Todo arte que se conjuga en un espacio dedicado a su difusión, pretende proyectar lo que a nivel global se alcanza a distinguir del mundo y sus realidades atemporales. Las exhibiciones nos dicen mucho de cada ciudad, nos dicen algo sobre sus curadores, sus artistas y demás visionarios involucrados que le muestran a su ciudad expresiones foráneas o nacionales que han llevado a flote, por una razón especial. Y no es exageración decir que mucho de lo que se ha expuesto en recintos capitalinos han forjado la percepción de sus habitantes. Es importante no olvidar alimentarnos de las ideas que se hayan en los muros de cada museo ya que, no sólo el artista puede lograr trascenderlas, también el espectador en su vida diaria.
Para que te des una idea de lo que culturalmente enriqueció a tu ciudad este año, te presentamos algunas de las mejores exposiciones que se pudieron mirar este 2015 (muchas de las cuales aún se encuentran en exposición hasta el siguiente año):
Francis Alÿs: Relato de una negociación
En Museo Tamayo y Sala Siqueiros
Esta fue, sin duda, una de las mejores exhibiciones En 1987 el artista belga Francis Alÿs llegó a vivir a México, primero como arquitecto, pero luego fue volcándose al arte. La ciudad se ha convertido en uno de los escenarios predilectos de sus obras: como cuando pateó un balón encendido durante la noche por la ciudad sin que las autoridades lo impidieran, o cuando arrastró un hielo por las calles en alusión a la metáfora de " A veces el trabajo lleva a nada" (quizá como crítica al sistema capitalista).
Alÿs ha usado tanto la pintura como piezas audiovisuales con mensajes poderosos y como un medio de análisis y de estética. Ahora, el Museo Tamayo presentó una exposición sobre su trabajo en estos dos campos llamado "Relato de una negociación". Simultáneamente, en la Sala Siqueiros se exhibieron también las piezas "The Paradox of Praxis #5" y "Children´s Games #15".
Angeología: utopía y ángeles
En Antiguo Colegio de San Ildefonso
Fue la exposición de una pareja de rusos, Ilya y Emilia Kabakov, quienes han sido reconocidos como los inventores de lo que se conoce como "instalación total", ya que sus instalaciones usan edificios o espacios completos para generar toda una experiencia con el mismo sentido discursivo o rítmico. Para esta exposición ?en un momento por cierto sincrónico para México?, la pareja trajo al San Ildefonso un ángel a gran escala que aterriza con la posibilidad de la paz. Podría pensarse que la alusión a los ángeles es algo trillado; sin embargo, la significación de esta presencia va más allá de la figura divina y se traduce como un halo de acompañamiento, de ese voltear a ver a otro mundo para encontrar fuerzas para este; una condición humana que hasta el más ateo o agnóstico considera en los momentos más difíciles.
Ojo en Rotación: Sarah Minter. Imágenes en Movimiento 1981-2015
En Museo Universitario de Arte Contemporáneo (MUAC)
Una retrospectiva por el trabajo de Minter; casi veinte años de creación. Fue la primera muestra retrospectiva del trabajo de esta artista de 1981 al 2015. "Su obra suele estar atravesada por una mirada de carácter afectivo que expresa un particular interés por las relaciones del individuo con lo social, lo político, la urbe, el cuerpo y el goce". Esta exposición presentó 4 piezas (videos y videoinstalaciones) y un programa de cine con la mayor parte de su trabajo en largometrajes. Al igual que Pola Weiss, Sarah Minter ha sido una de las pocas precursoras del videoarte mexicano. Este género que raya entre la experimentación visual sin que necesariamente hecha mano de una narrativa, como sucede con las películas, ha sido muy poco explorado en México.
Dalí de Cadaqués
En Hotel Presidente Intercontinental
Robert Descarnes, fotógrafo francés, nos mostró en las paredes del Hotel Presidente Intercontinental 120 fotografías en blanco y negro y algunas a color del pintor Salvador Dalí, gran amigo de Descarnes. Estas fotografías fueron retratadas a lo largo de varios años en Cadaqués, pueblo en el que Dalí se inspiró para desarrollar muchas de sus más grandes obras y en donde se deja entrever el genio innato del surrealista.
