Conoce lo que hay detrás del nombre Dolores Olmedo.
María de los Dolores Olmedo y Patiño Suárez fue una mujer polémica, audaz y representante de un feminismo en el siglo XX. Dolores Olmedo es reconocida como una gran coleccionista de arte, cuyas obras se encuentran en el museo que lleva su nombre (Museo Dolores Olmedo Patiño) en el sur del Distrito Federal, conocida como “Hacienda la Noria” en la CDMX.
Lola Olmedo nació en Tacubaya, poco antes de la revolución mexicana en 1908, dentro de las circunstancias políticas y sociales del México del siglo XX que sentaron bases de modernidad y desarrollo. Le tocó vivir un proceso de maduración interna en la sociedad que colocó al país en condiciones de cambio en su historia. Fue la mayor de los hijos del matrimonio formado por la maestra normalista María Patiño Suárez y Manuel Olmedo Mayagoitia un profesionista que trabajaba como contador y abogado en algunos de los establecimientos de la Ciudad de México.
Desde finales de 1914 y durante 1915 la Ciudad de México padeció hambre y escasez, en parte por la muerte de su padre, y entraban y salían tropas pertenecientes a diferentes facciones revolucionarias, faltaba el abasto debido a la destrucción de líneas férreas y otros medios de transporte, colocando a los habitantes de la capital en condiciones de extrema necesidad.
La familiar Olmedo no cursó estudios regularmente, debido a las condiciones de estabilidad en el país y dificultades familiares, y recibieron clases de su madre en la escuela primaria de Tacubaya donde daba clases. La influencia principal en su vida y su carácter provenía de ejemplo cotidiano de su madre, por quién Dolores sintió una especial y abierta devoción. Años más tarde, Lola ayudaba a su madre dando algunas clases de dibujo a grupos de niños pequeños, se interesaba por las artes, después de iniciar estudios se preparaba para cubrir los créditos correspondientes a la secundaria y posteriormente ingresar a la escuela nacional preparatoria como requisito anterior a la Universidad Nacional.
Las artes tuvieron un renacimiento después de la revolución, se adentraron en sus raíces renovando el sentido cultural y científico, surgiendo así una nueva generación que incorporaba nuevos valores que permitieron enfocar los esfuerzos hacia la creación, acentuando la sensibilidad a las injusticias sociales, para edificar una sociedad basada en el nacionalismo e ideada en el progreso y el desarrollo.
Entre los representantes más importantes de la época se contaba a Vicente Lombardo Toledano, Manuel Gómez Morín, Alfonso Caso, Narciso Bassols, Antonio Castro Leal y Daniel Cosío Villegas. Fue en esta década cuando Dolores Olmedo conoció a Diego Rivera y también se relacionó con Howard S. Philips, quién se convertiría en su esposo, una de las figuras que serían importantes para su formación intelectual e impulsaría de manera determinante muchas de sus acciones.
Alrededor de 1924 Dolores conoció a Diego Rivera en el edificio de la Secretaría de Educación Pública, de ahí surgió una relación basada en el mutuo interés por el arte, el pintor le pidió a la maestra Patiño permiso para que la joven posara para él. Rivera realizó varios dibujos y una litografía; sin embargo, para ella su amistad estuvo llena de profunda admiración.
Dolores curó dos años en la escuela de derecho, y más tarde completó estudios en arte en la Academia de San Carlos y de música en el Conservatorio Nacional, aprendizajes que con los años le resultarían útiles para posteriormente impartir clases.
Dolores Olmedo conoció y se casó con el editor de la revista Mexican Life, Howard S. Philips, que tenía una tendencia hacia la actividad artística, además de que difundía los atractivos turísticos de México para los extranjeros en 1935. Con Phillips tuvo cuatro hijos; Alfredo, Irene, Eduardo y Carlos. Debido a este matrimonio se adentró más en el mundo de la cultura conoció a gran parte del grupo de contemporáneos: Carlos Pellicer, Salvador Novo, Jorge Cuesta, Xavier Villaurrutia, Jaime Torres Bodet, entre otros, formando la crema y nata de la juventud culta.
