Arte y Cultura
MASA, una galería que fusiona el arte, el diseño y la arquitectura en la CDMX
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Dentro de una casa abandonada de los años 70 en Paseo de las Palmas, se abre Masa Gallery, una nueva plataforma de diseño, arte y arquitectura inspirada en las raíces creativas de México.

A pesar de la gran cantidad de diseñadores notables de México que producen trabajos innovadores, el país carece de una galería reconocida internacionalmente para el diseño coleccionable de edición limitada.

Masa se ha pavoneado elegantemente para cambiar eso. Al presentar su espectáculo inaugural en una casa abandonada de los años 70 en el verde Paseo de las Palmas en la Ciudad de México, Masa ha dejado clara su intención en la industria.

Masa es una galería nómada que fusiona el arte, el diseño y la arquitectura, invitando a los visitantes a ver muebles exclusivos en diálogo con pinturas y objetos, ubicados en un entorno que representa la vida cotidiana. “No queríamos un modelo de galería estándar”, explica el cofundador Age Salajõe. “Tenía que ser más disruptivo”. Sin una ubicación permanente, Masa viajará a lugares interesantes, cambiando el trabajo que muestra según la ubicación. “Vamos a evolucionar con los espacios, ya que encontramos lugares que tienen un carácter magnífico”, explica Salajõe.

La exposición principal de Masa, ‘Colectivo / Coleccionable’, curada por Su Wu y Constanza Garza, muestra trabajos de mexicanos o extranjeros que han vivido en el país y han sido influenciados por ella. En un rincón, Leonora Carrington, una artista británica involucrada en el movimiento de liberación de mujeres de México de los años setenta, preside a un joven local del estudio Tezontle. En el hall de entrada, todavía pintado de rojo brillante con alfombras a juego de la época, los visitantes son recibidos por “Tar Paper Stack” de Brian Thoreen, que se alza sobre las “sillas Mitla” de Pedro Reyes.

 

 

 

MASA era inevitable, y MASA era lo que habíamos estado esperando: una estaca planteada para un diseño de alta gama dentro del renacimiento cultural que está ocurriendo en la Ciudad de México en este momento. Todo el mundo habla de la épica escena gastronómica de la ciudad, de sus influyentes galerías de arte, de la Feria Zona Maco y de los arquitectos de estrellas en ciernes que construyen museos de lujo. Incluso hay una Design Week Mexico y un par de galerías de buen diseño que trabajan con talentos locales. Pero antes de que MASA debutara la semana pasada, con una exhibición de muebles e iluminación de 15 de los mejores artistas y diseñadores de la ciudad, realmente no había una plataforma definitiva para el diseño experimental contemporáneo, al menos no tan ambiciosa como esta.

 

 

Wu y Garza complementaron las piezas contemporáneas con obras de arte históricas que también tienen vínculos con México, como las pinturas de la fallecida surrealista Leonora Carrington, quien residió allí de vez en cuando a lo largo de su carrera, y un Date Painting que On Kawara creó en la Ciudad de México. Año de los levantamientos estudiantiles de 1968. "A través de piezas históricas junto a obras de arte y objetos contemporáneos, deseamos presentar la idea de que el lugar es un continuo, que México como idea, pueblo, tradición cambia a través de la narrativa y la erudición, que es un reflejo del poder, pero también a través de Anhelo “, escriben los pares. “La exposición extiende el rico y variado legado artístico en México, donde la definición de diseño es tan amplia y variada como la cantidad de personas que la practican”.

“Colectivo / Coleccionable” estará abierto hasta el 13 de abril, después del cual no sabemos exactamente qué sucederá a continuación: MASA es un proyecto nómada, sin espacio físico permanente. Les recomendamos que sigan al grupo en Instagram, después de ver nuestros aspectos destacados de la exposición a continuación.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Masa Gallery

Dirección: Paseo de las Palmas 1535, Lomas de Chapultepec

Cuándo: martes a sábado 13:00 a 20:00 Domingos 12:00 a 18:00 horas.

