Foto destacada: Julia Carrillo Escalera
Explora estos sitios y sus exposiciones para un tour artístico por la ciudad.
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En la CDMX es posible ver exposiciones de arte interactivo, medios digitales, de artistas individuales o colectivos ya que en esta ciudad para todo hay audiencia. Además, sabemos que existen museos, salas, galerías y hasta cafeterías en donde es posible ver una exposición.
El diseño de las exposiciones tiene una multitud de estrategias, teorías y métodos que rodean el diseño de exposiciones así como el uso de artefactos para proporcionar una narrativa. La curaduría crea un vínculo con los espectadores y pocas veces se celebra, pero en estos sitios que te recomendaremos podrás ver una gran curaduría, buenas obras y quizá lo mejor de todo es que podrás entrar gratis.
Bunny Wall, Aura Galerías
Hunt Slonem fue un gran amigo y sucesor de Andy Warhol. La producción compulsiva y temáticas obsesivas derivan del Pop Art y el Estudio de Warhol, en donde Slonem estuvo en los 70s. Estos "bunnies" fueron pintados en los años 80, después de descubrir que su nacimiento corresponde al año del conejo, según el horóscopo chino. Los conejos son una forma de mantra espiritual; su repetición se vuelve una oración que le produce un estado de harmonía.
Dónde: Aura Galerías (Atenas 30, Colonia Juárez)
Cuándo: Hasta el 30 de septiembre
VoVlecheniya: Reflejos de una maquinaria exploratoria
Es una instalación performática/sonora de la artista multidisciplinaria Aliona Pankina. Formada por elementos sonoros, gráficos y escultóricos esta instalación explora las micro-intensidades que experimenta un cuerpo viviente, y las hace manifiestas a través de imágenes, sonidos, ideas, partituras gráficas.
Dónde: Ex Teresa Arte Actual. Lic. Primo Verdad 8.
Cuando: hasta 22 de agosto de 2021. martes a domingo , 11:00 – 17:00 hrs.
Corea. La tierra de la calma matutina
Esta sala tiene el objetivo de dar a conocer a los visitantes aspectos relevantes y peculiares de la cultura coreana, que se aprecian tanto en sus manifestaciones artísticas y aportaciones, como en la elegancia y complejidad de sus costumbres, creencias y valores tradicionales basados en la relación armónica del individuo con la comunidad y la naturaleza.
Dónde: Museo Nacional de las Culturas del Mundo. Moneda 13 Centro Histórico. Col. Centro
Cuando: hasta 31 de diciembre de 2021, martes a domingo, 10:00 – 17:00 hrs.
Museo Soumaya Plaza Carso
El conjunto escultórico del Museo Soumaya es único en Latinoamérica que llegó al país después de un largo itinerario que inició en 2012 entre el Ministerio de Cultura de Francia, el Museo Rodin de París, la casa fundidora Coubertin y Fundación
Carlos Slim en México. En el mismo espacio, hitos del arte mexicano: el último mural de Diego Rivera, Río Juchitán, y los emblemáticos El día y la noche junto con Naturaleza Muerta de Rufino Tamayo, exploran el color y carácter de lo mexicano.
Dónde: Blvd. Cervantes Saavedra esq. Presa Falcón, Pola
Cuándo: lunes a domingo 10:30 a 18:30 horas
DPV. La guerra fallida
Más de 20 autores de México y América Latina con distintos ensayos fotográficos e ilustraciones que reflexionan desde distintos puntos de vista sobre la problemática alrededor de las drogas en el continente. De esta manera, busca acompañar los procesos de debate y generar relaciones entre realidades que parecen desconectadas pero que, al verse de cerca, se revelan como parte de un mismo ecosistema en el panorama de la lucha contra las drogas.
Dónde: Centro de la imagen. Plaza de la Ciudadela 2, Esquina con Av. Balderas.
Cuando: hasta 12 de septiembre de 2021. Miércoles a domingo , 11:00 – 17:00 hrs.
