Arte y Cultura
Mexico City Blues, un poemario de Jack Kerouac
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"Quiero ser considerado un poeta del jazz", advierte Jack Kerouac al inicio de "Mexico City Blues", su poemario en verso.

Poco se sabe de este poemario realizado por Jack Kerouac entre agosto y los primeros días de septiembre de 1955, cuyo crédito inspirador le pertenece en su totalidad a la Ciudad de México. Todo aquel amateur de la generación beat sabrá la importancia que tuvo México para el hueste de escritores/viajeros americanos que, en búsqueda de la verdad ignorada en una América postguerra, encontrarían a través de la lucidez de ciertos psicodélicos y opiáceos, pero sobre todo a través de la vida cotidiana en una Ciudad de México decadente.

“Quiero ser considerado un poeta del jazz”, escribe en el párrafo introductor de este libro. Entre muchas otras cosas, a Kerouac le debemos la incursión de la “escritura autómata” a la novela, esa técnica de improvisación, o más bien de libre pensamiento del inconscientemente que crearon los surrealistas pero que también resultaba una de las principales cualidades del jazz, que propiamente llaman improvisación.

Debatiéndose entre ese seductor jameo de la pluma y el desliz inconsciente de sus dedos, Kerouac escribió Mexico City Blues por aquellos años 50’s, quizás la única muestra poética dedicada a nuestra ciudad. En este poemario de 242 coros, se puede apreciar el radical cambio de prosa a verso en la vida de K. Limitado por el tamaño de su libreta de bolsillo y determinado por el tiempo y por la redacción espontánea, influencia directa de las composiciones de jazz y su ritmo, este poemario se conjeturó bajo una construcción distinta a la que solía usar Kerouac.

Debido a la notable influencia que tuvo la música para el autor, este podría ser más bien un ejemplo literario de lo que hubiera sido el jazz en la poesía, pero sobre todo, una muestra fugaz de lo que hubiera podido fabricar Jack en la música ?El mismo Bob Dylan quedó maravillado precisamente de esta obra. Ha decir de sus palabras, el poemario proyecta literalmente a “un largo poema interrumpido”.

Te dejamos aquí el pdf del libro (en inglés), publicado en 1959.

También en MXCity: Tristeza de Jack Kerouac, la única novela beat que se hizo sobre México

¿Qué papel jugó México en la Guerra Fría y Revolución Social del 1968?
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La Guerra Fría dividió al mundo con ideologías opuestas pero la apuesta de México fue cultural.

Foto destacada: WikiMéxico

Para México la guerra fría fue una difícil decisión entre dos bandos lejanos.

 

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Después de la Segunda Guerra Mundial, al mundo le sobrevino la Guerra Fría: bipolaridad establecida y aplicada por Estados Unidos y la Unión Soviética que participaron en una lucha global por “el alma de la humanidad”. Para Estados Unidos, la ruta del progreso pasaba por la modernización a través del capitalismo democrático. Para la Unión Soviética en mejoras en la calidad material de vida de los pobres del mundo a través del sistema comunista. Una misma agenda con ideologías diametralmente opuestas? ¿qué fue del resto del mundo, en particular de México?

Para EU, la Guerra Fría fue una lucha contra el comunismo a quien consideraban una "fuerza maligna en el mundo" que debía combatirse con todos los medios ideológicos, militares y financieros disponibles. Los latinoamericanos en general, y los mexicanos en particular,  tenían una visión menos crítica del comunismo y era menos probable que asociaran todo lo comunista con la Unión Soviética.

 

La Vanguardia

 

Los mexicanos vieron la Guerra Fría como un ejemplo de agresión por parte de estados imperialistas cuyo poder financiero y militar les permitió dominar los países menos desarrollados. En la década de 1960 México comenzó a plantear la Guerra Fría no como una contienda entre comunismo y capitalismo, sino como una contienda entre las naciones dominantes internacionalmente y las dominadas, bien a sus combatientes y sus batallas a través del lente de su propia Revolución.

