Arte y Cultura
Contruyendo puentes, arte chicano y político en el Museo Carrilo Gil
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El Chicano es una derivación de mexicano, de la voz mexicano se derivó xicano y, como la pronunciación de la x a veces cambia a ch, se obtiene, como resultado xicano.

El Arte chicano directo de LA.

 

Los chicanos son los descendientes de mexicanos que viven en Estados Unidos. Son conocidos como mexicano/americanos y, según ellos, son ciudadanos de segunda clase en las tierras que sus ancestros poblaron por más de dos siglos y medio. Durante años, los chicanos han dado vida a la comunidad latina más numerosa de los Estados Unidos.

Los chicanos forman su propia cultura con elementos mezclados: anexión de su territorio a otro país, el neocolonialismo interno y la migración, cultura, sabor, color; que ha estado vigente desde la década de los 60 durante la explosión del movimiento de derechos civiles en los Estados Unidos, quienes hacen frente a una extrema opresión racial, social y política en el que es su propio país.

 

 

El Arte Chicano no sólo está motivado políticamente, sino que explora la identidad, el humor, la religión y la expresión individual. Siempre en transformación, el arte chicano, se inspira a partir de sus raíces, de su marginación en su propio hogar. Estos artistas expandieron su expresión creativa y demostraron gran destreza para desarrollar y representar sus mitologías, metodologías y filosofías, introduciendo una destacada y original escuela en la historia del arte.

De hecho, son 36.3 millones de personas en Estados Unidos que se identifican como personas de ascendencia total o parcial mexicana. Es difícil encontrar una persona en México que no tenga un pariente o amigo que haya emigrado a los Estados Unidos. Esto hace que la comprensión de las condiciones de los mexicano-americanos y los chicanos sea mucho más crítica, y que su arte se vuelva más significativo.

 

 

La exposición Construyendo puentes: Arte mexicano / chicano de Los Ángeles a México, es una exhibición amplia, multigeneracional y rara de obras de arte chicano en la CDMX. La exposición cuenta con el trabajo de artistas como Patssi Valdez, Carlos Almaraz y Patrick Martínez, entre otros, que busca complicar la narrativa y desafiar los conceptos erróneos de lo que es el arte chicano al tiempo que contribuye a un diálogo muy necesario entre la Ciudad de México y el sur de California.

La exposición explora el carácter híbrido de su cultura, a través de cinco importantes temas: Diamantes rebeldes del sur, Imaginando paraísos, Extranjeros en su propia casa, Mapeo de identidad y Superando las separaciones en la dualidad cultural. Esta exposición pone de manifiesto los lazos que estos artistas tienen con México, y cómo estos lazos transcienden la identidad individual y las fronteras.

 

 

Esta exposición es una colaboración entre el departamento de cultura del gobierno mexicano y AltaMed Health Services, el centro de salud más grande con calificación federal de los Estados Unidos, que también cuenta con una extensa colección de más de mil piezas de arte, muchas de las cuales están hechas por artistas chicanos.

La idea de inaugurar una exposición de arte chicano en la Ciudad de México surgió después de la recepción de “Antes del 45: Acción / Reacción en Arte Chicano y Latino“, una exhibición en el Instituto Cultural Mexicano en Washington DC por AltaMed. La exposición contradice las ideas falsas sobre el arte chicano, ya que se limita a un conjunto de formas o temas, y brinda la oportunidad para que una audiencia en México vea una variedad de arte mucho más amplia.

 

 

“Cartonlandia” de Ana Serrano, es una de las piezas más significativas de la exposición, siendo una estructura montañosa de cartón con coloridas casas inspiradas en los vecindarios de México. El trabajo de Serrano transmite las formas en que los barrios latinos a menudo se resisten a los estándares estéticos eurocéntricos de los vecindarios visualmente unificados mediante un uso liberal del color y la textura. El vecindario multicolor se puede encontrar fácilmente en la Ciudad de México, Tijuana o South Central.

