Zona Maco celebrará su edición del 2019 con más de 180 expositores de 22 países.
Desde hace 16 años hay una feria de arte que ha revolucionado la escena en México. Una feria que para los artistas es una plataforma en la que pueden dar a conocer sus creaciones. Un festín visual que para los coleccionistas, curadores y críticos también es un puente vinculante y para los asistentes es un espacio único que celebra la diversidad y la valentía de los creadores contemporáneos. Por supuesto, estamos hablando de la Zona MACO.
Todas las primaveras, este evento le da la oportunidad a los capitalinos de atestiguar en un mismo lugar, en un sólo momento y en muy poquitos días, los acontecimientos y las obras más importantes del arte contemporáneo, no sólo de nuestro país, sino en el mundo. Y es que esta fiesta lo tiene todo: fotografía, pintura, objetos conceptuales, escultura, piezas de artistas consolidados, lo más relevante del diseño y decenas de nuevas manifestaciones visuales.
Esta ocasión la historiadora de arte Tania Ragasol será la directora artística de Zona Maco, donde se presentan piezas que van desde arte moderno hasta obras contemporáneas de artistas consolidados y emergentes, así como muebles y objetos de diseño.
A dieciséis años de haber iniciado, Zona Maco se ha convertido en la plataforma mexicana con mayor presencia internacional, siendo un importante punto de reunión para coleccionistas, profesionistas del mundo del arte y público en general.
Zona Maco contará con un amplio programa de conferencias impartidas por invitados internacionales, una sección con publicaciones y editoriales especializadas, libros de arte y un programa de actividades paralelas como exhibiciones en museos y galerías.
Esta nueva edición dará la bienvenida a galerías nuevas. Por segundo año la curaduría será de Kiki Mazzuchelli (São Paulo, 1972) quién le dará el enfoque performativo, y por primera vez, el curador de la sección Nuevas Propuestas será José Esparza Chong Cuy (Mexicali, 1984) con lo que se consolida como la feria de arte líder en Latinoamérica con mayor presencia a nivel internacional permitiendo que grandes coleccionistas y profesionales del arte se reúnan en un solo lugar para recibir a más de 60 mil visitantes.
La sección más amplia de la feria presenta galerías líderes a nivel internacional con piezas de la más alta calidad en pintura, gráfica, escultura, instalación, fotografía, video y nuevos medios, de los artistas contemporáneos más representativos de la escena global.
Aquí están los expositores en orden alfabético:
Luis Adelantado | CDMX
Galería Miquel Alzueta | Barcelona
Arróniz Arte Contemporáneo | CDMX
Piero Atchugarry | Garzón / Miami
BEERS London | Londres
Blain|Southern | Londres / Berlín
Ben Brown | Londres / Hong Kong
La Caja Negra | Madrid
CAMERA WORK | Berlín
Cardi | Milán/Londres
CarrerasMugica | Bilbao
CIBRIAN Gallery | San Sebastián
GALLERIA CONTINUA
| San Gimignano / Beijing / Les Moulins / La Habana
CURRO | Guadalajara
Galería Heinrich Ehrhardt | Madrid
Espacio Continuo | Bogotá
La Estación Gallery | Chihuahua
Estéreo | Monterrey
FELD+HAUS | Frankfurt
FIFI projects | Monterrey
Galería Freijo | Madrid
Michael Fuchs Galerie | Berlín
Gaga | CDMX / Los Ángeles
Galería Hilario Galguera | CDMX
Galería de Arte Mexicano GAM | CDMX
galleria gentili | Florencia
GINSBERG | Lima
Pablo Goebel Fine Arts | CDMX
Galería Enrique Guerrero | CDMX / Houston
HEART EGO | Monterrey
The Hole | Nueva York
MARIANE IBRAHIM GALLERY | Seattle
Galerie Italienne | París
JD Malat Gallery | Londres
KASMIN | Nueva York
Sean Kelly | Nueva York
Tina Kim Gallery | Nueva York
Kohn Gallery | Los Ángeles
kurimanzutto | CDMX / Nueva York
Le Laboratoire | CDMX
