Arte y Cultura
20 fascinantes exposiciones para ver en diciembre
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No te puedes perder este top de exposiciones que se estarán proyectando este mes en algunos recintos museísticos de la capital.

La CDMX es una de las grandes capitales artísticas del mundo y su oferta de exposiciones de las más elaboradas.

 

Lo cierto es que pocas cosas despiertan la sensibilidad, la creatividad e incluso la crítica como el arte. Se trata de una de las expresiones humanas más magníficas, que se vale de distintas técnicas, materiales y medios para estimular las entrañas de todos aquellos que celebran esta clase de creaciones tan subjetivas. Es pertinente aseverar que el arte es un aspecto coetáneo al ser humano. Difícilmente uno podría existir sin el otro, y es que esta bellísima simbiosis brinda un sentido trascendente al ser, que no se podría encontrar en cualquier otra característica propia del hemisferio derecho del cerebro.

El arte se constituye como parte esencial de la cotidianeidad de una sociedad. Y en el caso específico de la Ciudad de México, fue desde finales del siglo XVIII cuando comenzaron a erigirse los recintos museísticos. Los de esta urbe no son nada parecidos a los de otras latitudes del mundo. Alrededor de nuestra fascinante capital convergen museos clásicos, coloniales, históricos, modernos, fotográficos, filosóficos, prehispánicos, arquitectónicos, entre otros.

La realidad es que las exposiciones que se exhiben en la capital de los museos, nuestra CDMX, son profusas. Y como lo hacemos cada mes, hoy presentamos un listado con las mejores muestras que podrás hallar en la metrópoli y que estarán disponibles todo este mes que pinta increíble:

 

Tokio. Antes y después

Museo Nacional de las Culturas del Mundo. Moneda 13 Centro Histórico, CDMX.

 

 

Muestra fotográfica que busca responder qué tipo de ciudad es Tokio, la capital japonesa y centro de la política, economía y cultura de aquella nación, así como su devenir, desde los vestigios de la antigua ciudad llamada anteriormente Edo (Periodo Edo s. XVII a mediados del XIX), pasando por el gran terremoto de Kanto en 1923, los ataques aéreos de la Guerra del Pacífico, entre 1940 y 1945, hasta el alto crecimiento económico que transformaría la urbe en una mezcla compleja y caótica del pasado, presente y futuro.

*Hasta 27 de enero 2019.

 

Vientos de Fusang: México y China en el siglo XX

Museo Mural Diego Rivera. Colón S/N , Esquina con Balderas, CDMX.

 

 

Muestra está integrada por más de 50 piezas entre obra gráfica, pintura, dibujo, mural, documentos y material audiovisual, procedentes de colecciones de China, Canadá, Estados Unidos y México. Es una iniciativa del University of Southern of California (USC) Pacific Asia Museum, de Pasadena, California; que explora la relación e influencia entre artistas mexicanos y chinos se presenta en la muestra Vientos de Fusang: México y China en el siglo XX.

*Hasta 27 de enero 2019.

 

LoteRía de artistas

Museo de arte Popular. Revillegigedo, 11Colonia Centro Histórico, Cuauhtémoc.

 

 

Más de dos décadas de coincidencias, entre el arte contemporáneo y las artesanías, llevaron a David Pérez Feregrino y su esposa Lola Izurieta, a realizar un co-curaduría para realizar esta exposición.

*Hasta 03 de febrero de 2019.

 

La autonomía del color de Carlos Cruz-Diez

Galería RGR+ Art. Calle Gral. Antonio León 48, San Miguel Chapultepec I Secc, CDMX.

 

 

Carlos Cruz-Diez es uno de los principales representantes de Op Art (Óptica) en todo el mundo. Junto con Jesus Soto, Alejandro Otero y Juvenal Ravelo, forman el movimiento cinético en Venezuela, que se desarrolló ampliamente en el siglo XX, hasta que se convirtió en uno de los más destacados de la América hispana. Los inicios en el arte de Cruz-Diez se remontan al movimiento cinético de los años 50 y 60.

*Hasta 2 de marzo del 2019.

 

El Espejo de Venus

Museo de Arte Moderno. Paseo de la Reforma , Esquina con Gandhi, CDMX.

 

 

70 obras conformana “El espejo de Venus”, la imagen inspiradora de la mujer, jugando un rol preponderante en la construcción de la identidad del arte nacional.

Como un testimonio explícito de la presencia constante de las mujeres en el arte y la cultura, esta exposición coloca a la figura femenina como una fuerza transformadora que logra romper con los arquetipos de una sociedad patriarcal.

*Hasta 31 de marzo del 2019.

