Arte y Cultura
Crisol, la surrealista exposición de Daniel Lezama en Maia Contemporary
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Daniel Lezama, un pintor mexicano atravesado por todos nuestros sueños.

Daniel Lezama apuesta por la práctica de la pintura-pintura y su visión estética está enfocada en construir narrativas que encuentran sus referentes en el contexto vernáculo de México, en las historias no oficiales de la memoria, en el sueño y el deseo, así como en una suerte de nuevo romanticismo que también aborda al arte como tema bajo una óptica existencial.

 

 

 

Utilizando generalmente la pintura en gran formato como medio y en ocasiones el dibujo, el monotipo y el grabado, Lezama plasma su visión inédita y profunda de lo mexicano en una época marcada por las prácticas postconceptuales y por un dominante artístico interesado en obras que ocurren más en el espacio fáctico y menos en la virtualidad de la imagen bidimensional.

Daniel Lezama vive y trabaja en la Ciudad de México. Es egresado de la Escuela Nacional de Artes Plásticas (ENAP) de la Universidad Nacional Autónoma de México. Es acreedor del Premio de Adquisición de la X Bienal Tamayo (2001), de la Beca de Jóvenes Creadores del FONCA, de la beca del Sistema Nacional de Creadores de Arte así como de apoyos de Conaculta en diversas ocasiones.

 

 

 

 

Lezama cuenta con exposiciones individuales en el Museo de la Ciudad de México, en el Centro Cultural Clavijero y en la Fundación de Artistas en Yucatán. Ha participado en varias exposiciones colectivas entre las que se encuentran Grandes Maestros del Siglo XX, en el Museo MARCO; la Segunda Bienal de Beijing; El Mito de Dos Volcanes, en el Palacio de Bellas Artes; Imperium en el Spinnerei de Leipzig, e Imágenes de la Patria, en el MUNAL y el MUNE, el Pabellón de México en la Exposición Universal de Milán y la X Bienal de Mercosur.

 

 

 

Su obra forma parte de numerosas colecciones públicas y privadas en México y el mundo, entre las que destacan el acervo MAM del INBA; La Murderme Collection; El Museo del Barrio, en Nueva York; el Dallas Museum of Art; la Essl Sammlung, y Black Coffee Foundation.

 

 

Daniel cumple en 2018 cincuenta años de vida, y veinte de carrera artística. Considerado un pintor pionero en la investigación y rescate críticos de las identidades profundas de México a principios del siglo XXI, Lezama presenta la magna exposición Crisol en la galería MAIA Contemporary. Esta muestra contará con una nueva serie de pintura de formato monumental, así como obra gráfica, y su primera producción de escultura en bronce.

 

 

El alcance y ambición de este ciclo pictórico refleja un verdadero parteaguas en su producción. Para esta serie Lezama crea un mecanismo mítico y alegórico bajo el género ficcional de una empresa productora de sentido, a la que él denomina "La Compañía”. Esta empresa está inspirada por la antigua Compañía de Papel San Rafael, un logro de la ingeniería termoeléctrica importada de Francia ubicada en las faldas de la Iztaccíhuatl (la Mujer Dormida) y abandonada a mitad del siglo veinte. Un lugar donde la naturaleza y las edificaciones, ambas magníficas, se reencontraron en nuevas formas y nuevos sentidos a partir del desuso y las fuerzas de los elementos.

 

 

En Crisol, Lezama busca domesticar procesos y energías vitales. En busca de un edén mexicano soñado a la manera de un territorio inspirador de una ética del bosque y el volcán interiores, Lezama crea una compensación mental, una Compañía Alquímica ficticia, en un San Rafael igualmente ficticio. Eso representan sus obras "una ciencia imaginaria y una tecnología fantástica" con un elenco de personajes compuesto por la iconografía de una familia de seres energéticos, que se sueñan y se generan mutuamente.

Este proyecto se realiza en MAIA Contemporary con la colaboración con las galerías NM Contemporáneo y T.138.

 

 

Crisol, Daniel Lezama

Dónde: Maia Contemporary

Dirección: Colima 159, colonia Roma

Fechas: del 22 de septiembre al 4 de noviembre

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Electa Arenal: muralista, pintora y poeta olvidada por un trágico accidente 
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El arte de Electa Arenal siempre estuvo politizado y marcado por la lucha social que vio en Rusia, Cuba y México.

