homenaje a Quetzalcóatl, además de una instalación de luminarias inspiradas en las frutas mexicanas dan la bienvenida a la primavera. Estas instalaciones se encuentran en la Fundación Casa de México, en la ciudad de Madrid, España.

Se trata de una intervención efímera con flores y plantas naturales que ocupa la fachada del edificio y que esta vez lleva por nombre Quetzalcóatl, la serpiente emplumada. La pieza esta conformada por 113 "plumas" y es fascinante.

Este trabajo fue hecho por Ricardo Salas, un diseñador mexicano que ve este proyecto como un puente entre naciones y culturas. Su diseño, en el que participaron más de 120 personas en su realización, presenta una variedad de flora de todo el mundo, incluidos México, España, Costa Rica, Italia y los Países Bajos, cada uno de los cuales contribuye al vibrante tapiz que forma el cuerpo de la serpiente.

Quetzalcóatl es considerado como “la Serpiente Emplumada”; una deidad que representa la dualidad inherente a la condición humana, además de ser el título de los sacerdotes supremos de la religión tolteca; debido a que la cosmogonía tolteca consideraban que todo el universo tiene una naturaleza dual  y que cada ser supremo tiene una doble condición.

Así que Quetzalcóatl, por una arte, crea el mundo y por el otro lo destruye. Esta deidad tiene una función destructora que recibe el nombre de Tezcatlipoca; el que sabía todos los pensamientos y estaba en todo lugar y conocía los corazones; por eso le llamaban moyocoyani, que quiere decir que “el que se inventa a sí mismo”.

Paralelamente a la “grandeza de Quetzalcóatl” dentro de la Fundación Casa de México, se encuentra otra instalación captura la imaginación: "Kauani: al sol de los frutos". Este proyecto, una colaboración entre la diseñadora textil mexicana Inés Quezada y la diseñadora de productos madrileña Inés Llasera, se centra en la belleza luminiscente de las frutas mexicanas. A través del uso innovador de textiles y luz, crean una experiencia inmersiva que trasciende lo meramente visual.

Las autoras de la instalación, señalaron que su propósito era indagar en las historias compartidas entre México y España en torno a los frutos y alimentos comunes y sus diferentes guiños y juegos de palabras. Este proyecto surgió durante la pandemia de covid-19, en donde las artistas crearon piezas en tejido de punto con el objetivo de sacar la luz de los propios frutos, reinterpretarlos y mostrar la cultura desde distintos hilos, formas, colores, texturas y materiales.

Con estas dos presentaciones, la Fundación Casa de México celebra la llegada de la primavera y desarrolla un programa de actividades para toda la familia que refuerza los vínculos entre España y México.

Palmas tejidas: herencia del Estado de México para el Domingo de Ramos
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Las Palmas tejidas son artesanías que se preservan hasta el día de hoy, gracias a las manos otomís del pequeño poblado de San Cristóbal Huichochitlán.

Foto destacada: Ayuntamiento de Toluca

El consumo de las palmas tejidas preservará una artesanía otomí del Edomex.

 

Cada año, miles de pobladores de la comunidad de San Cristóbal Huichochitlán, comienzan la producción de cruces y figuras de palma para vender, sobre todo, en la Ciudad de México, un ritual específico para el Domingo de Ramos.

Esta tradición artesanal es una herencia de las mujeres otomíes de San Cristóbal Huichochitlán; en los valles de Toluca, junto a los Mazahuas y Matlatzincas. Los otomís es un pueblo que ha heredado tradiciones y costumbres, así como fiestas religiosas, populares y artesanías, siendo el tejido de palma uno de ellos.

 Tejer es una de las actividades más representativas de la región, incluso hasta el día de hoy. En esta comunidad, hay muchas familias que conservar la tradición, a pesar de que en los últimos años, poco a poco se ha ido extinguiendo en poblados como Zinacantepec y San Cristóbal. De hecho, hace algunos años, San Cristóbal tejía sombrero y algunos tipos de bolsas, pero ya solo quedan algunos tejedores de estas artesanías, y buena parte del mercado solo se dedica ya a las palmas en épocas de Semana Santa. 

El alza de precio en la materia prima del tejido, también ha provocado una disminución de tejedores y un incremento en el costo de los productos. Sobre todo teniendo en cuenta que es un artículo que se vende particularmente el Domingo de ramos, la fecha más alta en cuanto a ventas para quienes se dedican a la venta de palmas.

Otra de las manifestaciones que ha provocado una disminución en la producción de tejido de palma, es que muchas familias dedicadas a esta expresión, han decidido migrar a otros Estados en busca de un trabajo con mejores ingresos. Las piezas, que van de los tres a los 20 centímetros, son de palma, material que compran en 200 pesos y sirve para la elaboración de hasta 15 o 20 docenas, dependiendo del tamaño.

Asimismo, en un poblado donde la mayor parte de la gente es pobre y pocos de los adultos hablan español de manera fluida, casi todos se comunican en el idioma otomí; suele hacer un poco más complicado generar un intercambio comercial más amplio, sin mencionar que muchas personas regatean el precio de las figuras.

Daniel Camacho/ El Sol de México

El Domingo de Ramos, finalmente, es una celebración religiosa en la que la mayoría de las confesiones del cristianismo conmemora la entrada de Jesucristo en Jerusalén, dando inicio a la Semana Santa. Es una fiesta cristiana movible que cae el domingo antes de Pascua, es decir, el sexto domingo de Cuaresma.?

La fiesta conmemora la Entrada triunfal en Jerusalén, un evento mencionado en cada uno de los cuatro evangelios canónicos. El Domingo de Ramos marca el primer día de la Semana Santa y en la mayoría de las iglesias litúrgicas, el Domingo de Ramos se celebra con la bendición y distribución de ramas de palma o las ramas de otros árboles nativos, que representan las ramas de palma que la multitud esparció frente a Cristo mientras él entraba en Jerusalén.

Daniel Camacho/ El Sol de México

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