El festival donde la música es parte tu experiencia mística con la naturaleza está a un par de días de comenzar. Bahidorá es uno de los pocos festivales de música que se realizan en lugares mágicos aledaños a la capital. El parque acuático, Las Estacas, es una de las exuberantes bellezas de nuestro país que tenemos la oportunidad de visitar fácilmente estando en la Ciudad de México. Ubicado en el municipio de Tlaltizapán en el estado de Morelos, este parque natural acuático alberga una hermosa y refrescante mixtura entre sus aguas cristalinas y la selva baja que lo rodea, el lugar más que perfecto para disfrutar de un lineup tan suave como repleto de éxtasis.
Nunca esta demás dejar la información práctica y básica para que puedas disfrutar del festival, te dejamos aquí algunos tips y datos clave, ¡Disfruta!:
- Los boletos están sold out y no habrá taquillas de lugar. Para más información sobre trivias y pases gratis consulta las redes sociales del carnaval: Facebook Batidora, Twitter Bahidorá.
- El evento es para mayores de edad y es importante que lleves identificación oficial.
- Habrá Camping y Hoteles para hospedaje. Si no adquiriste tu boleto para el camping, ahora están agotados.
- Al lugar se puede llegar en auto o tomar el autobús.
AUTOBUS
- Para reservar tu lugar de regreso en autobus, hay que estar con 15 minutos de anticipación en el lugar donde van a salir (te recomendamos estar un poco antes):
Viaje redondo
México D.F. ? Las Estacas ? México D.F.
Punto de encuentro: Auditorio Nacional
HORARIOS AUTOBUS
Ida: Sábado 21 de febrero
9:00am
Vuelta: Domingo 22 de febrero
-12:00 AM
-05:00 AM
-12:00 PM
-04:30 PM
Hashtag del autobús:
#transporte_medium
#transporte
AUTO
Llegar en auto es fácil si sigues las direcciones. Ahorra combustible y dinero: viaja en grupo. Comparte tu ride en la plataforma de Rides.mx. Nunca está demás recordarte que no manejes alcoholizado.
CÓMO LLEGAR
(Desde México, DF)
1. Toma la autopista México-Acapulco.
2. Llegando a Cuernavaca, toma la salida con dirección Cuautla/Civac.
3. Llegando a la desviación a Yautepec continúa con dirección a Cuautla.
4. Pasando la desviación a Yautepec (1 km después) dobla a la derecha en el cruce con la carretera a Tlaltizapán. Hay un Oxxo en la contraesquina, y hay señalización de Las Estacas/Tlaltizapán en el cruce.
4. Sigue la señalización hasta Las Estacas. El parque se encuentra en el Km. 6 de la carretera Tlaltizapán-Yautepec (dos carriles).
Descarga mapa en pdf aquí.
Para info de servicio de asistencia médica, sanitarios, regaderas y vestidores, consulta aquí.
Otras recomendaciones que nos hace el festival:
-Llega temprano. Abrimos puertas a las 11:00am. Entre más temprano llegas, más disfrutas el carnaval.
– No olvides:
> Traje de baño: nadar en el río es uno de los placeres más grandes en Bahidorá.
> Chamarra o suéter: la noche es bastante fría, no la subestimes.
> Zapatos cómodos: estarás mucho tiempo parado.
> Un solo cambio de ropa limpia: viaja ligero.
> Bloqueador y repelente: resultará cómodo protegerte.
Para más información sobre las actividades que se llevarán a cabo además del concierto, consulta su página oficial: Bahidorá.
HORARIOS LINE UP:
(Con excepción de Mac DeMarco que canceló)
Foto destacada INAH
Una parte de Quintana Roo está declarada como Zona de Monumentos Históricos con construcciones de gran valor histórico.
A pesar de que Quintana Roo es un destino reconocido en todo el mundo por sus playas, también tiene una rica infraestructura patrimonial, arqueológica e histórica, en donde es posible conocer muchos lugares que fueron construidos durante la época Colonial y hasta el siglo XIX.