Gisèle Freud y su cámara
En Museo de Arte Moderno
La segunda exposición individual de la artista en México, antes se había presentado en 1994 en Bellas Artes. Fotografa y socióloga francesa nacida en Alemania. Exiliada de este último debido a su documentación constante de las fuerzas nazis en las calles, Freud recorrió el mundo con ojo de periodista y realizó algunas crónicas espectaculares, aludiendo a su postura política y otras más biográficas de índole artística. Sus retratos más conocidos son aquellos donde aparecen artistas e intelectuales de la época: James Joyce, Walter Benjamin, Virginia Woolf, Jean Cocteau, Simone de Beauvoir y Henri Matisse, todos de origen francés. En la ciudad de México tomó algunas fotografías de Frida Kahlo. También fue de las primeras artistas en usar rollo de color (Agfacolor y Kodachrome).
El rebozo: Made in Mexico
En Museo Franz Mayer
Curada por Hilary Simon, esta exposición no solo proyectó la belleza impresa en esta prenda, sino que también reforzó su lugar en el imaginario colectivo contemporáneo, para así asegurar su preservación y hacer del rebozo un verdadero patrimonio cultural.
La máscara de Calakmul, universo de jade
En Museo Nacional de Antropología
Una obra maya realizada con cientos de piezas de jade se exhibió por primera vez en la Ciudad de México. Se trata de una estilizada máscara que proyecta la manera como concebían los mayas el ciclo infinito de existencia: vida, muerte y resurrección, y constituye también una metáfora del microcosmos de la escatología del universo maya. La pieza fue hallada en 1984, en la tumba 1 de la estructura VII de Calakmul en Campeche.
Lee Miller. Fotógrafa surrealista
En Museo de Arte Contemporáneo
Lee Miller es una de las figuras femeninas más importantes que han sido asociadas a la fotografía surrealista del siglo XX. Miller comenzó a trabajar como modelo para fotógrafos como Arnold Genthe y Edward Steichen. A los 27 se mudó a Paris y estableció contacto con Man Ray quien influenció decisivamente en su trabajo. Estudió en Paris y más tarde trabajó para Vogue. La exposición en la ciudad de México atrajo una selección de sus mejores piezas, haciendo énfasis en su historia artística y el contexto que vivió después de la guerra con el historiador crítico Roland Penrose.
El retorno de la serpiente. Mathias Goeritz y la invención de la arquitectura emocional
En Palacio de Cultura Banamex
Sin duda Mathias Goeritz es una de las figuras más interesantes que florecen en la intersección entre arte y arquitectura. Este alemán de nacimiento, y mexicano por adopción, fue el encargado de diseñar un concepto fascinantes: la arquitectura emocional. ¿Cuáles son las emociones y sentimientos que evoca un espacio determinado? ¿Cómo inciden en el sentir de una persona las líneas, ángulos y materiales que un arquitecto emplea? Estas fueron algunas de las interrogantes que acompañaron las reflexiones de Goeritz y que se pudieron apreciar e esta espectacular exposición en la Ciudad de México.
Ecos de tinta y papel. De la intimidad de Frida Kahlo
En Museo Casa Estudio Diego Rivera y Frida Kahlo
Una muestra de cartas y fotografías enviadas por la artista a amigos familiares nos permitieron indagar en la vida privada de la artista para estudiar sus pensamientos y su relación con Diego Rivera y su "yo" interno. Esta exposición reunió los momentos más íntimos de Kahlo que incluyeron su correspondencia con Dolores del Río, el Dr. Leo Eloesser y Nickolas Muray. La recopilación de cartas provino desde la colección del Museo de Filatelia de Oaxaca, hasta la Fundación Alfredo Harp Helú, y el Museo de Arte de Filadelfia.