Contacto: [email protected]

Entrada libre

Sitio web / Instagram

 

Axolotl dios del fuego: la hermosa escultura en hielo creada por mexicanos
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Mexicanos viajan a Minnesota para moldear la hermosa escultura de un ajolote, uno de los animalillos endémicos más tiernos de nuestro país.

Fotos: periodicmx

Axolotl, dios del fuego es el nombre que representó a los mexicanos en el Mundial de Escultura de Nieve.

 

 

Alguna vez te contamos sobre el escultor mexicano Abel Ramírez Aguilar, que ganó varios premios internacionales con sus espectaculares creaciones en hielo. Y este 2023, un grupo de magníficos escultores mexicanos participaron en el Campeonato Mundial de Esculturas de Nieve en Stillwater, Minnesota, donde destacaron al crear una imponente figura de un ajolote.

Este equipo es originario de Colima, y está conformado por el capitán Jorge Santa Ana Hernández e Israel Magaña Rodríguez y Javier Gutiérrez Fuentes. Viajaron a Minnesota para competir en el Mundial de Esculturas de Nieve, donde compitieron contra equipos de Estados Unidos, Turquía, Canadá, Argentina, Ecuador, Finlandia y Alemania.

Lo peculiar fue que crearon la escultura: ?Axolotl: Dios del Fuego?, haciendo honor a la leyenda azteca, donde el ajolote es la personificación del fios del fuego y el relámpago, Xolotl, quien se disfrazó como salamandra para evitar ser sacrificado.

Luego de los cuatro días de competencia, los mexicanos dieron vida a su pieza, que lució magníficamente detallada. Aunque no fue suficiente para entrar al podio, esta escultura ha sido un honor para miles de mexicanos que gozamos de su creación y encontramos en este arte una forma de rendir homenaje a uno de los animales únicos de nuestro país.

La competencia fue ganada por el equipo local House of Thune, el segundo puesto lo ganó el equipo Flozen de Florida, y el tercer puesto se lo llevó el equipo de Turquía. Por su parte, el equipo de Wisconsin, Sculptora Borealis, se llevó el premio del público.

Para los mexicanos, equipo colimense logró representar a la cultura mexicana con orgullo a nivel internacional, y eso los coloca en el primer puesto en nuestros corazones. Sin duda una muestra más de la increíble creatividad e ingenio que creó a este cariñoso anfibio endémico de México.

Los mexicanos presumieron su labor en redes sociales y nosotros ovacionamos el talento que lució en la competencia internacional. Los colimenses regresan a México con un reconocimiento y con la satisfacción de haber puesto en alto el nombre de nuestro país.

La artista mazatleca Guille Blancarte expondrá en el Museo de la Luna 
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La obra de esta mexicana será parte de una cápsula del tiempo fabricada con material indestructible para ir a a Luna y que podrás visitar desde la tierra.

La artista mazatleca Guille Blancarte enviará su obra "I Wonder" a la Luna, así como lo lees, será una de las 222 artistas invitadas que formará parte del primer museo de la luna, el Lunaprise Moon Museum.  

Blancarte fue una de las ganadoras del CryptoArt to Impact and Innovation en Bitsabel, que se llevó a cabo a finales del 2022 dentro de la Semana del Arte de Miami y que logran pasar a la historia con su arte en una misión al espacio exterior.  

"I Wonder representa la dualidad, los ciclos, principios y finales, amanecer y atardecer; preguntarse sobre el futuro del océano, todo lo que aún no se ha explotado y al mismo tiempo maravillarme con el sentimiento único que me provoca cada vez que tengo el privilegio de disfrutar de esta experiencia en la que algunas veces si tienes suerte, puedes llegar a ver el rayo verde", comentó la artista.  

 

 

La obra de Guille Blancarte es un homenaje a los atardeceres de Mazatlán, logrando que su ciudad natal traspase fronteras y que mejor manera que en el Museo en la Luna.  

"Es mi gota de agua para tratar de crear conciencia del profundo peligro que enfrentamos si no hacemos algo ya por restaurar el balance del océano, deseo que futuras generaciones puedan disfrutar del mar en todo su esplendor", agregó la artista.  

