Arte y Cultura
Santa María del Río es el epicentro cultural de los rebozos de bolita
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Santa María del Río es un sitio que se distingue por su gastronomía huasteca y por ser la cuna de los rebozos de bolita.

Foto destacada: Shutterstock

En Santa María del Río podrás comprar rebozos directamente de los artesanos.

 

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San María del Río es un pueblo muy reconocido por ser la "Cuna del rebozo". Este pueblo se fundó en 1542, y es de los pueblos que recientemente fue nombrado Pueblo Mágico. Además Santa María del Río es uno de los municipios de mayor tradición gracias a la producción de telas desde la época prehispánica.

Se encuentra a tan solo 20 minutos de la ciudad de San Luis Potosí y es un sitio  rodeado por edificios antiguos y casonas coloniales, que fueron ocupadas por los adinerados de la capital quienes fincaban sus casas de descanso.

 

 

Juan de Santa María fue un cacique de Jilotepec, que  en el día de la Virgen de la Asunción fundó el pueblo; aunque originalmente había dos naciones aquí: la Otomí y Guachichil. Las enseñanzas de los frailes a los indígenas otomíes quienes comenzaron a confeccionar las primeras prendas en telares de cintura, son muestra de un proceso de mestizaje donde lo mejor de dos culturas se une para crear una historia envuelta en seda.

Justo, lo que más destaca del sitio son sus talleres artesanales que elaboran rebozos con la técnica ikat para el teñido de los hilos, así como el telar de cintura en donde es posible conocer todo el proceso. Muchos talleres de este pueblo han ganado premios por realizar los más bellos rebozos del país.

 

 

Cuna del rebozo de bolita

 

El rebozo de bolita ha sido inmortalizado en la cultura popular mexicana, es de algodón y el nombre se debe a que la madeja viene enrollada en una bolita en donde  inicia todo el proceso. Aunque las exigencias del mercado han obligado a introducir cambios en el estilo, tamaño y hasta en el color del rebozo, lo que no cambia es la forma colonial de su proceso de elaboración.

Desde el devanado del hilo, el urdido, acomodado, hasta que se bolea, se amarra y se tiñe? este proceso sigue de 15 a 18 pasos hasta que el rebozo está completamente listo. Está compuesto de tres mil 200 a cuatro mil hebras entrelazadas según la imaginación y creatividad del artesano rebocero.

 

 

Este tipo de rebozo podría contar mil y un relatos de la historia mexicana, entre ellas anécdotas de su paso como manto de crianza, como cuna improvisada, como tela protectora de las inclemencias del tiempo y como confidente de amores y dolores.

Es una técnica que se ha ido heredado de generación en generación, su origen data de la segunda mitad del siglo XVI, en la época colonial, con la traída de la mantilla española y su mestizaje con los textiles mesoamericanos. Son varios los estados y municipios dedicados al tejido Santa María del Río uno de los sitios más populares en el arte de tejer rebozo de bolita.

 

 

De hecho, es tan popular el sitio por esta actividad que existe la Escuela del Rebozo en el centro de la ciudad. Aquí nació el rebozo de bolita que es de los más famosos, aunque también existen muchos otros diseños populares como el de barbilla, el palomo o la chalina, que es de un solo color.

Hay un festival del reboso en donde puedes encontrar todas las creaciones artesanales de la mano de sus creadoras, como los quexquemetls tének, blusas y manteles tejidos de malla, tallas en diversas maderas, cestería de pino, alfarería en barro rojo y barro blanco, cajas taraceadas, figuras tejidas en fibra de ixtle y, por supuesto, el icónico rebozo de Santa María del Río.

 

 

En los alrededores del Palacio Municipal podrás encontrarás muchos establecimientos con venta de rebosos, el tradicional quiosco en medio de la Plaza Central, puedes visitar la Iglesia de la Asunción, la torre del reloj, la Plaza Martín Bautista, el Jardín Hidalgo y la Capilla de la Purísima.

Asimismo, hay mucha tradición gastronómica siendo los platillos emblemáticos el asado de boda, los nopales en escabeche y la barbacoa, mismos que podrás probar en cualquiera de sus restaurantes.

