Arte y Cultura
20 fascinantes exposiciones para ver en diciembre
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No te puedes perder este top de exposiciones que se estarán proyectando este mes en algunos recintos museísticos de la capital.

La CDMX es una de las grandes capitales artísticas del mundo y su oferta de exposiciones de las más elaboradas.

 

Lo cierto es que pocas cosas despiertan la sensibilidad, la creatividad e incluso la crítica como el arte. Se trata de una de las expresiones humanas más magníficas, que se vale de distintas técnicas, materiales y medios para estimular las entrañas de todos aquellos que celebran esta clase de creaciones tan subjetivas. Es pertinente aseverar que el arte es un aspecto coetáneo al ser humano. Difícilmente uno podría existir sin el otro, y es que esta bellísima simbiosis brinda un sentido trascendente al ser, que no se podría encontrar en cualquier otra característica propia del hemisferio derecho del cerebro.

El arte se constituye como parte esencial de la cotidianeidad de una sociedad. Y en el caso específico de la Ciudad de México, fue desde finales del siglo XVIII cuando comenzaron a erigirse los recintos museísticos. Los de esta urbe no son nada parecidos a los de otras latitudes del mundo. Alrededor de nuestra fascinante capital convergen museos clásicos, coloniales, históricos, modernos, fotográficos, filosóficos, prehispánicos, arquitectónicos, entre otros.

La realidad es que las exposiciones que se exhiben en la capital de los museos, nuestra CDMX, son profusas. Y como lo hacemos cada mes, hoy presentamos un listado con las mejores muestras que podrás hallar en la metrópoli y que estarán disponibles todo este mes que pinta increíble:

 

Tokio. Antes y después

Museo Nacional de las Culturas del Mundo. Moneda 13 Centro Histórico, CDMX.

 

 

Muestra fotográfica que busca responder qué tipo de ciudad es Tokio, la capital japonesa y centro de la política, economía y cultura de aquella nación, así como su devenir, desde los vestigios de la antigua ciudad llamada anteriormente Edo (Periodo Edo s. XVII a mediados del XIX), pasando por el gran terremoto de Kanto en 1923, los ataques aéreos de la Guerra del Pacífico, entre 1940 y 1945, hasta el alto crecimiento económico que transformaría la urbe en una mezcla compleja y caótica del pasado, presente y futuro.

*Hasta 27 de enero 2019.

 

Vientos de Fusang: México y China en el siglo XX

Museo Mural Diego Rivera. Colón S/N , Esquina con Balderas, CDMX.

 

 

Muestra está integrada por más de 50 piezas entre obra gráfica, pintura, dibujo, mural, documentos y material audiovisual, procedentes de colecciones de China, Canadá, Estados Unidos y México. Es una iniciativa del University of Southern of California (USC) Pacific Asia Museum, de Pasadena, California; que explora la relación e influencia entre artistas mexicanos y chinos se presenta en la muestra Vientos de Fusang: México y China en el siglo XX.

*Hasta 27 de enero 2019.

 

LoteRía de artistas

Museo de arte Popular. Revillegigedo, 11Colonia Centro Histórico, Cuauhtémoc.

 

 

Más de dos décadas de coincidencias, entre el arte contemporáneo y las artesanías, llevaron a David Pérez Feregrino y su esposa Lola Izurieta, a realizar un co-curaduría para realizar esta exposición.

*Hasta 03 de febrero de 2019.

 

La autonomía del color de Carlos Cruz-Diez

Galería RGR+ Art. Calle Gral. Antonio León 48, San Miguel Chapultepec I Secc, CDMX.

 

 

Carlos Cruz-Diez es uno de los principales representantes de Op Art (Óptica) en todo el mundo. Junto con Jesus Soto, Alejandro Otero y Juvenal Ravelo, forman el movimiento cinético en Venezuela, que se desarrolló ampliamente en el siglo XX, hasta que se convirtió en uno de los más destacados de la América hispana. Los inicios en el arte de Cruz-Diez se remontan al movimiento cinético de los años 50 y 60.

*Hasta 2 de marzo del 2019.

 

El Espejo de Venus

Museo de Arte Moderno. Paseo de la Reforma , Esquina con Gandhi, CDMX.

 

 

70 obras conformana “El espejo de Venus”, la imagen inspiradora de la mujer, jugando un rol preponderante en la construcción de la identidad del arte nacional.

Como un testimonio explícito de la presencia constante de las mujeres en el arte y la cultura, esta exposición coloca a la figura femenina como una fuerza transformadora que logra romper con los arquetipos de una sociedad patriarcal.

