Arte y Cultura
Preparación y trascendencia en los ritos mortuorios de Tenochtitlán
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Un fascinante recorrido por la celebración y ritos a los muertos en la ciudad azteca, cortesía del gran investigador y maestro de la cultura náhuatl Patrick Johansson.

Quizás la ceremonia más antigua y parecida al Día de Muertos de la que se tiene registro, son estos ritos mortuorios que se celebraban cuando alguien moría.

 

Día de Muertos es un concepto por demás estridente. Y aunque solo se pronuncia una vez al año –en el mes de la luz y el clímax del otoño, donde es posible pensar más pacíficamente en la muerte– ha sido un ritual tan cercano a México que se ha hecho costumbre.

En la cosmogonía prehispánica azteca, el culto a la muerte era labor de todos los días. Se evocaba, invocaba y convocaba a los muertos todo el tiempo, ya fuera en conjuros mágicos, en peticiones para que intercedieran por un bien comunitario, en la guerra y la siembra, en curaciones y en distintas festividades que no celebraban directamente a la muerte pero que mantenían contacto con sus muertos. Así, los no vivos seguían teniendo un rol activo en la comunidad.  

Quizás la ceremonia más antigua y parecida al Día de Muertos de la que se tiene registro, es la que se celebraba cada vez que una persona moría.  En este rito se buscaba esencialmente encaminar su alma.

Al respecto, Patrick Johansson Kéraudren, investigador del Instituto de Investigaciones Históricas de la UNAM y en quien nos hemos basado para la realización de este texto, nos dice que las ceremonias de carácter mortuorio se iniciaban con los cantares de lamentos. En esta especie de letanías, los familiares y cercanos pronunciaban oraciones armónicas durante cuatro días y también “lavaban” el cuerpo con una mezcla de hierbas aromáticas.

 

 

 

Para el quinto día el cuerpo era envuelto en sábanas y cremado para su posterior entierro. Cuando éste era un rey, una piedra de jade se colocaba en su boca (un corazón mineral). Se le vestía como el dios primordial de la zona y se atestaba con insignias de oro. También se sahumaba su cuerpo con el portentoso olor del copal. Se construía una “casa de reposo” temporal para la ceremonia y también una estatuilla que le representaba a semejanza. Frente a esta efigie se colocaban todo tipo de platillos, guisados y también flores, algo así como lo que hoy acostumbramos ofrendar en estos días. Finalmente el cuerpo era cremado y enterradas sus cenizas.

 

mictlantecuhtli

Mictlantecuhtli, dios de la muerte y del Mictlán.

 

Este último movimiento figuraba como una metáfora sobre el viaje “regresivo” hacia el vientre materno: la tierra. Además, el fuego hacía un papel fundamental, ya que al anular la descomposición orgánica se creía que daba lugar a la “paz ósea” de los cuerpos. Esta es una fascinante alegoría que además se encuentra relacionada con el Mictlán, el inframundo al que iban a parar la mayoría de los muertos. En Mictlán, se dice, existen varios rincones peligrosos  que uno tiene que pasar durante cuatro años. Este tiempo se comparaba con lo que tarda el cuerpo en descomponerse, por ello es que era de vital importancia quemarlo y así ayudar al muerto a cruzar sin problema. Sin embargo, en aquella época, la cremación era un lujo; no todos podían acceder a una. 

Pero, contrario a lo que pensaríamos hoy en día, para los aztecas habría de surgir la vida desde las cenizas. Como lo proyecta su mito de la creación de los 5 soles, donde Quetzalcóatl hace nacer la vida desde los huesos de los difuntos. Una alegoría altamente probable del Ollin, ese símbolo transfinito que proyecta un movimiento cíclico; dicho de otra manera, un eterno retorno.

Volviendo al tema de la procesión mortuoria, algo particularmente interesante rodea a este tipo de ritos paganos y es justo el papel de los lamentos. Contrario a lo que se cree, en tiempos precolombinos se pensaba que era mejor llorar, lamentarse y quejumbrarse dolorosamente por la muerte de la persona, para de esta manera extraer toda la tristeza catártica de los cuerpos vivos. Advierte Johansson que, en aquel entonces, “una mortaja de cantos envuelve el ritual dancístico que evoca a los difuntos y “derrama” el dolor letal”.