Esa Revolución, encarnada en la década de 1960 por su institucionalización del Partido Revolucionario Institucional, PRI) y el nacionalismo revolucionario, era una lucha continua entre el gobierno y las clases populares y sus defensores por el control de la agenda nacional.

 

BBC

 

En el México de 1968, el comunismo ocupó un lugar destacado en la lucha entre la juventud mexicana y su gobierno. Además, la retórica anticomunista de EU no logró el efecto deseado en México y las posiciones procomunistas resonaron en toda América Latina por razones que poco tenían que ver con la Guerra Fría y mucho que ver con las circunstancias regionales.

El presidente Díaz Ordaz y la juventud de México estaban enzarzados en un conflicto para determinar el significado de esa revolución y el carácter de la agenda nacional para el futuro, la Guerra Fría fue el escenario en el que libraron esta batalla. Tres factores contribuyeron a la centralidad de la Guerra Fría en México de 1968: la yuxtaposición de la postura anticomunista agresiva de los EU con la comprensión más tolerante y fluida del comunismo en México hizo que identificar a los comunistas fuera una medida políticamente conveniente.

 

 

Barriozona Magazine

 

Díaz Ordaz buscaba desacreditar al movimiento estudiantil en 1968, al etiquetarlos como comunistas y plantear el espectro de una amenaza comunista a la estabilidad de México parecía una forma probable de ganar el apoyo de EU, otros miembros de la comunidad internacional y ciertos sectores de la población mexicana para reprimir a los estudiantes.

Pero la etiqueta comunista no produjo los resultados deseados. Pocos, tanto en el país como en el extranjero, se tomaron la amenaza en serio como para actuar en consecuencia. Al final resultó que, Díaz Ordaz tenía razón sobre el contexto global, pero se equivocaba al asumir que este contexto podría superar el texto local que rechazaba su noción de control comunista del movimiento estudiantil.

 

Barriozona Magazine

 

El segundo factor, "la politización e internacionalización de la vida cotidiana" atrajo gente a los debates dando paso a una multiplicidad de voces y puntos de vista provenientes del Tercer Mundo que exigían reconocimiento. En 1968 México, la prensa jugó un papel integral en esta "politización e internacionalización" en todo el panorama político mexicano, sobre todo en temas relacionados con el movimiento estudiantil. La prensa, particularmente la de izquierda, enmarcaba habitualmente la rebelión estudiantil y la política en general dentro del contexto de la Guerra Fría.

El antiamericanismo es el tercer y último factor que evitó que México tomara un partido, ya que antes de 1950 existía un gran descontento social con el vecino del norte. Cuando los estudiantes marcharon por las calles portando carteles del Che Guevara o coreando Ho-Ho-Ho-Chi-Minh, lo suyo no fue solo una muestra de solidaridad con los pueblos de Cuba y Vietnam, sino más bien una declaración de apoyo a la revolución, independencia y antiimperialismo.

 

Naiz

 

Esto tampoco representó la aceptación del comunismo soviético, cubano o del sudeste asiático, sino la aceptación del nacionalismo económico y la soberanía nacional del Tercer Mundo. Estas narrativas mexicanas de la Guerra Fría incluyeron una posición sobre el comunismo que evolucionó a lo largo de la década, desde principios de los sesenta cuando ser etiquetado como comunista era un lastre político, hasta finales de los sesenta, cuando fracasaron los intentos gubernamentales de etiquetar de manera similar al movimiento estudiantil.

Las ideologías revolucionarias domésticas se convirtieron en lentes a través de los cuales se filtraron los problemas y eventos de la Guerra Fría. Más importante aún, se convirtieron en escenarios en los que los nacionalistas mexicanos y los defensores de la revolución institucionalizada pudieron demostrar su valía.

 

BBC

 

Claro que estos puntos sirven como puntos de partida para otras perspectivas.  Pero debido al espacio que tenemos aquí, solo es posible dar un sesgo veloz para tratar de comprender un gran suceso histórico.

La Llorona, la primera película mexicana sonora y de terror
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La Llorona inspiró la primera película mexicana de terror y continua siendo una gran fuente de inspiración.