Todo por ver, una revisión de la fotografía entre el año 2000 y 2014
En Foto Museo Cuatro Caminos
El nuevo museo de la ciudad dedicado a la fotografía que se hace en México, se inauguró hace poco con esta y dos exposiciones más. "Todo por ver", es una muestra coordinada por Gerardo Montiel Klint y aún se exhibe en el recinto. En ella se reúnen conceptos, ideas y líneas de pensamiento con respecto a la imagen abordada desde la lente de un mexicano.
Vanguardia rusa. El vértigo del futuro
En Museo del Palacio de Bellas Artes
En todas las artes: cine, escultura, arquitectura, fotografía, pintura, Rusia generó su propio movimiento vanguardista. Este año se presentó por primera vez en el mundo una exposición que conjugó todas ellas cabalmente. En esta exhibición se miraron artistas del tamaño de Vladimir Tatlin, Aleksander Rodchenko, Kazimir Malevich, Serguei Eisenstein o Vasili Kandinsky.
Bite Your Tongue, la exposición de León Golub
En Museo Tamayo
Se encuentra aún en exposición, hasta febrero 7 de 2016. León Golub es un personaje interesante. Estuvo en el ejército de Estados Unidos y participó en la Segunda Guerra Mundial. Luego de eso, como la mayoría de los involucrados en esa tremenda atrocidad, quedó marcado. Por más de 50 años también fue un pintor de un estilo particular. Aunque el concepto de su obra no se conozca previamente, en ellas, desde sus imágenes figurativas (que algo de graciosas tienen) se observa un violencia repetitiva; cuerpos de personas casi siempre amontonados pero en movimiento. Esta exposición es una muestra ambiciosa de su trabajo y más de 50 pinturas y dibujos en muy distintos formatos, producidos entre 1950 y 2004.
Exposición de Jeremy Deller
En MUAC
También aún en exposición hasta el próximo mes de febrero. Su obra es algo así como el análisis de la cultura popular británica desde sus expresiones aparentemente más sencillas como objetos cotidianos. Jeremy Deller conoció a Andy Warhol y trabajó por un tiempo en su alucinante The Factory. En los noventas comenzó a crear su arte, y para diluir la figura del artista como ente primordial, para difuminar ese ego, comenzó a hacer reintepretaciones de la historia británica.
El Film sobre el Arte en México
En Museo de Arte Moderno
El concepto de "filme sobre Arte" es una especie de ensayo visual que intenta recabar la genealogía del Arte a través de los años; en este caso, el trabajo de pintores, arquitectos, músicos y dramaturgos de México entre los años 1960 y 1975. En aquella época algunos cineastas se sirvieron de los nuevos medios electrónicos para inmortalizar algunas obras plásticas ejemplares en el mundo. México también tiene su acervo fílmico sobre su patrimonio artístico y en la exposición Cineplástica se pudieron valorar algunas de ellas.
Además de los 14 filmes de 13 cineastas, la exposición albergará, hasta el próximo 31 de enero, 43 piezas -23 pinturas, 12 grabados, 4 dibujos y 4 esculturas de 12 artistas plásticos- propios de la colección del MAM, de entre los que se destacan: David Alfaro Siqueiros, Manuel Felguérez, José Luis Cuevas, Helen Escobedo, Alberto Gironella, Frida Kahlo, Leopoldo Méndez, Juan O?Gorman, José Guadalupe Posada, Vicente Rojo, Rufino Tamayo y Remedios Varo.
Fotos cortesía de Arnulfo Allende
Chuchita podría ser la evidencia de la presencia de la cultura Olmeca en Puebla.
En 2010 se llevó a cabo una exploración arqueológica en La Casa del Mendrugo, en donde se descubrieron varios niveles de piso de la época colonial, una serie de basureros y lo más interesante fue que justo debajo de los niveles coloniales más tempranos, se localizó cerámica de tradición indígena con las formas, decoraciones y colores característicos de la alfarería del Horizonte Formativo.