 

 

Sobre el Lunaprise Moon Museum 

Será el primer museo en la Luna. Se trata de una cápsula del tiempo fabricada con material indestructible con información de la humanidad que incluirá a artistas de todos los tiempos, ganadores del Grammy, discursos famosos, coleccionables de grandes estrellas deportivas, obras de arte, guiones cinematográficos, colecciones de NFT y más.  

Este museo se podrá visitar desde la Tierra, pero sólo a través del metaverso.  

La misión de este museo en la Luna es la primera desde 1972.  

Sobre el proyecto ecuestre poco conocido de Luis Barragán (FOTOS)
Mariana Gaxiola
Los Clubes es uno de los complejos arquitectónicos más representativos en la trayectoria de Barragán.


Al ser amante de los caballos, el arquitecto les dedicó un fantástico espacio arquitectónico.

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El proyecto de Los Clubes es un espacio conformado por tres construcciones: la Casa Egerstrom, las Cuadras San Cristóbal y la Fuente de los Amantes. Se trata de un plan que fue desarrollado por

Luis Barragán en 1964 para los Folke Egerstrom, una familia dedicada al adiestramiento de caballos pura sangre.

Este complejo se erige sobre un predio de 7.5 acres, en Atizapán de Zaragoza, un suburbio aledaño a la Ciudad de México. Aunque en ocasiones inadvertida, es una de las obras más representativas de Barragán, pues es un ejemplo del simbolismo, geometría y abstracción que siempre están presentes en su arquitectura emocional. Pocos lo saben, pero el arquitecto era un entusiasta de los caballos, por este motivo decidió construirles un templo.

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Lo que más destaca de Los Clubes es la Fuente de los Amantes, una estructura que se definiría mejor como una pieza artística y sobre todo, funcional. Más allá de fungir como un ornamento exterior, la fuente es en realidad una pileta para los caballos. "La profundidad del estanque la calculé para que al pasar el caballo, le llegara el agua a la panza", decía Barragán.

La idea es que el tanto el sonido de la cascada, como la arquitectura geométrica, funjan como escenografía de una experiencia liberadora para el caballo: sumergirse en el agua.

Como a 80 metros de la fuente se construyó la

Cuadra San Cristóbal, el sitio destinado a las caballerizas. Aquí aparece de nuevo el agua, que juega con el tono de los muros para ofrecer un sitio confortable.

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Por último está la Casa Egerstrom, una de las mayores viviendas diseñadas por Barragán. El hogar busca encontrar una relación entre el espacio interior y exterior. Destaca el color blanco y las pequeñas ventanas. El jardín de la casa se conecta con la piscina mediante un porche, y al final se levanta un cuarto para los bañistas.

Es un hecho que

Luis Barragán era un experto en luz y color. Sus estructuras lograban un balance armonioso entre lo abstracto y lo geométrico. Este complejo ecuestre es un maravilloso ejemplo del talento de este arquitecto. Por un lado ejecuta un espacio funcional para los caballos, jinetes y habitantes, y por el otro, brinda un sitio hermoso dotado de tradición mexicana, colores y simbolísmos.

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Cuadra San Cristobal

Dirección: Cda. Manantial Ote. 20, Mayorazgos de los Gigantes, 52957 Cd López Mateos, Méx.

Imágenes: Archdaily.

Imágenes de Inteligencia Artificial simulan a un México nunca conquistado
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¿Qué pasaría si la Gran Tenochtitlan nunca hubiera sido colonizada? Una inteligencia Artificial tiene una idea bastante ciberpunk.

Estas imágenes creadas por una Inteligencia Artificial, muestran un México bastante peculiar.

 

El "arte" generada por inteligencia artificial (IA) se ha debatido, padecido y gozado bastante en los últimos años. Ya que, a diferencia de un creador convencional, la IA puede generar y difundir el material de una manera mucho más veloz. Hoy en día existen muchas plataformas de IA que “crean” imágenes a través de un discurso dictado.

Este es el caso de esta IA que creó una serie de imágenes en un México, o más bien Tenochtitlán que nunca fue conquistada. El resultado es algo así como una especie de Wakanda-Tenochtitlan, donde la tecnología ciber punk se mezcla con la estética prehispánica. El resultado es bastante curioso, sobre todo porque se trata de la creación artificial.