 

ofrendas-mortuorias

 

Una vez enterrados los muertos se recordaban cada cuatro años y bajo diferentes ofrendas y fiestas según el lugar donde, se pensaba, habían ido a parar después de la muerte.

La ceremonia anual vino a sincretizarse con los ritos paganos luego de la conquista y la evangelización de las costumbres mexicanas. Las fiestas de Todos los santos y de los Fieles difuntos, fueron dos de las festividades cristianas que curiosamente entrecruzaban fechas con dos procesiones mortuorias aztecas: Miccaühuitontli o “FIesta de los muertos pequeños” y Huey Miccaühuitl la “Fiesta de los muertos grandes”. De ahí que se eligiera un día para recibir a los niños difuntos y otro para los adultos. 

Como podemos ver, el ritual de Día de Muertos es mucho más antiguo de lo que muchos piensan. Su trascendencia radica en la aceptación de la muerte como una dualidad inevitable, dentro de este ciclo que es Nahui-Ollin (o Quinto Sol azteca), por cierto la era de las dualidades.

 

ofrenda dia de muertos

 

 

/ Fuente: Johansson Kéraudren Patrick, “Día de muertos en el mundo náhuatl prehispánico”, Instituto de Investigaciones Históricas de la UNAM.

/ Imagen: S. Shepherd – Creative Commons

 

100 años del consagrado artista abstracto, Carlos Mérida y su obra en el MUNAL
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Son 290 piezas que dan vida al discurso curatorial basado en la autobiografía inédita del colorido y fabuloso artista guatemalteco Carlos Mérida.

El artista Carlos Mérida llega al Munal.

 

Son 290 piezas que dan vida al discurso curatorial basado en la autobiografía inédita del Carlos Merida, en el Museo Nacional de Arte (Munal), que conmemoran los 100 años de la llegada de Carlos Mérida a México con la muestra Carlos Mérida. Retrato escrito (1891-1984).

Esta colorida exposición tiene una narrativa guiada por la voz del propio carlos Mérida, que fue extraída de su autobiografía, que permite transitar entre su vida personal, su proceso creativo y las afinidades artísticas que construyó hasta su muerte en 1984.

 

 

 

Bajo la curaduría de la investigadora María Estela Duarte, y sustentada por un trabajo documental de cuatro archivos, esta exhibición reúne obra plástica, impresos y publicaciones que acompañan los textos del artista provenientes del archivo Carlos Mérida -donado al Munal en el año 2000 por su hija Alma Mérida-, el perteneciente a la Galería Arvil, el acervo de la Galería de Arte Mexicano y el archivo familiar de Cristina Navas Mérida.

Fueron diversas colecciones, tanto institucionales como particulares e internacionales, las que hicieron posible esta exhibición. Entre ellas se encuentran la Galería Amelia Weymann de Guatemala, el Colegio de México, el Museo Tamayo Arte Contemporáneo, la Gerencia del Palacio de Bellas Artes, además de las colecciones María Luisa Ferre, Andrés Blaisten, Juan Rafael Coronel, Jesús Drexel, Juan Antonio Pérez Simón y, por supuesto, el acervo documental del Museo Nacional de Arte, entre otras.

 

 

 

 

“Esta muestra es la primera en su dimensión, y aspira a conjuntar lo más representativo del trabajo del maestro guatemalteco. No se trata de una muestra exhaustiva ni totalizante, pero sí de una panorámica y explícita de la herencia que Mérida dejó en el arte mexicano”, apuntó Sara Gabriela Baz, directora del Museo Nacional de Arte.

En el discurso plástico de Merida se exploran las inquietudes que las vanguardias europeas y americanas despertaron en Mérida tras su estancia en París y su regreso a su nativa Guatemala. En este apartado se pueden observar sus primeros ensayos de pintura con temáticas folcloristas, y el trayecto que lo llevó a encontrar su propio estilo pictórico, marcado por el interés por la música, los ritmos y las secuencias.

 

 

Retrato en verdes [Retrato de Renoir] (1913), La india del loro (1917), Autorretrato (1935), Planetario (1965) y Proyecto para el telón biombo del Cine Manacar (1964) son algunas de las piezas que sobresalen de esta sección. En este núcleo se encuentran algunas obras de artistas con los que Mérida encontró afinidades creativas, como Vassily Kandinsky, Paul Klee, Joan Miró, entre otros.

