Arte y Cultura
ILUMINA, una alucinante escultura de luz y sonido que brilla con las emociones
Benjamin Malik
ILUMINA es una pieza de arte donde la tecnología, la arquitectura, el diseño, la luz y el sonido nos invitan a experimentar las formas en que todos estamos conectados con el cosmos.

ILUMINA es una escultura interactiva de luz y sonido alimentada por la energía colectiva del corazón de las personas. 

 

El arte y la tecnología son dos rostros de la creatividad humana, dos que además se encuentran estrechamente relacionados, a pesar de las diferencias que en apariencia tienen entre sí. Aquello que hace el arte en no pocas ocasiones se ha logrado gracias a un desarrollo técnico específico, una tecnología cuya existencia permite al artista hacer o dejar de hacer determinada obra. Sí, lo condiciona, pero posiblemente también lo incita a trascender esas limitaciones. 

En este sentido, la relación entre una y otra actividad humana podría encontrarse en prácticamente cualquier época, pero sin duda es en tiempos recientes cuando la tecnología posee una presencia, tan persistente, de algún modo tan ineludible, que el arte se ha encargado de incorporarla a sus procesos, tanto como un recurso, un instrumento, como parte del examen de la realidad contemporánea, cuando muchas de nuestras prácticas e interacciones pasan casi necesariamente por un dispositivo tecnológico.

Así, de alguna forma se cumple el ideal profesado por Nietzsche sobre la necesidad de transformar la vida en una obra de arte, pero esta vez por la vía del arte y la tecnología. De algún modo la sensibilidad estética, el descubrimiento de lo admirable o lo francamente bello que cualquiera de nosotros puede percibir, encuentra un vehículo, un medio de transmisión y de expresión en como el arte puede ser magnificado a través de la tecnología.

 

 

En la actualidad cada vez es más complejo alcanzar grados altos de consciencia, y crear una comunidad sin estar al margen de la tecnología, aún más de la mano con la tecnología o ayudándonos de ella como una herramienta para mejorar nuestras habilidades sensitivas. En la misma medida en la que dependemos de la tecnología para sobrevivir, ésta se ha hecho parte de nuestra vida, incluso en sus recovecos más espirituales y hasta trascendentales. El arte, ahora más que nunca, demanda ser un vehículo para explorar diferentes estados que nos acerquen a las dimensiones de lo infinito

Ilumina es una instalación creada por el artista Pablo González Vargas, que a través de una profunda exploración con el poder de la interconectividad, propone un método para mejorar el campo de energía del planeta. Pablo González creo una majestuosa escultura interactiva de luz y sonido que se activa mediante el estado emocional de las personas, generando un hermoso espectáculo luminoso y un paisaje sonoro en donde los participantes entran en un estado de coherencia y profunda armonía con ellos mismos y entre sí.

 

 

Ilumina es una una pieza de metal monumental,  completada con aluminio y luces LED que en conjunto forman una pieza arquitectónica llena de armonía. La pieza de arte combina la tecnología con un diseño de antigua sabiduría. Ilumina tiene una programación que responde a estímulos externos siendo capaz de brillar más mientras más "coherente" sea el grupo al que aloja, generando una experiencia compartida única.

Ilumina es una experiencia visual estremecedora, y los voluntarios que participan en el ejercicio de la inmersión meditativa de tres minutos de duración, son transportados a un estado de coherencia y profunda armonía con ellos mismos, con sus compañeros participantes y con el cosmos a través de una fusión patentada de tecnología moderna y arte transpersonal.

 

 

Los sensores biométricos se conectan a los lóbulos de los oídos de cada participante, lo que mide su estado único de coherencia y los promedia juntos. Así es como el diseño de iluminación y los paisajes sonoros en movimiento responden a un algoritmo único, producto de HeartMath que utiliza sensores biométricos para el autoentrenamiento personal en la regulación de los estados emocionales donde la escultura se vuelve más brillante en la medida en que los usuarios experimentan con sus emociones.

El equipo para crear Ilumina incluyó cerca de 20 personas de diferentes disciplinas y aportaciones. Hubo un gran equipo de diseño industrial que le dio forma al modelo exacto que se llevó a la fabricación. Marco Kalach trabajó con un taller experto en la fabricación, porque como es una instalación de uso público en eventos particulares, se tenía que cumplir con todas las normas, regulaciones estructurales y con códigos de protección. La productora ejecutiva del proyecto fue Gaby Vargas, quién se encargó del expertise en HeartMath, y se sumaron músicos e ingenieros de audio mexicanos para hacer la experiencia de 360 grados de sonido inmersivo, liderados por Billy Mendez. Y el equipo de iluminación, dirigido por Paolo Montiel, coordinó toda la programación y diseño de iluminación que hace simbiosis con el audio.