Además, muchos de estos destinos arquitectónicos ya han sido restaurados por especialistas y arquitectos del Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH) mismos que han aplicado criterios, materiales y técnicas vigentes en materia de restauración de bienes culturales inmuebles, con el fin de conservar la autenticidad del bien cultural, a través de diversos proyectos que han mejorado las condiciones de conservación de estas joyas históricas.
Los vestigios de la arquitectura histórica de Quintana Roo son un gran reflejo de la época colonial en la región peninsular, y un gran recordatorio de la época basada en la explotación del henequén y recursos forestales y naturales, bajo condiciones de esclavitud, que se prolongaron después de su abolición formal en la Independencia.
Asimismo, estos lugares son el recuerdo de diversos procesos históricos nacionales de Independencia, Reforma y Revolución, que se vivieron de manera diferente en la península de Yucatán, en comparación con el centro, norte y otras regiones del país. De hecho, Quintana Roo es el último estado creado en 1974, una con selva, y el último reducto máacewal de la Guerra de Castas, cuya capital ideológica y religiosa es la antigua Noj Kaaj Santa Cruz Xbalam Naj, hoy municipio de Felipe Carrillo Puerto.
El patrimonio histórico colonial de Quintana Roo, según especialistas del INAH tiene 145 monumentos históricos en el estado, que fueron construidos entre los siglos XVI al XIX, entre edificaciones religiosas, militares, haciendas henequeneras, cementerios y obras de suministro de agua, principalmente.
Del total de monumentos, 86 se ubican en Felipe Carrillo Puerto, de los cuales 30 están en la población de Tihosuco, en un área de 25 manzanas, destacando los que albergan el Museo de la Guerra de Castas y la biblioteca de la comunidad. Mención especial merece el icónico conjunto conventual del Niño Jesús, del que queda en pie, parcialmente, la iglesia, la casa cural y el cementerio, que han recibido sucesivas intervenciones por parte del INAH.
Por supuesto, de todos los lugares, la Zona de Monumentos Históricos de Tihosuco, es en donde más se concentran las construcciones de mayor valor. También, hay riqueza histórica en Sacalaca, Sabán, Tepich y Kancabchén, que conforman la Ruta de las Iglesias, ubicada en el epicentro de la Guerra de Castas, cuyas huellas dejaron templos, haciendas, conventos y otras edificaciones destruidas durante la rebelión social maya, al cual comenzó en 1847 y se prolongó por más de medio siglo.
La mayoría de estas ciudades en la zona maya de Quintana Roo fueron abandonadas desde 1860, y repobladas en la tercera década del siglo XX. En otras partes del estado también existe arquitectura histórica, como el Fuerte San Felipe de Bacalar y la Casa de la Cultura de la misma ciudad. Además, los edificios de madera tipo inglés por la influencia de Belice, de las cuales se tienen registradas 100 casas en Chetumal, 20 en Isla Mujeres y 10 en Cozumel.
En Isla Mujeres está la Hacienda Mundaca, cuyo nombre alude al apellido de su propietario de nombre Fermín, quien se dedicaba a vender esclavos a Cuba; la construcción está hecha, al parecer, con piedras de los vestigios mayas. La Hacienda Xcolumpich, a 17 kilómetros de Tihosuco, propiedad de uno de los tres líderes históricos de la Guerra de Castas, Jacinto Pat, es otra de las joyas que esperan ser visitadas para conocer mejor el pasado, admirarlo y sentirnos más orgullosos de nuestras raíces e identidad histórica y cultural.
Foto destacada Anton Vázquez
La obra de Anton Vázquez entrelaza naturaleza, cosmogonia y cultura tzotzil.