Estos elementos hicieron que el equipo de investigadores extendiera la primera excavación, en donde se ubicaron cerca de treinta objetos como figurillas y pectorales de piedra verde, espejos de magnetita, pectorales de concha y puntas de proyectil de obsidiana que formaban parte de una ofrenda.
A dos metros de la ofrenda se localizó el entierro de Chuchita: una mujer de 1.20 m de altura y con una edad aproximada de 60 años al morir. Los antropólogos le llamaron "Chuchita", y encontraron que tenía evidencias de diversas patologías y lesiones de más de veinte años, durante el cual tuvo necesidad de cuidados y tratamiento especial.
Asimismo, se mostró que los materiales arqueológicos estaban asociados con la cultura Olmeca, lo que permitió ubicar a Chuchita entre los años 1500 a 1200 a.n.e. Se trata de un fascinante hallazgo, ya que fue la primera vez que Puebla contacta con evidencia arqueológica de artefactos cerámicos, líticos, arquitectura y restos de población humana en un mismo contexto.
De ahí, que el equipo de investigadores infirió que el Centro Histórico de Puebla existió como una aldea relacionada con la cultura Olmeca, ya que Chuchita es la habitante más antigua en la ciudad de Puebla que se haya encontrado hasta ahora. Tiene unos 3 mil 500 años, según los cálculos de especialistas.
Hoy en día, su osamenta reposa en un espacio subterráneo de la histórica casona, que además es restaurante y museo. El descubrimiento también arrojó que ella vivía en una comunidad a orillas del río Almoloyan o San Francisco, un valle en el que los ancestros prehispánicos practicaban la agricultura y la observación de astros.
Finalmente, se descubrieron indicios de un fuerte golpe en su cráneo; se cree, pudo estar relacionado con la muerte, aunque en una edad que ya se consideraba una mujer mayor y de respeto en la sociedad. El entierro de esta osamenta sobrevivió los siglos y también las obras de los primeros españoles en Puebla, que por fortuna fueron superficiales. Aquí te dejamos la información, por si quieres ir a visitar a Chuchita en la Casa del Mendrugo, y conocer más sobre su historia y este hermoso inmueble en Puebla.
Casa del Mendrugo
Dónde: Calle 4 Sur 304, Puebla, Puebla.
Cuándo: martes a domingo de 10:00 a 18:00 horas.
Entrada libre
Fotos cortesía de Jorge Monroy Arte
Jorge Monroy ha registrado dejado un gran registro con tinta y papel de Guadalajara.
El artista Jorge Monroy afirma que tiene un catálogo de 250 acuarelas de Jalisco, porque parte de su intención como artista es hacer que todas las personas conozcan los rincones más lindos de esta maravillosa ciudad.
En 1976, el periódico tapatío El Informador le pidió que cada semana entregara una acuarela con una condición: paisajes de Jalisco, en su mayoría, con lugares cercanos a la entidad. Por supuesto, para Monroy estoy fue como ganarse la lotería, ya que se combinaron sus pasiones de pintar y viajar, además de que le recibió un sueldo por hacerlo.
Después de 44 años de publicar ininterrumpidamente, cada domingo una acuarela, cuando el suplemento cultural llamado Pasaporte mostró 2 mil acuarelas del artista, de las cuales alrededor de 250 eran de lugares Jalisco. Dichas acuarelas hoy forman parte del acervo de la Fundación Carlos Álvarez del Castillo; sin embargo, el autor posee algunas copias.
Monroy es un acuarelista nacido en 1951, en Morelia, Michoacán, pero radicado en Guadalajara. Se inició en el arte, con el dibujo y la pintura y en 1968, ingresó a la Escuela de Artes Plásticas de la Universidad de Guadalajara, siendo sus maestros Tomás Coffen, Francisco Rodríguez Caracalla, Jorge Martínez y sobre todo, Alfonso de Lara Gallardo, bajo cuya guía y apoyo habría de descubrir ese género de expresión estética pleno de luminosidad y transparencia que es la Acuarela.