 

 

Fue en Burning Man del 2012, donde Pablo González Vargas creó un art car llamado Mayan Warrior: un proyecto de luminiscencia y un audio espectacular donde se exponen piezas del artista Alex Grey y performances musicales de artistas élite de México y todo el mundo

En la penúltima edición de Burning Man, Pablo González y su equipo decidieron ir un paso más allá de la gran propuesta que es Mayan Warrior, al presentar Ilumina, esta pieza de geometría sagrada que irradia no sólo luz sino una sacralidad algorítmica, tan mística como hipnótica. Los casi 12 metros de altura iluminaron el desierto de Nevada en el festival Burning Man 2017, y los usuarios lograron entrar en un estado mental cargado de concentración y caracterizado por una completa absorción, un maravilloso momento de perdida de la noción del espacio-tiempo.

 

 

Se espera que más adelante existan réplicas de estas esculturas, para que puedan llegar a nuevas locaciones alrededor del mundo, y podamos experimentar este asombroso espectáculo de luz y el paisaje sonoro que nos conecta con el misticismo profunda que hay en nosotros mismos y que resalta la interconectividad de nuestro planeta con los campos de energía global.

Te dejamos algunas fotos de este precioso proyecto, en cuyo interior reside la probabilidad de un futuro coherente y luminoso que valdría la pena habitar.

 

 

 

 

 

 

Si quieres saber más sobre este precioso proyecto de Ilumina o sobre el artista creador y aliados, ingresa a sus redes sociales:

Ilumina Art Installation

Sitio web //  Facebook //  Instagram

 

Storm Cloud: el arte de un chicano con sangre Tarahumara (FOTOS)
MXCity
Storm Cloud es un destacado artista chicano que conjuga el arte prehispánico con la estética y el descontento social de los cholos México-Americanos.

Foto destacada: Storm Cloud. Con información de Eugenia Macías/ Shop mi vida

Storm Cloud, el nuevo arte chicano tiene sangre Tarahumara, Tohon O’odham y radica en Los Angeles.  

 

El movimiento chicano tuvo su apogeo a finales de los años 50 del siglo XX, y desde entonces los artistas no han dejado de utilizar sus raíces, estética y valores culturales, como una forma de expresar las luchas y problemas sociales que han tenido como migrantes, por la integración cultural y para destacar las historias de sus ancestros.

Sobre todo, es un arte que se ha destacado crear una comunidad propia, unificar al grupo y mantener a buscar una identidad que se percibía en una especia de limbo cultural entre lo mexicano y lo estadounidense. Esta es una de la temática recurrente del arte chicano, que sigue permeando hasta la fecha.

Storm Cloud es un artista del barrio de Echo Park, en Los Angeles, California, que retoma la idea de lo mexicano prehispánico para conjugarlo con la estética de los cholos: una fuerza con gran presencia en Estados Unidos, que se ha caracterizado por mostrar su descontento, entre muchas otras cosas, por ser una población mestiza, muchas veces con rasgos indígenas, criollos, negros, mulatos y que habitan en los Estados Unidos, pero que suelen ser hijos de migrantes mexicanos o de otros países de América. 

Jaime Chávez, mejor conocido como Storm Cloud, es de una familia Tarahumara de Chihuahua, y parte Tohon O’odham, un pueblo del sur de Arizona; una de las pocas familias indias que quedan en Los Ángeles. Pero la familia Chávez ha estado viviendo en Echo Park durante los últimos 70 años, viendo de primera mano los cambios que ha atravesado ciudad, especialmente en Echo Park, así como el problema de la gentrificación.

Las obras de Chávez destacan a sus antepasados ??y la importancia de su cultura en su vida diaria. Como muchos artistas chicanos, también algunos miembros de la familia de Chávez se involucraron con las pandillas, aunque Jaime Chávez eligió la dirección creativa para plasmar la dicotomía de “no ser de aquí ni de allá” .