*Hasta 31 de marzo del 2019.

 

Antiguos maestros europeos y novohispanos

Museo Soumaya Plaza Carso. Blvd. Miguel de Cervantes Saavedra 303 Col. Ampliación Granada, C.P. 11529,Miguel Hidalgo, CDMX.

 

 

De autores de obras maestras para el arte occidental, que brillaron entre los siglos XIII y XIX, se han reunido las más sobresalientes escuelas europeas: la flamenca, la española, la germana, la italiana y la francesa, puestas en diálogo a través de sus influencias y carácter propio en nuestros Antiguos Maestros Novohispanos.

*Hasta 31 de diciembre de 2019

 

Maurice de Vlaminck, la expresión del color

Museo Soumaya Plaza Carso. Blvd. Miguel de Cervantes Saavedra 303, Granada, CDMX.

 

 

La muestra presenta más de 120 obras entre óleos, gouaches, acuarelas y dibujos de Maurice de Vlaminck que van, desde su llamado periodo cezaniano (1907-1916), hasta los lienzos que realizó a partir de 1925 cuando se retiró al campo. Es un recorrido a través de los temas predilectos del controvertido artista: radiantes almiares, agitados mares, ventosos bosques, geométricas naturalezas muertas, sosegadas tormentas de nieve, villas y puentes.

*31 de diciembre de 2018

 

De la piedra al barro. Escultura mexicana. Siglos XIX y XX  

Museo Nacional de Arte. Tacuba 8, Colonia Centro 06010, Cuauhtémoc, CDMX.

 

 

En una magna muestra que reúne más de 70 piezas de artistas como Manuel Tolsá, Jesús Contreras o José María Labastida, fue abierta al público la primera gliptoteca de la historia del Munal para enriquecer la visión sobre las expresiones del neoclasicismo, el realismo poético, el idealismo y el esteticismo. La exposición se integra en su mayoría con obras del acervo del Munal, y se complementó con piezas de colecciones privadas para que el público tenga una visión integral del arte mexicano. Abarca la hegemónica influencia del clasicismo grecolatino del siglo XVIII, también conocido como el Siglo de las luces, hasta llegar a las influencias nacionalistas de la primera mitad del siglo XX.

*Hasta 30 de diciembre.

 

Miradas a la Ciudad. Espacio de reflexión urbana

Museo de la Ciudad de México. Pino Suárez 30 Col. Centro C.P. 6060, Deleg. Cuauhtémoc, CDMX.

 

 

Exposición que reflexiona sobre el fenómeno urbano en la Ciudad de México desde distintos puntos de vista, a través de un recorrido por ocho salas de exhibición que utilizan textos, objetos, obras de arte y tecnología para describir las diferentes facetas de la ciudad, desde su historia, concepción filosófica, problemáticas, sustentabilidad, arquitectura, urbanismo, festividades y movimientos sociales. 

*Hasta 31 de diciembre.

 

Anarquistas: Libros, Regeneración y Revolución de los Flores Magón

Museo Nacional de la Revolución. Plaza de la República, s/n Colonia Tabacalera, Cuauhtémoc, CDMX.

 

 

La muestra consta de 116 manuscritos, varios libros, 28 periódicos, 56 fotos y 28 objetos pertenecientes al acervo de la Casa de El Hijo del Ahuizote que, con una narrativa museográfica, plantean un recorrido íntimo a través de la vida de los hermanos Jesús, Ricardo y Enrique Flores Magón, así como sus relaciones, marcadas por la unión, la separación y la reconciliación.

*Hasta enero de 2019.

 

Astérix el Galo

Biblioteca Vasconcelos. Mosqueta, Eje 1 Nte. S/N, Buenavista, 06350 Ciudad de México, CDMX

 

 

Astérix el Galo es una serie de historietas cómicas francesas creadas por René Goscinny (guion) y Albert Uderzo (dibujo), aparecida por primera vez el 29 de octubre de 1959 en la revista Pilote antes de ser publicadas como álbum. Esta es, quizá, la historieta francesa más popular del mundo y en la más popular del ámbito francófono, junto a la belga Tintín.

*Hasta 13 de enero 2019.

 

Arquitectura Olímpica. México 68, 50 Aniversario

Palacio de Bellas Artes. Av. Juárez, Centro Histórico, 06050, CDMX.

 

 

La muestra es resultado del trabajo conjunto con diversos acervos como el del Arq. Pedro Ramírez Vázquez, Fundación ICA, el Archivo de Arquitectos Mexicanos, Instituto de Investigaciones Estéticas (IIE) y el Instituto de Investigaciones sobre la Universidad y la Educación (IISUE) de la UNAM y plantea abordar el tema en 5 núcleos: Introducción, Urbanismo, Edificios deportivos, Edificios habitacionales y Reflexión desde la actualidad.

