Arte y Cultura
Chacmool, una enigmática escultura prehispánica que quizá nunca será descifrada
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La figura de Chacmool seguirá siendo un misterio ya que se encuentra en la misma postura, con diversos materiales en diferentes partes de Mesoamérica.

Chacmool tiene mil rostros que van de los sagrado a lo profano.

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Chacmool es un misterio. A la fecha no existe un consenso de si esta figura representa a una víctima sacrificial, un militar, un sacerdote, un personaje histórico, un hombre-dios, un mensajero divino o una deidad particular. Asimismo, lo que rodea al nombre, y todo lo que se ha propuesto para tratar de resolver tanto sus orígenes, historias así como sus mitos, ha sido rebatido por diversos pensadores, que no coinciden en que si los orígenes del chacmool se encuentran en el Centro de México, en el área maya o en el norte mesoamericano.

Chacmool es una de las imágenes más polémicas en los estudios sobre la religión y el arte mesoamericanos. Se ha dicho que Chacmool tienen sus raíces en al Clásico, al Epiclásico o al Posclásico Temprano, pero tampoco hay nada claro. Y todo esto desde el siglo XIX, cuando salió a la luz el primer reporte de uno de estos personajes semirrecostados, descubierto por el arqueólogo Augustus Le Plongeon.

Le Plongeon exploraba Chichén Itzá buscando las pruebas de la fundación del antiguo Egipto por los mayas, cuando descubrió en 1874 la escultura de un hombre reclinado con un tronco corporal desproporcionado, la cabeza alzada y girada, las piernas formando un arco y sosteniendo una vasija con las manos sobre su vientre. Se le nombró Chac Mool, apelativo maya con etimología doble, por un lado, resalta la imagen de un "felino rojo", y por otro, la de una "semilla alucinógena" parecida a un frijol rojizo.

Alice Dixon, esposa del viajero, fotógrafo y anticuario británico-americano Auguste Le Plongeon, registró en su diario esta figura, el domingo 01 de noviembre de 1875. La misteriosa escultura que llamaron Chac Mool fue entregarla a la ciudad de Mérida para su resguardo y exhibición; y tres años después la figurilla se mandó a la Ciudad de México, su descubridor se quejó amargamente.

Lo más extraño fue que a partir de esa primera figura, se descubrieron más, haciendo que por primera vez en la historia de la arqueología mesoamericana una misma escultura fuera encontrada en lugares diferentes de México, apareciendo en Tula, Hidalgo y en Chichén Itzá, Querétaro, Michoacán, Tlaxcala y Veracruz, además de sitios mucho más lejanos como Guatemala, Honduras, El Salvador y Costa Rica; y por supuesto también en la Ciudad de México, frente al adoratorio de Tláloc del Templo Mayor de Tenochtitlán.

 

En todos estos sitios, Chac Mool tiene una apariencia que nunca varía: está recostado en posición de cúbito dorsal, las piernas recogidas hacia su vientre, en el cual porta una vasija o recipiente, y su cabeza está alzada y girada hacia uno de sus costados.

Lo que sí varia de un territorio a otro, son los materiales con los que fueron fabricados: piedras metamórficas, volcánicas, rocas calizas, hasta cerámica y argamasa. Su tamaño también ha sido variable: hay representaciones de tamaño natural, hasta algunas mucho más grandes y otras en formato miniatura. Algunos piezas de Chacmool iban casi desnudos y otros estaban ricamente ataviados con joyas y símbolos diversos. Una de las piezas encontradas en Michoacán varía enormemente de la típica representación de la figura en cuestión: su rostro es el de un anciano casi desnudo y con el pene erecto, pero como de las demás piezas, se ignora el significado real de estas piezas.

En lo que se concuerda es en el uso de la escultura, que suponen que al ser de piedra se utilizó para sacrificios en el que se depositaban corazones humanos y otros objetos en honor de los dioses: tamales, tortillas, carne de guajolote, tabaco, plantas alucinógenas, flores, papel salpicado de hule, plumas, balche o incienso. Dependiendo de la cultura que adoptó el uso de esta figura, varía su significado.