Foto destacada Colección Elena Arenal

Electa Arenal fue una artista mexicana que no pudo ver madurar su arte, debido a un suceso lamentable.

 

Elena Electa Arenal y Huerta fue una la pintora, grabadora, escultora, poeta, muralista y luchadora social; cuya obra es famosa por haber plasmado contenido social en edificios de la Ciudad de México y de la ciudad de Holguín, Cuba. Además, por haber fundado la primera escuela de escultura en la Cuba revolucionaria

Electa fue hija de Leopoldo Arenal y de Elena Huerta, miembros de la Liga de Escritores y Artistas Revolucionarios y del Partido Comunista Mexicano. Electa nació en el seno del círculo artístico mexicano del siglo XX, tuvo una prolífica producción artística, pero vio interrumpida su vida en 1969, a los 34 años de edad, al caer de un andamio en el Polyforum Cultural Siqueiros.

Su vida es también bastante interesante, residió en la Unión Soviética junto con su madre y su hermana Sandra Arenal, activista, feminista y escritora, entre 1941 y 1945, periodo en el que se desarrollaba la Segunda Guerra Mundial, formándose así bajo los ideales políticos de la izquierda.

Colección Elena Arenal

Una vez terminado el conflicto, Electa vuelve a México e ingresa a la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado La Esmeralda y, posteriormente, a la Academia de San Carlos. Fue esposa del arquitecto Gustavo Vargas Escobosa, quien pertenecía al Partido Comunista y con quien procreó dos hijos; Leopoldo Valentín (1955) y Silvestre Emiliano Vargas Arenal (fotógrafo, 1958).

Como muralista se formó con su madre, Elena Huerta, a quien asistió en los frescos de la Universidad Autónoma Agraria Antonio Narro entre 1951 y 1952 en Saltillo, Coahuila. Un año más tarde colaboró con Diego Rivera en los murales exteriores del Estadio Olímpico de Ciudad Universitaria. Asimismo, formó parte del taller Escuela Siqueiros, participando en la realización de los murales del Polyforum Cultural Siqueiros (1968-69) y en la Sala de la Revolución del Museo Nacional de Historia (1966-67).

Su obra como muralista independiente la realizó en Holguín, Cuba, a donde se trasladó animada por los ideales de la Revolución de 1959. En la isla realizó varias obras que incluyen los murales escultóricos Canto a la Revolución (1962), Átomos y niños (1963) y Revolución Cubana (1965); así como otros murales en bajorrelieve como Infancia (1963), Maternidad (1964) y Palomas (1965). Mención especial merece el mural pintado en el Hospital Lenin, Mural geométrico, que destaca por su técnica realizada en mármoles de varios colores.

Colección Elena Arenal

Durante su estadía en Cuba, cofundó el Taller Experimental de Escultura, conformado por artistas, artesanos y peones, iniciando así el muralismo escultórico revolucionario en Cuba. En 1965, en México, realizó el proyecto escultórico Carranza ecuestre para el gobierno de Coahuila y, en 1968, Los remeros para la Ruta de la Amistad en las instalaciones olímpicas junto al Canal de Cuemanco, en Xochimilco.

De hecho, a Electa Arenal Huerta, "La Mexicana", solo dejó algunas huellas a su paso, siendo lo más destacado Canto a la Revolución y Niños y átomos. Quizá, lo más triste de la prolífica vida de esta artista, es que es más recordada por su muerte que sus obras.

El 12 de junio de 1969, mientras asistía a su tío, el muralista David Alfaro Siqueiros en la realización del mural del Polyforum, cayó de un andamio de 15 metros y perdió la vida a los 34 años. Tanto su padre, Leopoldo Arenal Bastar, su tío David Alfaro Siqueiros y su sobrino David Constantino Rodríguez Alfaro Siqueiros presenciaron la escena de su trágico fallecimiento. Dos años más tarde Siqueiros realizó una exposición retrospectiva sobre la obra de su sobrina, el propio Siqueiros comenta lo siguiente:

"(…Electa) estaba plenamente convencida de que en el arte público el mensaje tiene importancia definitiva y que la médula filosófica, ideológica del mensaje es lo que determina la forma de la obra [?] Quería ser útil a una mayoría porque tenía arraigados principios políticos. No olvidaba la guerra, la opresión, la discriminación, la injusticia, el genocidio, por eso se aferraba a lo más positivo de su hacer artístico, en la plástica y en la poesía”.