Se exponen también ilustraciones para diversas publicaciones de libros y revistas, así como los destacados y ampliamente conocidos portafolios de serigrafías y litografías con temas relacionados con la mítica maya y etnográfica de México y Guatemala, así como sus propuestas en el terreno de las artes decorativas.

 

 

 

 

 

Cabe mencionar que esta exposición contó con el apoyo de la Fundación Iberdrola México, patrocinadora del cambio del sistema de iluminación de las salas de exposiciones temporales. La donación representó más de un millón de pesos para la adquisición de las lámparas LED, rieles y otros componentes del sistema de iluminación, y se llevó a cabo en el marco de un convenio de colaboración firmado entre las dos partes en febrero de 2018. Esta alianza refleja el compromiso de Iberdrola México y el Munal con la conservación del patrimonio artístico y cultural del país.

 

 

 

 

Carlos Mérida en el Munal

¿Dónde? Munal. Calle de Tacuba 8, Centro Histórico, Centro, 06000, CDMX.

¿Cuándo? Hasta el 17 de marzo de 2019. Martes a domingo de 10:00 a 18:00

¿Cuánto? $65 pesos

Entrada libre todos los domingos.

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Nueva visión de nuestra mexicanidad en el taller de Arte Mexicano Rubicó
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Abre sus puertas el taller de arte mexicano Rubicó, que integra diseño, arte y tecnología con calidad mexicana, Alea iacta est: La suerte está echada.

La Ciudad de México gana un nuevo foro de Cultura.

 

Con el objetivo de generar un espacio para la creatividad, abre sus puertas Casa Rubicó, el taller artístico interdisciplinario de alto impacto estilo mexicano. En este nuevo taller artístico interdisciplinario de estilo mexicano, poco convencional y de alto impacto, los artistas o artesanos expertos en diversos oficios o disciplinas, trabajan en comunión con otros y sacrificando la gloria personal, apuestan por la superioridad del conjunto en el proceso creativo.

Las obras de Rubicó procurarán ser siempre colectivas en su diseño y realización, sincréticas en sí mismas. De ahí, que Casa Rubicó iniciará sus actividades como centro de exposición con un Altar de Muertos en homenaje al Movimiento del 68 por su aportación a la libertad de expresión y como reconocimiento a los estudiantes que ganaron con su valentía un lugar en la historia moderna de México.

 

 

 

La presentación del concepto Rubicó ante los medios de comunicación se dio en una conferencia de prensa en la que su director general, Carlos Cerón, y su director creativo, Gonzalo Ortiz Blanco, quienes describieron el proyecto, acompañados por el artista plástico Chango Chango, quien expondrá siete obras.

Ortiz Blanco explicó que Rubicó “propicia y respalda las expresiones alternativas para demostrarle al mundo que nuestro reconocido ingenio es capaz de crear mexicanadas que consisten en transformar cosas para hacerlas chingonas y resolver necesidades. El concepto Rubicó integra diseño, arte y tecnología para presentar con orgullo la visión ingeniosa que nos distingue como mexicanos y su nombre se inspira en el momento decisivo en el que el emperador Julio César encontró el valor para jugarse la vida y el honor, propio y de sus tropas, cruzando el Río Rubicón para dirigirse a Roma, consciente de que no habría marcha atrás.

 

 

 

 

De ahí que el lema de esta nueva opción creativa y artística sea “Alea iacta est”, que significa La suerte está echada. El equipo creativo determinó que la primera exposición fuera un Altar de Muertos, porque difícilmente se encontrará una manifestación más simbólica de la cultura mexicana que esta tradición, pues en los altares, las familias mexicanas de manera ingeniosa armonizamos los elementos de culturas que se contraponen; es decir, las tradiciones de los pueblos prehispánicos, con las costumbres de la cultura hispano-católica.

 

 

 

 

Esta armonía de elementos contrarios, explicó Gonzalo Ortiz, es realizada por los mexicanos con tal grado de perfección que da como resultado una obra nueva y superior a los elementos que la integran, como es la aspiración creativa de Rubicó de realizar obras colectivas en las que especialistas y expertos en diversas artes mezclan su talento.