 

 

Por supuesto, no puede faltar la comida tradicional huasteca como bocoles, enchiladas, zacahuil y cecina, además de las reconocidas marcas de mezcal potosino. Los dulces tradicionales de membrillo, de leche, muéganos y el queso de tuna no pueden faltar para un buen postre.

 

 

Santa María del Río

Dónde: a 15 minutos de la capital de SLP

Cuando: todo el año, en agosto es la festividad

Entrada libre

La Llorona, la primera película mexicana sonora y de terror
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La Llorona inspiró la primera película mexicana de terror y continua siendo una gran fuente de inspiración.

Foto destacada: Heraldo de México

La leyenda de la Llorona se ha llevado al cine varias veces desde 1933.

 

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La leyenda de La Llorona es uno de los mitos prehispánicos que sigue vigente en todo barrio popular y más allá. Se le han otorgado diferentes identidades al origen de La Llorona: el Xtabay maya, diosas de la fertilidad y el parto de los mexicas o zapotecas, el alma femenina lamentando la muerte de su(s) hijo(s). Este personaje terminó de construirse en la época colonial, de temores perennes y admoniciones de fe.

En la película de Ramón Peón, La Llorona, de 1933, se explica que su origen nace con La Malinche. Ya que, se dice, terminada la conquista, los grandes servicios de doña Marina fueron olvidados y la raza vencida, considerándola culpable de la derrota, concentró todo su odio en ella y su hijo.

 

 

A lo largo de los años se ha dicho que La Llorona hipnotiza, hiela la sangre y que se lleva a los niños para remplazar los perdidos siendo una mezcla de calavera con momia o bruja con mujer desfigurada de larga caballera que flota por los aires cantando "Ayyy mis hijos".

 

La Llorona de 1933

 

 

La Llorona de Ramón Peón es la primera cinta de terror hecho en México. Además, tiene otra peculiaridad: ayudó a reinterpretar el mito sin fecha precisa. Se h dicho que viene en las crónicas de Bernal Díaz del Castillo y la relación entre un caballero español y una mujer indígena.

 

 

También se ha dicho que su origen puede ser anterior a la llegada de las tropas españolas, con la mujer asesinando a sus hijos como un sacrificio, sin decepción amorosa. Bernardino de Sahagún cita los presagios que antecedieron al arribo de la tripulación europea, en referencia al grito desgarrador.

La "esencia" de La Llorona mantiene sus características en cada versión del relato en teatro, radio, historieta y por supuesto en la versión cinematográfica de Ramón Peón. En la cinta, un médico desestima la creencia en fantasmas, apariciones y cuerpos astrales? O tal vez no. Hace unos años la película se desempolvó para proyectarla en un festival de cine de terror.

 

 

La copia que pertenece al Archivo Permanencia Voluntaria a cargo de Viviana García-Besné, y fue restaurada con el apoyo de The Academy Film Archive, Cine Fantástico, la Filmoteca de la UNAM y The Hanson Institute. La restauración fue intensa ya que solo  había un positivo de 16 mm en la Filmoteca de la UNAM.

La película se escaneó en la Filmoteca y luego se envió a unos laboratorios en San Francisco, California. Más tarde The Academy Film Archive rescató lo que se pudo de la primera cinta de horror mexicana y sonora que se filmó en 1933.

 

 

La Llorona dura 73 minutos, es protagonizada por Ramón Pereda, Virginia Zurí, Adriana Lamar y Carlos Orellana quienes narran el caso de “María” y ya no te armamos todo un spoiler. También es la primera vez se ve un micrófono en una película mexicana.

Ramón Peón es un director cubano (que además es periodista, mago, bailarín, músico, productor, director, camarógrafo, actor y guionista) que llegó a México en 1931 como asistente de Antonio Moreno en la película Santa, interpretada por Lupita Tovar. Las catacumbas se ven de cine de horror del expresionismo alemán  pero con el dominio técnico y apego a la tradición folclórica mexicana.