*Hasta 13 de enero 2019.

 

Diseño como segunda naturaleza en el MUAC

Museo Universitario de Arte Contemporáneo. (Insurgentes 3000, Ciudad Universitaria)

 

 

Zaha Hadid Architects tiene su primera exposición en Latinoamérica, la cual se presenta lugar en el Museo Universitario de Arte Contemporáneo (MUAC) ubicado en el campus de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM). Diseño como segunda naturaleza, expondrá algunos de los proyectos de la arquitecta Zaha Hadid mediante maquetas, materiales audiovisuales, pinturas y fotografías, abordando el proceso creativo de su práctica y evidenciando la importancia y complejidad del diseño como eje articulador de formas y procesos constructivos en su obra.

*Hasta 03 de marzo de 2019

 

Hitchcock, más allá del suspenso

Cineteca Nacional. Av. México-Coyoacán 389 Col. Xoco, Benito Juárez México, CDMX.

 

 

La exhibición plantea conocer y comprender toda su figura desde una mirada global a las claves esenciales de su cine. Es una oportunidad para ver plasmados aspectos personales y comerciales, la base fundamental de su proceso de creación y su lenguaje cinematográfico: su dominio de recursos del arte y el cine de vanguardia; su capacidad para rodearse de grandes colaboradores, sean técnicos, actores, diseñadores o guionistas, sobre los que ejercía un control férreo; el papel fundamental que tuvieron en sus obras los personajes femeninos, y, por supuesto, la capacidad de sus películas para reflejar el tiempo en que fueron creadas evocando la atmósfera de cada época.

*Hasta 13 de enero de 2019

 

Kandinsky. Pequeños mundos

Museo del Palacio de Bellas Artes. Juárez s/n Centro Histórico, CDMX.

 

 

La primera exposición individual en México de uno de los máximos exponentes del abstraccionismo del ruso Vasili Kandinsky; explora la evolución de uno de los artistas más emblemáticos del siglo XX a quien eventualmente le sería adjudicado el mote de "padre de la abstracción" y descubre sus controversiales planteamientos plásticos que hoy siguen generando debates sobre la naturaleza del arte.

*Hasta 27 de enero.

 

Reino silencioso: un mundo debajo de las olas. Christian Vizl

Casa del Lago UNAM. Bosque de Chapultepec Primera Seccion S/N, San Miguel Chapultepec I Secc.

 

 

En el marco de Earth X México, que se llevará a cabo en la Casa del Lago Juan José Arreola de la UNAM, la institución presentará el trabajo fotográfico más reciente de Christian Vizl, cuya obra parte de la representación del paisaje submarino.

*Hasta el 20 de febrero de 2019

 

¿Dónde está el diseño italiano? Siempre y en todo lugar. 

Museo de Arte Carrillo Gil. Av Revolución 1608, San Angel, 01000 Álvaro Obregón, CDMX.

 

 

La exposición está integrada por más de 170 objetos de diseño que datan del siglo XX, provenientes de las colecciones privadas de Italo Rota y Alessandro Pedretti, destaca el disfrute como la principal preocupación de los diseñadores italianos en la producción de objetos de consumo, más allá de la funcionalidad, y la practicidad. La propuesta curatorial nos invita a considerar cómo los periodos bélicos mundiales, así como el auge de la modernidad en la sociedad italiana y la carrera espacial, impactaron los aspectos más sencillos de la vida cotidiana el país europeo.

*Hasta el 3 de marzo 2019.

 

Nuevo legado 2018. Adictos a Remedios Varo

Museo de Arte Moderno. Paseo de la Reforma S/N, Bosque de Chapultepec I Secc, 11100, CDMX.

 

 

Adictos a Remedios Varo. Nuevo legado 2018 es la primera revisión del MAM, desde la reciente integración del archivo a su acervo. De este ejercicio surgen hallazgos de carácter histórico y personal que revelan rasgos de la personalidad de la autora ?su tendencia a coleccionar amuletos, piedras y objetos simbólicos. La fortuna de esta donación radica también en los 250 bocetos y dibujos preparatorios que se conservan y que, en muchos casos, son el trabajo preliminar a óleos que forman parte de la colección del MAM.

*Hasta 31 de marzo de 2019.

