Arte y Cultura
ILUMINA, una alucinante escultura de luz y sonido que brilla con las emociones
Benjamin Malik
ILUMINA es una pieza de arte donde la tecnología, la arquitectura, el diseño, la luz y el sonido nos invitan a experimentar las formas en que todos estamos conectados con el cosmos.

ILUMINA es una escultura interactiva de luz y sonido alimentada por la energía colectiva del corazón de las personas. 

 

El arte y la tecnología son dos rostros de la creatividad humana, dos que además se encuentran estrechamente relacionados, a pesar de las diferencias que en apariencia tienen entre sí. Aquello que hace el arte en no pocas ocasiones se ha logrado gracias a un desarrollo técnico específico, una tecnología cuya existencia permite al artista hacer o dejar de hacer determinada obra. Sí, lo condiciona, pero posiblemente también lo incita a trascender esas limitaciones. 

En este sentido, la relación entre una y otra actividad humana podría encontrarse en prácticamente cualquier época, pero sin duda es en tiempos recientes cuando la tecnología posee una presencia, tan persistente, de algún modo tan ineludible, que el arte se ha encargado de incorporarla a sus procesos, tanto como un recurso, un instrumento, como parte del examen de la realidad contemporánea, cuando muchas de nuestras prácticas e interacciones pasan casi necesariamente por un dispositivo tecnológico.

Así, de alguna forma se cumple el ideal profesado por Nietzsche sobre la necesidad de transformar la vida en una obra de arte, pero esta vez por la vía del arte y la tecnología. De algún modo la sensibilidad estética, el descubrimiento de lo admirable o lo francamente bello que cualquiera de nosotros puede percibir, encuentra un vehículo, un medio de transmisión y de expresión en como el arte puede ser magnificado a través de la tecnología.

 

 

En la actualidad cada vez es más complejo alcanzar grados altos de consciencia, y crear una comunidad sin estar al margen de la tecnología, aún más de la mano con la tecnología o ayudándonos de ella como una herramienta para mejorar nuestras habilidades sensitivas. En la misma medida en la que dependemos de la tecnología para sobrevivir, ésta se ha hecho parte de nuestra vida, incluso en sus recovecos más espirituales y hasta trascendentales. El arte, ahora más que nunca, demanda ser un vehículo para explorar diferentes estados que nos acerquen a las dimensiones de lo infinito

Ilumina es una instalación creada por el artista Pablo González Vargas, que a través de una profunda exploración con el poder de la interconectividad, propone un método para mejorar el campo de energía del planeta. Pablo González creo una majestuosa escultura interactiva de luz y sonido que se activa mediante el estado emocional de las personas, generando un hermoso espectáculo luminoso y un paisaje sonoro en donde los participantes entran en un estado de coherencia y profunda armonía con ellos mismos y entre sí.

 

 

Ilumina es una una pieza de metal monumental,  completada con aluminio y luces LED que en conjunto forman una pieza arquitectónica llena de armonía. La pieza de arte combina la tecnología con un diseño de antigua sabiduría. Ilumina tiene una programación que responde a estímulos externos siendo capaz de brillar más mientras más “coherente” sea el grupo al que aloja, generando una experiencia compartida única.

Ilumina es una experiencia visual estremecedora, y los voluntarios que participan en el ejercicio de la inmersión meditativa de tres minutos de duración, son transportados a un estado de coherencia y profunda armonía con ellos mismos, con sus compañeros participantes y con el cosmos a través de una fusión patentada de tecnología moderna y arte transpersonal.

 

 

Los sensores biométricos se conectan a los lóbulos de los oídos de cada participante, lo que mide su estado único de coherencia y los promedia juntos. Así es como el diseño de iluminación y los paisajes sonoros en movimiento responden a un algoritmo único, producto de HeartMath que utiliza sensores biométricos para el autoentrenamiento personal en la regulación de los estados emocionales donde la escultura se vuelve más brillante en la medida en que los usuarios experimentan con sus emociones.

El equipo para crear Ilumina incluyó cerca de 20 personas de diferentes disciplinas y aportaciones. Hubo un gran equipo de diseño industrial que le dio forma al modelo exacto que se llevó a la fabricación. Marco Kalach trabajó con un taller experto en la fabricación, porque como es una instalación de uso público en eventos particulares, se tenía que cumplir con todas las normas, regulaciones estructurales y con códigos de protección. La productora ejecutiva del proyecto fue Gaby Vargas, quién se encargó del expertise en HeartMath, y se sumaron músicos e ingenieros de audio mexicanos para hacer la experiencia de 360 grados de sonido inmersivo, liderados por Billy Mendez. Y el equipo de iluminación, dirigido por Paolo Montiel, coordinó toda la programación y diseño de iluminación que hace simbiosis con el audio.