Para finales de los años 40, Dolores Olmedo y un asociado, Pagelson se convirtieron en gerentes de grupo CICSA (Compañía Inmobiliaria y Constructora) cuya actividad era de tipo empresarial y relacionada con la construcción. Gracias al dinero de la construcción, Dolores pudo adquirir muchas obras de Diego Rivera, ya condenado a muerte por el cáncer que sufría, quién durante mucho tiempo la orientó a comprar piezas prehispánicas con las cuales inició su colección. La colección de piezas arqueológicas, diversos trabajos pictóricos, obras de arte y objetos que pertenecieron a Frida Kahlo serían destinadas para construir museos públicos.
Diego Rivera registró su testamento público abierto en el cual legaba bienes inmuebles a diez personas, en este acto se encontraba Dolores Olmedo. Por otra parte, Diego se sintió en libertad de legar sus obras de arte y los museos para exhibirlas al pueblo de México. En octubre de 1956, además de las obras de arte que Dolores Olmedo había adquirido, Diego le sugirió adquirir diez cuadros más, para enriquecer su colección y asegurar su legado. Un par de meses antes del fallecimiento de Diego Rivera, se firmó la escritura del fideicomiso, documento que fue firmado por Dolores Olmedo y Alfonso Quiroz Cuarón en donde se nombraba a Dolores como presidenta del comité técnico del fideicomiso. Por último, el 20 de octubre de 1957, Diego Rivera, en mal estado de salud, extendió una carta ante notario público, concediendo a Dolores Olmedo, los derechos autorales de todas sus obras, textos y documentos en su poder.
Desde principios de los 60, Dolores Olmedo aportó dinero rescatar y continuar con muchas de las tradiciones mexicanas promoviéndolas en diversas exposiciones de arte en varios países, sobre todo el creado por Diego rivera y Frida Kahlo. Dentro del propio museo, sus salones y otros espacios, han servido de escenario para exposiciones temporales.
Sin embargo, se ha dicho que las maneras de Dolores Olmedo para hacerse de las obras de arte han sido digamos, controversiales: abuso de confianza y desaparición de obras que tenía a su cuidado fueron las más frecuentes, y que algunas obras que estaban bajo su resguardo para ser expuestas o valuadas, quedaron en su poder y se negó a entregarlas.
En 1962 Dolores Olmedo decidió adquirir la hacienda "La Noria", en Xochimilco, donde reubicó su colección. Impulsó la creación del Museo Arqueológico de Santa Cruz Acalpixca; donó terrenos para la construcción de centros educativos, creó la Fundación Dolores Olmedo Patiño A.C, el Fideicomiso Museo Dolores Olmedo Patiño con el fin de albergar las 145 pinturas de Diego Rivera, 25 de Frida Kahlo, 42 de Angelina Beloff, más de 600 piezas prehispánicas reconocidas y registradas por el Instituto Nacional de Antropología e Historia, varios santos estofados del siglo XVIII, la colección de arte popular, 4.000 libros de la Biblioteca, pavos reales, guajolotes, patos, perros xoloitzcuintles y un jardín ecológico con más de 25 variedades de plantas y árboles mexicanos. Dolores Olmedo falleció el 27 de julio de 2002 en su casa de Xochimilco.
Fotos cortesía de Arch Daily
Tatiana Bilbao es una de las arquitectas mexicanas más reconocidas a nivel mundial.
La arquitecta mexicana Tatiana Bilbao se ha destacado por tener proyectos en China, Francia, ?Estados Unidos, Guatemala, y otros países más. Pero uno de los proyectos más representativos, hasta ahora, sigue siendo el Jardín Botánico de Culiacán, Sinaloa, y la sala de exhibiciones de un parque ubicado en Jinhua, China.