 

Vía Láctea. Gonzalo Lebrija

Museo Tamayo. Paseo de la Reforma 51, Bosque de Chapultepec, Bosque de Chapultepec I Secc 

 

 

Para su exposición en el Museo Tamayo, Gonzalo Lebrija muestra obras de su proyecto Vía Láctea (2016-17), para el que fotografió a un grupo de fumadores en la Habana mientras consumían tabaco de la producción más selecta de la casa Vegas Robaina. Con un haz de luz que acentúa el humo de los cigarros, Lebrija retrata las formas cambiantes emitidas por el grupo de personas a través de sus cuerpos y bocanadas, a la vez que explora las relaciones sociopolíticas que pueden derivar del mismo acto de fumar, tanto por la yuxtaposición entre los personajes y la mítica casa tabacalera, como por la imagen misma del fumador como figura que sugiere poder.

*Hasta el 24 de febrero 2019

 

Realidad Programada

Museo Jumex. Blvd. Miguel de Cervantes Saavedra 303, Granada.

 

 

Esta exposición examina la historia de la televisión y explora diversas formas de la experiencia televisiva, abordando así el impacto que tiene la televisión en la vida contemporánea. La televisión forma parte importante de la cultura visual, la circulación de noticias y la creación de identidad al presentar y representar una cosmovisión globalizada que a la vez se ve influenciada por condiciones locales de transmisión y recepción. La muestra, organizada como una colaboración entre la Fundación Jumex Arte Contemporáneo y Fundación Televisa, presenta a la televisión como objeto, medio y sujeto.

*Hasta el 24 de marzo 2019

 

White Canvas. CocoLab

Artz Pedregal. Periférico Sur 01900, Jardines del Pedregal.

 

 

“White Canvas” es una pieza audiovisual creada por COCOLAB que utiliza una serie de luces, láseres y música que, a través de la tecnología, busca explicar el proceso repetitivo presente en cada día de nuestras vidas. La pieza te permite experimentar y visualizar composiciones de audio creadas por diferentes músicos y artistas.

*Hasta el 30 de diciembre

Los hipólitos y la fundación del primer manicomio en América
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Fray Bernardino es considerado el primer “psiquiatra” de la América y el fundador del primer hospital psiquiátrico en la Nueva España.

Foto destacada: Mediateca INAH

Fray Bernardino es el fundador de la hermandad hospitalaria de los Hipólitos dedicada a la salud mental.

 

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La colonización llegó cuidados especiales para los padecimientos mentales, siendo Fray Bernardino Álvarez el primer "psiquiatra" de la Nueva España y de todo América. En 1566, este fraile financió y abrió en México el primer hospital dedicado al saneamiento mental en todo el continente americano.

De hecho, también fue uno de los primeros hospitales dedicados a la salud mental en el mundo, que llevaba el nombre de Hospital de los Inocentes, también conocido como Hospital de San Hipólito. Fue fundador de la hermandad hospitalaria de los Hipólitos que por muchos años se dedicaron a la atención de enfermos mentales.

 

 

Mediateca INAH

 

Bernardino Alvarez Herrera nació Sevilla en 1514, recibió una educación religiosa y a los veinte años se convirtió en soldado en las Indias. Participó en contiendas en Zacatecas y vivió como jugador profesional. Fue encarcelado y sentenciado al destierro en Filipinas, se fugó de la cárcel y encontró refugio en casa de una mujer; huyó para Acapulco, luego a Perú y como tahúr ganó una gran fortuna.

Su madre le aconsejó ser "mejor cristiano" ingresó como religioso en el hospital del Marqués del Valle, en México, donde daba abundantes limosnas a los necesitados y se ejercitaba con frecuencia en penitencias muy rigurosas, como ayunos y disciplinas.

 

Tras observar que los locos vagaban por las calles sin que nadie los cuidase, fundó, con licencia de fray Alonso de Montúfar, arzobispo de México, una casa para pobres dementes que en principio ubicó en la calle de Zelada, y finalmente en un terreno cedido por el ayuntamiento junto a la iglesia de San Hipólito: el de San Juan de Ulúa, que, aunque en sus inicios fue hospital general, pronto quedó exclusivamente para enfermos mentales.

Los enfermos, los religiosos y las limosnas aumentaron poco a poco y creó instituciones en Oaxtepec (1568), Xalapa, Perote (1578), Acapulco (1584), San Juan de Montes Claros (1590), La Habana, Puebla de los Ángeles, Guatemala, Antequera y Querétaro. Fundó la Orden de San Hipólito, que fue muy favorecida en sus inicios por diversos pontífices, como Gregorio XIII, Sixto V y Clemente VIII, entre otros, aunque no fue formalmente instituida hasta que el papa Inocencio XII dictó una bula el 20 de mayo de 1700.