Artista qatarí usa técnica de arte prehispánico mexicano para hacer su obra
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Bedour Ali es una artista que usa una antigua práctica artística azteca para hacer sus obras y destacar la cultura qatarí.

Foto destacada @badouali

Bedour Ali es una artista que preserva una técnica mexicana con las tradiciones de Qatar.

 

El Mundial de fútbol de Qatar, abrió las puertas a occidente a una cultura compleja y rica en historia, tradiciones y cultura. De todo lo que pudimos conocer en 2022, no pudimos conocer nada de la artista Bedour Ali, que revive un antiguo arte mexicano de la pintura con paja, una forma única de pintura que se remonta a la civilización azteca.

Estos cuadros son bastante curiosos, y tiene la característica de ser elaborados con productos de origen natural, y evitar utilizar materiales químicos para realizarlos. Este tipo de arte y muchas artesanías, suelen aprovechar, al menos en México, el ocotillo, una especie de pasto que se da en las faldas del volcán Popocatépetl, cera de abeja y resina. La artista qatarí debe usar algunos sustitutos, pero la esencia es la misma. 

De hecho, algunos artistas pueden hacer réplicas de pinturas o fotografías, incluyéndome muchos detalles, sombras y colores, para hacer obras inmensas que pueden llegar a tomar meses de trabajo y dedicación. Pero este tipo de arte es bastante querido porque es muy colorido, tradicional, y artesanal. 

Pero lo que distingue el trabajo de Bedour, según una entrevista hecha por The Peninsula Qatar, su capacidad para utilizar esta antigua técnica para representar la tradición local qatarí de cazar con aves depredadoras.

Según Bedour, “El arte de ‘Qash’, que en árabe significa paja, es una forma de arte 100% natural que se basa únicamente en materiales orgánicos”. Como en la tradición ateza, la paja utilizada se tiñen con pigmentos naturales derivados del medio ambiente y luego se pegan al lienzo para darle vida a la obra de arte. 

“Utilizo cera de abejas y otros elementos naturales derivados de los árboles para crear una mezcla fuerte y densa que mantiene unida la obra de arte”, explica Bedour. De ese modo, va rompiendo las pajitas de colores y las presiona sobre la cera de abejas, elaborando cuidadosamente diseños e imágenes intrincados.

Una de sus obras más notables es un retrato de un ‘Saggar’ (hombre halcón). Esta obra de arte rinde homenaje a la tradición qatarí de entrenar halcones salvajes para cazar en el desierto. Además del ‘Saggar’, la colección de Bedour incluye varias obras que representan animales encontrados en el desierto, considerados símbolos nacionales de la tradición cazadora local.

Estas obras muestran la profunda conexión de la artista con sus raíces y su compromiso de preservar y celebrar la cultura qatarí. Otra de las cosas que hacen peculiares a la obra de Bedour, es que utiliza madera de árbol como lienzo, además de ramas y troncos secos, como base para los dibujos de paja.

A través de su arte, Bedour Ali está reviviendo una antigua técnica mexicana, y llamando la atención sobre el rico patrimonio cultural de Qatar.

Tapetes purépechas de Patamban: Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad
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En Patambam se preserva esta técnica ancestral y única a nivel mundial, en donde artistas purépechas crean hermosos tapetes monumentales.

Foto destacada Cuarto Poder

La tradición de los tapetes florales de Patambam, ya es Patrimonio Cultural de la Unesco. 

 

Según el Centro de Estudios Mexicanos y Centroamericanos, este pueblo reunió a cuatro grupos de indígenas en torno a una zona llena de bambúes; por lo que se cree que la planta le dio el nombre al pueblo: Patamban procede de la palabra tarasca patamu, que significa "lugar de bambúes". Aunque también se dice que el sufijo an de Patamban indica que se trata de un sitio donde residía un jefe o un hombre importante, anterior a la Conquista.