La casa muestra un concepto integral llamado “mexicanadas de Rubicó” que muestran la capacidad, atrevimiento e inteligencia de los mexicanos para modificar objetos y mejorarlos con gran ingenio, característico de nuestra cultura y estilo mexicano.

 

 

 

 

Casa Rubicó

¿Dónde? Luis G. Urbina #74, en Polanco, CDMX.

¿Cuándo? Lunes a viernes de 11:00 a 22:00

Entrada libre

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El Op Art del colorido artista Carlos Cruz-Diez en la San Miguel Chapultepec
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Carlos Cruz-Diez es considerado uno de los padres del Op Art, donde el color tiene una realidad autónoma en continua mutación.

Cromatografía histórica del arte de Carlos Cruz–Diez.

 

Carlos Cruz-Diez es uno de los principales representantes de Op Art (Óptica) en todo el mundo. Junto con Jesus Soto, Alejandro Otero y Juvenal Ravelo, forman el movimiento cinético en Venezuela, que se desarrolló ampliamente en el siglo XX, hasta que se convirtió en uno de los más destacados de la América hispana.

Carlos Cruz-Diez estudió en Bellas Artes School en Caracas, donde también fue profesor de Historia de las Artes Aplicadas, luego subdirector y profesor de pintura. Enseñó técnicas de cinética en la Escuela Superior de Bellas Artes en parejas. Es presidente de la Fundación “Museo de la Estampa y Diseño Carlos Cruz Diez” en Caracas.

 

 

Sus inicios en el arte se remontan al movimiento cinético de los años 50 y 60. El desarrollo de su reflexión plástica ha modificado las nociones de percepción del color en el arte. La propuesta de Carlos Cruz-Diez se basa en el color concebido como una realidad autónoma, algo nunca visto antes, que evoluciona en la lectura y el espacio sin la ayuda de formas y sin necesidad de apoyo.

En 1944 trabaja como ilustrador y diseñador gráfico, realiza cómics para diversos periódicos venezolanos, trabaja en agencias publicitarias, y participa en la exposición Bewogen Beweging en el Stedelijk Museum de Ámsterdam donde colaboraron artistas como Allan Kaprow, Alexander Calder, Moholy-Nagy, Robert Rauschenberg, Jean Tinguely, Marcel Duchamp, Victor Vasarely, entre otros.​

 

 

De 1972 a 1973, Cruz-Diez ejerce como profesor en la Escuela Superior de Bellas Artes y Técnicas Cinéticas, de París. Entre 1986 y 1993 es profesor titular del Instituto Internacional de Estudios Avanzados, en Caracas. En 1989 se pública en Caracas la primera edición de su libro Reflexión sobre el color,​ basado en sus diversas investigaciones plásticas vinculadas al estudio del color como una “realidad autónoma en continua mutación”.

Para 1997 es nombrado Presidente y miembro del Consejo Superior de la Fundación Museo de la Estampa y del Diseño Carlos Cruz-Diez, que tiene como objetivo estudiar, difundir, coleccionar y conservar el trabajo de diseñadores y artistas gráficos nacionales e internacionales relacionados a la estampa y el diseño. En 2005 su familia crea la Cruz-Diez Foundation​ dedicada a la conservación, desarrollo, difusión e investigación de su legado artístico y conceptual. En 2008, dos años antes del 50 aniversario de su llegada a París, Cruz-Diez adquiere la nacionalidad francesa.

 

 

Para 2011 inaugura su mayor exposición retrospectiva Carlos Cruz-Diez. Color in Space and Time en el Museum of Fine Arts (MFAH) de Houston en Estados Unidos, y en el 2012 recibe el grado de Oficial del Ordre national de la Légion d’honneur.

Con su exposición, La autonomía del color de Carlos Cruz-Diez, el trabajo de este artista se estructura en torno a ocho investigaciones cromáticas desarrolladas a lo largo de su carrera: Couleur Additive, Physichromie, Induction Chromatique, Chromointerférence, Transchromie, Chromosaturation, Chromoscope y Couleur à l’Espace. La exposición presenta una gran muestra de sus investigaciones a partir de una selección de algunas de sus obras más recientes.

 

 

 

La autonomía del color de Carlos Cruz-Diez

¿Dónde? Galería RGR+ Art. Gral. Antonio León 48, San Miguel Chapultepec I Secc, 11850, CDMX.