Museo Foro Valparaíso
En 14 de sus salas exhibe 117 obras de la colección privada institucional más importante que existe, sobre temas y autores mexicanos, y que pertenece al Banco Nacional de México. Esta muestra relata una historia de la pintura en México complementaria de la que exhiben los principales museos públicos de arte de la ciudad. Incluye trabajos de artistas como David Alfaro Siqueiros, Frida Kahlo, Diego Rivera, Remedios Varo, José María Velasco, Leonora Carrington, Julio Ruelas, José Clemente Orozco, María Izquierdo y Eulalia Lucio, entre otros.
Dónde: Venustiano Carranza 60, Centro Histórico
Cuándo: Martes a domingo de 10 a 18 hr.
Símbolo y Reino
Entra a ver algunos de los elementos simbólicos que articularon el pensamiento y la devoción en Nueva España. Grandes pinceles de la talla de Andrés de Concha, Baltasar de Echave Orio, Luis Juárez, Antonio Rodríguez, Juan Rodríguez Juárez, Diego de Borgraf, Cristóbal de Villalpando, José de Ibarra y Miguel Cabrera, entre muchos otros, orquestan las voces y sensibilidades que acudieron al símbolo como expresión y categoría estética.
Dónde: Tacuba 8 Col. Centro
Cuándo: Hasta 28 de noviembre, de 11:00 a 17:00
Animalia. La fauna en el arte popular mexicano
Cada una de las piezas de la exposición tiene objetivos diversos, algunas tienen una función decorativa, otras ritual o simplemente utilitaria. La muestra es un breve recorrido a través de representaciones de la zoología realizada en distintas comunidades asentadas en los estados de Guerrero, Chiapas, Veracruz, Oaxaca, Baja California, Estado de México, Michoacán, Jalisco, Hidalgo, Ciudad de México, Guanajuato y Puebla. Estas piezas simbolizan a los animales del agua, de la tierra, del aire, del mar, así como los domésticos y fantásticos a través de técnicas como el barro, la madera, el cartón o la cristalería.
Dónde: Museo de culturas Populares. Avenida Hidalgo 289, Esquina con Allende Col. Del Carmen.
Cuando: hasta 14 de noviembre de 2021, martes a domingo de 11:00 a 18:00 hrs.
Egipto contemporáneo: Lo que no se ve
Egipto contemporáneo? es una exposición conformada por 30 fotografías y un video, tiene como finalidad mostrar al público aspectos de la vida cotidiana de ese país y romper con la idea que brindan las películas de Hollywood, ya que la cultura árabe es una de las más ricas y antiguas del mundo.
Desde la semana pasada y hasta el 15 de agosto, el público puede visitar la muestra en el espacio universitario
Dónde: Fraternidad Universidad de la Comunicación. Zacatecas 120, Col, Roma Nte.
Cuando: hasta 15 de agosto de 2021
Mi Museo Indígena
Este museo exhibe objetos de los pueblos indígenas de México, que datan de 1605 a la fecha e incluyen textiles, cerámica, laca, fibras, juguetes, miniaturas, esculturas, máscaras, arte plumario, cartón y papel, hueso y concha, gráfica y pintura, mobiliario, metales, lapidaria, joyería, talabertería, instrumentos musicales y vidrio. Estas piezas proceden de contextos cotidianos o rituales de los pueblos indígenas de México.
Dónde: Paseo de la Reforma Nte. 707, Col. Morelos
Cuándo: lunes a domingo de 10:00 a 18:00 hrs.
Luz Instante
La exposición de Julia Carrillo consiste en estudios sobre la luz, sobre cómo crea espacio, cómo nos deja percibir lo que habitamos y, a su vez, cómo nos permite reconocer momentos o distinguir ciertas atmósferas. La exhibición propone un recorrido a través de la luz. Inicia con una obra en exterior cuyas proyecciones se activan con la luz solar, de manera que sus efectos son temporales, intermitentes, aleatorios.
Dónde:Anillo Periférico 3720, Jardines del Pedregal, Álvaro Obregón, 01900 Ciudad de México
Cuándo: 26 de julio al 10 de septiembre, martes a domingo de 12:00 a 19:00 hrs.
Fotos cortesía de Arch Daily
Tatiana Bilbao es una de las arquitectas mexicanas más reconocidas a nivel mundial.