El resultado fue compartido por un usuario de Tik Tok, que utilizó la tecnología para generar imágenes. Para algunas personas este trabajo es una banalización, para otros una obra de arte.

Como sea, pues es cierto que hay detrás todo un concepto artístico, aunque todavía existen muchas complicaciones con la IA, en la medida en que el diseño de sus personajes tiene algunas libertades creativas; por ejemplo, personajes con 8 dedos en una mano, animales con 5 pies, u otros detalles que finalmente son más complejos de crear, incluso para un artista humano.

Falta mucho para que una IA sustituya a un dibujante, pero sí es bastante impresionante la velocidad con la que se crean conceptos. No hay duda, que de estas nuevas tecnologías cambiarán la naturaleza de los procesos creativos, y esto apenas comienza, porque todavía falta ver resultados en cuanto a la creación musical, arquitectónica, las bellas artes y la ciencia.

Por ahora, la IA podría ser un aliado valioso para la creación, aunque se tome todavía como competencia. Lo que nunca se podrá sustituir es el desarrollo social, los artefactos humanos, la vida, la formación que hacen que pensemos y actuemos de modos determinados, que una máquina nunca podrá replicar. Ese es el valor de lo humano.

La creatividad parece algo misterioso, pero casi siempre es producto del esfuerzo diario. Como sea, te dejamos con estas increíbles imágenes para que juzgues por ti mismo, pero sobre todo para que las disfrutes a tu modo particular.

 

Este artista presenta una mirada curiosa de la vida cotidiana de la Gran Chilangolandia
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Humanimales es esta serie de animales de la cultura popular mexicana en situaciones cotidianas de la CDMX.

Fotos: @joaquincarre

Joaquin Carreño Alonso es el artista que recrea escenas mexicanas con una estética de cuentos infantiles de animales.

 

La Ciudad de México nunca descansa. A todas horas hay movimiento. Y entre todo el alboroto y complejidad de este monstruo de ciudad, estas ilustraciones son un recordatorio de que la vida de un chilango también está llena de momentos increíbles, mucho más cuando se trata de vernos como en los cuentos infantiles.

Así lo hace el artista visual Joaquín Carreño Alonso, que retrata de un modo bastante curioso, que retoma la estética y personajes de los cuentos infantiles y libros de texto y lo ubica en la vida cotidiana de la Ciudad.

Así es que podemos ver a un topo comiendo tacos en el Centro Histórico, a un mapache con una concha de vainilla en la orilla de la mesa de la cocina a un amigo marciano con caguama banquetera.  Joaquín viene de un linaje de artistas; su abuelo, Jorge Carreño fue caricaturista de la revista Siempre! Y su padre, Luis Carreño, quien también se dedicó a ilustrar el acontecer político y social en El Universal.

Así que desde pequeño veía a su papá dibujar, y decidió estudiar en la Academia de San Carlos y en Académie de la Grande Chaumière, en Francia. Su enfoque va hacia la ilustración y pintura con técnicas mixtas, ya sea óleo, lápiz acuarela o gouache. Su obra está en algunos espacios de la CDMX y San Miguel de Allende.

Estas ilustraciones son una serie llamada Humanimales, surgió cuando un día pintó ratita bebiendo una cerveza. "Al subirla a Instagram noté que a la gente le gustó", recuerda el artista. "A la gente le gusta los animales lindos haciendo cosas cotidianas y mexicanas con las que se identifica por las situaciones en las que se encuentran: comiendo tacos, fumando, comprando hielos en la tienda", expresa.

A partir de ese ejercicio, empezó a producir más escenas cotidianas y con referencias de la cultura mexicana. Se trata de oficios, objetos y de reproducciones de una ciudad que pasa inadvertida. Son pinturas que conectan bien con la gente porque forman parte de nuestra vida de a pie.

Aquí te dejamos con esta serie de pinturas en gouache, un pigmento a base de agua, parecido a la acuarela, pero más opaco, de Joaquín Carreño Alonso.

 

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