 

 

Fue en Burning Man del 2012, donde Pablo González Vargas creó un art car llamado Mayan Warrior: un proyecto de luminiscencia y un audio espectacular donde se exponen piezas del artista Alex Grey y performances musicales de artistas élite de México y todo el mundo

En la penúltima edición de Burning Man, Pablo González y su equipo decidieron ir un paso más allá de la gran propuesta que es Mayan Warrior, al presentar Ilumina, esta pieza de geometría sagrada que irradia no sólo luz sino una sacralidad algorítmica, tan mística como hipnótica. Los casi 12 metros de altura iluminaron el desierto de Nevada en el festival Burning Man 2017, y los usuarios lograron entrar en un estado mental cargado de concentración y caracterizado por una completa absorción, un maravilloso momento de perdida de la noción del espacio-tiempo.

 

 

Se espera que más adelante existan réplicas de estas esculturas, para que puedan llegar a nuevas locaciones alrededor del mundo, y podamos experimentar este asombroso espectáculo de luz y el paisaje sonoro que nos conecta con el misticismo profunda que hay en nosotros mismos y que resalta la interconectividad de nuestro planeta con los campos de energía global.

Te dejamos algunas fotos de este precioso proyecto, en cuyo interior reside la probabilidad de un futuro coherente y luminoso que valdría la pena habitar.

 

 

 

 

 

 

Si quieres saber más sobre este precioso proyecto de Ilumina o sobre el artista creador y aliados, ingresa a sus redes sociales:

Ilumina Art Installation

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Más de 200 piñatas de increíbles diseños llegarán al Museo de Arte Popular
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Las piñatas son una gran tradición de nuestra cultura, que además de ser hermosas, romperlas las hace la diversión de chicos y grandes.

Estas increíbles piñatas llegan al museo de arte.

 

Las piñatas suelen asociarse con las tradiciones mexicanas, al grado de ser un elemento central de los cumpleaños y otros eventos festivos de celebración como la Navidad. Se hacen a partir de una olla de barro y mas comúnmente de cartón, con una cubierta de papel y se adornan de papel de colores.

Lo mejor de las piñatas es su interior, ya que contiene frutas, dulces u otros premios, y por supuesto colgarla par romperla. La tradición de la piñata moderna, así como las posadas es una alegoría de una estrella con siete picos. Los picos representaban los siete pecados capitales y los brillantes colores de la piñata simbolizaban la tentación.

 

 

 

 

Es así que la piñata se transformó en una representación de la fe ciega y de la virtud o la voluntad para vencer el pecado. Los caramelos y otras golosinas dentro de la piñata representaban las riquezas del reino de los cielos, por lo tanto la enseñanza que se acompañaba con fe y una sola virtud podía vencer el pecado y recibir todas las recompensas de los cielos.4

Ahora que los objetos populares, incluyendo las piñatas han entrado a los museos, se llevó a acabo el tradicional Concurso de Piñatas Mexicanas con la finalidad de rescatar la esencia del arte popular como parte de las fiestas navideñas en México y fruto del sincretismo de fiestas prehispánicas, cristianas y populares.

 

 

 

 

Este concurso elige las mejores creaciones de la piñata mexicana y después son exhibidas dentro del Museo de Arte Popular (MAP). En esta edición participarán 200 piñatas elaboradas por artesanos, colectivos y público en general procedentes de la Ciudad de México, Chiapas, Guanajuato, Hidalgo, Estado de México, Morelos, Puebla, Quintana Roo, Veracruz, Yucatán y Zacatecas.

 

 

 

 

Este concurso anual se realiza para rescatar la esencia del arte popular en la fabricación de estos objetos. Como cada año, se espera la visita de miles de personas para admirar el trabajo e imaginación de manos mexicanas que con mucha pasión y amor por las tradiciones mexicanas, realizan estas piñatas que son convertidas en verdaderas obras de arte.

La exhibición estará abierta a principios de Noviembre y concluirá hasta el próximo 15 de diciembre en el patio del Museo de Arte Popular, ubicado en Revillagigedo 11, Centro Histórico. La entrada tiene un costo de $60 pesos con descuento a estudiantes, profesores con credencial vigente y personas de la tercera edad. Los domingos el acceso es gratuito.