La arquitecta mexicana Tatiana Bilbao se ha destacado por tener proyectos en China, Francia, ?Estados Unidos, Guatemala, y otros países más. Pero uno de los proyectos más representativos, hasta ahora, sigue siendo el Jardín Botánico de Culiacán, Sinaloa, y la sala de exhibiciones de un parque ubicado en Jinhua, China.
Además, la obra de Bilbao ha sido reconocida con el Kunstpreis Berlín en 2012, fue nombrado en 2010 como Voz emergente por la Liga de Arquitectura de Nueva York, el Premio Global a la Arquitectura Sostenible por la Fundación LOCUS en 2014, y el Premio de Impacto 2017 a los Homenajeados por Premios ArchitzierA +, junto con el Tau Sigma Delta Gold Medal del 2020, el Marcus Prize Award 2019 y el más reciente, el Miller Prize en Columbus Indiana.
Tatiana Bilbao nació en 1972 en la Ciudad de México, es hija y nieta de arquitectos, y su carrera siempre ha buscado la relación entre arquitectura y usos sociales, defendiendo una arquitectura con valores además de haber creado un laboratorio de ideas que trataba de impulsar el conocimiento de la cultura contemporánea en general organizando pláticas, conferencias, debates y exposiciones tanto de arquitectura como de otras prácticas afines, arte, música, teatro.
Ha sido profesora e invitada en diversas universidades como la Universidad de Rise, Universidad de Columbia, Universidad de Yale, Universidad de Hardvard GSD, la Asociación AA en Londres, la Escuela de Artes Peter Behrens en Alemania entre otras; además de haber expuesto sus obras en diversos museos del mundo.
Su trabajo arquitectónico destaca la cultura y las tradiciones mexicanas, así como su compromiso con la arquitectura social y sostenible. En 2004, fundó la empresa Tatiana Bilbao S.C. El primer proyecto realizado en esta oficina fue la Sala de Exposiciones en Jinhua, proyecto encabezado y coordinado por el artista-arquitecto chino, Ai Weiwei, quien reunió a un equipo de jóvenes arquitectos de diferentes países para desarrollar un parque de gran extensión dividido en pabellones y situado en la costa del río Yiwu, cerca de Shanghái.
El Acuario de Mazatlán, el Centro de Investigación del Mar de Cortés, que forman parte del Parque Central de Mazatlán, son diseños del Estudio de Balboa, que ha lo largo de los años ha ganado diversos reconocimientos. Pero sobre todo, lo que distingue a esta arquitecta, es la creación de diversos espacios como lo son el jardín botánico lleno de arte, una funeraria, edificios universitarios y hasta una capilla al aire libre en una ruta de peregrinación católica.
Su trabajo en China y Europa ha incluido un proyecto para diseñar viviendas de bajos y medianos ingresos en un proyecto de renovación urbana en Lyon, Francia, también ha comenzado a diseñar un plan maestro para una planta de energía clausurada en San Francisco, una remodelación que permitirá que la población de los sectores populares de la ciudad tengan acceso a viviendas asequibles, áreas públicas y mercados.
Fotos cortesía de @apmarcougarte
Marco Ugarte es uno de los fotoperiodistas más destacados del país.
Marco Ugarte es un fotoperiodismo con un vasto registro de imágenes, que incluyen miles de protestas callejeras en su natal Chile, además de colaborar en varias agencias internacionales, quedando en nuestra retina sus reportajes emblemáticos a la muerte de Pinochet, la guerrilla zapatista, el mundo de los migrantes y la violencia en Centroamérica.
Ugarte se ha destacado como fotógrafo de la agencia AP en México, siendo un fotoperiodista siempre en la búsqueda de la noticia. Tiene una trayectoria de más de 40 años, que comenzando con imágenes analógicas en blanco y negro, un amplio acervo digital y un gran registro de países latinoamericanos.
Este trabajo fotográfico nos cuenta la feria que se hace cada año en la primera semana de marzo, donde los toros gigantes de papel maché, rellenos de fuegos artificiales, forman parte de las celebraciones del municipio mexicano de Tultepec en donde las personas se reunieron a celebrar la Feria Internacional de la Pirotécnia.