De acuerdo al fabuloso escritor y filósofo Alfredo López Austin en su texto El Chacmool mexica, la función de esta pieza era utilitaria:

"La arqueología nos confirma que estas esculturas no eran colocadas en el mismo sirio de la hierofanía (manifestación de lo sagrado), generalmente al fondo de los escenarios rituales, sino en puntos clave de los sacbeoob sacros, encima de plataformas bajas utilizadas como altares centrales, frente a banquetas ceremoniales, al pie de escalinatas de edificios religiosos, sobre las terrazas de estructuras piramidales o, un poco más adentro, en el vestíbulo o antecámara de la capilla."

Su función como piedra de sacrificios o téchcatl se sospecha tomando en cuenta un fragmento de la Crónica mexicana de Alvarado Tezozómoc que relata la inauguración del Templo Mayor de Tenochtitlan: "Luego que salió el Sol comenzaron a embijar a los que habían de morir con albayalde y emplumalles las cabezas; hecho esto los subieron en los altos de los templos y primero en el de Huiztilopochtli? Estaba parado el rey Ahuítzotl encima del téchcatl, una piedra en que estaba labrada una figuraque tenía torcida la cabeza y en sus espaldas estaba parado el rey y a sus pies del rey degollaban".

Bajo esta visión, el escritor mexicano Carlos Fuentes escribió una de sus narraciones más famosas titulada precisamente Chac Mool. El propio autor describió el origen de su cuento: "Se llama Chacmool en honor al dios de la lluvia del panteón azteca, cuyos poderes no parecen haber disminuido con la civilización moderna."

Lo cierto es que su ubicación simbólica en la arquitectura religiosa es una constante, su presencia siempre se ubica en los umbrales que dividen lo sagrado de lo profano, puntualmente, al pie de los altares, en el acceso a los campos de juego de pelota o en la entrada de los templos.

Es posible suponer que su función debió constituir un elemento de tránsito entre los dioses y los humanos; quizá fue un semi-dios que transportaba las ofrendas que los fieles depositaban en su cuenco, siempre vertical, junto con las plegarias y peticiones que las motivaban. Aunque también, no sin motivos, hay quien lo ha referido como variante antropomorfa de las piedra sacrificiales.

En la Ciudad de México, es posible conocer a Chacmool en el Museo Nacional de Antropología, Av. Paseo de la Reforma s/n, Polanco, Bosque de Chapultepec.

Kiko Báez está ampliando los horizontes del diseño mexicano
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Kiko Báez es el diseñador de toda la onda norteña que incluye a Christian Nodal, Natanael Cano, Santa Fe Klan y el Canelo Álvarez. 

Fotos cortesía de Kiko Báez

Kiko Báez es uno de los nuevos revolucionarios del diseño mexicano. 

 

Kiko Báez es uno de los tijuanenses más reconocidos en el diseño, sobre todo en los últimos años que ha vestido a grandes personalidades como son Saúl ?Canelo? Álvarez; pero, Christian Nodal, Wisin y Yandel, Natanael Cano, Banda MS, Eduin Caez ?de Grupo Firme?, Feid, Claudia Sheinbaum, Peso Pluma y muchos otros.

Además de ser uno de los integrantes de una familia que se ha dedicado por varias generaciones al diseño y creación de ropa artesanal hecha con piel y otras piezas únicas.

Su marca, Exclusivos Báez, fue fundada en agosto de 1951 por Adela Corona, y hasta la fecha forma parte del legado familiar; aunque para 1980 logró llegar a otras partes del mundo. De modo que Báez creció rodeado de talleres en un ambiente creativo, razón por la que desde temprana edad supo que quería formar parte del negocio familiar. 

Comenzó diseñando uniformes para boxeadores locales junto a su abuelo, y hoy en día las prendas más baratas de Exclusivos Báez rondan entre los 465 y los 670 dólares de 8 a 12 mil pesos mexicanos. Lo que caracteriza a estos diseños es que la marca utiliza piel de pescado piracucu, ovino, lagarto, víbora de pitón e incluso avestruz.

Es por eso que han surgido distintas colaboraciones con personalidades del mundo de la música y los deportes, como el beisbolista de los Yankees de Nueva York, Gleyber Torres. Con apenas 22 años de edad, Kiko Báez comienza así a posicionarse de manera importante en la escena de la moda mexicana, y seguramente sabremos más de este nombre en el futuro. 

Museos mexicanos: estos son los más visitados del país, según datos del Inegi 
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Cerca del 60% de los museos más visitados en el país son de acceso gratuito, y ofrecen una cultura abierta y accesible para todos. 