 

Crónica de poder

 

Leyenda de los piratas en San Hipólito

 

 

En septiembre de 1568 barcos piratas ingleses, al mando del traficante de esclavos africanos John Hawkins en la que viajaba Francis Drake, arribaron al puerto de Veracruz con el objetivo de obtener víveres y demás cosas útiles. Al día siguiente de su entrada a Veracruz llegó desde España la flota que conducía al cuarto virrey de Nueva España, Martín Enríquez de Almansa.

Llegaron a un acuerdo para que el corsario dejara entrar a la flota española, pero el virrey no cumplió su palabra, hubo una batalla en la que los barcos ingleses fueron quemados y hundidos con excepción de aquel en el que huyó Drake y otro con Hawkins y gran cantidad de marinos.

 

 

?Durante su huida abandonaron a varios tripulantes, que fueron capturados por las autoridades y remitidos a la capital de la Nueva España. En lo que se esperaba su juicio, unos fueron a parar a la hoguera, otros a las galeras, la mayoría recibieron azotes pero otros más se les sentenció a prestar ayuda y trabajar dentro del Hospital de San Hipólito.

El hospital pudo mantenerse a la par de los avances médicos, pero para la Independencia el sitio tuvo la administración de la nueva nación Mexicana y para 1821, se suprimieron las órdenes mendicantes. El lugar siguió funcionando como Hospital sin perder su esencia y las transiciones políticas y los nuevos rumbos médicos lo hicieron cambiar de profesión.

 

 

Fue centro de enseñanza, práctica y eventos del Colegio de Medicina, antes de la Santa Inquisición. Durante la Revolución, la Guerra de Reforma y el Imperio de Maximiliano I de México, el nosocomio siguió siendo reconocido como lugar especializado en enfermos mentales.

En el siglo XIX, con la llegada de Porfirio Díaz al poder, el inmueble dejó de dedicarse a los enfermos mentales y el Manicomio General de la Castañeda inaugurado en 1910, le dio el punto final a este Hospital que por años siguió siendo hogar de mendigos y desahuciados. Fueron 344 años de existencia del manicomio de San Hipólito y 210 años del manicomio de la Canoa. La Castañeda funcionó como hospital psiquiátrico por 50 años nada más. En 1996 el inmueble fue rescatado e iniciaron los trabajos de restauración en manos del Instituto Nacional de Bellas Artes con capital Público y Privado.

 

Matador Net

 

Antiguo Hospital de San Hipólito

Dónde: Av. Hidalgo 107 Col. Guerrero Cuauhtémoc 06300

Cuándo: Hoy en día es un centro de convivencia social y a un costado se encuentra la capilla de San Judas Tadeo.

Entrada libre

La historia del juguete que todos hemos tenido: El Santo de plástico
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El bootleg mexicano de El Santo es un ícono con el que todos hemos jugado y un rasgo de identidad dentro de la cultura mexicana.

Foto destacada: Cheap pop culture

El Santo, enmascarado de plata, es la bandera de todo el bootleg mexicano.

 

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Se les llama bootleg a las piezas o juguetes que se crean sin una licencia. Son falsificaciones que imitan los de las grandes marcas de juguetes y son producidos en masa. Estos suelen encontrarse en los tianguis y bazares a muy bajo costo. En la jerga chilanga cotidiana, se dice que son juguetes "chafitas" o "piratas".

No obstante, muchos coleccionistas persiguen el bootleg mexicano, porque son piezas únicas en el mundo que inspira a los coleccionistas a ampliar las piezas y a tener diversas variedades. La práctica del bootleg se ha extendido en muchas partes del mundo, aunque en México siempre ha sido bastante popular.

 

 

En México, sobre todo en la CDMX, hay muchas fábricas trabajando día y noche en la manufactura de bootlegs. Pero también existen figuras que eran creadas sin tener juguetes oficiales como referencia. Como las figuras del luchador mexicano El Santo, donde los primeros muñecos no nacieron de grandes empresas, sino que fueron creados por jugueteros en pequeños negocios, lo que termina por darles un valor de arraigo muy especial.

En estas fábricas se crearon figuras de plástico duro, baquelita, trapo y plástico soplado de las más diversas series y películas se encontraban a disposición de los pequeños en los tianguis, mercados y negocios ambulantes. El plástico soplado es una técnica que permite crear figuras muy llamativas y de gran tamaño, poco peso y a bajo costo.