 

 

Otras versiones de La Llorona  

 

 

La herencia de La Llorona (1947) adaptación de Mauricio Magdaleno. El cineasta Fernando Méndez hizo la Otra versión en El grito de la muerte (1959), en el medio rural mexicano. En 1959, el director René Cardona hice otra versión de La Llorona en donde sale Mauricio Garcés. En 1963, Rafael Baledón realizó La maldición de La Llorona, donde Marina (Malintzin), no hace el grito tradicional, se le trata en términos de bruja con una maldición.

Ernesto Alonso produjo la telenovela Leyendas de México en 1968 con un episodio dedicada a La Llorona, dirigido por Raúl Araiza. El Enmascarado de Plata y José Mantequilla Nápoles pelearían mano a mano en La venganza de La Llorona (Miguel M. Delgado, 1974).

 

 

Además: Las Lloronas (Lorena Villarreal, 2004), The Cry (Bernardine Santiestevan, 2007), La Llorona (Jayro Bustamante, 2019), La Llorona (Michael Craves, 2019), The Haunting of La Llorona (Dennis Devine, 2019) y The Legend of La Llorona (Patricia Harris Seeley, 2020). La leyenda de La Llorona (Alberto Chino Rodríguez, 2011) es la versión infantil animada.

 

Aquí la película completa:

 

 

Martín Ramírez, el misterioso artista mexicano en un hospital psiquiátrico
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El arte de Martín Ramírez pasó de estar colgado en las paredes de un hospital psiquiátrico a los muros del Museo Reina Sofía.

Foto destacada: lemblanzas

Martín Ramírez es uno de los maestros autodidactas más notables del siglo XX.

 

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En 1925 Martín Ramírez viajo a los Estados Unidos siendo detenido tras la Gran Depresión, debido a que era un emigrante que vagabundeaba por las calles en profunda confusión y con incapacidad de comunicarse. A sus 37 años, fue llevado a un instituto de salud mental en donde pasó los otros 33 años con diagnóstico de depresión maníaca y esquizofrenia catatónica incurable.

A pesar de la triste historia, conoció al doctor Tarmo Pasto, profesor de psicología y arte quien integró a Ramírez en el mundo del arte, del que vivía apartado. Por una gran sorpresa, resultó que la producción pictórica de Ramírez fue de gran gusto para muchos.

 

 

Su arte estaba lleno de estructuras lineales flexibles elementos narrativos y autobiográficos que dieron sentido a su mundo interior y exterior en crisis. Siendo que los dibujos de Martín Ramírez  nacido en Jalisco en 1895, han pasado de estar colgados en las paredes de una estancia del DeWitt State Hospital, a los muros del Museo Reina Sofía.

Su primera exposición fue en el The Heart of Creation: The Art of Martín Ramírez, en el Moore College of Art and Design de Filadelfia, quien introdujo la obra de Ramírez al mundo del arte como el ejemplo paradigmático en Estados Unidos de lo que en Europa se había documentado como "el arte de los dementes, art brut o arte outsider".

 

 

Muchos años después, el Museo Reina Sofía le dedicó una retrospectiva a Ramírez, bajo el nombre Marcos de reclusión. Fue una muestra de Brooke Davis Anderson, quien coordinó la exhibición de este artista en 2007 en el Folk Art Museum de Nueva York, aclamada por la crítica, reúne ahora un total de 62 dibujos procedentes de coleccionistas privados y públicos.

El Dr. Pasto fue el responsable de salvar casi medio millar de dibujos, de las llamas del fuego ya que el pegamento que utilizaba Ramírez en algunas de sus pinturas contenía saliva, y las enfermeras pensaban que la saliva podía ser causa de contagio.

 

 

Las obras de este artista hablan de México, tienen dibujos de vírgenes y de iglesias; así como ferrocarriles, jinetes, túneles y trenes. Muchas ilustraciones aparecen encerradas por líneas y curvas repetidas hasta la obsesión, creando un clima inquietante, claustrofóbico, símbolo quizá de su propia incomunicación (creyeron que era sordomudo, aunque realmente no sabía inglés).