Además, la obra de Bilbao ha sido reconocida con el Kunstpreis Berlín en 2012, fue nombrado en 2010 como Voz emergente por la Liga de Arquitectura de Nueva York, el Premio Global a la Arquitectura Sostenible por la Fundación LOCUS en 2014, y el Premio de Impacto 2017 a los Homenajeados por Premios ArchitzierA +, junto con el Tau Sigma Delta Gold Medal del 2020, el Marcus Prize Award 2019 y el más reciente, el Miller Prize en Columbus Indiana.
Tatiana Bilbao nació en 1972 en la Ciudad de México, es hija y nieta de arquitectos, y su carrera siempre ha buscado la relación entre arquitectura y usos sociales, defendiendo una arquitectura con valores además de haber creado un laboratorio de ideas que trataba de impulsar el conocimiento de la cultura contemporánea en general organizando pláticas, conferencias, debates y exposiciones tanto de arquitectura como de otras prácticas afines, arte, música, teatro.
Ha sido profesora e invitada en diversas universidades como la Universidad de Rise, Universidad de Columbia, Universidad de Yale, Universidad de Hardvard GSD, la Asociación AA en Londres, la Escuela de Artes Peter Behrens en Alemania entre otras; además de haber expuesto sus obras en diversos museos del mundo.
Su trabajo arquitectónico destaca la cultura y las tradiciones mexicanas, así como su compromiso con la arquitectura social y sostenible. En 2004, fundó la empresa Tatiana Bilbao S.C. El primer proyecto realizado en esta oficina fue la Sala de Exposiciones en Jinhua, proyecto encabezado y coordinado por el artista-arquitecto chino, Ai Weiwei, quien reunió a un equipo de jóvenes arquitectos de diferentes países para desarrollar un parque de gran extensión dividido en pabellones y situado en la costa del río Yiwu, cerca de Shanghái.
El Acuario de Mazatlán, el Centro de Investigación del Mar de Cortés, que forman parte del Parque Central de Mazatlán, son diseños del Estudio de Balboa, que ha lo largo de los años ha ganado diversos reconocimientos. Pero sobre todo, lo que distingue a esta arquitecta, es la creación de diversos espacios como lo son el jardín botánico lleno de arte, una funeraria, edificios universitarios y hasta una capilla al aire libre en una ruta de peregrinación católica.
Su trabajo en China y Europa ha incluido un proyecto para diseñar viviendas de bajos y medianos ingresos en un proyecto de renovación urbana en Lyon, Francia, también ha comenzado a diseñar un plan maestro para una planta de energía clausurada en San Francisco, una remodelación que permitirá que la población de los sectores populares de la ciudad tengan acceso a viviendas asequibles, áreas públicas y mercados.
Fotos cortesía de @apmarcougarte
Marco Ugarte es uno de los fotoperiodistas más destacados del país.
Marco Ugarte es un fotoperiodismo con un vasto registro de imágenes, que incluyen miles de protestas callejeras en su natal Chile, además de colaborar en varias agencias internacionales, quedando en nuestra retina sus reportajes emblemáticos a la muerte de Pinochet, la guerrilla zapatista, el mundo de los migrantes y la violencia en Centroamérica.
Ugarte se ha destacado como fotógrafo de la agencia AP en México, siendo un fotoperiodista siempre en la búsqueda de la noticia. Tiene una trayectoria de más de 40 años, que comenzando con imágenes analógicas en blanco y negro, un amplio acervo digital y un gran registro de países latinoamericanos.
Este trabajo fotográfico nos cuenta la feria que se hace cada año en la primera semana de marzo, donde los toros gigantes de papel maché, rellenos de fuegos artificiales, forman parte de las celebraciones del municipio mexicano de Tultepec en donde las personas se reunieron a celebrar la Feria Internacional de la Pirotécnia.
Esta feria de la pirotecnia promueve la tradición del país en la producción y uso de cohetes. Comenzó como una celebración para honrar a Juan de Dios, el santo patrón de los fabricantes de cohetes en el municipio de Tultepec: mayor productor de la pirotecnia en México.