 

 

Exposición Construyendo Puentes

¿Dónde? Museo de Arte Carrillo Gil (Av Revolución 1608, San Angel, 01000 Álvaro Obregón, CDMX)

¿Cuándo? Hasta 25 de noviembre

¿Cuánto? $50 Entrada libre para estudiantes y profesores con credencial vigente, niños menores de 12 años y personas afiliadas al INAPAM.

Domingo, entrada libre

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100 años del consagrado artista abstracto, Carlos Mérida y su obra en el MUNAL
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Son 290 piezas que dan vida al discurso curatorial basado en la autobiografía inédita del colorido y fabuloso artista guatemalteco Carlos Mérida.

El artista Carlos Mérida llega al Munal.

 

Son 290 piezas que dan vida al discurso curatorial basado en la autobiografía inédita del Carlos Merida, en el Museo Nacional de Arte (Munal), que conmemoran los 100 años de la llegada de Carlos Mérida a México con la muestra Carlos Mérida. Retrato escrito (1891-1984).

Esta colorida exposición tiene una narrativa guiada por la voz del propio carlos Mérida, que fue extraída de su autobiografía, que permite transitar entre su vida personal, su proceso creativo y las afinidades artísticas que construyó hasta su muerte en 1984.

 

 

 

Bajo la curaduría de la investigadora María Estela Duarte, y sustentada por un trabajo documental de cuatro archivos, esta exhibición reúne obra plástica, impresos y publicaciones que acompañan los textos del artista provenientes del archivo Carlos Mérida -donado al Munal en el año 2000 por su hija Alma Mérida-, el perteneciente a la Galería Arvil, el acervo de la Galería de Arte Mexicano y el archivo familiar de Cristina Navas Mérida.

Fueron diversas colecciones, tanto institucionales como particulares e internacionales, las que hicieron posible esta exhibición. Entre ellas se encuentran la Galería Amelia Weymann de Guatemala, el Colegio de México, el Museo Tamayo Arte Contemporáneo, la Gerencia del Palacio de Bellas Artes, además de las colecciones María Luisa Ferre, Andrés Blaisten, Juan Rafael Coronel, Jesús Drexel, Juan Antonio Pérez Simón y, por supuesto, el acervo documental del Museo Nacional de Arte, entre otras.

 

 

 

 

“Esta muestra es la primera en su dimensión, y aspira a conjuntar lo más representativo del trabajo del maestro guatemalteco. No se trata de una muestra exhaustiva ni totalizante, pero sí de una panorámica y explícita de la herencia que Mérida dejó en el arte mexicano”, apuntó Sara Gabriela Baz, directora del Museo Nacional de Arte.

En el discurso plástico de Merida se exploran las inquietudes que las vanguardias europeas y americanas despertaron en Mérida tras su estancia en París y su regreso a su nativa Guatemala. En este apartado se pueden observar sus primeros ensayos de pintura con temáticas folcloristas, y el trayecto que lo llevó a encontrar su propio estilo pictórico, marcado por el interés por la música, los ritmos y las secuencias.

 

 

Retrato en verdes [Retrato de Renoir] (1913), La india del loro (1917), Autorretrato (1935), Planetario (1965) y Proyecto para el telón biombo del Cine Manacar (1964) son algunas de las piezas que sobresalen de esta sección. En este núcleo se encuentran algunas obras de artistas con los que Mérida encontró afinidades creativas, como Vassily Kandinsky, Paul Klee, Joan Miró, entre otros.

Se exponen también ilustraciones para diversas publicaciones de libros y revistas, así como los destacados y ampliamente conocidos portafolios de serigrafías y litografías con temas relacionados con la mítica maya y etnográfica de México y Guatemala, así como sus propuestas en el terreno de las artes decorativas.

 

 

 

 

 

Cabe mencionar que esta exposición contó con el apoyo de la Fundación Iberdrola México, patrocinadora del cambio del sistema de iluminación de las salas de exposiciones temporales. La donación representó más de un millón de pesos para la adquisición de las lámparas LED, rieles y otros componentes del sistema de iluminación, y se llevó a cabo en el marco de un convenio de colaboración firmado entre las dos partes en febrero de 2018. Esta alianza refleja el compromiso de Iberdrola México y el Munal con la conservación del patrimonio artístico y cultural del país.