Galerie Lelong & Co. | Nueva York / París
David Lewis | Nueva York
Leyendecker | Tenerife
Library Street Collective | Detroit
Licenciado | CDMX
Galeria Javier López & Fer Frances | Madrid
Federico Luger (FL GALLERY) | Milán
Mai 36 Galerie | Zurich
MAIA Contemporary | CDMX
Marlborough Gallery | Nueva York
Modernism inc. | San Francisco
Nicodim Gallery | Los Ángeles
Galerie Nordenhake | Berlín / Estocolmo
OMR | CDMX
Opera Gallery | Miami
Pace Gallery | Nueva York / Palo Alto / Londres / Hong Kong / Ginebra / Beijing / Seoul
Páramo | Guadalajara
Galería Pelaires | Palma de Mallorca
Perrotin | Nueva York / París / Hong Kong / Tokyo / Seoul / Shanghai
Fernando Pradilla | Madrid
Proyecto Paralelo | CDMX
Proyectos Monclova | CDMX
Galería Quetzalli | Oaxaca
Almine Rech Gallery | París / Bruselas / Londres / Nueva York
Galería RGR+ART | CDMX
RoFa projects | Maryland
Ronchini Gallery | Londres
Rosenbaum Contemporary | Miami
Vito Schnabel Gallery | St. Moritz
Mimmo Scognamiglio | Milán
Eduardo Secci | Florencia
Galería Juan Silió | Santander
Skarstedt | Nueva York / Londres
Nils Stærk | Copenhague
Marc Straus | Nueva York
Tiro al Blanco | Guadalajara
Travesía Cuatro | Madrid / Guadalajara
VERMELHO | São Paulo
Walden | Buenos Aires
Zilberman Gallery | Estambul / Berlín
Las nuevas propuestas de esta edición de Zona Maco tendrá una sección que presentará prácticas artísticas que plantean cambiar estructuras. En lugar de centrarse en la definición de lo "nuevo" relacionada con en el tiempo, esta sección mostrará el trabajo de artistas que apunta hacia formas de vida y pensamiento imaginativas y experimentales.
Expositores por orden alfabético (Galería | Ciudad)
El Apartamento | La Habana
ATM | Asturias
Bendana | Pinel Art Contemporain | París
Boccanera | Trento / Milán
CASSINA PROJECTS | Nueva York
Central Galeria | São Paulo
Euqinom Gallery | San Francisco
Nora Fisch | Buenos Aires
Galería Karen Huber | CDMX
Isla Flotante | Buenos Aires
Kubik Gallery | Porto
Luce Gallery | turín
Machete Galería | CDMX
Madragoa | Lisboa
Galería Mascota | CDMX
NAAFI | CDMX
Christine Park Gallery | Nueva York
Parque Galería | CDMX
Patron| Chicago
Peana| Monterrey / Nueva York
Proyecto H | Madrid / CDMX
Proyecto Nasal| Lima
Servando | La Habana
Sindicato | Santo Domingo
Steve Turner | Los Ángeles
Vigo | Londres
Maximillian William | Londres
YAM Gallery | San Miguel de Allende
"La lógica de los materiales" está enfocada en el renovado interés de los artistas contemporáneos en la materialidad. La propuesta para esta edición se plantea tomar la temperatura del mundo del arte y examinar otra tendencia reciente en la producción artística; esta vez, con un enfoque en la idea de lo performativo, como indicador del creciente interés manifestado por las generaciones de jóvenes artistas en incorporar elementos de la performance en su trabajo, y en diálogo con instalaciones, pintura, fotografía y escultura.
Galería Alterna | CDMX
Arsenal Habana | La Habana
Galería Ángeles Baños | Badajoz
C24 Gallery | Nueva York
Patricia Conde Galería | CDMX
Copperfield | Londres
Galerie Lisa Kandlhofer | Viena
kurimanzutto | CDMX / Nueva York
Lamb Arts | Londres
Maëlle | ParÍs
MAIA Contemporary | CDMX
Mariacasado | Buenos Aires
Marignana Arte Gallery | Venecia
Emma Molina | Monterrey
NM Contemporáneo | Cuernavaca
RoFa projects | Maryland
Rosenfeld Porcini | Londres
Richard Saltoun | Londres
Eduardo Secci | Florencia
Carrie Secrist Gallery | Chicago
Galería Solo | Madrid
Y Gallery | Nueva York
Younique | París / Lima
Galería Yusto/Giner | Marbella
En cuanto al arte moderno, la sección exhibe piezas históricas de artistas internacionales con un panorama de géneros y obras emblemáticas producidas principalmente durante el siglo XX.