Es un evento que comenzó a celebrarse a mitad del siglo XIX, y lleva a cabo desfiles de toritos y castillos cubiertos con cohetes. Es un festival que dura 9 días y atrae a más de 100 mil visitantes, generando ingresos entre 5 y 10 millones de pesos. Hoy en día, es un evento abierto a fabricantes en todo México, atrayendo artesanos de San Pedro de la Laguna, San Mateo Tlalchichilpan y Almoloya de Juárez.
Además de los juegos artificiales, hay juegos mecánicos, conciertos, bailes, lanzamiento de linternas volantes y comida regional. Aunque sin duda, los castillos son uno de los grandes atractivos, ya que son estructuras que llegan a medir entre 25 y 30 metros y requieren cerca de 15 días para ser construidos. Cuando los prenden, su exhibición tarda entre 20 y 30 minutos.
Además, el segundo evento es la “pamplonada” siendo el más antiguo y más importante de todos. Fue nombrado así por el Encierro, tradición taurina en Pamplona, España. Los toritos pueden llegar a medir desde 50 cm hasta más de 3 metros de altura y cuesta hasta 20 mil pesos. Los toritos más grandes están hechos por grupos de 30 a 40 personas y pueden tener hasta 4 mil fuegos artificiales. Una de las fiestas más peculiares de todo México.
Información y fotos cortesía de Milenio Cultura
Lorena Camarena llevará sus pinturas a un Pop Up Cultural de Reino Unido.
Lorena Camarena llevará su reciente obra pictórica en El pop Up Cultural de la Embajada de México en Reino Unido, Londres. Esta pintora mexicana se destaca porque su obra aborda nostalgia, memoria y naturaleza como hilo conductor. Sus pinturas son "accidentes y marcas que dejan huellas o ecos de primeras intenciones en el lienzo."
Esta ocasión llega al viejo continente para presentar esta exposición conformada por seis pinturas realizadas entre 2023 y 2024. Lorena Camarena Osorno es una artista que forma parte de la Colección Milenio Arte, y presenta una propuesta pictórica donde explora los límites del paisaje interno imaginado, el mundo concreto y la disonancia entre ambos.
La exposición Alguna vez el paraíso (Once Paradise) en el Pop up Cultural de la Embajada de México en Reino Unido, en Londres. Ahora que su prioridad es aumentar la visibilidad de su obra en el extranjero fomentado el diálogo con nuevos públicos y el intercambio cultural. Esta muestra se inaugurará el 15 de mayo de 2024 a las 18:00 horas en la Embajada de México en Reino Unido en Londres.
Lorena Camarena nació en la CDMX en 1974 y ha vivido entre México, Estados Unidos y Uruguay hasta 1992, cuando se afianzó por completo en México. A lo largo de su trayectoria ha realizado 18 exposiciones individuales y participado en 33 colectivas en México, Canadá, Francia, Estados Unidos y China.
La temática central de sus piezas es la mortalidad, la belleza, lo efímero, la memoria. Es por eso que regularmente podemos ver árboles, plantas y ramas, que comparten el espacio pictórico con elementos como una taza, una pistola o fragmentos de mármol o metal.
Una de sus obras más celebradas ha sido la del 2016, en donde expuso Luz fósil, en la Fundación Sebastián. En junio de 2017 presentó su obra mural Vestigio de sombra en la Fundación Sebastián. ¡Enhorabuena para esta gran artista mexicana!
Fotos cortesía de Tlacolulokos
Los Tlacolulokos muestran lo más interesante del arte contemporáneo oaxaqueño.
Darío Canul y Cosijoesa Cernas son los artistas que forman el colectivo Tlacolulokos. Ambos artistas son del pueblo de Tlacolula, Oaxaca, una comunidad zapoteca ubicada en la región del Valle Central del estado, que ha tenido fuertes vínculos con el sur de California desde la década de 1940, cuando un gran número de trabajadores agrícolas emigró al estado.
De modo que hoy Oaxaca, es también una de las regiones dentro de México con mayor migración hacia Estados Unidos.