Se trata de una de las ciudades que han sido inscritas por la Secretaría de Cultura del Gobierno de México en el Inventario Nacional del Patrimonio Cultural Inmaterial, debido a los increíbles tapetes elaborados con elementos naturales para la fiesta de Cristo Rey en la comunidad p?urhépecha, en un evento realizado en la Iglesia de San Francisco de Asís, localidad de Patamban, municipio de Tangancícuaro, Michoacán.

Patambam y sus tradiciones

Este reconocimiento sirve para salvaguardar la tradición de elaborar tapetes que la comunidad indígena de Patamban; que se ha llevado a cabo desde hace varios años y que refleja la identidad, orgullo y creatividad de la comunidad. Año con año, la elaboración de alfombras y tapetes se lleva a cabo el último domingo de octubre de cada año, cuando la comunidad celebra la fiesta solemne en honor a Cristo Rey; así como el último domingo de noviembre, cuando concluye el año litúrgico antes del inicio del Adviento de la religión católica entre la comunidad de Patamban.

Este proceso comunitario es un gran esfuerzo de la comunidad de Patamban y ahora forma parte de la presentación ante la Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Cultura y la Ciencia (Unesco) de la candidatura multinacional para incluir la tradición de las alfombras florales y composiciones festivas de materiales naturales en la Lista Representativa del Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad, en la que participan las comunidades alfombristas mexicanas de Patamban (Michoacán), Huamantla (Tlaxcala) y Uriangato (Guanajuato); así como las de Italia, Malta, Bélgica y España.

Patambam y sus tradiciones

Esta iniciativa nace de la comunidad y que reconoce la salvaguardia de una tradición que representa la identidad, el orgullo y la creatividad del pueblo purépecha. Con lo que se motiva a las infancias y juventudes por la salvaguardia de sus tradiciones. Con el reconocimiento, asimismo, la comunidad adquiere el compromiso de salvaguardar su tradición de los tapetes que desde hace 80 años celebra la fiesta en honor a Cristo Rey.

Esta tradición preserva 148 metros de tapetes florales, en los que se plasman paisajes, rostros y símbolos relacionados con el Festival Internacional de Música de Morelia, adornan la calzada Fray Antonio de San Miguel en la capital michoacana, y regularmente se hace con el esfuerzo y creatividad de más de 70 artesanos de la comunidad de Tangancícuaro.

Además, se trata de una técnica ancestral y única a nivel mundial, en donde los artistas purépechas colocan cerca de 1 millón de especies de semillas y pétalos de diversas flores durante cerca de 12 horas, aunque antes tuvieron que dedicar 16 días a recolectarlos y prepararlos para ser utilizados.

Para elaborar los tapetes, es necesario elegir flores que brinden mayor duración, atravesar un proceso de recolección complejo, aprovechar bien los colores naturales de las flores, y evitar lo más posible 

Ejemplos de la hermosa arquitectura colonial de Quintana Roo
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En Quintana Roo hay cerca de 145 monumentos históricos de tipo religioso, militar, haciendas y cementerios coloniales. 

Foto destacada INAH

Una parte de Quintana Roo está declarada como Zona de Monumentos Históricos con construcciones de gran valor histórico.

 

A pesar de que Quintana Roo es un destino reconocido en todo el mundo por sus playas, también tiene una rica infraestructura patrimonial, arqueológica e histórica, en donde es posible conocer muchos lugares que fueron construidos durante la época Colonial y hasta el siglo XIX.

Además, muchos de estos destinos arquitectónicos ya han sido restaurados por especialistas y arquitectos del Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH) mismos que han aplicado criterios, materiales y técnicas vigentes en materia de restauración de bienes culturales inmuebles, con el fin de conservar la autenticidad del bien cultural, a través de diversos proyectos que han mejorado las condiciones de conservación de estas joyas históricas.

Los vestigios de la arquitectura histórica de Quintana Roo son un gran reflejo de la época colonial en la región peninsular, y un gran recordatorio de la época basada en la explotación del henequén y recursos forestales y naturales, bajo condiciones de esclavitud, que se prolongaron después de su abolición formal en la Independencia.

La Jornada Maya

Asimismo, estos lugares son el recuerdo de diversos procesos históricos nacionales de Independencia, Reforma y Revolución, que se vivieron de manera diferente en la península de Yucatán, en comparación con el centro, norte y otras regiones del país. De hecho, Quintana Roo es el último estado creado en 1974, una con selva, y el último reducto máacewal de la Guerra de Castas, cuya capital ideológica y religiosa es la antigua Noj Kaaj Santa Cruz Xbalam Naj, hoy municipio de Felipe Carrillo Puerto.