 

 

 

Entre las figuras creadas en la década de los 80 más extrañas y caras hechas en México se encuentran el Mumm Ra de plástico soplado, El Mazinger Z gigante y Darth Vader luchador, una pieza que tiene la cara del villano de Star Wars y el cuerpo del Santo, el enmascarado de plata. Pero sin duda, la bandera del bootleg mexicano es el icónico Santo.

 

 

¿Quién creo la figura de El Santo?

 

 

Se trata del escultor Mario González Márquez creo en madera las figuras clásicas del Santo y Blue Demon. A partir de estas dos piezas sacó los moldes que pasarían a la historia y serían reconocidos en todas partes del planeta como símbolo de la mexicanidad.

Este trabajo fue iniciado en los años 40s en las creaciones diversas figuras en plástico desde soldados, superhéroes como Batman, Robin, Superman o personajes de la cultura nacional e internacional como boxeadores, jugadores de fútbol, artistas, atletas, entre otros.

 

 

Su hijo, Fernando, continúa con la tradición en la fabricación artesanal de figuras de los luchadores en colecciones y para los coleccionistas Hay un catálogo de más de 400 personajes con personajes como Pelé, Cantinflas, Agustín Lara, Miguel Hidalgo y Costilla y José María Morelos y Pavón y Bruce Lee además de muchas piezas de la lucha libre.

Camerino Victoria Cruz y su familia son otros fabricantes de luchadores en México de los que se tiene conocimiento. Ellos tiene un negocio en Iztapalapa desde 1977, mismo año en que empezaron a producir los luchadores de plástico. Ellos indirectamente dan empleo a 30 familias de Chalco, Nezahualcóyotl, el mismo Iztapalapa y las delegación Cuauhtémoc, las cuales les compran estos muñecos por millar y sin pintar para así decorarlos ellos mismos, empaquetarlos y venderlos según el precio que más le convenga.

 

 

La pequeña fábrica de juguetes Plásticos Victoria reproduce desde 1977 los legendarios luchadores de plástico que hoy todos reconocen como un clásico juguete mexicano. El material con el que son reproducidos es polietileno reciclado de cubetas, autopartes como manijas o tableros, e incluso de otros juguetes destrozados que caen en la basura.

Todo este plástico es molido hasta quedar reducido a polvo, el cual se introduce en una máquina inyectora que será la que dispare esta materia prima hacia los moldes que tienen la forma de los conocidos luchadores. El polietileno tiene que hervir a 400 grados antes de ser inyectado. La máquina hace un ligero sonido parecido al de una olla exprés, posteriormente abre los moldes y de ellos emanan cuatro figuras.

 

 

A su vez estas caen a una tina de agua fría con el propósito de que el plástico se endurezca rápido, se enfríe, y las piezas no se queden adheridas. El proceso de pintado es tan importante como el de la creación de cada pieza. Ya que se compran estos juguetes gracias a su colorido. La figura sigue siendo el luchador con la mano izquierda arriba y la derecha abajo, como preparándose para el combate.

 

 

El Mercado de Sonora es el sitio más reconocido por ser el bastión del país más grande de los juguetes nacionales, parece ser el principio para emprender una investigación para dar con los creadores de estos juguetes. Los empaques no suelen decir en dónde son hechos, empaquetados, dirección ni teléfono.

Oxtankah, la ciudad maya más grande e importante de Chetumal
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La antigua ciudad maya de Oxtankah es un sitio arqueológico relevante y por varias razones la cuna del mestizaje en México.

Foto destacada: Villa Marcela

Oxtankah fue una ciudad próspera y no se sabe por qué terminó siendo abandonada.

 

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Chetumal es conocida como la puerta de entrada a la costa maya, desde sus playas comienza un recorrido por mar y tierra por las más bellas playas del caribe y sitios arqueológicos de fama internacional, pero es justo dentro de su territorio que lo interesante comienza pues ahí se encuentra la más antigua y grande de las ciudades mayas, Oxtankah, un sitio arqueológico para explorar y escalar.

La importancia de la zona arqueológica de Oxtankah recae, además de su antigüedad, en una interesante hipótesis, se cree que esta es la cuna del mestizaje. Se dice que en esta ciudad maya nacieron los hijos de Zazil – Ha, princesa maya hija de Nachan Ka´an, gobernante de Chactemal, y Gonzalo Guerrero, un náufrago español. Fue entonces que en 1531 que nacieron los primeros mexicanos mestizos.

 

 

El origen de Oxtankah

 

 

En el año 600 a.C. se asentaron en Oxtankah los primeros mayas, fecha en que iniciaría un largo periodo de desarrollo cultural y poblacional que tuvo tres momentos álgidos, del año 300 al 50 a.C., del 250 al 600 d.C. y del 600 al 900 d.C., de los tres momentos fue durante el llamado Clásico temprano que la ciudad tuvo su mayor periodo de prosperidad.