Pero lo que más destaca a Los tlacolulokos es su trabajo artístico con una variedad de técnicas y medios gráficos como video, audio, grabados, fotografía y pintura. Su trabajo combina diferentes estilos como el street art, la pintura de caballete y mural y la serigrafía; además se desarrolla en las calles y en espacios artísticos públicos
El Colectivo Tlacolulokos, también se dedica a la difusión musical del rock y rap, así como la pintura a caballete, mural y la intervención sonidera.
Desde 2009 son Tlacolulokos, aunque ya tenían un trabajo anterior como difusores de la cultura al realizar eventos musicales. Su arte se enfoca en la crítica y el autoanálisis de vivir en Oaxaca y en los pueblos idealizados a partir del turismo; asimismo, se trata de mostrar lo que realmente se vive en las comunidades, en las periferias de la ciudad y la "contaminación cultural" a partir de la globalidad.
Sus pinturas más celebradas y creativas son las mujeres oaxaqueñas con trajes de tehuanas, pero tenis de marca norteamericana o en contextos de mezclas culturales, contaminaciones, choques y flujos. Muchas de sus pinturas son en gran formato.
Pero más allá de sus pinturas, es posible seguirlos en su canal de YouTube. Sus intervenciones sonideras son bastante interesantes.
Fotos cortesía de INAH
Esta instalación forma parte de la celebración de los 60 años del Museo Nacional de Antropología.
El Museo Nacional de Antropología (MNA) celebra 60 años, con la pieza monumental Tú del artista jalisciense José Rivelino Moreno Valle (1973) una de sus obras escultóricas monumentales más emblemáticas. Dicha pieza se encuentra expuesta en la explanada principal del recinto capitalino y ya es posible visitarla.
Se trata de un conjunto escultórico que consta de dos dedos índices de color blanco, elaborados en bronce, acero y concreto, los cuales se apuntan uno al otro, y pesa 30 toneladas, sumándose a la Piedra del Sol como una de las obras más pesadas exhibidas en Ciudad de México.
Esta instalación fue revelada por primera vez en Trafalgar Square, Londres, en Reino Unido, en 2015, y desde entonces ha formado parte del espacio público de latitudes como Alemania, Bélgica, Rusia, España, Italia y Estados Unidos. En México, esta pieza ha visitado la Macroplaza de Monterrey, el Patio Mayor del Instituto Cultural Cabañas y los centros históricos de las ciudades de Puebla y San Luis Potosí.
Por su parte, Rivelino es un artista que divide su tiempo entre la creación, la investigación y el activismo en los ámbitos de economía, cultura y desigualdad, y destacó la relevancia de la presentación de su obra en el museo más visitado de Latinoamérica. La intención de esta pieza es que el público pueda interactuar en diversas formas: "Que el individuo esté frente a frente del otro. De ellos frente a mí y de todos juntos, en el paso del yo al nosotros".
Esta pieza es polisémica, interactúa con el espacio en el que se instala y, al mismo tiempo, con el público. Visibiliza lo que las personas a veces quieren decir, en el espacio que hay entre los dos dedos que se señalan entre sí, puntualizó, caben todas las ideologías, las conversaciones y todo tipo de personas.
Además de admirar la instalación artística, las y los visitantes del MNA podrán tocarla e interactuar con ella, fotografiarse o mirarla a detalle y reflexionar sobre la propuesta del artista.
Tú de Rivelino
Dónde: patio del Museo Nacional de Antropología; Paseo de la Reforma y Gandhi, Chapultepec, Polanco, Miguel Hidalgo.
Cuándo: hasta 26 de agosto de 2024, lunes a viernes desde las 07:00.
Entrada libre
Fotos cortesía de Procine
Nudus es una de las cintas mexicanas más perturbadoras de los últimos años.
Nudus significa "desnudo" en latín, y es una analogía de estar desnudos en las redes sociales, vulnerables o con la falsa seguridad de privacidad, muy a pesar de que todo el internet está siendo vigilado por terceros, según el cineasta Gibrán Bazán cuando habla de su nuevo filme.
Esta historia llega a fortalecer el cine mexicano, que demuestra su variedad de estilos, directores, talentos e historias que enriquecen a la industria fílmica, a la cultura e identidad del país.