 

 

 

 

Carlos Mérida en el Munal

¿Dónde? Munal. Calle de Tacuba 8, Centro Histórico, Centro, 06000, CDMX.

¿Cuándo? Hasta el 17 de marzo de 2019. Martes a domingo de 10:00 a 18:00

¿Cuánto? $65 pesos

Entrada libre todos los domingos.

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Nueva visión de nuestra mexicanidad en el taller de Arte Mexicano Rubicó
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Abre sus puertas el taller de arte mexicano Rubicó, que integra diseño, arte y tecnología con calidad mexicana, Alea iacta est: La suerte está echada.

La Ciudad de México gana un nuevo foro de Cultura.

 

Con el objetivo de generar un espacio para la creatividad, abre sus puertas Casa Rubicó, el taller artístico interdisciplinario de alto impacto estilo mexicano. En este nuevo taller artístico interdisciplinario de estilo mexicano, poco convencional y de alto impacto, los artistas o artesanos expertos en diversos oficios o disciplinas, trabajan en comunión con otros y sacrificando la gloria personal, apuestan por la superioridad del conjunto en el proceso creativo.

Las obras de Rubicó procurarán ser siempre colectivas en su diseño y realización, sincréticas en sí mismas. De ahí, que Casa Rubicó iniciará sus actividades como centro de exposición con un Altar de Muertos en homenaje al Movimiento del 68 por su aportación a la libertad de expresión y como reconocimiento a los estudiantes que ganaron con su valentía un lugar en la historia moderna de México.

 

 

 

La presentación del concepto Rubicó ante los medios de comunicación se dio en una conferencia de prensa en la que su director general, Carlos Cerón, y su director creativo, Gonzalo Ortiz Blanco, quienes describieron el proyecto, acompañados por el artista plástico Chango Chango, quien expondrá siete obras.

Ortiz Blanco explicó que Rubicó “propicia y respalda las expresiones alternativas para demostrarle al mundo que nuestro reconocido ingenio es capaz de crear mexicanadas que consisten en transformar cosas para hacerlas chingonas y resolver necesidades. El concepto Rubicó integra diseño, arte y tecnología para presentar con orgullo la visión ingeniosa que nos distingue como mexicanos y su nombre se inspira en el momento decisivo en el que el emperador Julio César encontró el valor para jugarse la vida y el honor, propio y de sus tropas, cruzando el Río Rubicón para dirigirse a Roma, consciente de que no habría marcha atrás.

 

 

 

 

De ahí que el lema de esta nueva opción creativa y artística sea “Alea iacta est”, que significa La suerte está echada. El equipo creativo determinó que la primera exposición fuera un Altar de Muertos, porque difícilmente se encontrará una manifestación más simbólica de la cultura mexicana que esta tradición, pues en los altares, las familias mexicanas de manera ingeniosa armonizamos los elementos de culturas que se contraponen; es decir, las tradiciones de los pueblos prehispánicos, con las costumbres de la cultura hispano-católica.

 

 

 

 

Esta armonía de elementos contrarios, explicó Gonzalo Ortiz, es realizada por los mexicanos con tal grado de perfección que da como resultado una obra nueva y superior a los elementos que la integran, como es la aspiración creativa de Rubicó de realizar obras colectivas en las que especialistas y expertos en diversas artes mezclan su talento.

La casa muestra un concepto integral llamado “mexicanadas de Rubicó” que muestran la capacidad, atrevimiento e inteligencia de los mexicanos para modificar objetos y mejorarlos con gran ingenio, característico de nuestra cultura y estilo mexicano.

 

 

 

 

Casa Rubicó

¿Dónde? Luis G. Urbina #74, en Polanco, CDMX.

¿Cuándo? Lunes a viernes de 11:00 a 22:00

Entrada libre

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El Op Art del colorido artista Carlos Cruz-Diez en la San Miguel Chapultepec
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Carlos Cruz-Diez es considerado uno de los padres del Op Art, donde el color tiene una realidad autónoma en continua mutación.