Para Monroy, la acuarela es la forma de expresión estética más afín a sus virtudes técnicas, y de hecho, es uno de sus más fieles exponentes. Es un pintor que dedicado, con una trayectoria de más de cincuenta exposiciones individuales, tanto en la República Mexicana, como en Estados Unidos, Sudamérica, Inglaterra y Bélgica.
Asimismo, este artista ha participado en innumerables exposiciones colectivas en nuestro Estado, en nuestro País y en el extranjero. Sus acuarelas se han venido imprimiendo con regularidad durante los últimos cuarenta años en diferentes suplementos del diario El Informador de Guadalajara. Sus pinturas y dibujos han ilustrado diversos carteles, revistas y varios libros de temas literarios.
También ha publicado “Portafolios” con reproducciones de sus mejores obras sobre los aspectos más atractivos y de mayor tradición de la ciudad de Guadalajara y otros lugares. En los últimos años, ha pintado varios murales en la Cámara de Comercio, en la Zona Arqueológica de Guachimontones en 2012 y más tarde en el Hospital Civil y en Centro Universitario de Ciencias de la Salud en año 2015.
Fotos cortesía de Galería Estilo Mexicano
La piratería de artesanías mexicanas tiene un impacto enorme en las comunidades indígenas del país.
Desde hace varios años se han tratado de combatir los miles de plagios, apropiaciones, imitaciones y piratería que ha sufrido el arte popular mexicano. Ningún estado mexicano se salva de algún plagio o de la piratería, ni las esculturas de Metepec, ni los bordados de Tenango, el barro negro de Oaxaca, ni las muñecas mazahuas o la talavera de Puebla.
Lo peor de todo es que los artesanos mexicanos son los que padecen más esta situación; ya sea porque hoy en día el mercado está repleto de artesanías Made in China, imitaciones de tianguis o incluso porque los diseños son plagiados -sobre todo excesivamente en el pasado- por diseñadores que más tarde venden sus artículos en tiendas de lujo.
A esto hay qué añadir que los artesanos no tienen piezas registradas como propiedad intelectual, derechos de autor, ni existen suficientes defensores de arte popular para tener una protección del patrimonio artesanal mexicano; sin mencionar otras tantas complicaciones que hay detrás de esto.
Asimismo, la piratería atenta contra la tradición artesanal y la cultura de México, y tiene un impacto económico sumamente grande, valorado por la Cámara Americana de Comercio (AMCHAM) en 69 millones de pesos.
Al respecto, Esperanza Ortega Azar, presidenta de la Cámara Nacional de la Industria de Transformación (Canacintra), advirtió que la delincuencia organizada moviliza más de 10 mil millones de pesos de productos de contrabando anualmente en México. La artesanía no está exenta de esta realidad. De acuerdo con la estimación más reciente, el trabajo de más de 11 millones de artesanos se ve afectada cada año, advirtieron.
Tan solo esta práctica ilegal supuso 69 millones de dólares hace una década, lo que representa 60 por ciento de las ventas totales, de acuerdo con la Cámara de Comercio, Servicios y Turismo de la Ciudad de México (Canaco).
Aunque la feria de artesanías Manos del Mundo forma a los artesanos mexicanos para que, a través del derecho de autor, protejan sus creaciones. Reconoce que actualmente hay vacíos legales. Un problema socava los cimientos de una industria centenaria: la piratería.
"Desde el delicado trabajo de los canteros de Michoacán hasta las creaciones de los artesanos wixárikas en Nayarit, la piratería ha surgido como una amenaza que pone en riesgo no solo la subsistencia de los creadores, sino también la preservación de una parte fundamental de la identidad cultural del país", afirmó la AmCham de Estados Unidos.
Para eliminar la piratería, recuerda que los artículos industrializados se ven mucho mejor confeccionados, son exactamente igual entre sí, y es posible distinguirlos, sobre todo, por su valor muy económico.
Pero toma en cuenta que al fomentar el consumo de artículos piratas, los artesanos quedan desplazados por la industria que elabora piezas de forma masiva, barata y de rápida elaboración y consumo. No permitamos que se pierdan las artesanías de nuestros pueblos, ya que son un sello que distingue a nuestro país, la identidad y cultura.