Su arte es un recuerdo de la comunidad, la sangre, las raíces nativas, y la idea del Aztlán: un símbolo constante utilizado por el Movimiento Chicano, cuyo término remite a la unificación de los mexicoamericanos bajo un término de herencia de tierra y cultura, independientemente de la geografía. Esta postura estética-retórica suele ser un reclamo de tierras y derechos civiles, una forma de protesta pacífica para ilustrar la presencia histórica de mexicanos y pueblos indígenas en los Estados Unidos; sin dejar atrás la mucha influencia del muralismo mexicano y el arte precolombino, donde la historia y los rituales estaban codificados en las paredes de las pirámides.

Mira más del arte de Storm Cloud aquí

Los Mirones: exposición de fotógrafos mexicanos reconocidos en el MUAC
MXCity
Los Mirones es una exposición con espectaculares fotografías que rara vez salen de las bodegas.

Foto cortesía de  MUAC.UNAM

Los Mirones es una exposición con destacados fotógrafos que tomaron a los espectadores en primer plano.

 

Hay una gran diferencia entre mirar y ser mirado. Esta es la premisa de “Los mirones” la nueva exposición del Museo Universitario de Arte Contemporáneo de la UNAM, ya que a menudo suele pensarse como la oposición entre la pasividad de quien observa y la agencia de quien produce una acción.

Pero, parece ser que esta dicotomía suele ser engañosa; puesto que la mirada esconde lógicas, jerarquías de miradas y cuerpos que miran. De ahí, que esta exposición se propone rastrear a los mirones y las mironas en la lucha libre, los conciertos, la represión y la calle como momentos del primer plano en la fotografía.

Se trata de una selección de fotografías y fotógrafos que reflexionan sobre las tipologías de la mirada en el ámbito de lo público y, a la vez, recuperar el gesto de las fotógrafas y fotógrafos que giraron la cámara para traer a escena a quienes son observadores. A través de esta selección, también se narra una historia de eventos que habitan el imaginario colectivo local desde el lado B de esas miradas retratadas, que rara vez salen de las bodegas.

Asimismo, Los mirones exhibirá obras de Lourdes Grobet, Gabriela Iturbide, Maris Bustamante, Nacho López, Enrique Bordes Mangel, Francis Alÿs, Enrique Metinides, Armando Cristeto, Carlos Somonte, Ursula Bernath y Raúl Estrada Discua.

La selección de obras se presenta en la Sala 5 del museo, en donde algunas de las fotografías presentes en la muestra registran a un público observando un performance de Pola Weiss en el Museo Universitario del Chopo en 1982; a Raquel Tibol en un Montaje de Momentos Plásticos del No-Grupo en el Museo de Arte Moderno en 1979; la vida de los prisioneros en la cárcel de Lecumberri, principalmente de la sección de mujeres; y aspectos íntimos de los asistentes al Festival de Rock y Ruedas de Avándaro.

Además, está presente una selección de fotografías de Enrique Metinides en la que los transeúntes y testigos de los hechos captados por el fotorreportero (accidentes, tragedias, desastres urbanos e infortunios) se convirtieron en los protagonistas de la escena. Una exposición para ver fotografías que rara vez salen de las bodegas.

Los Mirones

Dónde: MUAC, Sala 5. Planta Alta, Centro Cultural Universitario, CU, Insurgentes Sur 3000, Coyoacán.

Cuándo: hasta el 25 de agosto de 2024, miércoles a domingo de 11:00 a 18:00.

Cuánto: $40

 

El Pavo real y Quetzalcóatl inspiraron el diseño de la nueva playera del tricolor
MXCity
El nuevo jersey del tricolor está inspirado en el plumaje del pavo real, y muchos elemento prehispánicos como Quetzalcóatl.

Fotos cortesía de @Miseleccionfem

El Pavo real y Quetzalcóatl son los elementos prehispánicos que más resaltan en el nuevo jersey de la selección mexicana. 

 

El Tricolor presentó sus nuevas playeras que usará en la 48ª edición de la Nations League, que se celebrará en Estados Unidos el próximo mes de junio. En verdad, son hermosas. Las nuevas vestimentas de la selección azteca de local y de visita de cara al magno certamen, también se lucirán en los partidos anunciados del MexTour, los cuales incluyen duelos ante Brasil, Uruguay y Nueva Zelanda, este último en Pasadena.