Foto destacada: Heraldo de México

La leyenda de la Llorona se ha llevado al cine varias veces desde 1933.

 

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La leyenda de La Llorona es uno de los mitos prehispánicos que sigue vigente en todo barrio popular y más allá. Se le han otorgado diferentes identidades al origen de La Llorona: el Xtabay maya, diosas de la fertilidad y el parto de los mexicas o zapotecas, el alma femenina lamentando la muerte de su(s) hijo(s). Este personaje terminó de construirse en la época colonial, de temores perennes y admoniciones de fe.

En la película de Ramón Peón, La Llorona, de 1933, se explica que su origen nace con La Malinche. Ya que, se dice, terminada la conquista, los grandes servicios de doña Marina fueron olvidados y la raza vencida, considerándola culpable de la derrota, concentró todo su odio en ella y su hijo.

 

 

A lo largo de los años se ha dicho que La Llorona hipnotiza, hiela la sangre y que se lleva a los niños para remplazar los perdidos siendo una mezcla de calavera con momia o bruja con mujer desfigurada de larga caballera que flota por los aires cantando "Ayyy mis hijos".

 

La Llorona de 1933

 

 

La Llorona de Ramón Peón es la primera cinta de terror hecho en México. Además, tiene otra peculiaridad: ayudó a reinterpretar el mito sin fecha precisa. Se h dicho que viene en las crónicas de Bernal Díaz del Castillo y la relación entre un caballero español y una mujer indígena.

 

 

También se ha dicho que su origen puede ser anterior a la llegada de las tropas españolas, con la mujer asesinando a sus hijos como un sacrificio, sin decepción amorosa. Bernardino de Sahagún cita los presagios que antecedieron al arribo de la tripulación europea, en referencia al grito desgarrador.

La "esencia" de La Llorona mantiene sus características en cada versión del relato en teatro, radio, historieta y por supuesto en la versión cinematográfica de Ramón Peón. En la cinta, un médico desestima la creencia en fantasmas, apariciones y cuerpos astrales? O tal vez no. Hace unos años la película se desempolvó para proyectarla en un festival de cine de terror.

 

 

La copia que pertenece al Archivo Permanencia Voluntaria a cargo de Viviana García-Besné, y fue restaurada con el apoyo de The Academy Film Archive, Cine Fantástico, la Filmoteca de la UNAM y The Hanson Institute. La restauración fue intensa ya que solo  había un positivo de 16 mm en la Filmoteca de la UNAM.

La película se escaneó en la Filmoteca y luego se envió a unos laboratorios en San Francisco, California. Más tarde The Academy Film Archive rescató lo que se pudo de la primera cinta de horror mexicana y sonora que se filmó en 1933.

 

 

La Llorona dura 73 minutos, es protagonizada por Ramón Pereda, Virginia Zurí, Adriana Lamar y Carlos Orellana quienes narran el caso de “María” y ya no te armamos todo un spoiler. También es la primera vez se ve un micrófono en una película mexicana.

Ramón Peón es un director cubano (que además es periodista, mago, bailarín, músico, productor, director, camarógrafo, actor y guionista) que llegó a México en 1931 como asistente de Antonio Moreno en la película Santa, interpretada por Lupita Tovar. Las catacumbas se ven de cine de horror del expresionismo alemán  pero con el dominio técnico y apego a la tradición folclórica mexicana.

 

 

Otras versiones de La Llorona  

 

 

La herencia de La Llorona (1947) adaptación de Mauricio Magdaleno. El cineasta Fernando Méndez hizo la Otra versión en El grito de la muerte (1959), en el medio rural mexicano. En 1959, el director René Cardona hice otra versión de La Llorona en donde sale Mauricio Garcés. En 1963, Rafael Baledón realizó La maldición de La Llorona, donde Marina (Malintzin), no hace el grito tradicional, se le trata en términos de bruja con una maldición.