 

 

Ramírez utilizaba cualquier papel y robaba los lápices a los celadores. Fue un arte marginal del que no se dejó testimonio escrito alguno sobre el significado de su obra. El discurso de "outsider" fue promovido por la primera exhibición de 1985, que ayudó a reforzar el aura de misterio que cubría su obra, lo cual la hizo más atractiva para los coleccionistas en busca de "arte puro".

 

 

En 1987, sus dibujos fueron los principales atractivos de la exposición Hispanic Art in the United States: Thirty Contemporary Painters and Sculptors, la primer gran exhibición dedicada a los artistas de origen latinoamericano que habían nacido o trabajado en Estados Unidos pero la comunidad chicana y mexicano-estadounidense no recibió muy bien la inclusión de Ramírez en esa exposición.

Esto porque Ramírez no era ni un artista chicano ni un artista latino contemporáneo, sino un artista "primitivo". Además, a la obra de Ramírez se le dio un carácter central pero, ¿cómo era posible que un artista "esquizofrénico" representara a una comunidad que aspiraba a ser tomada en serio por las instituciones hegemónicas del mundo del arte?

 

 

Tres años después, en respuesta a la exhibición de Hispanic Art in the United States, un grupo de artistas y académicos organizó una contra-exhibición: Arte Chicano: Resistencia y Afirmación, 1965-1985 pero se omitió l trabajo de porque su obra no se produjo durante el periodo cubierto por la exhibición, ni en el contexto de la experiencia social y política del movimiento chicano.

En 2011, cinco dibujos de Ramírez fueron incluidos en MEX/L.A.: "Mexican" Modernism(s) in Los Angeles, 1930-1985; con el objetivo de examinar la idea de "mexicanidad" en el contexto del arte moderno y contemporáneo con artistas mexicanos que trabajan en diferentes medios

 

 

Martín Ramírez en México

 

 

Una retrospectiva llamada Martín Ramírez: pintor mexicano, se inauguró en 1989 en el desaparecido Centro Cultural Arte Contemporáneo en la Ciudad de México. La exhibición fue organizada por iniciativa de Robert Littman, quien había introducido el Art Brut en EU y México. Su primera idea era montar una exposición con la famosa Colección de Art Brut de Dubuffet, pero le resultó más conveniente llevar a México la exhibición de Ramírez que abrió en 1985 en Filadelfia.

En dicha exposición, se intentó mexicanizar a Martín Ramírez, acompañando sus dibujos con juguetes tradicionales, piezas de cerámica de Tonalá y Tlaquepaque, y cajas de madera y amates de Guerrero.

 

 

Se dice que en esta exposición la hija mayor de Ramírez vio los dibujos de su padre. Uno de los sobrinos de Ramírez visitó la exposición, pero el personal del museo no lo tomó en serio. La nieta de Ramírez envió una carta a un periódico para explicar el origen, vida y datos sobre el artista pero la ignoraron.

De hecho, a pesar de que la exposición tuvo mucho éxito, los mexicanos consideraron que este tipo de arte era más bien chicano, por haber producido toda su obra en Estados Unidos; además de que el catálogo de la exposición no era mexicano. Desde 1989, no se ha podido llevar a cabo otra una exposición individual sobre Martín Ramírez.

 

 

Martín Ramírez falleció en Sacramento el 17 de febrero de 1963. Fue enterrado solo, pues su familia no podía asumir los gastos del traslado a México. Se conservan al menos 450 dibujos del mexicano, considerado también representante del arte marginal.

Dune, la historia de la versión pirata hecha en los Estudios Churubusco
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David Lynch trató de hacer una gran historia de sci-fi pero solo el talento tropical y pirata de El Caballo Rojas triunfó.

Foto destacada: Distrito comedia

David Lynch y Alberto "El Caballo" Rojas tienen una extraña conexión fílmica.

 

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Dune es una película de ciencia ficción (Denis Villeneuve, 2021, basada en una nueva versión de la novela homónima de 1965 de Frank Herbert que trata de? bueno se trata de un lugar de una galaxia donde se puede obtener una sustancia que actúa como combustible de los viajes espaciales y habilidades psíquicas mezcladas con gusanos gigantes, brujas, viajes alucinógenos, profecías, láseres, mesías y bueno?