Expositores por orden alfabético (Galería – Ciudad)
Art of the World Gallery | Houston
Galería La Cometa | Bogotá
Galerías Cristóbal | CDMX
Diptych Fine Arts | CDMX
Durban Segnini Gallery | Miami
Galería Freites | Caracas
Galería de Arte Mexicano GAM | CDMX
Galería Alfredo Ginocchio | CDMX
Pablo Goebel Fine Arts | CDMX
Galeria Enrique Guerrero | CDMX / Houston
Mark Hachem | París
Galería y Editorial Hispánica | CDMX / Madrid
Gregory Leroy | París
Galería LGM | Bogotá
Masterworks Fine Art | Oakland
El Museo | Bogotá
Galería RGR+ART | CDMX
Galería Óscar Román | CDMX
SMITH-DAVIDSON GALLERY | Amsterdam / Miami
Mario Uvence | San Cristóbal de Las Casas
En cuanto Diseño, se ofrece la oportunidad exclusiva para visitar y adquirir las propuestas más sobresalientes de más de 30 expositores internacionales. Esto incluye piezas de colección y ediciones limitadas de muebles y accesorios, así
como piezas de diseñador utilitarias y decorativas que se han producido durante un período que comprende de 1960 al día de hoy.
Expositores de diseño por orden alfabético (Galería – Ciudad)
Universidad Anáhuac México | CDMX
Anfora Studio | CDMX
Ángulo Cero | CDMX
Galería Arbequina | CDMX
ART LEXÏNG | Miami
Breuer | CDMX
CENTRO | CDMX
Estudio Cerisola | CDMX
Concepto Múltiple | CDMX
CUCHARA | CDMX
D’Argenta | CDMX
Esrawe | CDMX
Ewe Studio | CDMX
Ezequiel Farca + Cristina Grappin | CDMX
Felina | CDMX
Carla Fernández | CDMX
Casa Gutiérrez Nájera | Querétaro
merkki | Guadalajara
mob estudio | CDMX
Mool | CDMX
Mutable | CDMX
Vissio | CDMX
Nouvel Studio | CDMX
Odabashian | Miami / CDMX
IKER ORTIZ | CDMX
Studio Orfeo Quagliata | CDMX
ROMOHERRERA | CDMX
STUDIO IMA | CDMX
Galería Talavera de la Reyna | Puebla
TARACEA | CDMX
Tecnológico de Monterrey | CDMX
TRECE SIN 3 | CDMX
Venini | Venecia
XINÚ | CDMX
YAM Gallery Silver | San Miguel de Allende
Zona Maco 2019
¿Dónde? Centro Citibanamex, Sala D. Av. Conscripto 311 Lomas de Sotelo.
¿Cuándo? Del 06 al 10 de Febrero del 2019
¿Cuánto? De $275 – $375
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Fotos cortesía de INAH
Esta instalación forma parte de la celebración de los 60 años del Museo Nacional de Antropología.
El Museo Nacional de Antropología (MNA) celebra 60 años, con la pieza monumental Tú del artista jalisciense José Rivelino Moreno Valle (1973) una de sus obras escultóricas monumentales más emblemáticas. Dicha pieza se encuentra expuesta en la explanada principal del recinto capitalino y ya es posible visitarla.
Se trata de un conjunto escultórico que consta de dos dedos índices de color blanco, elaborados en bronce, acero y concreto, los cuales se apuntan uno al otro, y pesa 30 toneladas, sumándose a la Piedra del Sol como una de las obras más pesadas exhibidas en Ciudad de México.