Estas nuevas camisas se inspira en el plumaje del pavo real; las figuras semicirculares son de color rojo vino, con detalles en verde bandera. Para dar la textura del plumaje de esta ave, el diseño incluyó algunos puntos verdes sobre franjas violeta burdeos, color que contrasta y resalta los detalles que emulan a las plumas de un pavo real.

Asimismo, el escudo de la selección mexicana junto con el patrocinador conservaron su color blanco para destacar en el jersey. Un detalle peculiar de la camiseta de local es que en la espalda, a la altura del cuello, incluyeron una figura de una serpiente con alas, la cual hace alusión de la serpiente emplumada.

Por último, para la combinación de colores, la camiseta de local tiene unas franjas blancas a la altura de los hombros, así como en las laterales de la playera. En cuanto al Jersey de visita de El Tricolor, o sea, la segunda camiseta, su diseño principal resalta las figuras y líneas que recuerdan a construcciones prehispánicas del México antiguo. El color que más predomina es el verde, pero, a diferencia del los verdes que se han usado en otros diseños, este es más grisáceo.

Solo el escudo y el patrocinador del equipo está destacado en verde bandera, el resto de los diseños y detalles de la camiseta están en verde grisáceo y algunos en la tonalidad fosforescente. Al igual que el jersey de local tiene unos bordes en un color más claro, en verde pistache, para resaltar el diseño principal. Durante la conferencia de prensa, los diseñadores de Adidas recordaron que estos diseños pretenden transmitir la cultura del país, así como la presencia de animales fantásticas ?como es el pavo real?, por ello resaltaron el valor de este nuevo uniforme.

Además del jersey mexicano, la marca patrocinadora de Argentina, Chile, Colombia y Perú también presentaron sus camisetas de local y visitante que se usarán este verano. Este lanzamiento se suma a las ya publicadas equipaciones de Venezuela y se complementará más adelante en el año, con otros lanzamientos que seguirán para las Federaciones de Jamaica y Costa Rica, de acuerdo a la marca de las franjas.

Dos retratos infantiles pintados por Diego Rivera salen a la luz
MXCity
Estos dos nuevos retratos de Diego Rivera pertenecen a la época temprana de uno de los pintores más reconocidos de México. 

Fotos cortesía de Galeria Schoelkop

Estos dos nuevos retratos de Diego Rivera forman parte de una colección privada de Estados Unidos.  

 

Diego Rivera es un artista reconocido en todo el mundo, gracias a los fascinantes murales que creó. La creación de 1922, que fue un encargo del entonces secretario de educación de México, José Vasconcelos, es el primer mural desarrollado por el artista y uno de los más increíbles y valorados del artista. Cuando se trata de murales, todos son bien reconocidos. Pero no se sabía nada de estas pinturas tempranas del autor.  

Se trata de dos retratos infantiles firmados por el renombrado pintor mexicano Diego Rivera, que evocan el periodo Post Revolucionario mexicano, y se encuentran exhibidas, hasta el 5 de abril, en la galería Schoelkopf de Nueva York; después de pasar décadas en manos privadas.

Los dos cuadros se llaman, ‘Niño’ y ‘Niña sentada con rebozo’. Ambos son de 1929 y formaron parte de la exposición de 1931 que el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA) dedicó al modernista mexicano y también se incluyeron en su gran retrospectiva en el Palacio de Bellas Artes de Ciudad de México, en 1949.

En estos cuadros, el maestro Rivera atrae la atención hacia el gesto triste de los niños de ojos grandes y piel oscura que posan en entornos rústicos: el primero, sobre una sábana y con turbante rosa, se lleva la mano a la boca, y la segunda, sobre una alfombra, mira fijamente con las comisuras de los labios hacia abajo.

La directora de la galería, Alana Ricca, explicó a EFE, que las obras fueron adquiridas a principios de la década de 1930 por los galeristas Erhart Weyhe y Carl Zigrosser, que llevaban la prominente galería Weyhe de Nueva York, dado el “gran interés” que había en la época por el modernismo mexicano.

El experto en arte James Oles, autor del texto de la exposición en la Schoelkopf, señala que los niños son de familias obreras e indígenas y que “representan a los futuros beneficiarios de la Revolución” con una “solemnidad que quizás subraya la dificultad de la vida trabajadora en la que han nacido”.

“Para Rivera, estos niños vinculaban el pasado distante de México con su futuro proletario”, señala, recordando que el muralista realizó en total unos 70 cuadros de niños mexicanos, solos, en pares, con sus madres o con familiares ancianas, y que tuvieron “gran demanda” en el mercado.