El patrimonio histórico colonial de Quintana Roo, según especialistas del INAH tiene 145 monumentos históricos en el estado, que fueron construidos entre los siglos XVI al XIX, entre edificaciones religiosas, militares, haciendas henequeneras, cementerios y obras de suministro de agua, principalmente.

Quintana Roo Quadratin

Del total de monumentos, 86 se ubican en Felipe Carrillo Puerto, de los cuales 30 están en la población de Tihosuco, en un área de 25 manzanas, destacando los que albergan el Museo de la Guerra de Castas y la biblioteca de la comunidad. Mención especial merece el icónico conjunto conventual del Niño Jesús, del que queda en pie, parcialmente, la iglesia, la casa cural y el cementerio, que han recibido sucesivas intervenciones por parte del INAH.

Por supuesto, de todos los lugares, la Zona de Monumentos Históricos de Tihosuco, es en donde más se concentran las construcciones de mayor valor. También, hay riqueza histórica en Sacalaca, Sabán, Tepich y Kancabchén, que conforman la Ruta de las Iglesias, ubicada en el epicentro de la Guerra de Castas, cuyas huellas dejaron templos, haciendas, conventos y otras edificaciones destruidas durante la rebelión social maya, al cual comenzó en 1847 y se prolongó por más de medio siglo.

INAH

La mayoría de estas ciudades en la zona maya de Quintana Roo fueron abandonadas desde 1860, y repobladas en la tercera década del siglo XX. En otras partes del estado también existe arquitectura histórica, como el Fuerte San Felipe de Bacalar y la Casa de la Cultura de la misma ciudad. Además, los edificios de madera tipo inglés por la influencia de Belice, de las cuales se tienen registradas 100 casas en Chetumal, 20 en Isla Mujeres y 10 en Cozumel.

En Isla Mujeres está la Hacienda Mundaca, cuyo nombre alude al apellido de su propietario de nombre Fermín, quien se dedicaba a vender esclavos a Cuba; la construcción está hecha, al parecer, con piedras de los vestigios mayas. La Hacienda Xcolumpich, a 17 kilómetros de Tihosuco, propiedad de uno de los tres líderes históricos de la Guerra de Castas, Jacinto Pat, es otra de las joyas que esperan ser visitadas para conocer mejor el pasado, admirarlo y sentirnos más orgullosos de nuestras raíces e identidad histórica y cultural.

Expediente Quintana Roo

Radio Fórmula

Expediente Quintana Roo

Los murales de Anton Vázquez reflejan la rica tradición tzotzil y están en Minneapolis
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Anton Vázquez es uno de los pocos muralistas de San Pedro Chenalhó, Chiapas, cuya obra podemos conocer también en la CDMX.

Foto destacada Anton Vázquez

La obra de Anton Vázquez entrelaza naturaleza, cosmogonia y cultura tzotzil. 

 

Anton Vázquez, es uno de los artistas más destacados de la escasa escena artística chiapaneca, que en sus piezas ha logrado dejar sus profundas raíces tzotziles entre los colores y las pinceladas que nutren su obra.  En un comunicado emitido por la Secretaría de Cultura, el artista originario de San Pedro Chenalhó, una comunidad ubicada en el corazón de los Altos de Chiapas, se dice que a llevado su arte más allá de su estado, interviniendo espacios con murales que narran historias de la naturaleza, la cosmogonía y las tradiciones de su pueblo. 

"Cada mural en proceso es una aventura interna y externa, lleno de retos y desafíos; hay momentos de alegrías, cada avance va generando diálogos hacia la sociedad, forma parte de mi historia de vida y lo que busco transmitir", dice. 

Anton Vázquez

Asimismo, Anton, cuenta que desde su infancia ha estado inmerso en un entorno familiar en donde el arte y la sanación se entrelazan: “Mi madre, María Antonia, me enseñó la geometría del universo en el telar, mostrándome los símbolos que representan la naturaleza y el cosmos”, recuerda el artista, destacando cómo la enseñanza de su familia ha moldeado su visión creativa. 