 

Antiguos maestros europeos y novohispanos

Museo Soumaya Plaza Carso. Blvd. Miguel de Cervantes Saavedra 303 Col. Ampliación Granada, C.P. 11529,Miguel Hidalgo, CDMX.

 

 

De autores de obras maestras para el arte occidental, que brillaron entre los siglos XIII y XIX, se han reunido las más sobresalientes escuelas europeas: la flamenca, la española, la germana, la italiana y la francesa, puestas en diálogo a través de sus influencias y carácter propio en nuestros Antiguos Maestros Novohispanos.

*Hasta 31 de diciembre de 2019

 

Maurice de Vlaminck, la expresión del color

Museo Soumaya Plaza Carso. Blvd. Miguel de Cervantes Saavedra 303, Granada, CDMX.

 

 

La muestra presenta más de 120 obras entre óleos, gouaches, acuarelas y dibujos de Maurice de Vlaminck que van, desde su llamado periodo cezaniano (1907-1916), hasta los lienzos que realizó a partir de 1925 cuando se retiró al campo. Es un recorrido a través de los temas predilectos del controvertido artista: radiantes almiares, agitados mares, ventosos bosques, geométricas naturalezas muertas, sosegadas tormentas de nieve, villas y puentes.

*31 de diciembre de 2018

 

De la piedra al barro. Escultura mexicana. Siglos XIX y XX  

Museo Nacional de Arte. Tacuba 8, Colonia Centro 06010, Cuauhtémoc, CDMX.

 

 

En una magna muestra que reúne más de 70 piezas de artistas como Manuel Tolsá, Jesús Contreras o José María Labastida, fue abierta al público la primera gliptoteca de la historia del Munal para enriquecer la visión sobre las expresiones del neoclasicismo, el realismo poético, el idealismo y el esteticismo. La exposición se integra en su mayoría con obras del acervo del Munal, y se complementó con piezas de colecciones privadas para que el público tenga una visión integral del arte mexicano. Abarca la hegemónica influencia del clasicismo grecolatino del siglo XVIII, también conocido como el Siglo de las luces, hasta llegar a las influencias nacionalistas de la primera mitad del siglo XX.

*Hasta 30 de diciembre.

 

Miradas a la Ciudad. Espacio de reflexión urbana

Museo de la Ciudad de México. Pino Suárez 30 Col. Centro C.P. 6060, Deleg. Cuauhtémoc, CDMX.

 

 

Exposición que reflexiona sobre el fenómeno urbano en la Ciudad de México desde distintos puntos de vista, a través de un recorrido por ocho salas de exhibición que utilizan textos, objetos, obras de arte y tecnología para describir las diferentes facetas de la ciudad, desde su historia, concepción filosófica, problemáticas, sustentabilidad, arquitectura, urbanismo, festividades y movimientos sociales. 

*Hasta 31 de diciembre.

 

Anarquistas: Libros, Regeneración y Revolución de los Flores Magón

Museo Nacional de la Revolución. Plaza de la República, s/n Colonia Tabacalera, Cuauhtémoc, CDMX.

 

 

La muestra consta de 116 manuscritos, varios libros, 28 periódicos, 56 fotos y 28 objetos pertenecientes al acervo de la Casa de El Hijo del Ahuizote que, con una narrativa museográfica, plantean un recorrido íntimo a través de la vida de los hermanos Jesús, Ricardo y Enrique Flores Magón, así como sus relaciones, marcadas por la unión, la separación y la reconciliación.

*Hasta enero de 2019.

 

Astérix el Galo

Biblioteca Vasconcelos. Mosqueta, Eje 1 Nte. S/N, Buenavista, 06350 Ciudad de México, CDMX

 

 

Astérix el Galo es una serie de historietas cómicas francesas creadas por René Goscinny (guion) y Albert Uderzo (dibujo), aparecida por primera vez el 29 de octubre de 1959 en la revista Pilote antes de ser publicadas como álbum. Esta es, quizá, la historieta francesa más popular del mundo y en la más popular del ámbito francófono, junto a la belga Tintín.

*Hasta 13 de enero 2019.

 

Arquitectura Olímpica. México 68, 50 Aniversario

Palacio de Bellas Artes. Av. Juárez, Centro Histórico, 06050, CDMX.

 

 

La muestra es resultado del trabajo conjunto con diversos acervos como el del Arq. Pedro Ramírez Vázquez, Fundación ICA, el Archivo de Arquitectos Mexicanos, Instituto de Investigaciones Estéticas (IIE) y el Instituto de Investigaciones sobre la Universidad y la Educación (IISUE) de la UNAM y plantea abordar el tema en 5 núcleos: Introducción, Urbanismo, Edificios deportivos, Edificios habitacionales y Reflexión desde la actualidad.