Esta instalación fue revelada por primera vez en Trafalgar Square, Londres, en Reino Unido, en 2015, y desde entonces ha formado parte del espacio público de latitudes como Alemania, Bélgica, Rusia, España, Italia y Estados Unidos. En México, esta pieza ha visitado la Macroplaza de Monterrey, el Patio Mayor del Instituto Cultural Cabañas y los centros históricos de las ciudades de Puebla y San Luis Potosí.
Por su parte, Rivelino es un artista que divide su tiempo entre la creación, la investigación y el activismo en los ámbitos de economía, cultura y desigualdad, y destacó la relevancia de la presentación de su obra en el museo más visitado de Latinoamérica. La intención de esta pieza es que el público pueda interactuar en diversas formas: "Que el individuo esté frente a frente del otro. De ellos frente a mí y de todos juntos, en el paso del yo al nosotros".
Esta pieza es polisémica, interactúa con el espacio en el que se instala y, al mismo tiempo, con el público. Visibiliza lo que las personas a veces quieren decir, en el espacio que hay entre los dos dedos que se señalan entre sí, puntualizó, caben todas las ideologías, las conversaciones y todo tipo de personas.
Además de admirar la instalación artística, las y los visitantes del MNA podrán tocarla e interactuar con ella, fotografiarse o mirarla a detalle y reflexionar sobre la propuesta del artista.
Tú de Rivelino
Dónde: patio del Museo Nacional de Antropología; Paseo de la Reforma y Gandhi, Chapultepec, Polanco, Miguel Hidalgo.
Cuándo: hasta 26 de agosto de 2024, lunes a viernes desde las 07:00.
Entrada libre
Fotos cortesía de Procine
Nudus es una de las cintas mexicanas más perturbadoras de los últimos años.
Nudus significa "desnudo" en latín, y es una analogía de estar desnudos en las redes sociales, vulnerables o con la falsa seguridad de privacidad, muy a pesar de que todo el internet está siendo vigilado por terceros, según el cineasta Gibrán Bazán cuando habla de su nuevo filme.
Esta historia llega a fortalecer el cine mexicano, que demuestra su variedad de estilos, directores, talentos e historias que enriquecen a la industria fílmica, a la cultura e identidad del país.
Nudus es un film de terror psicológico, que nos sumerge la superstición, la religión y las creencias populares, agregando capas de complejidad a las narrativas y generando una mayor sensación de inquietud en la audiencia. Pero esta ocasión, la cinta se centra en los avances digitales y el terror tecnológico; ofreciéndonos una ventana hacia el hackeo mundial, en un mundo postapocalíptico en donde no existe la privacidad en internet.
Asimismo, Nudus aborda a nuestro mundo hiperconectado: cibercrimen, espionaje global, falta de privacidad y vulnerabilidad de la información. Se trata de poner bajo el reflector el poder de las redes sociales, que concentran miles de millones de datos de los usuarios, en una sociedad cada vez más vigilada.
Carla Hernández, Alex Crusa y Sayaka Yokoyama, son los protagonistas de la cinta de escrita y dirigida por Gibrán Bazán, además de otros trabajos como "Los rollos perdidos" (2012), "Generación Spielberg" (2014) y "El buquinista" (2018); discípulo de Juan López Moctezuma, colaboró con el cineasta en varios proyectos.
Esta cinta se estrenó primero en Estados Unidos, debido a que el tema llamo la atención, además de reflejar el poder de la Inteligencia Artificial, sobre todo con toda la polémica de la huelga de Hollywood, la intromisión cada vez mayor de las redes sociales en nuestras vidas y el gran hackeo es algo que ya comenzó y que tendrá mayor impacto en unos cinco o siete años.
La premisa de su película es que los datos de miles de millones de personas estarán disponibles y abiertos en la red para consulta libre gracias a la poderosa tecnología de las computadoras cuánticas que serán capaces de vulnerar cualquier contraseña o sistema de seguridad online, dejando expuestas nuestras búsquedas, llamadas, mensajes de WhatsApp, passwords, transacciones y cualquier acción que realicemos en internet, es ya una terrible realidad.
Fotos cortesía de Betsabeé Romero
La artista Betsabeé Romero forma parte de una exposición conjunta de la 60 Bienal de Venecia.