Anton Vázquez, es uno de los artistas más destacados de la escasa escena artística chiapaneca, que en sus piezas ha logrado dejar sus profundas raíces tzotziles entre los colores y las pinceladas que nutren su obra. En un comunicado emitido por la Secretaría de Cultura, el artista originario de San Pedro Chenalhó, una comunidad ubicada en el corazón de los Altos de Chiapas, se dice que a llevado su arte más allá de su estado, interviniendo espacios con murales que narran historias de la naturaleza, la cosmogonía y las tradiciones de su pueblo.
"Cada mural en proceso es una aventura interna y externa, lleno de retos y desafíos; hay momentos de alegrías, cada avance va generando diálogos hacia la sociedad, forma parte de mi historia de vida y lo que busco transmitir", dice.
Asimismo, Anton, cuenta que desde su infancia ha estado inmerso en un entorno familiar en donde el arte y la sanación se entrelazan: “Mi madre, María Antonia, me enseñó la geometría del universo en el telar, mostrándome los símbolos que representan la naturaleza y el cosmos”, recuerda el artista, destacando cómo la enseñanza de su familia ha moldeado su visión creativa.
Esta conexión profunda con sus ancestros y su entorno natural, señala, es palpable en cada una de sus obras, donde la tradición se encuentra con la innovación. “Mi abuelo materno se distinguió en nuestro pueblo como un curandero de renombre, un hombre de profunda sabiduría que ofreció alivio a muchos a través de su conocimiento de la medicina herbolaria. Además, poseía el arte de tejer sombreros tradicionales, entrelazando la tradición en cada hilo.
"Crecí inmerso en este entorno rico en arte y sanación, donde las creaciones de mi madre y mi abuelo eran una constante. Observaba, escuchaba y absorbía con profunda admiración cómo daban vida a los colores y formas, cómo sus manos expertas tejían no solo materiales, sino también la esencia misma de nuestra cultura”, agrega.
Hoy en día, con más de 500 pinturas, 20 murales en distintos puntos del país, y participaciones en exposiciones tanto individuales como colectivas, Anton Vázquez cuenta que su participación en la residencia artística (Neo) Muralismos de México en Minneapolis, Minnesota, marcó un punto fundamental en su carrera, permitiéndole compartir la rica herencia cultural tzotzil con una audiencia internacional.
De esta manera, desde las calles de Ciudad de México hasta las galerías de Estados Unidos, Vázquez ve cada mural como “una aventura interna y externa llena de retos y desafíos… una historia de vida del artista, plasmada en las calles”.
Si quieres conocer un mural de Anton en la CDMX, puedes visitarlo en el Hostal Juárez, que ejemplifica cómo emplea el arte como un medio para embellecer y transformar espacios urbanos. Actualmente, busca que su próxima aventura lo lleve de regreso a CDMX para un mural colectivo, un proyecto que, aunque aun en etapas de planificación, promete ser otra significativa adición a su legado.
Sigue el trabajo y las exposiciones de Anton Vázquez aquí.
Fotos cortesía de INBA
Se trata de la primera retrospectiva de John Golding, un artista que vivió muchos años en México.
John Golding fue uno de los mejores pintores abstractos del siglo XX a nivel mundial, aunque es más conocido como historiador, crítico y curador de arte. Golding nació en Inglaterra, criado desde la infancia en México y fue en el contexto del vibrante arte y cultura mexicanos que comenzó su carrera como artista. La exposición explora precisamente el desarrollo del trabajo de Golding y lo ubica en el contexto del arte en México.
La curaduría de la exposición es de las especialistas invitadas Dawn Adès y Jenna Lundin y está dividida en cinco núcleos temáticos que dan cuenta de la rica y diversa trayectoria de más de 60 años del artista y develan su tránsito por el figurativismo con fuerte enfoque en el cuerpo humano, su periodo de abstracción hard-edge con lienzos en acrílico y una etapa abstracta lírica posterior, además de su evidente influencia de los autores mexicanos de su época.
Se trata de la primera exposición retrospectiva en México del artista inglés John Golding, "una figura de indudable relevancia en el contexto del arte moderno americano que resulta indispensable visibilizar en México, lugar donde creció y se desarrolló en una primera etapa como creador".