*Hasta 13 de enero 2019.

 

Diseño como segunda naturaleza en el MUAC

Museo Universitario de Arte Contemporáneo. (Insurgentes 3000, Ciudad Universitaria)

 

 

Zaha Hadid Architects tiene su primera exposición en Latinoamérica, la cual se presenta lugar en el Museo Universitario de Arte Contemporáneo (MUAC) ubicado en el campus de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM). Diseño como segunda naturaleza, expondrá algunos de los proyectos de la arquitecta Zaha Hadid mediante maquetas, materiales audiovisuales, pinturas y fotografías, abordando el proceso creativo de su práctica y evidenciando la importancia y complejidad del diseño como eje articulador de formas y procesos constructivos en su obra.

*Hasta 03 de marzo de 2019

 

Hitchcock, más allá del suspenso

Cineteca Nacional. Av. México-Coyoacán 389 Col. Xoco, Benito Juárez México, CDMX.

 

 

La exhibición plantea conocer y comprender toda su figura desde una mirada global a las claves esenciales de su cine. Es una oportunidad para ver plasmados aspectos personales y comerciales, la base fundamental de su proceso de creación y su lenguaje cinematográfico: su dominio de recursos del arte y el cine de vanguardia; su capacidad para rodearse de grandes colaboradores, sean técnicos, actores, diseñadores o guionistas, sobre los que ejercía un control férreo; el papel fundamental que tuvieron en sus obras los personajes femeninos, y, por supuesto, la capacidad de sus películas para reflejar el tiempo en que fueron creadas evocando la atmósfera de cada época.

*Hasta 13 de enero de 2019

 

Kandinsky. Pequeños mundos

Museo del Palacio de Bellas Artes. Juárez s/n Centro Histórico, CDMX.

 

 

La primera exposición individual en México de uno de los máximos exponentes del abstraccionismo del ruso Vasili Kandinsky; explora la evolución de uno de los artistas más emblemáticos del siglo XX a quien eventualmente le sería adjudicado el mote de “padre de la abstracción” y descubre sus controversiales planteamientos plásticos que hoy siguen generando debates sobre la naturaleza del arte.

*Hasta 27 de enero.

 

Reino silencioso: un mundo debajo de las olas. Christian Vizl

Casa del Lago UNAM. Bosque de Chapultepec Primera Seccion S/N, San Miguel Chapultepec I Secc.

 

 

En el marco de Earth X México, que se llevará a cabo en la Casa del Lago Juan José Arreola de la UNAM, la institución presentará el trabajo fotográfico más reciente de Christian Vizl, cuya obra parte de la representación del paisaje submarino.

*Hasta el 20 de febrero de 2019

 

¿Dónde está el diseño italiano? Siempre y en todo lugar. 

Museo de Arte Carrillo Gil. Av Revolución 1608, San Angel, 01000 Álvaro Obregón, CDMX.

 

 

La exposición está integrada por más de 170 objetos de diseño que datan del siglo XX, provenientes de las colecciones privadas de Italo Rota y Alessandro Pedretti, destaca el disfrute como la principal preocupación de los diseñadores italianos en la producción de objetos de consumo, más allá de la funcionalidad, y la practicidad. La propuesta curatorial nos invita a considerar cómo los periodos bélicos mundiales, así como el auge de la modernidad en la sociedad italiana y la carrera espacial, impactaron los aspectos más sencillos de la vida cotidiana el país europeo.

*Hasta el 3 de marzo 2019.

 

Nuevo legado 2018. Adictos a Remedios Varo

Museo de Arte Moderno. Paseo de la Reforma S/N, Bosque de Chapultepec I Secc, 11100, CDMX.

 

 

Adictos a Remedios Varo. Nuevo legado 2018 es la primera revisión del MAM, desde la reciente integración del archivo a su acervo. De este ejercicio surgen hallazgos de carácter histórico y personal que revelan rasgos de la personalidad de la autora –su tendencia a coleccionar amuletos, piedras y objetos simbólicos. La fortuna de esta donación radica también en los 250 bocetos y dibujos preparatorios que se conservan y que, en muchos casos, son el trabajo preliminar a óleos que forman parte de la colección del MAM.

*Hasta 31 de marzo de 2019.

 

Vía Láctea. Gonzalo Lebrija

Museo Tamayo. Paseo de la Reforma 51, Bosque de Chapultepec, Bosque de Chapultepec I Secc 

 

 

Para su exposición en el Museo Tamayo, Gonzalo Lebrija muestra obras de su proyecto Vía Láctea (2016-17), para el que fotografió a un grupo de fumadores en la Habana mientras consumían tabaco de la producción más selecta de la casa Vegas Robaina. Con un haz de luz que acentúa el humo de los cigarros, Lebrija retrata las formas cambiantes emitidas por el grupo de personas a través de sus cuerpos y bocanadas, a la vez que explora las relaciones sociopolíticas que pueden derivar del mismo acto de fumar, tanto por la yuxtaposición entre los personajes y la mítica casa tabacalera, como por la imagen misma del fumador como figura que sugiere poder.