La artista Betsabeé Romero lleva su exposición "La espiral sin fin" a la Galleria Piazza San Marco, como parte de la 60 Biennale di Venezia presentada por el Museo de Arte Latinoamericano (MOLAA) con la Fundación Bevilacqua La Masa y el apoyo de los main partners William S. Y Michelle Ciccarelli Lerach e Itaca Arts, cuyo CEO es Santiago García Galván.
Diversos medios italianos han hablado de la exposición, tanto como de la trayectoria de Betsabé y los hallazgos de "La espiral sin fin". Esta exposición explora las prácticas artísticas de Betsabeé Romero a través de obras de arte encargadas y nuevas instalaciones, que también se presentará en el Museum Of Latin America Art (MOLAA) en 2025, en Long Beach, California, EU.
Según, Santiago García Galván, la exposición que Betsabeé Romero "a través de sus imágenes poderosas y su simbolismo profundo, ha capturado la esencia de la experiencia migratoria, entretejiendo los hilos de la cultura, la identidad y la resiliencia. Su obra sirve como testimonio del espíritu humano, recordándonos nuestra humanidad compartida y la importancia de la empatía y la compasión".
Betsabeé Romero ha dicho sobre esta exposición que ya está montada y lista para su inauguración en la Galleria Piazza San Marco, que la selección tomó muchos meses, es un formato muy complicado para participar, participan muchos proyectos paralelos de todo el mundo, y al final, fuimos uno de los 30 proyectos seleccionados para hacer una exposición paralela.
En esta exposición, que está muy en la línea del tema general de la bienal, pero más específicamente desde lo que significa la imposición de fronteras, de bordes, de líneas casi punzocortantes que hieren la identidad cultural, de género, la identidad personal y comunitaria, cultural e histórica.
Buena parte de esta exposición reflexiona sobre la Cultura como el hogar que llevamos dentro y que sobrevivió a la sombra de todos los poderes; la forma en que se reproducen las fronteras, las polarizaciones han dividido incluso la cama en el paisaje familiar.
Fotos cortesía de Tany Folgoso
Un nuevo museo en la CDMX mostrará la riqueza musical de Los Ángeles Azules.
El Museo Comunitario Ocho Barrios es uno de los museos que se suma a la CDMX y poco a poco llegaremos a ser la ciudad con más museos del mundo, aunque todavía estamos por detrás de Londres. Para inaugurar este recinto, se abrió la exposición dedicada a la música que muestra las tradiciones y manifestaciones culturales de las comunidades originarias de Iztapalapa.
La exposición de este museo está dedicada a la Música y Músicos de Ixtapalapa, en donde podremos conocer la historia de algunas agrupaciones de esta región, siendo una de las más conocidas, Los Ángeles Azules; que han dejado un impresionante legado en muchas generaciones, musicalizando bailes, ceremonias religiosas, conformado orquestas tradicionales o puesto en alto el nombre de Iztapalapa.
Así que uno de los atractivos de esta exposición es justo ver las fotografías, acetatos firmados, trajes y notas de periódicos sobre grupos musicales emblemáticos de la demarcación, y sobre todo de Los Ángeles Azules. Ya que el Museo Comunitario de los Ocho Barrios busca reconocer la importancia de esta gran banda originaria de Iztapalapa.
Esta agrupación, ya reconocida en muchas partes del mundo, comenzó con la familia Mejía Avante a finales de los 70, aunque debutaron oficialmente en 1980 y desde esa fecha han sido "de Iztapalapa para el mundo". Sus primeros instrumentos fueron sacados con ayuda de Mamá Martha, madre y fundadora del grupo musical, quien fue aval y obtuvo un préstamo para que sus hijos tuvieran guitarras, un bajo y una tarola. Incluso tuvieron que vender la camioneta de su papá para comprar bocinas. Cuarenta años después, Los Ángeles Azules llevan la cumbia de Iztapalapa a muchas partes del mundo y a todas las fiestas mexicanas.
Música y Músicos de Ixtapalapa
Dónde: Museo Comunitario de los Ocho Barrios; Ermita Iztapalapa 100, San Pablo, alcaldía Iztapalapa.