Ernesto Alonso produjo la telenovela Leyendas de México en 1968 con un episodio dedicada a La Llorona, dirigido por Raúl Araiza. El Enmascarado de Plata y José Mantequilla Nápoles pelearían mano a mano en La venganza de La Llorona (Miguel M. Delgado, 1974).

 

 

Además: Las Lloronas (Lorena Villarreal, 2004), The Cry (Bernardine Santiestevan, 2007), La Llorona (Jayro Bustamante, 2019), La Llorona (Michael Craves, 2019), The Haunting of La Llorona (Dennis Devine, 2019) y The Legend of La Llorona (Patricia Harris Seeley, 2020). La leyenda de La Llorona (Alberto Chino Rodríguez, 2011) es la versión infantil animada.

 

Aquí la película completa:

 

 

Martín Ramírez, el misterioso artista mexicano en un hospital psiquiátrico
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El arte de Martín Ramírez pasó de estar colgado en las paredes de un hospital psiquiátrico a los muros del Museo Reina Sofía.

Foto destacada: lemblanzas

Martín Ramírez es uno de los maestros autodidactas más notables del siglo XX.

 

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En 1925 Martín Ramírez viajo a los Estados Unidos siendo detenido tras la Gran Depresión, debido a que era un emigrante que vagabundeaba por las calles en profunda confusión y con incapacidad de comunicarse. A sus 37 años, fue llevado a un instituto de salud mental en donde pasó los otros 33 años con diagnóstico de depresión maníaca y esquizofrenia catatónica incurable.

A pesar de la triste historia, conoció al doctor Tarmo Pasto, profesor de psicología y arte quien integró a Ramírez en el mundo del arte, del que vivía apartado. Por una gran sorpresa, resultó que la producción pictórica de Ramírez fue de gran gusto para muchos.

 

 

Su arte estaba lleno de estructuras lineales flexibles elementos narrativos y autobiográficos que dieron sentido a su mundo interior y exterior en crisis. Siendo que los dibujos de Martín Ramírez  nacido en Jalisco en 1895, han pasado de estar colgados en las paredes de una estancia del DeWitt State Hospital, a los muros del Museo Reina Sofía.

Su primera exposición fue en el The Heart of Creation: The Art of Martín Ramírez, en el Moore College of Art and Design de Filadelfia, quien introdujo la obra de Ramírez al mundo del arte como el ejemplo paradigmático en Estados Unidos de lo que en Europa se había documentado como "el arte de los dementes, art brut o arte outsider".

 

 

Muchos años después, el Museo Reina Sofía le dedicó una retrospectiva a Ramírez, bajo el nombre Marcos de reclusión. Fue una muestra de Brooke Davis Anderson, quien coordinó la exhibición de este artista en 2007 en el Folk Art Museum de Nueva York, aclamada por la crítica, reúne ahora un total de 62 dibujos procedentes de coleccionistas privados y públicos.

El Dr. Pasto fue el responsable de salvar casi medio millar de dibujos, de las llamas del fuego ya que el pegamento que utilizaba Ramírez en algunas de sus pinturas contenía saliva, y las enfermeras pensaban que la saliva podía ser causa de contagio.

 

 

Las obras de este artista hablan de México, tienen dibujos de vírgenes y de iglesias; así como ferrocarriles, jinetes, túneles y trenes. Muchas ilustraciones aparecen encerradas por líneas y curvas repetidas hasta la obsesión, creando un clima inquietante, claustrofóbico, símbolo quizá de su propia incomunicación (creyeron que era sordomudo, aunque realmente no sabía inglés).

 

 

Ramírez utilizaba cualquier papel y robaba los lápices a los celadores. Fue un arte marginal del que no se dejó testimonio escrito alguno sobre el significado de su obra. El discurso de "outsider" fue promovido por la primera exhibición de 1985, que ayudó a reforzar el aura de misterio que cubría su obra, lo cual la hizo más atractiva para los coleccionistas en busca de "arte puro".