Fotos cortesía de Adidas Mx
Conoce esta campaña con artesanos mexicanos que combina arte, deportes y cultura en lienzos únicos.
Desde hace algunos años, Adidas ha lanzado algunos productos de inspiración mexicana, como sus tenis con características y diseño de la talavera mexicana. Esta ocasión lanzó otra fusión entre cultura y deportes, en donde los artesanos mexicanos tienen un papel relevante para crear piezas que celebran los juegos tradicionales latinoamericanos como los deportes modernos.
Esta colaboración única, realizada por Pentagono Art, que involucra a artesanos de Puebla, Michoacán y Oaxaca para darle vida a dos series de balones de fútbol esculpidos y tapices de lana tejida.
La serie de tapices de lana con pigmentos naturales, que fusiona la maestría artesanal mexicana con el mundo del deporte. Cada obra se despliega como una ventana abstracta a varios campos deportivos como fútbol, ??baloncesto, tenis y atletismo. La fusión de las emociones efervescentes vividas en los campos de juego se entrelaza con la pasión histórica imbuida en cada hilo.
Las alfombras son testimonios de la creatividad humana al crear historias combinando arte, deportes y cultura en un lienzo único. Los momentos efímeros se transforman en recuerdos perdurables a medida que se tejen en el tejido de la tradición.
Por otra parte, están los balones de fútbol hechos a mano, que hacen honor a los antiguos juegos de pelota azteca. Para hacer los balones, los artesanos utilizaron cuatro técnicas tradicionales, incluido el Barro Negro brillante y la Talavera ricamente detallada, incrustando en cada bola símbolos que narran historias de los deportes y la cultura aztecas, centrados en el icónico logotipo de Adidas.
Los tapices y los balones de fútbol son algo más que decorativos. Son un testimonio del rico patrimonio cultural de México y sus técnicas artesanales eternas. Al combinar lo antiguo con lo nuevo, estos artesanos preservan sus tradiciones y conectan con la cultura deportiva contemporánea, haciendo una poderosa declaración sobre la identidad y el patrimonio.
Esta colaboración resalta la belleza de la artesanía mexicana, fortalece los vínculos entre el arte tradicional y marcas globales, mostrando cómo las tradiciones locales pueden desempeñar un papel importante en los contextos modernos.
Fotos cortesía de National Museum of Mexican Arte
Carlos Cortéz Koyokuikatl fue un grabador y gran activista en los Estados Unidos.
Carlos Cortez fue un artista multidisciplinario dedicado a la poesía, grabado, fotografía, música, e incluso fue un muralista y activista político, miembro de la liga de Trabajadores Industriales del Mundo. Es un artista poco conocido en México, ya que nació en Milwaukee, Wisconsin siendo hijo de "un indio de pura sangre de México" y una madre socialista y pacifista alemana.
Además, este artista aprendió inglés, algo de alemán de su madre, pero nunca llegó a dominar la lengua de su padre; aunque en la posguerra trabajo como lavaplatos, albañil, empleado de tienda y peón en varias fábricas; hasta que se dedicó al arte como pintor autodidacta y alrededor de 1948 comenzó a enviar dibujos al Industrial Worker y a contribuir con historias ocasionales.
En los años 50 aprendió el medio por el que se haría más famoso: grabado. En la Industrial Worker tenía recursos limitados para convertir sus bocetos en planchas grabadas para usar en las prensas planas que producían el papel. Cortez notó que algunos colaboradores enviaban bloques de linóleo cortados que podían usarse directamente en la prensa. No le llevó mucho tiempo dominar las técnicas de creación de grabados en linóleo. Pero pronto, casi todas las ediciones del periódico incluyeron al menos una nueva impresión suya.
Con esto descubrió que los bloques de linóleo eran un elemento básico del arte de la Revolución Mexicana, así que estudió y adoptó las técnicas y temas de artistas como José Guadalupe Posada, mezclándolos con los grabados de la socialista y expresionista alemana Käthe Kollwitz.