Cuándo: martes a domingo de 10:00 a 18:00 horas
Entrada libre
Foto destacada: Ñuu Savi: Pasado, Presente y Futuro
El seku es una variante de la Pelota mixteca que se preserva en Oaxaca.
Es seku es un deporte que se practica en la comunidad de Yucunani, municipio de San Juan Mixtepec, Oaxaca. Yucunani es una pequeña comunidad con apenas 130 personas con un alto índice de migración, ubicada en la montaña de la región de la Mixteca, en el municipio de San Juan Mixtepec, en el estado de Oaxaca.
Es un juego que se ha retomado en los últimos años, con el fin de preservar la cultura y transmitirlo a las nuevas generaciones de jóvenes que se han integrado en los equipos de seku, además de que ya es un juego con apertura a las mujeres que toman la estaca y meten una bola de madera entre dos banderas que simulan una portería, con el fin de obtener puntos.
Este deporte prehispánico de los pueblos de Ñu?u Savi, estuvo a punto de extinguirse a finales de los años 90, pero un grupo de pobladores, en coordinación con profesores de San Juan Mixtepec, comenzaron a promoverlo y a rescatarlo en la comunidad de Yucunani y en otros espacios. Ahora, los vecinos les enseñan a sus hijos a jugarlo, se resisten a la extinción del deporte de sus abuelos.
El seku es el juego de los ancestros. Es por eso que es un deporte básico en donde solo son necesarios dos equipos de cinco personas en cada una; cada persona usa un bastón de madera con la base curvada, una bola de madera de algún árbol. Además, de estacas con antorchas encendidas colocadas sobre la orilla del perímetro donde se desarrolla el juego.
Cada partido dura 20 minutos con descansos de 10 minutos, aunque algunas veces los partidos pueden llegar a durar hasta media hora. Los pobladores explican que la bola con la que se juega está hecha del tallo del colorín, un árbol escaso en la zona, por lo que en ocasiones lo sustituyen por otros árboles de la región.
La antorcha, que todavía se prende en este juego, sirve para definir las líneas que conforman el campo. Además, como es un juego que tradicionalmente se jugaba de noche, el fuego es para guiar a los jugadores y que no se salgan del campo. Es un juego nocturno porque antes no había tiempo para jugar, y todos se dedicaban a trabajar en el campo.
Asimismo, este juego ya forma parte de las actividades del pedimento de la lluvia que realizan cada año los pueblos de la nación Ñu´u Savi. Hoy en día se abren torneos, y se dan premios y otros estímulos para que haya cada vez más participantes en este juego ancestral.
Además, el torneo está programado a la par de la feria anual de Yucunani, así que se invitan pueblos vecinos como Santiago Juxtlahuaca, Yanhuintlán, Nochixtlán, Tamazulápam, a la competencia, para que sea posible observar los encuentros de cerca, incluso se explican las reglas de este juego que preserva la identidad de Oaxaca.
Fotos cortesía de Marina Baysands
Frida Kahlo supera las fronteras y llega al Museo de arte de Singapur.
Dese hace muchos años, la visión creativa de Frida Kahlo dejó ser un impacto en la cultura popular mexicana para formar parte de algo más global; e incluso para llegar a tierras tan lejanas como la República de Singapur, es una pequeña ciudad-Estado y país insular, situado en el corazón del Sudeste asiático.
Hasta dicho país llega la historia de vida de la artista mexicana a través de ‘Frida Forever’, que incluye dos cautivadoras exposiciones de Frida Kahlo y una experiencia de realidad virtual en el ArtScience Museum Singapore.
Y es que la influencia de Frida Kahlo va más allá de su arte y de su simbolismo; porque miles de personas pueden identificarse con sus experiencias personales y reflexiona sobre sus pasiones, luchas y creencias. Sobre todo sus autorretratos ha sido muy elogiados, pues logran romper límites con su descripción cruda y sin complejos de la feminidad, el dolor, la muerte, el cuerpo humano y la identidad.
‘Frida Forever’ también celebra el importante impacto que sigue teniendo, 70 años después de su fallecimiento, no solo en el arte, sino en la moda, la cultura popular, el feminismo y más.