Esta feria de la pirotecnia promueve la tradición del país en la producción y uso de cohetes. Comenzó como una celebración para honrar a Juan de Dios, el santo patrón de los fabricantes de cohetes en el municipio de Tultepec: mayor productor de la pirotecnia en México.
Es un evento que comenzó a celebrarse a mitad del siglo XIX, y lleva a cabo desfiles de toritos y castillos cubiertos con cohetes. Es un festival que dura 9 días y atrae a más de 100 mil visitantes, generando ingresos entre 5 y 10 millones de pesos. Hoy en día, es un evento abierto a fabricantes en todo México, atrayendo artesanos de San Pedro de la Laguna, San Mateo Tlalchichilpan y Almoloya de Juárez.
Además de los juegos artificiales, hay juegos mecánicos, conciertos, bailes, lanzamiento de linternas volantes y comida regional. Aunque sin duda, los castillos son uno de los grandes atractivos, ya que son estructuras que llegan a medir entre 25 y 30 metros y requieren cerca de 15 días para ser construidos. Cuando los prenden, su exhibición tarda entre 20 y 30 minutos.
Además, el segundo evento es la “pamplonada” siendo el más antiguo y más importante de todos. Fue nombrado así por el Encierro, tradición taurina en Pamplona, España. Los toritos pueden llegar a medir desde 50 cm hasta más de 3 metros de altura y cuesta hasta 20 mil pesos. Los toritos más grandes están hechos por grupos de 30 a 40 personas y pueden tener hasta 4 mil fuegos artificiales. Una de las fiestas más peculiares de todo México.
Información y fotos cortesía de Milenio Cultura
Lorena Camarena llevará sus pinturas a un Pop Up Cultural de Reino Unido.
Lorena Camarena llevará su reciente obra pictórica en El pop Up Cultural de la Embajada de México en Reino Unido, Londres. Esta pintora mexicana se destaca porque su obra aborda nostalgia, memoria y naturaleza como hilo conductor. Sus pinturas son "accidentes y marcas que dejan huellas o ecos de primeras intenciones en el lienzo."
Esta ocasión llega al viejo continente para presentar esta exposición conformada por seis pinturas realizadas entre 2023 y 2024. Lorena Camarena Osorno es una artista que forma parte de la Colección Milenio Arte, y presenta una propuesta pictórica donde explora los límites del paisaje interno imaginado, el mundo concreto y la disonancia entre ambos.
La exposición Alguna vez el paraíso (Once Paradise) en el Pop up Cultural de la Embajada de México en Reino Unido, en Londres. Ahora que su prioridad es aumentar la visibilidad de su obra en el extranjero fomentado el diálogo con nuevos públicos y el intercambio cultural. Esta muestra se inaugurará el 15 de mayo de 2024 a las 18:00 horas en la Embajada de México en Reino Unido en Londres.
Lorena Camarena nació en la CDMX en 1974 y ha vivido entre México, Estados Unidos y Uruguay hasta 1992, cuando se afianzó por completo en México. A lo largo de su trayectoria ha realizado 18 exposiciones individuales y participado en 33 colectivas en México, Canadá, Francia, Estados Unidos y China.
La temática central de sus piezas es la mortalidad, la belleza, lo efímero, la memoria. Es por eso que regularmente podemos ver árboles, plantas y ramas, que comparten el espacio pictórico con elementos como una taza, una pistola o fragmentos de mármol o metal.
Una de sus obras más celebradas ha sido la del 2016, en donde expuso Luz fósil, en la Fundación Sebastián. En junio de 2017 presentó su obra mural Vestigio de sombra en la Fundación Sebastián. ¡Enhorabuena para esta gran artista mexicana!
Fotos cortesía de Tlacolulokos
Los Tlacolulokos muestran lo más interesante del arte contemporáneo oaxaqueño.
Darío Canul y Cosijoesa Cernas son los artistas que forman el colectivo Tlacolulokos. Ambos artistas son del pueblo de Tlacolula, Oaxaca, una comunidad zapoteca ubicada en la región del Valle Central del estado, que ha tenido fuertes vínculos con el sur de California desde la década de 1940, cuando un gran número de trabajadores agrícolas emigró al estado.
De modo que hoy Oaxaca, es también una de las regiones dentro de México con mayor migración hacia Estados Unidos.