Calificó la muestra como un "espléndido recorrido" en el que el público podrá apreciar "las tempranas influencias del entorno mexicano que se manifiestan en su carrera, como los elementos del arte popular, entre los que se cuentan las máscaras o las escenas de la vida cotidiana en contextos rurales e indígenas de nuestro país.
Asimismo, esta exposición nos acerca a la obra figurativa y abstracta del artista inglés con creadores de la escena artística mexicana de varias generaciones, como José Clemente Orozco, Diego Rivera, Rufino Tamayo, Lilia Carrillo, Mathias Goeritz, Wolfgang Paalen o Gunther Gerzso, dejando un sólido testimonio sobre México y sus artistas.
Sin duda, se trata de una extraordinaria exposición que nos trae una mirada profunda a la obra de Golding, un artista cuya trayectoria comenzó en México, donde encontró un hogar artístico donde se inspiró de figuras como Tamayo y Rivera y de una nueva generación de artistas emergentes como Lilia Carrillo, Felguérez y Toledo, y continuó en Londres.
Finalmente, podremos ver la faceta artística de Golding, un referente fundamental en la historia del arte moderno. Además, esta exposición coincide con la celebración de los 200 años de las relaciones de amistad México – Reino Unido, y nos permiten seguir caminando juntos en temas no solo del arte y la cultura, sino también en la educación, la diversidad y la igualdad.
John Golding: De México a Londres
Dónde: Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México
Cuándo: hasta el 28 de julio del 2024; de martes a domingo, de 10:00 a 18:00 h.
Cuánto: $80 gral.
Domingo entrada libre.
Foto destacada: Artrabbit
La obra de Nina Beier, Casts, fue cancelada tras esta polémica en el Tamayo.
¿Funar o no funar a los artistas, a las expresiones, a las obras? Es uno de los dilemas del siglo XXI, y hoy en día todos formamos parte de la Comisión Funa contra todo y contra todos, y esta ocasión le tocó a la a la artista Nina Beier, cuyo performance fue funado por la queja de usuarios de redes sociales, asociaciones defensoras de derechos de animales e incluso por la Secretaría de Cultura se pronunciaron al respecto en contra de la exposición Casts por en el Museo Rufino Tamayo.
Dicho performance lleva por nombre Tragedies 2011, fue creado por la artista Nina Beier, nacida en Aarhaus, Dinamarca en 1975, que reside entre Berlín, Alemania y Nueva York, Estados Unidos; y cuya obra se dedica a criticar todo lo cotidiano, así como qué le da valor a los objetos que vemos diariamente como cajas de cartón, huevos, ropa interior y demás.
No es la primera vez que Nina viene a tierras aztecas, ya que es una artista contemporánea con gran trayectoria, pero sí es la primera ocasión que provoca gran polémica. Nina Beier presenta esculturas de leones guardianes de mármol, 2 mil 500 macetas con plantas que "conviven" con perros de porcelana, jarrones, maniquíes de niños, un hombre encadenado que fuma y varios perros recostados en alfombras, que simulan estar muertos.
Ante las fuertes críticas recibidas tanto por usuarios como por la misma Secretaría de Cultura, la directora del Tamayo, Magali Arriola y Nina Beier mandaron un comunicado al respecto sobre el gran cuidado que tienen con los perros del performance:
"El Museo Tamayo es el único museo de la Ciudad de México que tiene una relación de igualdad con su comunidad perruna", señala el comunicado y explica que el recinto "ha creado diferentes formas de participación de los perros de su comunidad dentro de las salas y una vez al año se les dedican temporadas para ellos. Entran a las salas del recinto acompañados por sus cuidadores, pero los protagonistas son los perros".