Cortés se identificó cada vez más con su herencia mexicana, india y campesina. A mediados de los años 60, ya tenía una larga carrera como ilustrador, escribía artículos, poemas y columnas, además de que aprendió a hacer bloques de impresión con casi cualquier trozo de madera desechado para mejorar su grabado.
Un amigo griego de Carlos, le dijo que debía conocer a su hermana en Grecia. De hecho, mantuvieron correspondencia varios años, ahorró dinero, dejó su trabajo y cruzó el océano como pasajero en un carguero para conocer a Marianna Drogitis, de la que se enamoró y se comunicaban con gestos y pocas palabras de alemán que tenían en común. Regresaron a EU en otro carguero, se casaron y se establecieron en Chicago en 1965. Marianna fue la modelo para sus xilografías, incluidos desnudos amorosos y voluptuosos.
En esa época fue cuando hizo más carteles sobre la Revolución Mexicana, en papel de la carnicería y se negó a firmar o numerar impresiones. De hecho, cuando sus carteles comenzaron a atraer la atención del mundo del arte comercial, hizo saber que si alguna vez comenzaban a venderse a precios inflados, imprimiría más para mantener el costo bajo. Incluso lo hizo como una disposición en su testamento para aquellos que tomaran posesión de sus bloques.
Asimismo, Carlos fue un mentor de una nueva generación de artistas. En 1975 ayudó a fundar el Movimiento Artístico Chicano, una de las primeras organizaciones de artistas latinos en la ciudad, además de que ayudó a fomentar el renacimiento del movimiento muralista en los Estados Unidos. También se convirtió en uno de los primeros patrocinadores del Museo Centro Mexicano de Bellas Artes, que se convirtió en el depósito de muchas de sus obras y tiene la colección más grande de su extensa producción en el mundo.
En los años 80, se dedicó a la poesía, hacía lecturas ocasionales en cafés, librerías radicales y escribió la introducción o contribuyó en varios libros. En sus últimos años, el trabajo de Carlos fue ganando reconocimiento internacional. Ilustró la novela Brassero de Eugene Nelson. Sus grabados aparecieron en varias exposiciones itinerantes y se agregaron a varias colecciones permanentes e incluso hubo algunas exposiciones retrospectivas de su obra en el Museo Palacio de Bellas Artes.
Carlos quedó devastado cuando su amada Marianna murió en 2001. El 17 de enero de 2005 Carlos falleció rodeado de amigos y escuchando música
Fotos cortesía de INAH
Los Olmecas llegan al espacio arqueológico más grande de Canadá.
El Museo Pointe-à-Callière de Arqueología e Historia, de Canadá, estará presentanto una diversidad de piezas mexicanas, en la exposición Olmecas y las civilizaciones del Golfo de México, con el fin de celebrar la cultura y tradiciones mexicanas en el Vieux Montreal, el corazón antiguo de la ciudad cosmopolita.
Esta exhibición destaca las maravillas del México antiguo, en uno de los museos más espectaculares de Canadá, para que todos conozcan y se maravillen con las culturas mexicanas ancestrales. Se trata de un montaje que ilustra un panorama civilizatorio de más de 3 mil años, y plantear preguntas e imaginar cómo era la vida de esos hombres y mujeres que habitaron en la costa atlántica de México.
La directora ejecutiva del Museo Pointe-à-Callière, Anne Elisabeth Thibault, destacó en un boletín de prensa, que la emoción palpable en todos los colaboradores del recinto a su cargo, por recibir temporalmente los 272 objetos patrimoniales que integran a la muestra, cada uno de los cuales es testigo de la grandeza de múltiples civilizaciones de raíz olmeca.
"La colaboración entre nuestras instituciones es testimonio del compromiso compartido por promover el entendimiento intercultural, por ello, agradecemos a todos los que han hecho posible este esfuerzo. Su contribución creará, sin duda, experiencias enriquecedoras e inolvidables para nuestros conciudadanos y visitantes", expresó la Directora del Museo.