Pero lo que más destaca a Los tlacolulokos es su trabajo artístico con una variedad de técnicas y medios gráficos como video, audio, grabados, fotografía y pintura. Su trabajo combina diferentes estilos como el street art, la pintura de caballete y mural y la serigrafía; además se desarrolla en las calles y en espacios artísticos públicos
El Colectivo Tlacolulokos, también se dedica a la difusión musical del rock y rap, así como la pintura a caballete, mural y la intervención sonidera.
Desde 2009 son Tlacolulokos, aunque ya tenían un trabajo anterior como difusores de la cultura al realizar eventos musicales. Su arte se enfoca en la crítica y el autoanálisis de vivir en Oaxaca y en los pueblos idealizados a partir del turismo; asimismo, se trata de mostrar lo que realmente se vive en las comunidades, en las periferias de la ciudad y la "contaminación cultural" a partir de la globalidad.
Sus pinturas más celebradas y creativas son las mujeres oaxaqueñas con trajes de tehuanas, pero tenis de marca norteamericana o en contextos de mezclas culturales, contaminaciones, choques y flujos. Muchas de sus pinturas son en gran formato.
Pero más allá de sus pinturas, es posible seguirlos en su canal de YouTube. Sus intervenciones sonideras son bastante interesantes.
Fotos cortesía de INAH
Esta instalación forma parte de la celebración de los 60 años del Museo Nacional de Antropología.
El Museo Nacional de Antropología (MNA) celebra 60 años, con la pieza monumental Tú del artista jalisciense José Rivelino Moreno Valle (1973) una de sus obras escultóricas monumentales más emblemáticas. Dicha pieza se encuentra expuesta en la explanada principal del recinto capitalino y ya es posible visitarla.
Se trata de un conjunto escultórico que consta de dos dedos índices de color blanco, elaborados en bronce, acero y concreto, los cuales se apuntan uno al otro, y pesa 30 toneladas, sumándose a la Piedra del Sol como una de las obras más pesadas exhibidas en Ciudad de México.
Esta instalación fue revelada por primera vez en Trafalgar Square, Londres, en Reino Unido, en 2015, y desde entonces ha formado parte del espacio público de latitudes como Alemania, Bélgica, Rusia, España, Italia y Estados Unidos. En México, esta pieza ha visitado la Macroplaza de Monterrey, el Patio Mayor del Instituto Cultural Cabañas y los centros históricos de las ciudades de Puebla y San Luis Potosí.
Por su parte, Rivelino es un artista que divide su tiempo entre la creación, la investigación y el activismo en los ámbitos de economía, cultura y desigualdad, y destacó la relevancia de la presentación de su obra en el museo más visitado de Latinoamérica. La intención de esta pieza es que el público pueda interactuar en diversas formas: "Que el individuo esté frente a frente del otro. De ellos frente a mí y de todos juntos, en el paso del yo al nosotros".
Esta pieza es polisémica, interactúa con el espacio en el que se instala y, al mismo tiempo, con el público. Visibiliza lo que las personas a veces quieren decir, en el espacio que hay entre los dos dedos que se señalan entre sí, puntualizó, caben todas las ideologías, las conversaciones y todo tipo de personas.
Además de admirar la instalación artística, las y los visitantes del MNA podrán tocarla e interactuar con ella, fotografiarse o mirarla a detalle y reflexionar sobre la propuesta del artista.
Tú de Rivelino
Dónde: patio del Museo Nacional de Antropología; Paseo de la Reforma y Gandhi, Chapultepec, Polanco, Miguel Hidalgo.
Cuándo: hasta 26 de agosto de 2024, lunes a viernes desde las 07:00.
Entrada libre
Fotos cortesía de Procine
Nudus es una de las cintas mexicanas más perturbadoras de los últimos años.
Nudus significa "desnudo" en latín, y es una analogía de estar desnudos en las redes sociales, vulnerables o con la falsa seguridad de privacidad, muy a pesar de que todo el internet está siendo vigilado por terceros, según el cineasta Gibrán Bazán cuando habla de su nuevo filme.