Algunas personalidades han intentado adaptar la novela al cine pero hasta ahora, bueno, digamos que tendremos que esperar las siguientes películas…  Aunque la historia de Dune es bastante conocida y amada (para el mundo de grandes fanáticos de la ciencia ficción) la historia de los intentos de llevar la novela al cine es interesante (y bastante conocida para los cinéfilos) y bueno? esta película ha tenido muchos intentos de realizarse pero pocos impactos.

 

Primer intento: Alejandro Jodorowsky

 

 

En 1974 Alejandro J. fue el primero en crear una versión cinematográfica de Dune que para muchos iba a hacer igual de alucinante que la novela. Según, el artista esperaba reunir a Mick Jagger, Orson Welles, Salvador Dalí, H.R. Giger, Dan O?Bannon y Pink Floyd? de hecho hasta existe material del Story board? Hollywood le dijo a Jodorowsky que tendría 2 horas de filmación. El cineasta pedía de 10 a 12 hora. La película se canceló.

 

 

Segundo intento: David Lynch

 

 

David Lynch llevó a la pantalla grande Dune en 1984, y para reducir un poquito los gastos la película se rodó en los Estudios Churubusco de Tlalpan, un poco antes de filmar Chiquita pero picosa con Verónica Castro… Más allá del dato, en dicho estudio se grabaron grandes películas incluyendo muchas de Hollywood.  

Lynch filmó en México con una terrible logística con 53 personajes, 20,000 extras, cuatro planetas distintos, 70 decorados por construir y derribar, 900 hombres y mujeres trabajando como parte del equipo, y 200 de esos hombres que se pasaron meses en el desierto para limpiarlo de serpientes de cascabel, escorpiones y cactus.

 

 

Además, había millones de dólares invertidos en adaptar una novela compleja, inmensa y con muchas tramas interconectadas en un espacio de dos horas. Es por eso que la historia no se entendía, tuvieron que añadirse muchos recursos para hacerla accesible y al final ningún intento pudo rescatar el fracaso de la película y de Lynch.

De hecho, Lynch contrató a algunos actores mexicanos que aparecen como extras en la cinta, incluyendo a Ernesto Laguardia, Angélica Aragón y Ana Ofelia Murguía.

 

 

Tercer intento: Dune tropicalizado

 

 

En 1991 los Estudios Churubusco rescataron el material y la utilería de la versión de Dune de Lynch, que se habían quedado en las bodegas. Y con lo que había, se rodó la película (de Dune) de Alberto "El Caballo" Rojas versión tropical, jugosa y con un título soberbio y encantador: Dos Nacos en el Planeta de las Mujeres.

La película tenía de escritor al gran Alejandro Licona, dramaturgo y escritor prolífico cuyas piezas están Un macho en la casa de citas (1989) Mátenme porque me muero (1989) El hotelito de los horrores (1990) Mujer de cabaret (1990) Peló gallo (1990) Cazafantasmas a la mexicana (1991) y Santo santón (1993)

En el elenco se encontraban el propio Alberto Rojas en el papel protagónico, César Bono. Una comedia picosa con máquinas de la adaptación de Lynch siendo operadas por Lorena Herrera en traje de baño.

 

 

A pesar de todo, Dos nacos en el planeta de las mujeres puede ser una de las películas de bajo presupuesto que a pesar de tener un guión aburrido, simple y sexista, tiene algunos de los decorados más relevantes de la época para una película mexicana de ¿ciencia ficción? O lo que sea que sea.

Se sabe, que Lynch se concentró dedicarle gran parte de su tiempo a la elección de los decorados y a las piezas de maquinaria que se ven en pantalla. "Pasamos grandes momentos en la Ciudad de México (dice Lynch), y había mucha gente llegando y partiendo todo el tiempo, gente nueva, de todo el mundo, volando y queriendo formar parte de esta cosa. Y teníamos cuatro equipos de cámaras trabajando al mismo tiempo en uno y otro sitio, y eras llevado de un escenario a otro y haciendo una cosa y otra. ¡Cuento de nunca acabar! Hicimos las principales tomas fotográficas ¡Durante seis meses! Y después otros seis meses se perdieron fotografiando los modelos a escala, las miniaturas para los efectos especiales. Cada día, al comenzar y al terminar, viviendo y hablando de ellos. Sin escape alguno. Nunca un descanso. Resultaba apabullante."