Finalmente, en la exposición, también se pueden ver dos cuadros de un pintor menos conocido, Manuel Rodríguez Lozano, de temática similar: ‘Maternidad’, el que una mujer amamanta a su bebé, de 1927, y ‘El corrido’, en el que un grupo de personas cantan, de 1926, una de sus obras más complejas entre las pocas que se conocen.

Es un artista que guardó distancias con Rivera en la vida y en el arte, y a quien se atribuye un estilo melancólico más que político, aborda en esa obra “temas clave posrevolucionarios” con referencias a la historia, antropología y cultura popular, de las que hace una “abstracción elegante y modernista”, comenta Oles.

“Decimos que (estas obras) han sido redescubiertas porque han estado con los descendientes de la familia compradora desde entonces”, señaló la directora de la Schoelkopf, quien agregó que “es la primera vez que el público puede ver” los dos cuadros de Rodríguez Lozano.

Por cierto, los cuadros están a la venta al público, con precios que pueden variar, por supuesto, desde los 225 mil dólares hasta el millón de dólares.

Esta hermosa Fototeca del INAH se encuentra en la antigua finca del emperador Maximiliano
MXCity
La Fototeca Juan Dubernard tiene más de 50 mil piezas fotográficas, que forman parte de la historia visual de Morelos.

Foto destacada: INAH 

Esta fototeca cuenta con material de fotógrafos de la talla de Hugo Brehme, Casasola, Tina Modotti y Hans Stallfort.

 

La Fototeca Juan Dubernard del Centro INAH Morelos preserva buena parte de la memoria histórica de la población de Morelos, Cuernavaca y de Guerrero. Se conformó en 1995, justo por la necesidad de catalogar, conservar y difundir el material fotográfico que venía generando el Instituto Nacional de Antropología e Historia en la región desde  1973, cuando también cubría al estado de Guerrero. Es por ello que resguarda una gran cantidad de imágenes de los distintos quehaceres del Instituto durante la década de los setentas en el estado de Guerrero.

Esta fototeca cuenta con un laboratorio completo para reproducción de material en blanco y negro, además de un escáner para la digitalización de imágenes que le permite ofrecer un mejor servicio a sus usuarios. Todo el acervo se encuentra resguardado en materiales de guarda y conservación de materiales fotográficos y se cuenta con un deshumidificador que controla la humedad relativa en sus instalaciones.

Dentro del acervo, cuenta, actualmente con más de 50,000 piezas fotográficas de distintos procesos y técnicas, que abarcan desde finales del siglo XIX hasta nuestros días, además de un acervo de aproximadamente 15,000 imágenes digitales, y se encuentra en constante incremento tanto con material contemporáneo como antiguo a través de concursos y donaciones que le permiten ofrecer a sus usuarios un amplio panorama de consulta.

Las colecciones de la Fototeca no se limitan solamente a la ilustración de la memoria fotográfica del estado o de la región, sino que se extienden más allá de nuestras fronteras, permitiéndonos viajar en el tiempo y la distancia a lugares tan apartados como los Alpes o la India, incluyendo por supuesto las propias maravillas que se encuentran en nuestro país y nuestra entidad.

Asimismo, el acervo está constituido por el material generado por arqueólogos, antropólogos, arquitectos y restauradores del propio Centro INAH. Además, de preservar fotografías provenientes de colecciones particulares o familiares, como es el caso del fondo Coock de Leonard, uno de los más importantes de la Fototeca, ya que abarca gran parte de la historia de las cinco primeras décadas del siglo XX.

En su archivo, se encuentran fotografías del periodo de la expropiación petrolera, así como el quehacer cotidiano de las familias de las altas esferas sociales de ascendencia extranjera involucradas en los intereses petroleros del México de los años treinta, antes y durante el gobierno del general Lázaro Cárdenas. La Fototeca cuenta también con material de fotógrafos como Hugo Brehme, Casasola, Tina Modotti y Hans Stallfort.

¿Quién fue Juan Dubernard?

En el Suplemento Cultural El Tlacuche del INAH Morelos, se menciona que Juan Dubernard fue un aficionado a la arqueología, a los documentos y piezas eclesiásticas. Por supuesto, tuvo un gran amor por el estado de Morelos preocupado así que se dedicó a la preservación del patrimonio arqueológico, antropológico e histórico en toda su amplitud.