 

 

 

Piñatas Mexicanas en el Museo de Arte Popular

¿Dónde? Museo de Arte Popular (Revillagigedo 11, Colonia Centro, Centro, 06050 Ciudad de México).

¿Cuándo? Del 9 de noviembre al 15 de diciembre.

¿Cuánto? $60.00 entrada general,con descuento a estudiantes, profesores con credencial vigente y personas de la tercera edad.

Domingos entrada libre.

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Tel: 55102201

Reino Plantae, una instalación inmersiva de musgo en Mártires de la Conquista
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El proyecto Reino Plantae se enmarca dentro de Mártires de la Conquista, espacio que funcionará como residencia, laboratorio y posterior acondicionamiento para montaje expositivo.

Martires de la Conquista es una iniciativa que busca generar experiencias y sinergias a través de proyectos de arte y diseño organizados en espacios que inicialmente tenían un uso diferente. El punto de partida de Martires de la Conquista son las Imprentas Venecia, una imprenta de los años sesenta ubicada en la colonia Tacubaya.

 

 

 

Las inmensas salas donde permanecen varias máquinas de impresión proporcionan un escenario excepcional para los diferentes eventos que se han presentado hasta ahora, como Public Art Projects, una exposición itinerante de arte contemporáneo, las actuaciones del Museo del Accidente, la feria de publicaciones de arte Pie de imprenta o varios Talleres de trabajo. Este lugar, lleno de historias, también alberga It Burgers, donde puedes disfrutar de una deliciosa hamburguesa después de la visita.

 

El proyecto Reino Plantae se enmarca dentro de la programación de exposiciones de Mártires de la Conquista, donde se inaugura Apartamento, espacio que funcionará como residencia, laboratorio y posterior acondicionamiento para montaje expositivo.

 

REINO PLANTAE Surge desde la inquietud de evidenciar aquello presente en nuestro cotidiano actuar pero que no vemos. De tomar una conciencia del ecosistema que aún resiste en una mega urbe como Ciudad de México, desvelando su silencio y expansión. Proponen un acercamiento a este reino desde el musgo y el helecho, siendo formas de vida primitivas, existentes hace millones de años, las cuales representan lo esencial de la naturaleza.

 

 

Presentar Reino Plantae, se entiende como manera de evidenciar un complejo sistema de organismos vivos que habitan en la ciudad y que a pesar de estar diariamente y a simple vista, actúan como elementos invisibles ante nuestra cotidianidad.

Poder realizar un acercamiento a partir de la construcción de un espacio inmersivo que desvele su reino, y crear una conciencia de las especies con las que convivimos y los increíbles procesos de propagación, luz y sonido que generan siendo imperceptibles para el humano.

 

 

 

 

 

Reino Plantae

Dónde: Mártires de la Conquista

Dirección: Mártires de la Conquista 20, Tacubaya

Cuándo: hasta el 31 de octubre, 2019

Previa Cita: martiresdelaconquista.com

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Behind the Walls, la obra pública temporal más fotografiada de NY en el MUNAL
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La Fundación Callia trae “Behind the Walls” de Jaume Plensa al MUNAL de Ciudad de México a partir del 23 de octubre de 2019.

Jaume Plensa, el artista español más reconocido a nivel internacional, se estrena en México con la monumental escultura que ocupaba el Rockefeller Center de Nueva York.

 

Fundación Callia, tiene el honor de inaugurar la primera exposición pública de Jaume Plensa, considerado uno de los diez mejores escultores del mundo, en la Ciudad de México. La obra, recién llegada del Rockefeller Center, ha sido la obra pública temporal más fotografiada de la ciudad. Desde su instalación el 25 de abril, cientos de personas se han fotografiado cada día junto a la monumental escultura convirtiéndola en uno de los lugares más visitados de la Gran Manzana.

 

 

Aunque la trayectoria del escultor español es larga y reconocida, con obras suyas en Gran Bretaña, Japón, Alemania, Suecia, Canadá, Estados Unidos, Australia o China, Jaume Plensa se adentra por primera vez en México con “Behind the Walls”, una gigantesca cabeza de mujer de unas dimensiones de siete metros y medio de altura y dos toneladas.

Carmen Reviriego, presidente de Fundación Callia y comisaria de la exposición habla de la escultura “Behind The Walls” como un espejo inevitable que arroja al observador a las preguntas más apremiantes: ¿Quién decide lo que no queremos ver? ¿De qué lado quedamos en los muros que construimos? ¿Desaparece el mundo que no nos gusta por el mero hecho de no verlo? ¿Es realmente una opción no mirar?