 

 

Los Ingrávidos a la defensa del cine independiente y experimental en México
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El Colectivo Los Ingrávidos buscan demoler la inmediatez y defender el cine independiente y experimental hecho en México.

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El Colectivo Los Ingrávidos busca defender el arte experimental e independiente hecho en México.

 

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Fundado en el año 2011, el colectivo Los Ingrávidos surge de la investigación, documentación y realización del filme Zonas de ejecución (presentado hasta el año 2012), que por su contenido tuvo que ser difundido de manera anónima, desde entonces Los Ingrávidos nos presentan la defensa del cine independiente y una crítica a los contenidos televisivos a través de inesperados experimentos que integran material digital y analógico, found footage, mitologías, protestas sociales y poesía documental para además ofrecer imágenes y sonidos que le dan rostro y voz a su arte político.

 

 

Si bien Los Ingrávidos abordan temas políticos, éstos no están sujetos a un punto de vista cerrado, sus variopintas expresiones artísticas permiten la multiplicidad de interpretaciones, personales, desde la experiencia de cada individuo que, como tal, ha tenido experiencias diferentes con el mundo de la política y que, por ende, representa una lectura única de un mismo objeto artístico.

La guía que define el arte que desarrolla el colectivo, es su mismo nombre, Los ingrávidos, esa falta de gravedad sólo apunta a los cuerpos ligeros, tenues y translucidos, no por eso faltos de peso ideológico o de un contenido que permita la comunicación, sobre todo de su Manifiesto que señala la degradación de la comunicación televisiva y una estética que apuesta por el desquicie.

 

 

Los Ingrávidos llevan como estandarte la destrucción de la pseudo-poesía, la demolición de la inmediatez, para defender el cine independiente y experimental que pone en tela de juicio la alienación mediática en que estamos ya muy sumergidos, o ya bien, esa alienación que cierra los espacios para las propuestas de verdadera crítica a los estándares de los medios de comunicación masiva.

El colectivo mexicano tomó que fuerza en 2014 luego de la desaparición forzada de 43 maestros de la Escuela Normal de Ayotzinapa en Iguala, presenta sus obras bajo el anonimato como un manifiesto político, pero además como un acto de precaución, medida que nos recuerda el estado de peligro en que viven las personas que alzan la voz, como Los Ingrávidos.

 

 

La obra de Los ingrávidos ha participado en el International Film Festival Rotterdam, Images Festival, Punto de Vista, The Florida Experimental Film/Video Festival, CROSSROADS, BFI London Film Festival, Jihlava International Documentary Film Festival, Media City Film Festival, International Short Film Festival Oberhausen, Ann Arbor Film Festival y Festival Internacional de Cine FILMADRID.

También han estado presentes en la Whitney Biennial 2019, la Bienal de la Imagen en Movimiento en Buenos Aires y el Flaherty NYC Series Common Visions 2018 con obras que nunca se alejan de su punto de vista como Auschwitz, verano 1944. Iguala, otoño 2014/ Sonderkommando o el Abecedario audiovisual que se compone de 26 videos y rebasa los 200 min.

 

 

Los Ingrávidos recibieron el Premio de la Juventud en Punto de Vista ? Festival Internacional de cine de Documental de Navarra 2019 y en dos ocasiones fueron ganadores del Premio Norberto Griffa a la Creación Audiovisual Latinoamericana en Bienal de la Imagen en Movimiento de Argentina. Para conocer más de obra puedes visitar sus redes sociales o canal de Vimeo con el nombre Colectivo Los Ingrávidos.

Aquí te dejamos algunos de los proyectos del Colectivo Los Ingrávidos:

 

 

 

 

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