*Hasta el 24 de febrero 2019

 

Realidad Programada

Museo Jumex. Blvd. Miguel de Cervantes Saavedra 303, Granada.

 

 

Esta exposición examina la historia de la televisión y explora diversas formas de la experiencia televisiva, abordando así el impacto que tiene la televisión en la vida contemporánea. La televisión forma parte importante de la cultura visual, la circulación de noticias y la creación de identidad al presentar y representar una cosmovisión globalizada que a la vez se ve influenciada por condiciones locales de transmisión y recepción. La muestra, organizada como una colaboración entre la Fundación Jumex Arte Contemporáneo y Fundación Televisa, presenta a la televisión como objeto, medio y sujeto.

*Hasta el 24 de marzo 2019

 

White Canvas. CocoLab

Artz Pedregal. Periférico Sur 01900, Jardines del Pedregal.

 

 

“White Canvas” es una pieza audiovisual creada por COCOLAB que utiliza una serie de luces, láseres y música que, a través de la tecnología, busca explicar el proceso repetitivo presente en cada día de nuestras vidas. La pieza te permite experimentar y visualizar composiciones de audio creadas por diferentes músicos y artistas.

*Hasta el 30 de diciembre

Conoce el museo gastronómico Galería Nuestra Cocina Duque de Herdez
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El Museo Galería Nuestra Cocina Duque de Herdez promueve y difunde la historia de la cocina en México y la preservación de nuestra gastronomía.

No te quedes sin visitar el recorrido gastronómico e histórico del Museo.

 

 

La Galería Nuestra Cocina Duque de Herdez se inauguró en el año 2000, en coordinación con El Papalote Museo del Niño, como un paseo gastronómico a través de la historia de las cocinas de México. De1997 a 2011 la Biblioteca de la Gastronomía Mexicana  atendió a 43,280 usuarios, entre estudiantes de las carreras de gastronomía, nutrición y público en general. Cuenta con tres mil 887 libros, entre ellos, ejemplares originales del siglo XIII y XIX.

El objetivo del museo es el de promover el conocimiento alimentario y nutricional al tiempo que busca rescatar y conservar el patrimonio  de la gastronomía mexicana. Este museo se integra de cuatro salas: La primera es una cocina prehispánica que muestra nuestras raíces gastronómicas y costumbres culinarias de la época. Está ambientada con utensilios originales del Museo de Antropología e Historia pertenecientes a la cultura Teotihuacana.

 

 

 

En el México prehispánico todo tenía un orden y la cocina no era la excepción. La forma de preparar los alimentos, los utensilios, quiénes lo comían, cómo los consumían, cómo conservaban los alimentos, tenía significado, pues además de ordenada, la cocina también era importante desde el punto de vista religioso y ceremonial. 

La preparación de los alimentos estaba a cargo de las mujeres, mientras que los hombres se dedicaban a producirlos en el campo (en el valle de México en chinampas). Dentro de la cocina, existían diversos utensilios como ollas y cazuelas, el fogón, metates, piedras de moler, molcajetes, jícaras y vasos de barro que utilizaban para preparar y servir la comida.

 

 

La segunda sala es una cocina virreinal, mestizaje culinario que sufrió nuestro país con la llegada de nuevos productos, utensilios e ingredientes que trajeron los españoles a México. En ésta etapa se observa el enorme intercambio cultural y gastronómico que combinó elementos de ambas sociedades para dar como resultado una cocina mucho más variada, pero con menos simbolismos que en la época anterior.

A la cocina se introdujeron una gran cantidad de alimentos como el trigo, las carnes de ave, oveja, cerdo, además de muebles, diversos utensilios de cocina y métodos de cocción. Aunque el fuego seguía siendo parte importante de la cocina, ya no se cocinaba en el piso sino en fogones elevados y comenzó a perder el significado ceremonial, poderoso y mágico que tenía. Las monjas contribuyeron a generar una gran diversidad de platillos por medio de la combinación de elementos propios de la región y traídos del viejo mundo.

 

 

La época moderna se encuentra en la tercera sala mostrando el impacto que tuvo la industrialización con la llegada del agua corriente, la electricidad, el gas, petróleo y otra gran variedad de avances tecnológicos. Se revolucionó la forma de cocinar y conservar los alimentos, que facilitan en gran manera la preparación de platillos. Además de la introducción de las estufas de gas, licuadoras, refrigeradores, batidoras, ollas de presión y muchos otros aparatos que reducen significativamente el tiempo de preparación de alimentos.