Esta historia llega a fortalecer el cine mexicano, que demuestra su variedad de estilos, directores, talentos e historias que enriquecen a la industria fílmica, a la cultura e identidad del país.
Nudus es un film de terror psicológico, que nos sumerge la superstición, la religión y las creencias populares, agregando capas de complejidad a las narrativas y generando una mayor sensación de inquietud en la audiencia. Pero esta ocasión, la cinta se centra en los avances digitales y el terror tecnológico; ofreciéndonos una ventana hacia el hackeo mundial, en un mundo postapocalíptico en donde no existe la privacidad en internet.
Asimismo, Nudus aborda a nuestro mundo hiperconectado: cibercrimen, espionaje global, falta de privacidad y vulnerabilidad de la información. Se trata de poner bajo el reflector el poder de las redes sociales, que concentran miles de millones de datos de los usuarios, en una sociedad cada vez más vigilada.
Carla Hernández, Alex Crusa y Sayaka Yokoyama, son los protagonistas de la cinta de escrita y dirigida por Gibrán Bazán, además de otros trabajos como "Los rollos perdidos" (2012), "Generación Spielberg" (2014) y "El buquinista" (2018); discípulo de Juan López Moctezuma, colaboró con el cineasta en varios proyectos.
Esta cinta se estrenó primero en Estados Unidos, debido a que el tema llamo la atención, además de reflejar el poder de la Inteligencia Artificial, sobre todo con toda la polémica de la huelga de Hollywood, la intromisión cada vez mayor de las redes sociales en nuestras vidas y el gran hackeo es algo que ya comenzó y que tendrá mayor impacto en unos cinco o siete años.
La premisa de su película es que los datos de miles de millones de personas estarán disponibles y abiertos en la red para consulta libre gracias a la poderosa tecnología de las computadoras cuánticas que serán capaces de vulnerar cualquier contraseña o sistema de seguridad online, dejando expuestas nuestras búsquedas, llamadas, mensajes de WhatsApp, passwords, transacciones y cualquier acción que realicemos en internet, es ya una terrible realidad.
Fotos cortesía de Betsabeé Romero
La artista Betsabeé Romero forma parte de una exposición conjunta de la 60 Bienal de Venecia.
La artista Betsabeé Romero lleva su exposición "La espiral sin fin" a la Galleria Piazza San Marco, como parte de la 60 Biennale di Venezia presentada por el Museo de Arte Latinoamericano (MOLAA) con la Fundación Bevilacqua La Masa y el apoyo de los main partners William S. Y Michelle Ciccarelli Lerach e Itaca Arts, cuyo CEO es Santiago García Galván.
Diversos medios italianos han hablado de la exposición, tanto como de la trayectoria de Betsabé y los hallazgos de "La espiral sin fin". Esta exposición explora las prácticas artísticas de Betsabeé Romero a través de obras de arte encargadas y nuevas instalaciones, que también se presentará en el Museum Of Latin America Art (MOLAA) en 2025, en Long Beach, California, EU.
Según, Santiago García Galván, la exposición que Betsabeé Romero "a través de sus imágenes poderosas y su simbolismo profundo, ha capturado la esencia de la experiencia migratoria, entretejiendo los hilos de la cultura, la identidad y la resiliencia. Su obra sirve como testimonio del espíritu humano, recordándonos nuestra humanidad compartida y la importancia de la empatía y la compasión".
Betsabeé Romero ha dicho sobre esta exposición que ya está montada y lista para su inauguración en la Galleria Piazza San Marco, que la selección tomó muchos meses, es un formato muy complicado para participar, participan muchos proyectos paralelos de todo el mundo, y al final, fuimos uno de los 30 proyectos seleccionados para hacer una exposición paralela.
En esta exposición, que está muy en la línea del tema general de la bienal, pero más específicamente desde lo que significa la imposición de fronteras, de bordes, de líneas casi punzocortantes que hieren la identidad cultural, de género, la identidad personal y comunitaria, cultural e histórica.
Buena parte de esta exposición reflexiona sobre la Cultura como el hogar que llevamos dentro y que sobrevivió a la sombra de todos los poderes; la forma en que se reproducen las fronteras, las polarizaciones han dividido incluso la cama en el paisaje familiar.