¿Cuándo? Hasta 2 de marzo del 2019.

Entrada libre

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La Guía MXCity de eventos imperdibles en MUTEK México
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Mutek.mx es una fascinante plataforma que desarrolla la creatividad digital en el sonido, la música, las artes audiovisuales y la tecnología.

Estos son los mejores eventos de la edición número 15 de Mutek México.

 

Mutek es la plataforma internacional para la diseminación y el desarrollo de la creatividad digital en el sonido, la música, las artes audiovisuales y la tecnología. Mutek cuenta con veinte años realizando festivales, simposios y programas académicos en Montreal, Canadá, su amplio circuito global actualmente incluye a Ciudad de México, Tokio, Buenos Aires, Barcelona, San Francisco y Dubai.

Este festival se ha consolidado como un importante punto de conexión entre artistas y audiencias a través de experiencias creativas e innovadoras, en este 2018 Mutek México celebrará su decimoquinto aniversario en activo dentro de esta gran comunidad.

Emocionados por conmemorar XV años construyendo puentes entre arte y tecnología, aquí te dejamos a los 10 artistas seleccionados por MXCity, que te ayudaran a expandir la forma en la que vemos las artes digitales.

 

Kazuya Nagaya y Florence To

 

 

Kazuya Nagaya se transforma en una intensa y elegante reverberación mediante procesos electrónicos. Inspirado por los altares y rituales budistas dedicados a rezar por los muertos, es la evolución hacia el plano audiovisual de uno de los performances más profundos y significativos de Nagaya, al contar con la iluminación y visuales de la artista Florence To en una colaboración que tendrá su estreno mundial en Mutek.mx.

 

 

¿Dónde? Museo Anahuacalli. No. 150, San Pablo Tepetlapa, 04620, CDMX.

¿Cuándo? 21 de nov. 20:00

¿Cuánto? $450.00 MXN

Tickets

 

Ben Kreukniet & Vincent De Belleval

 

 

Esta dupla de realiza trabajos experimentales y desarrolla piezas propias y comisionadas. Cuentan con una sensibilidad particular para desarrollar ambientaciones multisensoriales para giras de artistas como Amnesia Scanner y Massive Attack. Ben Kreukniet y Vincent De Belleval combinarán toda su creatividad en programación, robótica y hardware para transformar la Sala A de Fábrica en un gran instrumento arquitectónico.

 

 

¿Dónde? FÁBRICA Calle Henry Ford 81, Industrial San Nicolás, Tlalnepantla.

¿Cuándo? Viernes 23 de noviembre, 21:00 h.

¿Cuánto? $600.00

Tickets

 

Line Katcho

 

 

Line Katcho es una figura prolífica y camaleónica de la escena creativa de Montréal: por un lado posee un título en composición electroacústica y hace música para films, y por otro es conocida como La Hyèna, una de las VJs más implacables de las noches Techno y Drum&Bass, además de ser cofundadora de Soundwich, una plataforma para artistas audiovisuales emergentes. ¡Imperdible!

 

 

¿Dónde? Museo Anahuacalli. No. 150, San Pablo Tepetlapa, 04620, CDMX.

¿Cuándo? 21 de nov. 20:00

¿Cuánto? $450.00 MXN

Tickets

 

Freeka Tet

 

 

El artista experimental Freeka Tet se ha destacado tanto en circuitos de arte y medios publicitarios como en festivales de arte digital por su estilo visceral e intenso. Mezcla un amplio rango de objetos y técnicas análogas en instalaciones y piezas performáticas inspiradas por la vorágine de la Internet. Su dominio en la elaboración de hardware y el diseño de sistemas interactivos se expresa con igual fuerza en proyectos comisionados por artistas como Chromeo y Jackson and His Computer Band, que en sus exploraciones en el arte audiovisual, principalmente performances multidisciplinarios en los que improvisa con sensores, software DIY, face-tracking y clicks&cuts extraídos de internet para moldear una experiencia frenética y desconcertante.

 

 

¿Dónde? FÁBRICA Calle Henry Ford 81, Industrial San Nicolás, Tlalnepantla.

¿Cuándo? 24 de noviembre, 21:00 h.