Con los cambios en la forma de vida de la sociedad, el uso de alimentos procesados y enlatados se ha hecho común, pues también reduce el tiempo que las personas pasan en la cocina.

 

 

Por último, se muestra una propuesta de cómo será la cocina en el futuro y los avances tecnológicos que podrán influir sobre la cultura culinaria de nuestro país. La exhibición se complementa con interactivos y computadoras donde los visitantes pueden consultar recetas y ampliar sus conocimientos. ¿Cómo será la cocina mexicana en el futuro?

La galería muestra escenarios interesantes que se pueden dar gracias a la globalización. Lo cierto es que, lejos de perder, la cocina mexicana se ha enriquecido en gran manera con el paso del tiempo, pero sin perder los elementos básicos de los que se alimentaban nuestros antepasados.

 

 

La característica principal de este museo es que cuenta con cientos de apoyos audiovisuales y algunas actividades interactivas que permiten conocer más sobre la forma de cocinar y conservar los alimentos; así como el origen de las materias primas para prepararlos, algunas recetas y datos curiosos sobre la cocina de cada una de las épocas que aborda.

Desde su fundación en el año 2000, este Museo interactivo ha recibido a más de cien mil personas, que en una especie de viaje por el tiempo han podido observar las transformaciones que han tenido los espacios culinarios mexicanos, desde la época prehispánica hasta la actualidad.

 

 

El muestro es una gran alegoría al mestizaje culinario de los mexicanos, y a las formas en que se han enriquecido las recetas mexicanas con nuevos utensilios y productos. El museo Nuestra Cocina Duque de Herdez es un proyecto desarrollado por la Fundación Herdez, en coordinación con Papalote, Museo del Niño.

El edificio que alberga al museo está asentado sobre lo que fue en tiempos prehispánicos el templo de Tezcatlipoca, a un costado del Templo Mayor. Mismo que fue propiedad de los conquistadores Pedro González de Trujillo y Diego González y en algún momento sede de la Real y Pontificia Universidad de México. La Fundación Herdez también ofrece actividades culturales relacionadas con el fomento a la investigación y desarrollo alimentario. Estas actividades incluyen, aparte del museo, una biblioteca, publicaciones, y diferentes cursos, talleres y degustaciones.

 

 

 

Museo Galería Nuestra Cocina Duque de Herdez

Dónde: Seminario 18, Centro Histórico

Cuándo: martes a sábado, de 9:00 a 17:00

Degustaciones

Viernes y sábados de 9:00 a 16:30 hrs.

Visitas Guiadas

Martes a viernes de 9:00 a 12:00 hrs.

Cuánto: General: $15 degustaciones y visitas guiadas $30.

 Fotos Fundación Herdez

Voces de la Tierra y Lenguas indígenas en el MUNAL
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México es uno de los países con mayor diversidad lingüística, no obstante, muchas de estas lenguas están en peligro de desaparecer.

Esta exposición en el MUNAL rinde un homenaje a las lenguas indígenas del país.

 

Desde 2016 se alertó que el 40 por ciento de las siete mil lenguas indígenas que se hablan en el mundo están en riesgo de desaparecer. Es por eso, que la Asamblea General de la Organización de las Naciones Unidas (ONU) proclamó el 2019 como el Año Internacional de las Lenguas Indígenas, con el fin de sensibilizar a la sociedad en general para que reconozcan, aprecien y valoren la importante contribución que los idiomas originarios hacen a la diversidad cultural y lingüística mundial. La ONU establece como un componente esencial para el desarrollo sostenible, el derecho de los pueblos indígenas a expresarse en sus lenguas.

 

 

La más reciente exposición temporal del MUNAL, Voces de la tierra. Lenguas indígenas ofrece un acercamiento a la variedad e importancia de las 11 familias lingüísticas y sus variantes asentadas en el territorio mexicano.

A través de más de 180 piezas, entre pinturas, esculturas, materiales gráficos, fotografías, textiles y dibujos, que se podrán apreciar a partir del 8 de agosto en el Museo Nacional de Arte (Munal) del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL).

 

 

 

Procedentes del acervo del Munal y de colecciones públicas y privadas, esta exposición reúne piezas de artistas como Manuel Vilar, Rodrigo Gutiérrez, Luis Coto, Antonio García Cubas, José María Velasco, José Clemente Orozco, Carlos Mérida, Ramón Cano Manilla, Tina Modotti, Walter Reuter, Graciela Iturbide, Pedro Valtierra, Bob Schalkwijk y Xawery Wolsky, entre otros.