El gran poder de Oxtankah le permitió ampliar sus primeros edificios duplicando su tamaño, la ciudad entera creció tanto que extendió su territorio hasta la isla Tamalcab y creó un extenso circuito de canales seminaturales que conectaban a la próspera con lejanas poblaciones con las que tuvieron intercambio comercial y cierto dominio.

 

 

Aunque esta ciudad fue bastante próspera, a la llegada de los españoles al nuevo mundo ya tenía 400 años deshabitada. El nombre de Oxtankah le fue designado hasta 1937 por el investigador Alberto Escalona Ramos; años después investigaciones antropológicas pusieron en la mesa la sospecha de que esta fuera la gran ciudad de Chactemal.

 

 

Zona Arqueológica Oxtankah

 

 

La invaluable zona arqueológica de Oxtankah está conformada por varios edificios, unos más enteros que otros, donde originalmente los mayas realizaban ceremonias, rituales y tributos por tratarse de una ciudad principal de la cual hoy sólo quedan dos plazas a las que se puede acceder paseando entre la selva.

Para visitar la zona arqueológica de Oxtankah se recomienda utilizar repelente de mosquitos, calzado adecuado para caminar y escalar piedras, ropa cómoda y llevar agua pues se encuentra rodeada de mucha vegetación; además la dota de un ambiente mágico a las edificaciones levantas entre los siglos IV y VI y modificadas por los propios mayas entre los siglos XI al XVI d.C.

 

 

La arquitectura maya del lugar es de estilo Petén, es decir, se encuentran estructuras superpuestas con muros en talud, con esquinas redondeadas y remetidas, cuyo elemento esencial es la moldura llamada "en delantal". Originalmente Oxtankah comprendía diez plazas, dos patios hundidos, más de 30 edificios y un cenote. Años adelante muy cerca del sitio los españoles construyeron una capilla.

Sólo dos plazas son las que sobrevivieron al tiempo y son las que visitaras en el sitio arqueológico. En la Plaza de las Abejas se encuentran los restos de edificios de uso residencial, en el edificio IV de la plaza se observa un laberinto que pudo tener finalidades religiosas. La Plaza de las Columnas es sede de una pirámide que pudo ser de uso de la élite maya.

 

 

Estas hermosas construcciones de Oxtankah estuvieron decoradas de grandes mascarones de estuco policromado que desaparecieron quedando como únicos testigos los árboles de la selva, muchos de los cuales poseen un aplaca con su nombre en maya y en español, como el guanacaxtle, el ramón, el jobo, y el pixoy.

 

Museo de sitio de Oxtankah

 

 

La zona arqueológica de Oxtankah posee un museo de sitio donde se pueden observar de cerca cerámicas encontradas en el sitio, dibujos y mapas que reconstruyen la grandeza de la ciudad maya que aún resguarda misterios, como el hallado en el año 2000, una cámara mortuoria donde se encontraron los restos de un hombre fallecido hace mil 500 años.

Junto al hombre se encontraron 1620 cuentas circulares nacaradas y 34 pendientes de distintos tonos rosados que fueron hechas con cuatro especies de moluscos, tres marinos y uno de agua dulce, los cuales sólo se encuentran en Belice y en la zona de ríos del Petén guatemalteco, el estudio del hallazgo revela que se trataba de un atavío elaborado especial habilidad y que aún hay mucho por conocer de Oxtankah y la cultura maya.

 

 

Zona Arqueológica Oxtankah

¿Dónde? Chetumal, Quintana Roo

¿Cuándo? Lunes a domingo de 8:00 a 17:00 h.

¿Cuánto? $55 pesos

Marion y Grace Greenwood, las fascinantes muralistas extranjeras en México
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Marion y Grace desarrollaron su obra en overoles gracias a la libertad que México les proporcionó, mucho más que en su país.

Foto destacada: Artsy

Las hermanas Greenwood fueron parte de una expresión feminista que dejó mucho talento en nuestro país.

 

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La vista del arte internacional posó su mirada en México durante los años 30, cuando el Muralismo destacó por representar temas sociales en un macro formato que todos querían ver de cerca, conocerlo y aprenderlo directamente de los maestros Rivera, Siqueiros y Orozco. Las hermanas Greenwood viajaron desde Brooklyn, Nueva York, hasta nuestro país como parte de una fuerte oleada de feminismo que derramó talento en nuestro país.