 

 

En 1987, sus dibujos fueron los principales atractivos de la exposición Hispanic Art in the United States: Thirty Contemporary Painters and Sculptors, la primer gran exhibición dedicada a los artistas de origen latinoamericano que habían nacido o trabajado en Estados Unidos pero la comunidad chicana y mexicano-estadounidense no recibió muy bien la inclusión de Ramírez en esa exposición.

Esto porque Ramírez no era ni un artista chicano ni un artista latino contemporáneo, sino un artista "primitivo". Además, a la obra de Ramírez se le dio un carácter central pero, ¿cómo era posible que un artista "esquizofrénico" representara a una comunidad que aspiraba a ser tomada en serio por las instituciones hegemónicas del mundo del arte?

 

 

Tres años después, en respuesta a la exhibición de Hispanic Art in the United States, un grupo de artistas y académicos organizó una contra-exhibición: Arte Chicano: Resistencia y Afirmación, 1965-1985 pero se omitió l trabajo de porque su obra no se produjo durante el periodo cubierto por la exhibición, ni en el contexto de la experiencia social y política del movimiento chicano.

En 2011, cinco dibujos de Ramírez fueron incluidos en MEX/L.A.: "Mexican" Modernism(s) in Los Angeles, 1930-1985; con el objetivo de examinar la idea de "mexicanidad" en el contexto del arte moderno y contemporáneo con artistas mexicanos que trabajan en diferentes medios

 

 

Martín Ramírez en México

 

 

Una retrospectiva llamada Martín Ramírez: pintor mexicano, se inauguró en 1989 en el desaparecido Centro Cultural Arte Contemporáneo en la Ciudad de México. La exhibición fue organizada por iniciativa de Robert Littman, quien había introducido el Art Brut en EU y México. Su primera idea era montar una exposición con la famosa Colección de Art Brut de Dubuffet, pero le resultó más conveniente llevar a México la exhibición de Ramírez que abrió en 1985 en Filadelfia.

En dicha exposición, se intentó mexicanizar a Martín Ramírez, acompañando sus dibujos con juguetes tradicionales, piezas de cerámica de Tonalá y Tlaquepaque, y cajas de madera y amates de Guerrero.

 

 

Se dice que en esta exposición la hija mayor de Ramírez vio los dibujos de su padre. Uno de los sobrinos de Ramírez visitó la exposición, pero el personal del museo no lo tomó en serio. La nieta de Ramírez envió una carta a un periódico para explicar el origen, vida y datos sobre el artista pero la ignoraron.

De hecho, a pesar de que la exposición tuvo mucho éxito, los mexicanos consideraron que este tipo de arte era más bien chicano, por haber producido toda su obra en Estados Unidos; además de que el catálogo de la exposición no era mexicano. Desde 1989, no se ha podido llevar a cabo otra una exposición individual sobre Martín Ramírez.

 

 

Martín Ramírez falleció en Sacramento el 17 de febrero de 1963. Fue enterrado solo, pues su familia no podía asumir los gastos del traslado a México. Se conservan al menos 450 dibujos del mexicano, considerado también representante del arte marginal.

Dune, la historia de la versión pirata hecha en los Estudios Churubusco
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David Lynch trató de hacer una gran historia de sci-fi pero solo el talento tropical y pirata de El Caballo Rojas triunfó.

Foto destacada: Distrito comedia

David Lynch y Alberto "El Caballo" Rojas tienen una extraña conexión fílmica.

 

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Dune es una película de ciencia ficción (Denis Villeneuve, 2021, basada en una nueva versión de la novela homónima de 1965 de Frank Herbert que trata de? bueno se trata de un lugar de una galaxia donde se puede obtener una sustancia que actúa como combustible de los viajes espaciales y habilidades psíquicas mezcladas con gusanos gigantes, brujas, viajes alucinógenos, profecías, láseres, mesías y bueno?

Algunas personalidades han intentado adaptar la novela al cine pero hasta ahora, bueno, digamos que tendremos que esperar las siguientes películas…  Aunque la historia de Dune es bastante conocida y amada (para el mundo de grandes fanáticos de la ciencia ficción) la historia de los intentos de llevar la novela al cine es interesante (y bastante conocida para los cinéfilos) y bueno? esta película ha tenido muchos intentos de realizarse pero pocos impactos.