Cromatografía histórica del arte de Carlos Cruz–Diez.

 

Carlos Cruz-Diez es uno de los principales representantes de Op Art (Óptica) en todo el mundo. Junto con Jesus Soto, Alejandro Otero y Juvenal Ravelo, forman el movimiento cinético en Venezuela, que se desarrolló ampliamente en el siglo XX, hasta que se convirtió en uno de los más destacados de la América hispana.

Carlos Cruz-Diez estudió en Bellas Artes School en Caracas, donde también fue profesor de Historia de las Artes Aplicadas, luego subdirector y profesor de pintura. Enseñó técnicas de cinética en la Escuela Superior de Bellas Artes en parejas. Es presidente de la Fundación “Museo de la Estampa y Diseño Carlos Cruz Diez” en Caracas.

 

 

Sus inicios en el arte se remontan al movimiento cinético de los años 50 y 60. El desarrollo de su reflexión plástica ha modificado las nociones de percepción del color en el arte. La propuesta de Carlos Cruz-Diez se basa en el color concebido como una realidad autónoma, algo nunca visto antes, que evoluciona en la lectura y el espacio sin la ayuda de formas y sin necesidad de apoyo.

En 1944 trabaja como ilustrador y diseñador gráfico, realiza cómics para diversos periódicos venezolanos, trabaja en agencias publicitarias, y participa en la exposición Bewogen Beweging en el Stedelijk Museum de Ámsterdam donde colaboraron artistas como Allan Kaprow, Alexander Calder, Moholy-Nagy, Robert Rauschenberg, Jean Tinguely, Marcel Duchamp, Victor Vasarely, entre otros.​

 

 

De 1972 a 1973, Cruz-Diez ejerce como profesor en la Escuela Superior de Bellas Artes y Técnicas Cinéticas, de París. Entre 1986 y 1993 es profesor titular del Instituto Internacional de Estudios Avanzados, en Caracas. En 1989 se pública en Caracas la primera edición de su libro Reflexión sobre el color,​ basado en sus diversas investigaciones plásticas vinculadas al estudio del color como una “realidad autónoma en continua mutación”.

Para 1997 es nombrado Presidente y miembro del Consejo Superior de la Fundación Museo de la Estampa y del Diseño Carlos Cruz-Diez, que tiene como objetivo estudiar, difundir, coleccionar y conservar el trabajo de diseñadores y artistas gráficos nacionales e internacionales relacionados a la estampa y el diseño. En 2005 su familia crea la Cruz-Diez Foundation​ dedicada a la conservación, desarrollo, difusión e investigación de su legado artístico y conceptual. En 2008, dos años antes del 50 aniversario de su llegada a París, Cruz-Diez adquiere la nacionalidad francesa.

 

 

Para 2011 inaugura su mayor exposición retrospectiva Carlos Cruz-Diez. Color in Space and Time en el Museum of Fine Arts (MFAH) de Houston en Estados Unidos, y en el 2012 recibe el grado de Oficial del Ordre national de la Légion d’honneur.

Con su exposición, La autonomía del color de Carlos Cruz-Diez, el trabajo de este artista se estructura en torno a ocho investigaciones cromáticas desarrolladas a lo largo de su carrera: Couleur Additive, Physichromie, Induction Chromatique, Chromointerférence, Transchromie, Chromosaturation, Chromoscope y Couleur à l’Espace. La exposición presenta una gran muestra de sus investigaciones a partir de una selección de algunas de sus obras más recientes.

 

 

 

La autonomía del color de Carlos Cruz-Diez

¿Dónde? Galería RGR+ Art. Gral. Antonio León 48, San Miguel Chapultepec I Secc, 11850, CDMX.

¿Cuándo? Hasta 2 de marzo del 2019.

Entrada libre

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La Guía MXCity de eventos imperdibles en MUTEK México
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Mutek.mx es una fascinante plataforma que desarrolla la creatividad digital en el sonido, la música, las artes audiovisuales y la tecnología.

Estos son los mejores eventos de la edición número 15 de Mutek México.