 

 

El visitante de la escultura – próximamente en México- encapsulado entre los históricos muros del Patio de los Leones del MUNAL y esta monumental cabeza blanca de 7 metros-, quedará enfrentado al asombro de su propio reflejo. Las mismas manos que pueden construir un muro y cegarnos, son aquellas en las que podemos tomar la responsabilidad de la libertad individual. Entre el allí y el aquí, “Behind The Walls” dejará un mensaje difícil de olvidar a todos aquellos que hayan vivido la experiencia de estar en su presencia.

 

 

La exposición “Behind the Walls” se inaugurará el día 23 de octubre de 2019 y permanecerá expuesta al público hasta el 24 de febrero de 2020. Alrededor de este proyecto expositivo el MUNAL ha organizado un programa de actividades que tendrán lugar en el museo.

 

 

Carmen Reviriego es presidenta de la Fundación Callia e impulsora de los Premios Iberoamericanos de Mecenazgo, una iniciativa que congrega a los principales líderes empresariales e instituciones iberoamericanas en torno al compromiso social con el arte.

 

 

Nacido en Barcelona en 1955, donde vive y trabaja, Jaume Plensa es el artista español vivo más reconocido a nivel internacional. Le han sido concedidos numerosos galardones a lo largo de su carrera artística como la Medaille de Chevalier des Arts et des Lettres, del Ministerio de Cultura de Francia en 1993, el Premio Nacional de Bellas Artes, del Gobierno de España en 2012 y el título de Doctor Honoris Causa del Art Institute of Chicago en 2005, entre otros. Es muy activo en proyectos en espacios públicos, entre sus célebres esculturas públicas destacan la “Crown Fountain” en el Millennium Park de Chicago, “Roots” en las Toranomon Hills de Tokyo, “Awilda” en el Pérez Art Museum de Miami o “Rui Rui” en el Palazzo Cavalli-Franchetti de Venecia.

 

 

 

Behind the Walls

Dónde: MUNAL (Calle de Tacuba 8, Centro Histórico

Cuándo: 29 de octubre de 2019

Cuánto: entrada libre para ver la escultura

José Manuel Ciria regresa a México con la exposición “Territorios y Mapas”
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En está ocasión, con el apoyo de la Embajada Española, el artista se presentará con nuevas obras de la exposición Territorios y Mapas.

José Manuel Ciria vuelve a Ciudad de México. El año pasado ya presentó parte de este proyecto “Territorios y Mapas” en el Ateneo Español, ahora nos enseña el grueso de dicho trabajo que comprende obras realizadas en Nueva York entre 2011 y 2012, pinturas elaboradas especialmente para la comparecencia previa en 2018, así como una serie de trabajos recientes que suponen una enorme inflexión en la trayectoria de este artista.

Ciria, forma parte de ese reducido grupo de artistas que consiguen traspasar todas las fronteras. Nacido en Manchester en 1960 de padres españoles, ha mantenido estudios abiertos en Madrid, Nueva York, Berlín y Londres. Este reconocido artista es un enamorado de nuestro país y su intención ahora es abrir una casa/taller en CDMX, para pasar la mayor parte del tiempo entre nosotros.

 

Esta nueva comparecencia será la sexta de Ciria en México. Este es el listado de las anteriores: Museo De Arte Abstracto Manuel Felguérez (Zacatecas, 2005), Museo Casa Redonda (Chihuahua, 2005), Museo de Arte Contemporáneo Ateneo de Yucatán (Mérida, 2006), Museo de Arte Raúl Anguiano (Guadalajara, 2012) y Ateneo Español de México (CDMX, 2018).

 

En esta ocasión, Ciria busca acercarse al público para que pueda conocer a través de su obra las claves del lenguaje plástico que se ha mostrado en más de 25 países.

– 448 exposiciones en las últimas tres décadas.
– 29 becas y premios de las más reconocidas instituciones artísticas
– Más de 70 colecciones, museos y fundaciones en todo el mundo.
– Beca de París del Ministerio de Cultura, 1994.
– Beca de Roma otorgada por el Ministerio de Asuntos Exteriores, 1995. – Beca por el Ministerio de Cultura y Ciencia de Israel para preparar dos exposiciones en Museos de Tel Aviv, 2001.

 

 

 

 

 

 

 

A partir del 10 de octubre en el Espacio de Colaboración para La Producción y Difusión de Arte Contemporáneo (ECPDAC) Córdoba 150 col. Roma. 06700 CDMX. México.

Para más de su obra, consulta el sitio web de José Manuel Ciria.