 

Primer intento: Alejandro Jodorowsky

 

 

En 1974 Alejandro J. fue el primero en crear una versión cinematográfica de Dune que para muchos iba a hacer igual de alucinante que la novela. Según, el artista esperaba reunir a Mick Jagger, Orson Welles, Salvador Dalí, H.R. Giger, Dan O?Bannon y Pink Floyd? de hecho hasta existe material del Story board? Hollywood le dijo a Jodorowsky que tendría 2 horas de filmación. El cineasta pedía de 10 a 12 hora. La película se canceló.

 

 

Segundo intento: David Lynch

 

 

David Lynch llevó a la pantalla grande Dune en 1984, y para reducir un poquito los gastos la película se rodó en los Estudios Churubusco de Tlalpan, un poco antes de filmar Chiquita pero picosa con Verónica Castro… Más allá del dato, en dicho estudio se grabaron grandes películas incluyendo muchas de Hollywood.  

Lynch filmó en México con una terrible logística con 53 personajes, 20,000 extras, cuatro planetas distintos, 70 decorados por construir y derribar, 900 hombres y mujeres trabajando como parte del equipo, y 200 de esos hombres que se pasaron meses en el desierto para limpiarlo de serpientes de cascabel, escorpiones y cactus.

 

 

Además, había millones de dólares invertidos en adaptar una novela compleja, inmensa y con muchas tramas interconectadas en un espacio de dos horas. Es por eso que la historia no se entendía, tuvieron que añadirse muchos recursos para hacerla accesible y al final ningún intento pudo rescatar el fracaso de la película y de Lynch.

De hecho, Lynch contrató a algunos actores mexicanos que aparecen como extras en la cinta, incluyendo a Ernesto Laguardia, Angélica Aragón y Ana Ofelia Murguía.

 

 

Tercer intento: Dune tropicalizado

 

 

En 1991 los Estudios Churubusco rescataron el material y la utilería de la versión de Dune de Lynch, que se habían quedado en las bodegas. Y con lo que había, se rodó la película (de Dune) de Alberto "El Caballo" Rojas versión tropical, jugosa y con un título soberbio y encantador: Dos Nacos en el Planeta de las Mujeres.

La película tenía de escritor al gran Alejandro Licona, dramaturgo y escritor prolífico cuyas piezas están Un macho en la casa de citas (1989) Mátenme porque me muero (1989) El hotelito de los horrores (1990) Mujer de cabaret (1990) Peló gallo (1990) Cazafantasmas a la mexicana (1991) y Santo santón (1993)

En el elenco se encontraban el propio Alberto Rojas en el papel protagónico, César Bono. Una comedia picosa con máquinas de la adaptación de Lynch siendo operadas por Lorena Herrera en traje de baño.

 

 

A pesar de todo, Dos nacos en el planeta de las mujeres puede ser una de las películas de bajo presupuesto que a pesar de tener un guión aburrido, simple y sexista, tiene algunos de los decorados más relevantes de la época para una película mexicana de ¿ciencia ficción? O lo que sea que sea.

Se sabe, que Lynch se concentró dedicarle gran parte de su tiempo a la elección de los decorados y a las piezas de maquinaria que se ven en pantalla. "Pasamos grandes momentos en la Ciudad de México (dice Lynch), y había mucha gente llegando y partiendo todo el tiempo, gente nueva, de todo el mundo, volando y queriendo formar parte de esta cosa. Y teníamos cuatro equipos de cámaras trabajando al mismo tiempo en uno y otro sitio, y eras llevado de un escenario a otro y haciendo una cosa y otra. ¡Cuento de nunca acabar! Hicimos las principales tomas fotográficas ¡Durante seis meses! Y después otros seis meses se perdieron fotografiando los modelos a escala, las miniaturas para los efectos especiales. Cada día, al comenzar y al terminar, viviendo y hablando de ellos. Sin escape alguno. Nunca un descanso. Resultaba apabullante."

 

 

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