Esta conexión profunda con sus ancestros y su entorno natural, señala, es palpable en cada una de sus obras, donde la tradición se encuentra con la innovación. “Mi abuelo materno se distinguió en nuestro pueblo como un curandero de renombre, un hombre de profunda sabiduría que ofreció alivio a muchos a través de su conocimiento de la medicina herbolaria. Además, poseía el arte de tejer sombreros tradicionales, entrelazando la tradición en cada hilo.

"Crecí inmerso en este entorno rico en arte y sanación, donde las creaciones de mi madre y mi abuelo eran una constante. Observaba, escuchaba y absorbía con profunda admiración cómo daban vida a los colores y formas, cómo sus manos expertas tejían no solo materiales, sino también la esencia misma de nuestra cultura”, agrega.

Anton Vázquez

Hoy en día, con más de 500 pinturas, 20 murales en distintos puntos del país, y participaciones en exposiciones tanto individuales como colectivas, Anton Vázquez cuenta que su participación en la residencia artística (Neo) Muralismos de México en Minneapolis, Minnesota, marcó un punto fundamental en su carrera, permitiéndole compartir la rica herencia cultural tzotzil con una audiencia internacional.

De esta manera, desde las calles de Ciudad de México hasta las galerías de Estados Unidos, Vázquez ve cada mural como “una aventura interna y externa llena de retos y desafíos… una historia de vida del artista, plasmada en las calles”. 

Si quieres conocer un mural de Anton en la CDMX, puedes visitarlo en el Hostal Juárez, que ejemplifica cómo emplea el arte como un medio para embellecer y transformar espacios urbanos. Actualmente, busca que su próxima aventura lo lleve de regreso a CDMX para un mural colectivo, un proyecto que, aunque aun en etapas de planificación, promete ser otra significativa adición a su legado.

Sigue el trabajo y las exposiciones de Anton Vázquez aquí.

John Golding: De México a Londres; 120 piezas de pintura, dibujo y grabado
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John Golding reúne 120 piezas del artista anglo-mexicano, en un diálogo con la obra de Orozco, Rivera, Tamayo y más.

Fotos cortesía de INBA

Se trata de la primera retrospectiva de John Golding, un artista que vivió muchos años en México. 

 

John Golding fue uno de los mejores pintores abstractos del siglo XX a nivel mundial, aunque es más conocido como historiador, crítico y curador de arte. Golding nació en Inglaterra, criado desde la infancia en México y fue en el contexto del vibrante arte y cultura mexicanos que comenzó su carrera como artista. La exposición explora precisamente el desarrollo del trabajo de Golding y lo ubica en el contexto del arte en México.

La curaduría de la exposición es de las especialistas invitadas Dawn Adès y Jenna Lundin y está dividida en cinco núcleos temáticos que dan cuenta de la rica y diversa trayectoria de más de 60 años del artista y develan su tránsito por el figurativismo con fuerte enfoque en el cuerpo humano, su periodo de abstracción hard-edge con lienzos en acrílico y una etapa abstracta lírica posterior, además de su evidente influencia de los autores mexicanos de su época.

Se trata de la primera exposición retrospectiva en México del artista inglés John Golding, "una figura de indudable relevancia en el contexto del arte moderno americano que resulta indispensable visibilizar en México, lugar donde creció y se desarrolló en una primera etapa como creador".

INBA

Calificó la muestra como un "espléndido recorrido" en el que el público podrá apreciar "las tempranas influencias del entorno mexicano que se manifiestan en su carrera, como los elementos del arte popular, entre los que se cuentan las máscaras o las escenas de la vida cotidiana en contextos rurales e indígenas de nuestro país.

Asimismo, esta exposición nos acerca a la obra figurativa y abstracta del artista inglés con creadores de la escena artística mexicana de varias generaciones, como José Clemente Orozco, Diego Rivera, Rufino Tamayo, Lilia Carrillo, Mathias Goeritz, Wolfgang Paalen o Gunther Gerzso, dejando un sólido testimonio sobre México y sus artistas.

Sin duda, se trata de una extraordinaria exposición que nos trae una mirada profunda a la obra de Golding, un artista cuya trayectoria comenzó en México, donde encontró un hogar artístico donde se inspiró de figuras como Tamayo y Rivera y de una nueva generación de artistas emergentes como Lilia Carrillo, Felguérez y Toledo, y continuó en Londres.