Creó una colección a lo largo de más de cuarenta años, se dedicó a divulgar sus conocimientos a través de sus obras escritas y trabajó “hombro con hombro con el INAH”, en pro del rescate del patrimonio histórico y cultural en las regiones de Morelos. En suma, Dubernard fue un pilar del legado morelense. 

Como dato curioso, esta fototeca se encuentra en los terrenos de la finca de descanso del Emperador Maximiliano de Habsburgo, mejor conocida como Villa Olindo (1865), en el pueblo de Acapantzingo, Cuernavaca, Morelos.

Fototeca Juan Dubernard

Dónde: Matamoros 14, Col. Acapantzingo, Cuernavaca, Morelos.

Cuándo: lunes a viernes de 09:00 a 15:00 hrs.

Entrada libre

Para consultar el material solo con previa cita telefónica (777 312 5955) o solicitud por escrito.

La reproducción del material se lleva a cabo en el Instituto cubriendo el usuario los gastos y derechos correspondientes. No hay periodicidad en las solicitudes de servicios y atención.

Un diseñador entusiasta creó un peculiar videojuego inspirado en la CDMX
MXCity
Modo mariachi golpeador, bolillo de poder y skin de trabajador del son algunas de las características de este survival horror inspirado en la CDMX.

Foto destacada: Edu_vfx

Este joven entusiasta y diseñador de la UAM Azcapotzalco se embarcó en la creación de un videojuego inspirado en la CDMX.

 

La Ciudad de México ofrece muchos escenarios gloriosos, así que a este joven autodidacta se le ocurrió preguntarse “¿Qué pasaría si la Ciudad de México fuera un survival horror y que leyendas del folklore mexicano deberían estar presentes?” Pero no solo lo pensé, en realidad creó un videojuego y el proyecto fue originado por un diseñador de la UAM Azcapotzalco.

Se trata de un proyecto de videojuego que transportará a los jugadores a través de los emblemáticos escenarios de la Ciudad de México. Esto ha sido compartido a través de la cuenta de TikTok, @vicestrella.psd, quien comparte el proceso de modelado de lugares como la Torre Latinoamericana, el Sistema de Transporte Colectivo Metro y otros espacios icónicos de la urbe.

@vicestrellaa

La intro de la CDMX. #psx #psone #psclassic #videogame #ps1 #cdmx #cdmx_oficial #mexico #liminal #liminalspace #dreamcore #weirdcore #chilango #blender #silenthill #residentevil #nostalgia

? sonido original – vicestrella.psd

Lo más relevante del juego, es que el protagonista puede utilizar una variedad de vestuarios inspirados en diferentes aspectos de la vida cotidiana de la ciudad, como los mariachis de Garibaldi, los trabajadores del Metro e incluso el uniforme de un estudiante de secundaria. Estos atuendos se desbloquearían a medida que el jugador avance y supere diversos desafíos.

Además, el progreso del jugador se guardaría en las emblemáticas cabinas telefónicas de Telmex, lo que añade un toque nostálgico y auténtico a la experiencia del juego. Y, para agregar un elemento divertido y peculiar, los jugadores podrán recuperarse del susto con un “bolillo de poder”.

@vicestrellaa

Si la CDMX fuera un videojuego ¿Que otros atuendos le agregarias? #psx #psone #psclassic #videogame #ps1 #cdmx #cdmx_oficial #mexico #liminal #liminalspace #dreamcore #weirdcore #chilango #blender #silenthill #residentevil #nostalgia #metro

? sonido original – vicestrella.psd

El trabajo y la historia planteados de este videojuego han dejado maravillados a los usuarios de las redes sociales. Parece que con dificultad este proyecto llegará más lejos, pero es un gran proyecto que  cuenta con muchos modelados compartidos en los videos de TikTok.

Hasta el momento el proyecto no se encuentra en ninguna plataforma para descargarlo, porque como dijimos es producto de un entusiasta de las redes sociales. Pero es interesante ver el ingenio que se le puso a los detalles, al modo de juego y a los desafíos.