El Instituto Nacional de Antropología e Historia ha facilitado el facsímil del Lienzo No. 2 del Códice de Tlaxcala, resguardado por la Biblioteca Nacional de Antropología e Historia Dr. Eusebio Dávalos Hurtado.

 

 

 

La muestra se divide en siete ejes temáticos que abordan la relevancia de este patrimonio lingüístico, cuya diversidad coloca a México entre los primeros 10 países del mundo con mayor número de lenguas originarias que son usadas por los pobladores de distintas regiones del país.

Las lenguas de México se ven e el primer núcleo a través de la historia; propone un recorrido visual sobre la importancia de las lenguas y la palabra en obras que dan cuenta de la Conquista. Se reúnen obras como El senado de Tlaxcala de Rodrigo Gutiérrez y La Malinche de Manuel Vilar, la reproducción de los mapas de Cuauhtinchan realizados por José María Velasco, así como retratos novohispanos de los frailes que durante el siglo XVI escribieron las primeras gramáticas de lenguas originarias, como fueron fray Bernardino de Sahagún, fray Pedro de Gante y fray Andrés de Olmos.

 

 

 

En el segundo tema, Diversidad lingüística del México contemporáneo, se aborda una breve cartografía visual sobre los diferentes grupos originarios y la multiculturalidad mexicana. Destacan las acuarelas realizadas por Francisco de Paula Mendoza y Félix Parra, expuestas por primera vez, que sirvieron como referente para la Carta etnográfica de Antonio García Cubas, ejecutada bajo intereses antropológicos porfiristas. Además, se han incluido litografías de Claudio Linati y serigrafías de Carlos Mérida.

El tercer tema, Lenguas del norte y occidente, reúne cuatro familias lingüísticas: cochimí-yumana, álgica, seri y purépecha. La litografía y fotografía de los siglos XIX y XX plasmaron la riqueza cultural de los pueblos que hablan dichas lenguas. Sobresalen las fotografías de Graciela Iturbide y Bob Schalkwijk sobre los pueblos seris, rarámuris y wixáricas. También fueron incluidos la pintura Carnaval de Morelia de José Jara y el dibujo Danza del venado de Fermín Revueltas.

 

 

La cuarta sección, Lenguas del centro al istmo, incluye a las familias lingüísticas el yuto-nahua, totonaco-tepehua, oto-mangue, mixe-zoque y huave de Oaxaca; varias de las lenguas de estas familias cuentan con gran número de hablantes, como el náhuatl, el zapoteco y el mixteco. Entre las obras destacadas de este núcleo están La danza de Xóchitl Pitzáhuac y la pintura India oaxaqueña, ambas de Ramón Cano Manilla; también se encuentran emblemáticas fotografías de Tina Modotti, que se relacionan con la pintura de Víctor M. Reyes, ya que en conjunto dan cuenta de la vida en el Istmo de Tehuantepec.

El Munal + Educa realizará diversas actividades en torno a la muestra Voces de la Tierra. Lenguas indígenas. Se realizarán talleres de dibujo textil para observar las diferencias y características de algunos trajes típicos mostrados en la exposición; un taller del lenguaje como identidad que pretende generar vínculos de diálogo con la pintura y el cuerpo, enfocado hacia el tema de la identidad expresiva artística. Asimismo se llevará a cabo un taller de máscaras en cartón reciclado que desarrollará la creatividad de los participantes para jugar con el lenguaje de la expresión por medio del rostro, entendiendo que a través de la máscara se propicia un discurso social, intelectual y territorial.

 

 

Voces de la Tierra y Lenguas indígenas en el MUNAL

Dónde: Tacuba 8 Col. Centro (Área 2), C.P. 6010, Deleg. Cuauhtémoc México

Cuándo: hasta el 01 de marzo de 2020, de martes a domingo , 10:00 – 18:00 hrs.

Cuánto: $70

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Arte tequitqui, la fusión del arte mesoamericano con el arte europeo
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El término tequitqui significa "tributario", y se rata de la influencia iconográfica y técnica europea fusionada con la técnica e iconografía indígena.

El arte tequitqui creó nuevas y únicas formas de expresión de los indígenas luego de la conquista.