INBA

Finalmente, podremos ver la faceta artística de Golding, un referente fundamental en la historia del arte moderno. Además, esta exposición coincide con la celebración de los 200 años de las relaciones de amistad México – Reino Unido, y nos permiten seguir caminando juntos en temas no solo del arte y la cultura, sino también en la educación, la diversidad y la igualdad.

John Golding: De México a Londres 

Dónde: Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México 

Cuándo: hasta el 28 de julio del 2024; de martes a domingo, de 10:00 a 18:00 h. 

Cuánto: $80 gral.

Domingo entrada libre.

Nina Beier, la controversia y consecuencias del arte que desafía la sensibilidad actual
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Casts de Nina Beier, es un performance que revive la cultura de la cancelación, el cuidado animal y la sensibilidad actual.

Foto destacada: Artrabbit

La obra de Nina Beier, Casts, fue cancelada tras esta polémica en el Tamayo.

 

¿Funar o no funar a los artistas, a las expresiones, a las obras? Es uno de los dilemas del siglo XXI, y hoy en día todos formamos parte de la Comisión Funa contra todo y contra todos, y esta ocasión le tocó a la a la artista Nina Beier, cuyo performance fue funado por la queja de usuarios de redes sociales, asociaciones defensoras de derechos de animales e incluso por la Secretaría de Cultura se pronunciaron al respecto en contra de la exposición Casts por en el Museo Rufino Tamayo.

Dicho performance lleva por nombre Tragedies 2011, fue creado por la artista Nina Beier, nacida en Aarhaus, Dinamarca en 1975, que reside entre Berlín, Alemania y Nueva York, Estados Unidos; y cuya obra se dedica a criticar todo lo cotidiano, así como qué le da valor a los objetos que vemos diariamente como cajas de cartón, huevos, ropa interior y demás.

No es la primera vez que Nina viene a tierras aztecas, ya que es una artista contemporánea con gran trayectoria, pero sí es la primera ocasión que provoca gran polémica. Nina Beier presenta esculturas de leones guardianes de mármol, 2 mil 500 macetas con plantas que "conviven" con perros de porcelana, jarrones, maniquíes de niños, un hombre encadenado que fuma y varios perros recostados en alfombras, que simulan estar muertos.

Inba

Ante las fuertes críticas recibidas tanto por usuarios como por la misma Secretaría de Cultura, la directora del Tamayo, Magali Arriola y Nina Beier mandaron un comunicado al respecto sobre el gran cuidado que tienen con los perros del performance:

"El Museo Tamayo es el único museo de la Ciudad de México que tiene una relación de igualdad con su comunidad perruna", señala el comunicado y explica que el recinto "ha creado diferentes formas de participación de los perros de su comunidad dentro de las salas y una vez al año se les dedican temporadas para ellos. Entran a las salas del recinto acompañados por sus cuidadores, pero los protagonistas son los perros".

El arte, las obras o los artistas funados siempre causarán controversia, posiciones a favor o en contra; aunque regularmente, los intentos por funar a alguien, la mayoría de las veces, le brinda más exposición; una consecuencia bien concreta de estar expuesto a ser ?funado?.

La cultura de la cancelación ha generado debates sobre si se ha convertido en una forma de censura que surge desde la comodidad de lo digital. La línea entre la rendición de cuentas y la restricción de la libertad de expresión es delgada. Explorar cómo esta cultura puede coexistir con el respeto a la diversidad de opiniones es esencial para garantizar un entorno en línea saludable y abierto.

Asimismo, a medida que la cultura de la cancelación crece, algunas plataformas están reconsiderando sus políticas de moderación, y los usuarios están adoptando enfoques más constructivos para abogar por el cambio social sin recurrir a la cancelación extrema; con el fin de encontrar un equilibrio que promueva un diálogo respetuoso y constructivo entre ambas partes.

La cancelación, cuando se utiliza de manera desproporcionada, amenaza la libertad, silenciando voces y desalienta el intercambio de ideas. Quizá, la transformación social no proviene solo de la cancelación, sino de la capacidad de aprender, crecer y comprendernos unos a otros en esta era digital.

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