Nudus es un film de terror psicológico, que nos sumerge la superstición, la religión y las creencias populares, agregando capas de complejidad a las narrativas y generando una mayor sensación de inquietud en la audiencia. Pero esta ocasión, la cinta se centra en los avances digitales y el terror tecnológico; ofreciéndonos una ventana hacia el hackeo mundial, en un mundo postapocalíptico en donde no existe la privacidad en internet.
Asimismo, Nudus aborda a nuestro mundo hiperconectado: cibercrimen, espionaje global, falta de privacidad y vulnerabilidad de la información. Se trata de poner bajo el reflector el poder de las redes sociales, que concentran miles de millones de datos de los usuarios, en una sociedad cada vez más vigilada.
Carla Hernández, Alex Crusa y Sayaka Yokoyama, son los protagonistas de la cinta de escrita y dirigida por Gibrán Bazán, además de otros trabajos como "Los rollos perdidos" (2012), "Generación Spielberg" (2014) y "El buquinista" (2018); discípulo de Juan López Moctezuma, colaboró con el cineasta en varios proyectos.
Esta cinta se estrenó primero en Estados Unidos, debido a que el tema llamo la atención, además de reflejar el poder de la Inteligencia Artificial, sobre todo con toda la polémica de la huelga de Hollywood, la intromisión cada vez mayor de las redes sociales en nuestras vidas y el gran hackeo es algo que ya comenzó y que tendrá mayor impacto en unos cinco o siete años.
La premisa de su película es que los datos de miles de millones de personas estarán disponibles y abiertos en la red para consulta libre gracias a la poderosa tecnología de las computadoras cuánticas que serán capaces de vulnerar cualquier contraseña o sistema de seguridad online, dejando expuestas nuestras búsquedas, llamadas, mensajes de WhatsApp, passwords, transacciones y cualquier acción que realicemos en internet, es ya una terrible realidad.
Fotos cortesía de Betsabeé Romero
La artista Betsabeé Romero forma parte de una exposición conjunta de la 60 Bienal de Venecia.
La artista Betsabeé Romero lleva su exposición "La espiral sin fin" a la Galleria Piazza San Marco, como parte de la 60 Biennale di Venezia presentada por el Museo de Arte Latinoamericano (MOLAA) con la Fundación Bevilacqua La Masa y el apoyo de los main partners William S. Y Michelle Ciccarelli Lerach e Itaca Arts, cuyo CEO es Santiago García Galván.
Diversos medios italianos han hablado de la exposición, tanto como de la trayectoria de Betsabé y los hallazgos de "La espiral sin fin". Esta exposición explora las prácticas artísticas de Betsabeé Romero a través de obras de arte encargadas y nuevas instalaciones, que también se presentará en el Museum Of Latin America Art (MOLAA) en 2025, en Long Beach, California, EU.
Según, Santiago García Galván, la exposición que Betsabeé Romero "a través de sus imágenes poderosas y su simbolismo profundo, ha capturado la esencia de la experiencia migratoria, entretejiendo los hilos de la cultura, la identidad y la resiliencia. Su obra sirve como testimonio del espíritu humano, recordándonos nuestra humanidad compartida y la importancia de la empatía y la compasión".
Betsabeé Romero ha dicho sobre esta exposición que ya está montada y lista para su inauguración en la Galleria Piazza San Marco, que la selección tomó muchos meses, es un formato muy complicado para participar, participan muchos proyectos paralelos de todo el mundo, y al final, fuimos uno de los 30 proyectos seleccionados para hacer una exposición paralela.
En esta exposición, que está muy en la línea del tema general de la bienal, pero más específicamente desde lo que significa la imposición de fronteras, de bordes, de líneas casi punzocortantes que hieren la identidad cultural, de género, la identidad personal y comunitaria, cultural e histórica.
Buena parte de esta exposición reflexiona sobre la Cultura como el hogar que llevamos dentro y que sobrevivió a la sombra de todos los poderes; la forma en que se reproducen las fronteras, las polarizaciones han dividido incluso la cama en el paisaje familiar.