 

 

Tequitqui o arte tequitqui es un término que se refiere a las manifestaciones artísticas realizadas por indígenas del área mesoamericana luego de la Conquista de México. La idea fue propuesta por José Moreno Villa en su texto Lo mexicano en las artes de 1949. En dicho texto, Moreno Villa, dice:

“Es el producto mestizo que aparece en América al interpretar los indígenas las imágenes de una religión importada (…) está sujeto a la superstición indígena. Es una extraña mezcla de estilos pertenecientes a tres épocas: románica, gótica y renacimiento. Es anacrónico, parece haber nacido fuera de tiempo, debido a que el indio adoctrinado por los frailes o los maestros venidos de Europa, recibía como modelos estampas, dibujos, marfiles, ricas telas bordadas, breviarios, cruces, y mil objetos menores. No todos ellos obedecían a un mismo estilo y a una misma época”

 

 

Como en la cultura prehispánica todo giraba alrededor de su religión, esto se reflejaba en su arte lleno de símbolos religiosos. Las culturas prehispánicas tenían sus propias tradiciones, y en común expresaban tradiciones por medio del arte y dar tributo a sus dioses. Esto cambio a la llegada de los españoles, cuyo modo de vivir de los indios llego a su fin con la evangelización de las “tierras bárbaras”  provocando que los indios sufrieran la destrucción de todas sus creencias y tradiciones.

Este proceso duró muchos años que con el tiempo dio paso al arte tequitqui: mezcla del arte indígena con el arte cristiano, donde es visible el proceso de transculturación entre lo indígena y lo español.

 

 

 

Las características del arte tequitqui son visibles en los elementos indígenas, y la enseñanza de los frailes quienes se ocupaban de la evangelización de los indígenas, y les brindaron nuevos materiales  para crear arte. En lugar de que las tradiciones indígenas se olvidaran, fueron mezclándose con las tradiciones cristianas para formar un hibridismo religioso.

Las manifestaciones del arte tequitqui se pueden observar  principalmente en las portadas de los templos cristianos, cruces atriales y murales en los claustros y capillas abiertas de los conventos.

 

 

 

En la arquitectura tequitqui se encuentran templos, monasterios y conventos, así como en los atrios con sus espacios abiertos y rodeados por muros que servían de amplia nave a las capillas abiertas que eran para  evangelizar a los indígenas. También se incluían capillas posas, que estaban colocadas en las esquinas de los cuadrángulos atriales y en centro del atrio se colocaba una cruz atrial.

Los conventos desde los primeros que se fundaron existieron como centros de irradiación religiosa, en donde se ensenaba la doctrina cristiana, al igual que la  escritura alfabética, la gramática, el castellano, etc. Pero a la vez en los conventos se aceptó la presencia de la cultura indígena, también el arte de hacer libros y mapas al modo indígena.

 

 

 

Los Frailes  gustaban de la pintura mural que se había desarrollado desde el siglo XIII, como decoración de los muros y ábsides de los templos prehispánicos. Los tlacuilos (dibujantes indígenas) utilizaron su trabajo para entrenar aprendices, según la tradición tanto europea como mesoamericana.  El Templo  y Exconvento de San Juan Bautista Coixtlahuaca es un gran ejemplo de este arte.

Esta obra monumental se encuentra en San Juan Bautista a 113 km. al Norte de la Ciudad de Oaxaca. Coixtlahuaca fue un centro comercial muy importante en la Mixteca. Se supone que el mercado que se realizaba en Coixtlahuaca tenía una gran influencia regional en toda la Mixteca. Por esta razón, cuando llegaron los españoles, empezaron a construir un templo y exconvento dominico que terminaron en 1576.

 

 

En el arco superior de la capilla abierta se aprecia labrada una “cadena de serpientes”. Se  puede ver  que las dos culturas todavía “no se conocían” a profundidad, por lo que los indígenas pudieron dejar algunos testimonios discretos y secretos de su visión cosmogónica y religiosa.

La suma del talento artístico de los mesoamericanos con los materiales e ideas de las culturas europeas, dieron dieran paso a que su usaran códigos estéticos y simbólicos en los remates y otros detalles de las obras ordenadas por el nuevo gobierno.  Investigadores en historia, arqueología y antropología han dedicado mucha tinta y horas estudio para comprender y dilucidar los códigos y mensajes contenidos en las construcciones que mandaron levantar las distintas misiones encargadas de la conversión social, religiosa y cosmogónica en Nueva España.

 

 

El arte tequitqui propició que muchas de las grandes construcciones de cantera labrada o tezontle contuvieran elementos de ambas culturas y adquirieran de este modo una personalidad única que en ninguna otra región del planeta es posible encontrar.

De hecho, los detalles inspirados en el arte prehispánico incluidos en construcciones art déco de la Ciudad de México, en las obras neocoloniales de principios del siglo XX o en las grandes construcciones funcionalistas que, como el Museo de Antropología de la Ciudad de México, incorporan estos elementos estéticos.

Centro Cultural Helénico, un referente para la exhibición del teatro mexicano
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El Instituto Cultural Helénico está muy cerca de cumplir 30 años y seguir siendo un referente para el teatro y la cultura en la CDMX.