¿Cuánto? $600.00

Tickets

 

Myriam Bleau

 

 

Myriam Bleau realiza instalaciones sonoras y performances que parten de interfaces creadas por ella misma, y que suelen ir más allá de una proyección para transformarse en happenings donde la tecnología y lo humano se confrontan. Su pieza Soft Revolvers, se basaba en platos giratorios que en su manipulación física emitían sonidos muy cercanos al glitch-hop y el minimal techno, y es sólo una muestra de la complejidad técnica y fresca visión artística que Myriam es capaz de ofrecer.

 

 

¿Dónde? FÁBRICA Calle Henry Ford 81, Industrial San Nicolás, Tlalnepantla.

¿Cuándo? 24 de noviembre, 19:00 h.

¿Cuánto? $600.00

Tickets

 

Atom & Robin Fox – Double Vision 2.0

 

 

Luego de coincidir en distintos festivales, Schmidt y Fox comenzaron a colaborar en lo que resultó como Double Vision, un punto de encuentro entre el estilo juguetón e intenso de cada uno desde su trinchera: pop deconstruido y techno amigable acompañados de láseres manipulados en tiempo real para crear un efecto de sinestesia e inducción hipnótica al baile. La dupla estrenará la nueva versión extendida y reconfigurada de este performance colaborativo: Double Vision 2.0.

 

 

¿Dónde? Proyecto Público Prim. General Prim 30, col. Juárez

¿Cuándo? Jueves 22 de noviembre, 20:30 h.

¿Cuándo? $450.00 MXN

Tickets

 

Lanark Artefax

 

 

Lanark Artefax es como flotar en el éter: las partes más ásperas y golpeantes del breakbeat y el techno se disuelven y transforman dentro de atmósferas y gestos cálidos, casi emotivos, emanados por un IDM en estado líquido, adentrándonos con tacto por inesperados extremos de la electrónica contemporánea. Esto le ha valido un destacado lugar en el circuito de festivales -donde presenta un performance A/V-, y el respaldo de leyendas como Lee Gamble -quien lo publicó en su sello-, Aphex Twin -quien lo incluye en sus DJ sets- y Björk -para quien hizo un remix.

 

 

¿Dónde? FÁBRICA Calle Henry Ford 81, Industrial San Nicolás, Tlalnepantla.

¿Cuándo? 24 de noviembre.

¿Cuánto? $600.00

Tickets

 

Brandt Brauer Frick & La Orquesta Filarmónica Mexiquense

 

 

Los prolíficos Daniel Brandt, Jan Brauer y Paul Frick son las mentes maestras detrás de este proyecto en activo que desde 2011, cuando comenzaron a filtrarse en los circuitos de festivales y clubs de Norteamérica y Europa con un arsenal de beats y sonidos acústicos, ya sea con un ensamble de casi 30 músicos o en su versión compacta, basada en sampleos, batería y coros.

 

 

¿Dónde? Explanada del Museo Tamayo. Paseo de la Reforma 51, Bosque de Chapultepec 1era sección.

¿Cuándo? Domingo 25 de noviembre, 13:00 h.

Entrada Libre

 

Smerz

 

 

Catharina Stoltenberg y Henriette Motzfeldt decidieron abandonar la formación clásica por la experimentación digital de alcoba. Inspiradas por la libertad e inmediatez del footwork y el bass, el dúo comenzó a hilar su intuición lírica con el espectro más low end de la música electrónica, creando un sonido hipnótico, intrigante y de una honestidad emocional tan minimalista como brutal. Smerz ha creado un sonido cautivador que está desarmando al mundo una canción pop a la vez.

 

 

¿Dónde? FÁBRICA Calle Henry Ford 81, Industrial San Nicolás, Tlalnepantla.

¿Cuándo? 24 de noviembre.

¿Cuánto? $600.00

Tickets

 

Camille Mandoki y Sissel Wincent

 

 

Camille Mandoki y Sissel Wincent produjeron una obra que presentaron en vivo en junio pasado en la Ex-Teresa Arte Actual. Para Mutek.mx esta pieza se amplía y presenta en un nuevo contexto, donde el espíritu colaborativo y exploratorio proporciona un amplio espacio para el sonido, la emoción y los momentos en la vanguardia de la música.

 

 

¿Dónde? FÁBRICA Calle Henry Ford 81, Industrial San Nicolás, Tlalnepantla.

¿Cuándo? 24 de noviembre.

¿Cuánto? $600.00

Tickets