Atento comunicado: pic.twitter.com/TBuToWYLBG
? @MuseoTamayo (@museotamayo) May 26, 2024
El arte, las obras o los artistas funados siempre causarán controversia, posiciones a favor o en contra; aunque regularmente, los intentos por funar a alguien, la mayoría de las veces, le brinda más exposición; una consecuencia bien concreta de estar expuesto a ser ?funado?.
La cultura de la cancelación ha generado debates sobre si se ha convertido en una forma de censura que surge desde la comodidad de lo digital. La línea entre la rendición de cuentas y la restricción de la libertad de expresión es delgada. Explorar cómo esta cultura puede coexistir con el respeto a la diversidad de opiniones es esencial para garantizar un entorno en línea saludable y abierto.
Asimismo, a medida que la cultura de la cancelación crece, algunas plataformas están reconsiderando sus políticas de moderación, y los usuarios están adoptando enfoques más constructivos para abogar por el cambio social sin recurrir a la cancelación extrema; con el fin de encontrar un equilibrio que promueva un diálogo respetuoso y constructivo entre ambas partes.
La cancelación, cuando se utiliza de manera desproporcionada, amenaza la libertad, silenciando voces y desalienta el intercambio de ideas. Quizá, la transformación social no proviene solo de la cancelación, sino de la capacidad de aprender, crecer y comprendernos unos a otros en esta era digital.
Fotos cortesía de Jade Jagger. Con información de Alejandro Castro/El Sol de México
En varias ocasiones, Jade Jagger se ha inspirado en México para crear sus piezas.
Jade Sheena Jezebel Jagger, es la segunda hija del famoso vocalista de los Rollings Stone, Mick Jagger y su ex esposa Bianca Jagger. Jade es una ex modelo y hoy en día una gran diseñadora de joyas que recientemente pisó tierra azteca para
Jade Jagger nació en París, y su infancia coincidió con la época de la escena del arte pop neoyorquino, cuando muchos artistas, incluido Mick Jagger, fueron atraídos hacia ese lugar y hacia la figura de personajes como Andy Warhol. De hecho, el artista estadounidense fue una de las inspiraciones de Jade, quien años más tarde decidiría incursionar también en el camino del arte plástico.
A finales de los años ochenta, Jade comenzó su carrera como artista, luego de estudiar pintura en Florencia y de realizar varias exposiciones; pero su espíritu lo llevó a crear su propia línea de joyería fina, llamada Jade Inc.
Cuando inició a hacer joyas, solo estaban disponibles en las tiendas Paul Smith y poco a poco fue creciendo la lista de distribuidores, incluidos Maxfields, Bergdorf Goodman, Barneys, Collette, Browns, The Cross y La Mode, entre otros. De ahí, que Jade Inc se haya convertido en una empresa global.
Hoy en día, Jade Jagger también diseña interiores y joyas de fama mundial, además de hacer diseños de moda, alta costura y piezas de lujo que se vendieron junto con sus joyas en la primera tienda Jade Jagger que se inauguró en noviembre de 2009 en All Saints Road, en el oeste de Londres.
Recientemente, esta reconocida pintora y joyera visitó la Ciudad de México con el fin de ofrecer un exclusivo popup de arte y diseño, en la Suite Presidencial del Hotel Four Seasons, en donde presentó "Jade Jagger & Friends".
Se trató de una colección de pinturas y joyería inspiradas en el poder medicinal y psicodélico de las plantas, como adelantó en entrevista con El Sol de México: "Tengo que decir que fue la primera vez que volví a pintar en mucho tiempo correctamente, así que conseguí un nuevo estudio y como siempre me ha gustado el tema de la botánica y de las hierbas medicinales, pues comencé a jugar con esos temas? En general diría que me encanta hacer cosas hermosas, pero si miras mis trabajos encontrarás que muchos de ellos se basan en las plantas".
Según el medio, cada una de las piezas que conforman la colección "Medicine Chest" celebra las cualidades místicas y terapéuticas de las plantas medicinales a través de formas meticulosamente elaboradas, con piedras como la turquesa y el ópalo, montadas en oro blanco y enmarcadas con diamantes, mientras que sus pinturas en hoja de oro son un homenaje a dicho tema.