Asimismo, a dicho país del norte llegaron piezas arqueológicas y objetos etnográficos que narran parte de la historia y evolución de la cultura olmeca; que se mantiene viva en los pueblos huastecos, nahuas, totonacos, zoques y otomíes de nuestro país.
Además, se preparó un programa de actividades con recorridos guiados, conferencias y una publicación especial, realizada en colaboración con la revista Beaux-Arts, dedicada a la exposición y en la cual se ofrecerán contenidos complementarios a la misma.
Fotos cortesía de Erick Meyenberg
El artista visual Erick Meyenberg y Tania Ragasol, abordan la migración y la identidad cultural.
El artista Erick Meyenberg representa a México en la 60ª Exposición Internacional de Arte de La Biennale di Venezia con una extraordinaria videoinstalación llamada Nos marchábamos, regresábamos siempre, con la curaduría de la gestora independiente de arte contemporáneo Tania Ragasol.
Esta intervención estará disponible hasta el 24 de noviembre de 2024 en el Pabellón México en la Bienal de Venecia, en Venezia, Italia, y entabla un diálogo con más de 87 pabellones de 87 países.
Erick Meyenberg plantea un dilema fundamental con su obra, en donde parece que todos somos extranjeros donde quiera. La obra exhibe que la condición de extranjería se puede estar viviendo aun no habiendo emigrado a otro país; no sabiendo si la pertenencia en realidad está fijada por la historia, los afectos o los tránsitos que hoy en día la movilidad humana plantea. No es la geografía, la historia o el lenguaje lo que define esas construcciones, sino una realidad en la que nos movemos permanentemente.
No obstante, México ha recibido personas que han tenido que dejar sus raíces o sus orígenes por guerras, por dictaduras, por desastres ambientales o solo porque se enamoran de un país tan diverso. La poética transdisciplinar de Meyenberg, que va de lo visual al lenguaje del movimiento, que transita por las emociones y los afectos de todas las personas que nos vemos reflejadas en una mesa.
El artista creó cerámica para poder desfigurar y transfigurar esas emociones que significan en una mesa compartir los dilemas, las nostalgias, las promesas incumplidas, los sueños, los compromisos; es ahí donde México se enriquece con esta obra poética de Meyenberg y de Tania Ragasol.
Esta propuesta artística habla de la hospitalidad, reconocer que todo proceso migratorio tiene muchas capas de dolor y de pérdida, pero ante una mesa se pueden crear lazos profundos de humanidad, es en donde caben todos esos gestos casi ancestrales, primigenios, que más allá de fronteras y de nacionalidades, nos pueden unir a todos como seres humanos y en donde podemos proyectarnos. Por eso en la videoinstalación hay una mesa blanca, una especie de pantalla en donde cada uno puede proyectar sus memorias.
El trabajo de Tania Ragasol evoca de una manera poética tanto el trayecto de quien migra, de una familia de migrantes, como la posibilidad de un momento, aunque sea un instante, de pertenencia alrededor de una mesa. Es un tributo a aquellos que están por llegar a una nueva realidad de vida, es una invitación a apreciar aquello que nos parece extraño para imaginar conexiones a partir de las maneras más íntimas que tenemos en común todos los seres humanos, como puede ser un beso, un guiño, una caricia, como eso vital que nos une más allá de fronteras, coordenadas, límites.
Sin duda una videoinstalación que nos hace mirar el tema del encuentro, siendo Extranjeros por todas partes. Además, es una exposición representativa de la práctica de un artista mexicano de ascendencia alemana y libanesa, que sabe bien sobre la condición dual y en construcción identitaria del migrante como extranjero, en su tierra y fuera de ella, cuantas veces intente recuperarla. Es una instalación con esculturas de cerámica que combinan elementos de México, Italia y Albania, reflexiona profundamente sobre temas como la migración, la búsqueda de pertenencia y la perenne condición humana de buscar raíces en un mundo transitorio.