A casi 30 años del Centro Cultural Helénico, te traemos esta retrospectiva.

 

 

El Centro Cultural Helénico es uno de los espacios culturales más reconocidos por el público afecto a las artes escénicas. El conjunto ubicado en la que fuera la residencia del coleccionista mexicano Nicolás González Jáuregui, en el número 1500 de la avenida Revolución, al sur de la ciudad de México.

Este complejo está integrado por el Teatro Helénico, diseñado por el arquitecto Eduardo Luna Traill, con capacidad para 436 espectadores; el Foro La Gruta, espacio experimental donde se han dado a conocer decenas de nuevos dramaturgos, directores y actores nacionales; y una capilla española de estilo gótico, que fuera transportada piedra por piedra desde Ávila, España que conserva en su interior pinturas de Tintoretto y Murillo así como gobelinos y vitrales de la época.

 

 

Con la intención de preservar y ampliar la actividad cultural teatral de estos recintos, desde 1990 el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes celebró un convenio de colaboración con el Instituto Cultural Helénico que cumplirá 30 años el 15 de marzo de 2020.

En el Centro Cultural Helénico se desarrolla un festival cultural permanente y abre sus puertas de lunes a domingo durante 49 semanas al año. Más de medio centenar de obras, conciertos y diversas actividades se presentan cada año, por lo que se estima que las producciones del Centro Cultural Helénico representan cerca del 10% de toda la actividad teatral del área metropolitana.

 

 

 

Son casi tres décadas en que el centro cultural, en asociación con artistas e instituciones culturales, ha adquirido un fuerte prestigio nacional e internacional y se ha convertido en un espacio distinguido de convergencia de corrientes escénicas de múltiples latitudes, con lo que ha contribuido de manera esencial a impulsar la renovación, expansión y el fortalecimiento del teatro mexicano.

La Capilla Gótica y el Claustro Románico forman parte del Centro Cultural Helénico en la ciudad de México. La capilla gótica del siglo XIV labrados en Ávila, España, y un marco de puerta barroco del siglo XVII proveniente de Guanajuato; que fue rescatado y traído a México por el coleccionista Nicolás González Jáuregui y reconstruido en el sur de la Ciudad de México por Luis Ortiz Macedo en 1954.

 

 

 

El interior de la Capilla Gótica y el claustro románico, fueron adquiridos por el magnate y coleccionista William Randolph Hearst, uno de los más poderosos empresarios en Estados Unidos por tener 28 periódicos nacionales. Hearst, cuya vida inspiró la creación de la famosa cinta fílmica Ciudadano Kane, de Orson Welles, compró la capilla junto con su claustro románico en los años 20.

Durante la Gran Depresión de 1929, Hearst tuvo problemas financieros obligándolo a no poder retirar las cajas, las cuales ni siquiera habían sido abiertas. En 1954, el coleccionista mexicano Nicolás González Jáuregui compró las piezas del edificio y se lo llevó a México para reconstruirlo. El encargado de la reconstrucción fue el arquitecto, Luis Ortiz Macedo, quien es reconocido por sus obras de restauración, las más famosas: la del Palacio de Bellas Artes y la de la Rotonda de las Personas Ilustres.

 

 

 

Jáuregui agregó elementos como vitrales provenientes de Francia y España, estatuas de piedra originarias de Francia, gobelinos flamencos y obras de Murillo y Giovanni Bellini. En 1975, el edificio pasó a manos del gobierno de la Ciudad de México por los problemas financieros que tuvo Jáuregui entonces. En 1979, el gobierno federal donó el complejo al Instituto Cultural Helénico, fundado desde 1973 por el obispo ortodoxo griego Pablo de Ballester.

Hoy en día este Centro Cultural difunde la cultura mediante cursos, talleres, maestrías, diplomados, ciclos de conferencias, así como conciertos y obras teatrales. Su patrimonio arquitectónico y artístico ha condicionado y facultado en gran medida el cumplimiento de sus objetivos. Hoy es día, sin duda es un referente del teatro en México, y se ha convertido en un lugar único, donde la historia, el arte y la cultura encuentran un afortunado espacio para confluir.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Centro Cultural Helénico

Dónde: Avenida Revolución 1500, esquina con Manuel M. Ponce, Col. Guadalupe Inn, Álvaro Obregón.

Cuándo: lunes a jueves, 12:00 – 20:30 hrs. De acuerdo al evento. sábado, 12:00 – 20:30 hrs. De acuerdo al evento domingo, 11:00 – 20:00 hrs.

Cuánto: según evento. 30% Estudiantes, maestros e INAPAM

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Fotos Centro Cultural Helénico