De hecho, una línea de joyería de Jada Inc. lleva por nombre "Zapotec": "Hice esa línea cuando estuve en Oaxaca, porque me interesaba mucho esa forma tan pura que tienen de trabajar con el oro? Quería jugar un poco con eso, pero también me sentí un poco como pirata, por el hecho de tener que viajar con esos materiales y lo que significaba, como protección y esas cosas, pero por otro lado yo quería mantenerlo lo más simple posible. En fin, espero que les haya gustado el resultado".
Además de Oaxaca, hay otros lugares que han inspirado a esta joyera. "Hace muchos años también estuve con mis hijos en San Miguel de Allende. Estuve pintando ahí, de hecho hice cosas similares a las que estoy pintando ahora, pero siempre me ha encantado México por su diversidad, ya que puedes tener la playa, pero también las colinas y la ciudad. Amo esta ciudad por todo lo que representa y he tenido varias estancias aquí".
Fotos cortesía de @alexa.moreno.mx
Un triunfo más para la gran gimnasta mexicana Alexa Moreno.
Alexa Moreno es una de las deportistas más queridas en nuestro país, ya que la talentosa gimnasta ha desafiado muchos tabús, ha cosechado muchos éxitos y representará a México en los próximos Juegos Olímpicos de París. Es por eso, y muchas más cosas, que ha sido homenajeada con su propia versión de la muñeca más famosa del mundo: Barbie.
Alexa Moreno también estará junto a otro grupo de destacadas deportistas, convirtiéndose en otra atleta mexicana en contar con su propia muñeca. Esto fue compartido a través de su cuenta en Instagram, en donde la marca insignia del corporativo Mattel lanzó el proyecto Role Models, para celebrar su 65 aniversario; en un video promocional muestra a un grupo de nueve deportistas de alto rendimiento de todo el mundo, y las muñecas que las representan, entre las que destaca la gimnasta mexicana.
Asimismo, Moreno celebró el homenaje dado por Barbie, reposteando la imagen de su propia muñeca en sus historias en Instagram. Alexa Citlali Moreno Medina, tiene solo 29 años de edad, es originaria de Mexicali, Baja California; empezó en la gimnasia a los 3 años de edad, Aunque comenzó como una actividad recreativa, la adrenalina y los nuevos retos la hicieron apasionarse por el deporte.
Inspirada por los Juegos Olímpicos de Sídney 2000, la mexicana debutó como atleta de alto rendimiento unos años después y obtuvo su primera medalla de oro en 2010, durante el Campeonato Pacific Rim. Moreno lleva años compitiendo en eventos internacionales, manteniéndose siempre dentro de los primeros 10 lugares en la modalidad salto de caballo.
La gimnasta cuenta con medalla de plata en salto de caballo ganada en la Copa del Mundo de Gimnasia Artística celebrada en Anadia, Portugal (2016) y tres séptimos lugares en los Mundiales de Tokio (2011), Naning (2014), y Glasgow (2015). Durante su participación en los Juegos Olímpicos de Rio 2016, Alexa recibió fuertes críticas en redes sociales sobre su apariencia física, sin embargo, pese a este mal trato recibido en internet, su gran desempeño puso el nombre de México en el radar de la gimnasia, aunque sus resultados no lograron que subiera al podio olímpico.
Alexa Moreno consiguió su pase a los Juegos Olímpicos de París 2024, al concluir entre las mejores 14 gimnastas del mundo en el Campeonato Mundial Amberes 2023. El equipo mexicano femenil finalizó en el sitio 14 y tendrá otra plaza individual para Juegos Olímpicos, además del lugar que Alexa Moreno se ganó al clasificar a la final de la prueba All Around y quedar colocada entre las mejores 14 atletas.