 

Mutek es la plataforma internacional para la diseminación y el desarrollo de la creatividad digital en el sonido, la música, las artes audiovisuales y la tecnología. Mutek cuenta con veinte años realizando festivales, simposios y programas académicos en Montreal, Canadá, su amplio circuito global actualmente incluye a Ciudad de México, Tokio, Buenos Aires, Barcelona, San Francisco y Dubai.

Este festival se ha consolidado como un importante punto de conexión entre artistas y audiencias a través de experiencias creativas e innovadoras, en este 2018 Mutek México celebrará su decimoquinto aniversario en activo dentro de esta gran comunidad.

Emocionados por conmemorar XV años construyendo puentes entre arte y tecnología, aquí te dejamos a los 10 artistas seleccionados por MXCity, que te ayudaran a expandir la forma en la que vemos las artes digitales.

 

Kazuya Nagaya y Florence To

 

 

Kazuya Nagaya se transforma en una intensa y elegante reverberación mediante procesos electrónicos. Inspirado por los altares y rituales budistas dedicados a rezar por los muertos, es la evolución hacia el plano audiovisual de uno de los performances más profundos y significativos de Nagaya, al contar con la iluminación y visuales de la artista Florence To en una colaboración que tendrá su estreno mundial en Mutek.mx.

 

 

¿Dónde? Museo Anahuacalli. No. 150, San Pablo Tepetlapa, 04620, CDMX.

¿Cuándo? 21 de nov. 20:00

¿Cuánto? $450.00 MXN

Tickets

 

Ben Kreukniet & Vincent De Belleval

 

 

Esta dupla de realiza trabajos experimentales y desarrolla piezas propias y comisionadas. Cuentan con una sensibilidad particular para desarrollar ambientaciones multisensoriales para giras de artistas como Amnesia Scanner y Massive Attack. Ben Kreukniet y Vincent De Belleval combinarán toda su creatividad en programación, robótica y hardware para transformar la Sala A de Fábrica en un gran instrumento arquitectónico.

 

 

¿Dónde? FÁBRICA Calle Henry Ford 81, Industrial San Nicolás, Tlalnepantla.

¿Cuándo? Viernes 23 de noviembre, 21:00 h.

¿Cuánto? $600.00

Tickets

 

Line Katcho

 

 

Line Katcho es una figura prolífica y camaleónica de la escena creativa de Montréal: por un lado posee un título en composición electroacústica y hace música para films, y por otro es conocida como La Hyèna, una de las VJs más implacables de las noches Techno y Drum&Bass, además de ser cofundadora de Soundwich, una plataforma para artistas audiovisuales emergentes. ¡Imperdible!

 

 

¿Dónde? Museo Anahuacalli. No. 150, San Pablo Tepetlapa, 04620, CDMX.

¿Cuándo? 21 de nov. 20:00

¿Cuánto? $450.00 MXN

Tickets

 

Freeka Tet

 

 

El artista experimental Freeka Tet se ha destacado tanto en circuitos de arte y medios publicitarios como en festivales de arte digital por su estilo visceral e intenso. Mezcla un amplio rango de objetos y técnicas análogas en instalaciones y piezas performáticas inspiradas por la vorágine de la Internet. Su dominio en la elaboración de hardware y el diseño de sistemas interactivos se expresa con igual fuerza en proyectos comisionados por artistas como Chromeo y Jackson and His Computer Band, que en sus exploraciones en el arte audiovisual, principalmente performances multidisciplinarios en los que improvisa con sensores, software DIY, face-tracking y clicks&cuts extraídos de internet para moldear una experiencia frenética y desconcertante.

 

 

¿Dónde? FÁBRICA Calle Henry Ford 81, Industrial San Nicolás, Tlalnepantla.

¿Cuándo? 24 de noviembre, 21:00 h.

¿Cuánto? $600.00

Tickets

 

Myriam Bleau

 

 

Myriam Bleau realiza instalaciones sonoras y performances que parten de interfaces creadas por ella misma, y que suelen ir más allá de una proyección para transformarse en happenings donde la tecnología y lo humano se confrontan. Su pieza Soft Revolvers, se basaba en platos giratorios que en su manipulación física emitían sonidos muy cercanos al glitch-hop y el minimal techno, y es sólo una muestra de la complejidad técnica y fresca visión artística que Myriam es capaz de ofrecer.