Así que recupérate del susto con un “bolillo de poder” y déjate deslumbrar por el ingenio de este joven mexicano que seguramente llevará podrá llevar su proyecto más lejos, si es que 

@vicestrellaa

Vocho amarillo. ? #psx #psone #psclassic #videogame #ps1 #cdmx #cdmx_oficial #mexico #liminal #liminalspace #dreamcore #weirdcore #chilango #blender #silenthill #residentevil

? sonido original – vicestrella.psd

 

@vicestrellaa

¿Explorarías estos lugares si estuvieras dentro de este videojuego? #psx #psone #psclassic #videogame #ps1 #cdmx #cdmx_oficial #mexico #liminal #liminalspace #dreamcore #weirdcore #chilango #blender #silenthill #residentevil #nostalgia

? sonido original – vicestrella.psd
Nuevos museos y espacios en la CDMX para visitar este 2024
MXCity
Estos museos y espacios nuevos de la CDMX, enriquecen el capital cultural, la diversidad y espectáculos que puedes ver este 2024.

Foto destacada: Cultura CDMX

Nuevos museos y espacios que enriquecen el capital cultural de la CDMX en este 2024.

 

Si vives o visitas la Ciudad de México no puedes poner de pretexto que “no hay nada qué hacer”. Siempre hay espacios y museos que se pueden visitar, además de cientos de galerías de arte, recorrer un Bosque o pasear por las calles del Centro Histórico. Para que no hay ningún pretexto, aquí te dejamos con estos museos y espacios nuevos en la CDMX para visitar este 2024 y descubrir muchas  actividades con amigos, familia o tu persona favorita.

Jardín Escénico

Este nuevo Jardín se abrió en Chapultepec para albergar distintas manifestaciones de las artes escénicas de todo el país y del mundo. Además, se trata de un dedicado al arte y la naturaleza, que tendrá diversas presentaciones interdisciplinarias, además de interconectar a todo el Bosque de Chapultepec. Qué maravilloso es ver que un espacio tan increíble como Chapultepec, se vuelve aún más fabuloso con la construcción y apertura de nuevos recintos culturales para todas las personas.

Dónde: avenida Reforma, a un costado del Auditorio Nacional.

Cuándo: martes a domingo de 09:00 a 20:00

Entrada libre

Museo Yancuic

Este espacio cultural pasó de ser un centro privado a ofrecer muchas actividades para niñas, niños y jóvenes de la CDMX. Cuenta con 5 niveles con salas interactivas, talleres, espacios de estudio, librería y exposiciones enfocadas a hablar sobre el cambio climático, la sostenibilidad y el cuidado ambiental. Además, se ha convertido en uno de los espacios culturales que son referentes en Iztapalapa, una alcaldía que contaba con muy poca oferta cultural en la ciudad.

Dónde: paradero de Constitución de 1917, Iztapalapa, CDMX.

Cuándo: miércoles a domingo de 10:00 a 17:00 hrs

Entrada libre

Casa de las Mil Muñecas

Aunque en CDMX existe un Museo dedicado al juguete, esta casa se especializa en muñecas y cuenta con la colección más grande del país.  Además, es el primer museo con la colección de Rosana Duffour, que está compuesta justo por más de 1,000 muñecas. Es un espacio dividido en dos secciones temáticas: Historia de las muñecas en México e Historia de las muñecas en el mundo. Aquí podrás ver todo tipo de muñecas Barbies, Nenucos, hadas, muñecas de edición especial, accesorios, casitas y mucho más.
Dónde: Av Chapultepec 420, Roma Norte, Cuauhtémoc
Cuándo: de miércoles a lunes de 10:00 a 17:00 hrs
Cuánto: $150 adultos, $120 menores.

OIHFRA (Museo del Hundimiento)

Este museo se encuentra en las instalaciones de Utopía Tecoloxtitlan; pero el Museo de la Fractura es más reciente, y quizá no lo conocías. Sus iniciales, OIHFRA coresponden a Observatorio Interactivo de Hundimiento y Fracturamiento y el hecho de que exista un museo del hunidimiento, en una ciudad que cada año se hunde más, es una gran idea. En realidad es un museo pequeño, pero sus instalaciones son bastante agradable, y seguramente en el futuro habrá muchas más actividades.

Dónde: Utopía Tecoloxtitlan; Colima S/N, San Sebastían Tecoloxtitlán, Iztapalapa.

Cuándo: martes a domingo de 08:00 a 20:00 

Entrada libre.

 

Ads Blocker Image Powered by Code Help Pro

Ads Blocker Detectado!!!

Hemos detectado que está utilizando extensiones para bloquear anuncios. Ayúdenos deshabilitando estas extensiones o software de Adblock.

x