Con el proyecto Role Models, Mattel celebra 65 años de la existencia de Barbie, y además de Moreno, reconoce la trayectoria de otras ocho deportistas que fueron homenajeadas por Barbie, son: Venus Williams (tenis), Christine Sinclair (fútbol), Mary Fowler (fútbol), Estelle Mossely (box), Rebecca Andrade (gimnasia), Susana Rodríguez (triatlón adaptado), Federica Pellegrini (natación) y Ewa Swoboda (atletismo).
Fotos cortesía de Sothebys
La venta de esta pieza de Leonora Carrington, coloca su obra al precio de los cuadros de Remedios Varo y Frida Kahlo.
La obra de Los distractores de Dagoberto de Leonora Carrington se vendió por 28,5 millones de dólares en Sotheby’s de Nueva York; convirtiendo a la pintora nacionalizada mexicana en la cuarta artista surrealista con mayores ventas, así como en la quinta artista mujer con mayores ventas de todos los tiempos. El récord anterior de subasta del surrealista británico-mexicano de 3,3 millones de dólares se estableció en Sotheby’s en 2022.
Leonora Carrington fue una artista británico-mexicana que, durante sus 94 años de vida, estuvo asociada con el surrealismo; vivió y trabajó como artista en medio de las emocionantes escenas artísticas del siglo XX en Londres, París y Ciudad de México. Desde su nacimiento en 1917 en Inglaterra hasta su muerte en 2011 en México, la pintora surrealista nunca dejó de traspasar los límites del arte, el género, la espiritualidad y su propia imaginación.
Aunque hoy en día muchos aman sus piezas y su nombre, Leonora Carrington, no fue tan reconocida en el siglo XXI, ni pudo ver el gran aprecio que hoy en día tiene su obra.
Les Distractions de Dagobert fue pintado dos años después de que Leonora Carrington se muda a México, es una amalgama fantástica de referencias, desde Hieronymus Bosch hasta la cosmología indígena mexicana. Apareció por última vez en una subasta en 1995, cuando se vendió por 475 mil dólares en Sotheby ‘s de Nueva York.
Pero desde entonces, la demanda del mercado de mujeres artistas surrealistas ha crecido exponencialmente y antes de que comenzara la subasta nocturna moderna el 15 de mayo, la pintura ya estaba a punto de establecer un nuevo récord con una estimación de entre 12 y 18 millones de dólares. Su precio de venta final de 28,5 millones de dólares superó con creces la estimación y multiplicó por nueve el récord de subasta anterior del artista.
La casa de subastas también señaló que la venta récord de la "obra maestra definitoria" de Carrington superó los máximos de subasta de las superestrellas surrealistas masculinas Max Ernst y Salvador Dalí.
El cuadro de Leonora Carrington fue adquirido por Eduardo F. Costantini, empresario argentino y fundador del Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires. Constantini dijo: "Una pintura icónica, Las distracciones de Dagoberto es una de las obras más admiradas en la historia del surrealismo y una obra maestra incomparable del arte latinoamericano. Yo fui el mejor postor cuando ella alcanzó el récord del artista hace treinta años y esta noche, una vez más, logramos un nuevo récord en la subasta".
Constantini es reconocido por hacer grandes ofertas por obras de arte latinoamericanas a precios récord. Ha donado cientos de piezas al Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires desde la fundación de la institución. Respecto a su última adquisición de Carrington, Constantini dijo: "Esta obra maestra será parte de una colección donde, entre otras, también se encuentran dos obras importantes de Remedios Varo y otra de Frida Kahlo que batió récords".
En la misma subasta se vendieron otras obras de mujeres artistas, entre las que se destaca una segunda pintura de Carrington, ¿Quién eres, Cara Blanca? (1959) que se vendió por 2 millones de dólares; Esquiador (Viajero) de Remedios Varo (1960) vendida por 4,2 millones de dólares y ??Le Train (1975) de Leonor Fini se vendió por 44 mil 500 dólares.