 

Fuente: Nexos

 

Origen de las hermanas Greenwood

 

 

Las hermanas Marion y Grace Greenwood eran originarias de Brooklyn, Nueva York, nacieron en los albores del siglo XX en una familia de artistas por lo que ambas desde pequeñas recibieron todo el apoyo necesario para desarrollarse en las artes; no obstante, la que siempre mostró mayor interés y a una edad muy temprana, fue Marion Greenwood.

Marion dejó la preparatoria desde los 15 años momento desde el cual se dedicaría a estudiar arte como becaria de la progresista Art Students League, años más tarde estudiaría en la Academia Colarossi en París país al que viajaría con su hermana y su madre con ayuda del pago de sus primeros encargos lo que ya habla bastante de cómo era la joven artista pues no era nada fácil que una mujer se ganara la vida sola y menos como artista.

 

 

Las hermanas Greenwood en México

 

 

Marion llegó a México en 1932 interesada, como muchos otros artistas, en conocer el muralismo de Orozco, pero su primer acercamiento en la CDMX fue con Pablo O?Higgins quien la introdujo en la técnica del freso y quien la acompañó a Guerrero en su primera comisión como artista; trabajo que consiguió gracias al resto de la comitiva que se dirigió a Taxco, la periodista Josephine Herbst y Hermann, su esposo.

Fue en el cubo de la escalera del Hotel Taxqueño que Marion Greenwood realizó un retrato de la idílica vida indígena desarrollada en un mercado; escenario que se repetiría en otros muralistas que creían que la vida del indígena era auténtica, mejor, al estar alejados de la industrialización. Terminado el trabajo se dirigió a Michoacán para continuar trabajando, esta vez acompañada de su hermana.

 

 

El Museo Regional Michoacano resguarda actualmente el mural que las hermanas Greenwood pintaron en la Universidad Michoacana de San Nicolás de Hidalgo en Morelia; una obra en la que se ve una evidente conciencia de la realidad de México. Marion pintó "Paisaje y economía de Michoacán" donde se observan mujeres y hombres purépechas. Grace, por su lado realizó "Hombre y Máquina" una escena del mundo industrial.

Una vez más con el apoyo de su amigo Pablo O?Higgins, las hermanas Greenwood recibieron otra comisión, esta vez en la CDMX para colaborar en los murales del nuevo mercado Abelardo L. Rodríguez, a unas cuadras del Zócalo en el Centro Histórico. Marion se encargó del muro del vestíbulo donde pintó "Los alimentos y su distribución sobre el canal de la Viga", y Grace "La minería" que se encuentra junto al de su hermana.

 

 

Ambas pintaron "Trabajadores de todos los países, uníos" obra interrumpida por una ventana del mercado que se incorporó a la obra, este mural completa los murales al integrar la imagen del campesino y el obrero como símbolo del triunfo del socialismo. Ambas hermanas desarrollaron obra también en su país, pero sobre todo Marion.

Si ambas llegaron a tener fama ¿por qué ni siquiera Marion ha tenido reconocimiento en nuestro país o el suyo? Hay algunos historiadores del arte que afirman que esto se debe a que Marion era una mujer adelantada a su tiempo, sexualmente desinhibida, inteligente, talentosa y bella, características que esos días la mantuvieron al margen, sobre todo en el mismo Estados Unidos.

 

 

Las escuelas de arte en nuestros días la han tratado de recuperarla del olvido investigando su obra y vida de la cual hoy se sabe por entrevistas de personas que la conocieron, que Marion era considerada solamente una mujer glamurosa que no merecía atención, fue por eso por lo que recibió mucho apoyo de sus amigos.

Su amiga y dicen que también amante Josephine Herbst, escribió de ella en la revista Mexican Life para dar a conocer su obra; como ya se mencionó Pablo O?Higgins fue quien más la ayudó y al parecer también Diego Rivera la introdujo al mundo del arte en México donde ella expresaría en entrevistas, se sentía más libre por actos tan sencillos como poder usar overoles.

 

 

Si bien fue criticada junto con su hermana por usar pantalones, nunca se le prohibió, y también fue señalada por, al parecer, tener algún tipo de relación con Diego Rivera, hecho que nunca afectó que le dieran comisiones, incluso se le reconoce como la primera mujer norteamericana en recibir una comisión de un gobierno extranjero.

A pesar de ciertos obstáculos, como repintar ciertas partes del mural de Morelia, en general, las hermanas Greenwood gozaron de buena fama, siendo Marion la más destacada ganando premios como el del Instituto Carnegie, de la Asociación Nacional de Mujeres Artistas y en nuestro país de ser la primera muralista extranjera.

 

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