 

 

¿Dónde? FÁBRICA Calle Henry Ford 81, Industrial San Nicolás, Tlalnepantla.

¿Cuándo? 24 de noviembre, 19:00 h.

¿Cuánto? $600.00

Tickets

 

Atom & Robin Fox – Double Vision 2.0

 

 

Luego de coincidir en distintos festivales, Schmidt y Fox comenzaron a colaborar en lo que resultó como Double Vision, un punto de encuentro entre el estilo juguetón e intenso de cada uno desde su trinchera: pop deconstruido y techno amigable acompañados de láseres manipulados en tiempo real para crear un efecto de sinestesia e inducción hipnótica al baile. La dupla estrenará la nueva versión extendida y reconfigurada de este performance colaborativo: Double Vision 2.0.

 

 

¿Dónde? Proyecto Público Prim. General Prim 30, col. Juárez

¿Cuándo? Jueves 22 de noviembre, 20:30 h.

¿Cuándo? $450.00 MXN

Tickets

 

Lanark Artefax

 

 

Lanark Artefax es como flotar en el éter: las partes más ásperas y golpeantes del breakbeat y el techno se disuelven y transforman dentro de atmósferas y gestos cálidos, casi emotivos, emanados por un IDM en estado líquido, adentrándonos con tacto por inesperados extremos de la electrónica contemporánea. Esto le ha valido un destacado lugar en el circuito de festivales -donde presenta un performance A/V-, y el respaldo de leyendas como Lee Gamble -quien lo publicó en su sello-, Aphex Twin -quien lo incluye en sus DJ sets- y Björk -para quien hizo un remix.

 

 

¿Dónde? FÁBRICA Calle Henry Ford 81, Industrial San Nicolás, Tlalnepantla.

¿Cuándo? 24 de noviembre.

¿Cuánto? $600.00

Tickets

 

Brandt Brauer Frick & La Orquesta Filarmónica Mexiquense

 

 

Los prolíficos Daniel Brandt, Jan Brauer y Paul Frick son las mentes maestras detrás de este proyecto en activo que desde 2011, cuando comenzaron a filtrarse en los circuitos de festivales y clubs de Norteamérica y Europa con un arsenal de beats y sonidos acústicos, ya sea con un ensamble de casi 30 músicos o en su versión compacta, basada en sampleos, batería y coros.

 

 

¿Dónde? Explanada del Museo Tamayo. Paseo de la Reforma 51, Bosque de Chapultepec 1era sección.

¿Cuándo? Domingo 25 de noviembre, 13:00 h.

Entrada Libre

 

Smerz

 

 

Catharina Stoltenberg y Henriette Motzfeldt decidieron abandonar la formación clásica por la experimentación digital de alcoba. Inspiradas por la libertad e inmediatez del footwork y el bass, el dúo comenzó a hilar su intuición lírica con el espectro más low end de la música electrónica, creando un sonido hipnótico, intrigante y de una honestidad emocional tan minimalista como brutal. Smerz ha creado un sonido cautivador que está desarmando al mundo una canción pop a la vez.

 

 

¿Dónde? FÁBRICA Calle Henry Ford 81, Industrial San Nicolás, Tlalnepantla.

¿Cuándo? 24 de noviembre.

¿Cuánto? $600.00

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Camille Mandoki y Sissel Wincent

 

 

Camille Mandoki y Sissel Wincent produjeron una obra que presentaron en vivo en junio pasado en la Ex-Teresa Arte Actual. Para Mutek.mx esta pieza se amplía y presenta en un nuevo contexto, donde el espíritu colaborativo y exploratorio proporciona un amplio espacio para el sonido, la emoción y los momentos en la vanguardia de la música.

 

 

¿Dónde? FÁBRICA Calle Henry Ford 81, Industrial San Nicolás, Tlalnepantla.

¿Cuándo? 24 de noviembre.

¿Cuánto? $600.00

Tickets