Frida Kahlo: La vida de un icono es la segunda exposición biográfica inmersiva, desarrollada por Layers of Reality y Frida Kahlo Corporation, que se estrenará en el sudeste asiático con proyecciones de 360 ??grados y un espacio creativo que da vida a sus dibujos. Además de recorrer la rica tradición mexicana.
Esta exposición es curada por el ArtScience Museum con el apoyo de Cristina Kahlo Alcalá, sobrina nieta de Frida Kahlo, y muestra archivos íntimos de su relación con su cuerpo, sus dolencias médicas y el profundo impacto que estas luchas tuvieron en su trabajo artístico.
Los visitantes podrán ver cerca de 40 fotografías, páginas de diarios, obras de arte contemporáneas, registros médicos y entrevistas exclusivas con Cristina Kahlo Alcalá. Esta última revelará cómo adquirió estos documentos médicos del American British Cowdry Hospital donde estuvo internada Frida Kahlo.
La cereza del pastel es una experiencia de realidad virtual que se lleva a cabo dentro de la Galería VR del Museo ArtScience, donde los visitantes pueden ingresar a las pinturas de Frida para sumergirse en su estética, la paleta de colores de sus obras y las diversas texturas que utilizó. Las exposiciones y eventos de ‘Frida Forever’ se llevarán a cabo en el ArtScience Museum del 4 de mayo al 1 de septiembre.
Fotos cortesía de Google Arts & Culture
Estos artistas lograron construir un movimiento que le dio identidad a los chicanos.
El arte chicano forma parte de los movimientos culturales desde los años 50 del siglo XX, pero fue 1960 que se da el boom, junto con las protestas de la guerra de Vietnam, el movimiento Black Power a favor de los derechos civiles. De ahí, que la lucha chicana desafió la categorización y los estereotipos divulgados entre la población anglosajona.
Se trató de un movimiento de artistas chicanos, sobre todo del sureste de California, siendo uno los más representativos el Colectivo de Los Four ( Los cuatro) integrado por Beto de la Rocha (California, 1937), Frank Romero (California, 1941), Carlos Almaraz (Ciudad de México, 1941-California, 1989), Gilberto Sánchez Luján (California, 1940-2011)
En 1974 se unió Judithe Hernández (California, 1948) al colectivo, y todos se caracterizaban por ser activistas de origen mexicoamericano, educados en universidades de Estados Unidos, y sobre todo por ser los primeros artistas en romper las barreras que los museos tenían para el arte chicano, cuando en 1974 el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles (LACMA) incluyó una exposición sobre su obra.
También se caracterizan por impulsar el ?muralismo chicano?, expresión que se desarrolló sobre todo a partir de la década de 1970 en los estados fronterizos del suroeste de los Estados Unidos, y que son reconocidos por representar la vanguardia intelectual del movimiento y de forjar una nueva sensibilidad artística chicana.
Los Four lograron construir muchos puentes híbridos entre la cultura mexicana y estadounidense, plasmando la dualidad cultural de ambos países, superando la geografía, y también creando técnicas y formatos que fueron muy característicos de esa época.
Hoy en día, Los Four no representan la visión definitiva del arte chicano; pero en su momento sí fueron los que abrieron paso a la exploración del arte de Los Ángeles, tuvieron la osadía de crear un diálogo con México, resignificar las piezas en un dicho momento histórico y presentar un arte chicano único, una escuela original que no era ni mexicana, pero tampoco ?gringa?.
En efecto, el movimiento de arte chicano representa los miles de intentos de los artistas estadounidenses de origen mexicano para establecer una identidad única. Es un movimiento que trabajó para resistir y desafiar las normas sociales dominantes y los estereotipos de la autonomía cultural y la autodeterminación, en donde los chicanos han utilizado el arte para expresar sus valores culturales, como una forma de protesta con un valor estético fascinante.
De los cinco artistas, quizá el que ha sido más reconocido a lo largo de los años es Frank Romero, de ascendencia española y mexicana. Algunos se lo atribuyen a que hablaba inglés en casa y Romero aprendió a hablar español más adelante en la vida. Pero no hay duda que todos son grandes artistas y que poseen su propia identidad.