Fotos cortesía de Turismo Ciudad de México

CDMX, Nuevo León y Edoméx, reciben el 61 por ciento de visitantes de todo el país. 

 

Los museos de todo el país tuvieron un asombroso incremento en el número de sus visitantes, con 48,4 millones de personas, 10,8 millones más que en 2022; según lo reveló el informe del Instituto Nacional de Estadística y Geografía (INEGI). 

Esto fue revelado en el marco de la conmemoración del Día Internacional de los Museos, tomando en cuenta mil 270 museos, de los cuales solo se obtuvo información de mil 1193 debido al ?cierre de algunos por remodelación, por mantenimiento, entre otras causas?.

Las ciudades que más asistentes tienen en sus recintos son la Ciudad de México, Nuevo León y el Estado de México, que en conjunto tienen el 61 por ciento de visitantes. En la CDMX hubo cerca de 22.2 millones de personas asistieron a los 148 museos existentes, seguida de Nuevo León con 4.7 millones y 48 recintos.

Asimismo, se dijo que ocho de cada diez visitantes entrevistados dijeron acudir por primera vez a un museo en los últimos 12 meses. Es bastante probable que sean parte de los 10.8 millones de nuevos asistentes, que acudieron por primera vez a un recinto museístico

El Inegi también reportó que casi tres quintas partes del total de recintos culturales son gratuitos, mientras que 22.9 por ciento cobran alguna cuota y el resto aplicó alguna gratuidad algunos días de la semana. El Inegi apuntó que estos datos no observaron mayor variación frente a un año atrás.

El año pasado, 88.1 por ciento de los museos contó con servicio de visitas guiadas y 49.0 por ciento con actividades artísticas y culturales, escenario que tampoco mostró modificaciones significativas frente a 2022. Además, poco más de una tercera parte de este tipo de galerías culturales contó con infraestructura para personas con discapacidad y 31.9 por ciento con servicio de internet wifi.

En 2023, 29 mil 071 personas laboraron en estos recintos culturales. El promedio nacional del personal que colaboró en los museos fue de 24 elementos, cifra similar a la que se observó un año atrás. Del total del personal ocupado, poco más de una tercera parte correspondió a voluntariado y servicio social.

Los principales motivos por los que no se asiste a los museos fueron la falta de difusión y publicidad o desconocimiento del acervo que ofrecen con 18 por ciento, la falta de cultura o de educación con 17.0 por ciento y 15.7 por ciento dijo no tener tiempo. Un año atrás, los principales motivos para no visitar las galerías de exhibiciones culturales fueron los mismos.

Finalmente, la Ciudad de México dispone de la mayor cantidad de recintos, con 148 museos, los estados con menos recintos son Baja California Sur, donde solo hay 7; Colima con 10; Nayarit y Aguascalientes, 11, y Quintana Roo con 13.

Ilustraciones de Raúl Urias, la complejidad de la diversidad mexicana
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Raúl Urias llevó la estética mexicana a un nivel en donde funciona bastante bien con el arte, la publicidad y las grandes marcas.

Fotos cortesía de Raúl Urias Art 

Raúl Urias es un ilustrador que llevó la estética mexicana a un nuevo nivel.

 

Raúl Urias es un gran ilustrador nacido en Chihuahua y radicado en la Ciudad de México, que se ha destacado por hacer obras para licencias de arte de Marvel, para Ropa Nike, para un vídeo de Airbnb y para envases de café y tequila, entre muchos otros. 

Desde pequeño, Raúl Urias tenía en la mente que quería ser artista, pero no sabía de qué tipo. Pero solo estaba seguro de que "quería dibujar para vivir." Hasta que en una exposición hecha por Raúl Manriquez, quien trabajaba en Marvel, lo ayudó a decidirse por ser dibujante de cómics. Más tarde se licenció en artes visuales y luego decidió hacer un portafolio de trabajo, con el fin de colaborar con marcas como Nike y Adidas. En poco tiempo, Nike UK se puso en contacto con Urias, para diseñar camisetas basadas en estos diseños ilusorios.

En 2013, Urias se mudó a la CDMX, comenzó a ilustrar portadas de revistas y carteles para músicos, y con el tiempo adoptó la ilustración con referencias mayas y aztecas. En 2017 se mudó a Nueva York seis meses, trabajando en algunas agencias, amplió su visión estética y para los negocios.

Urias usa gran diversidad de referencias mayas y aztecas, íconos, símbolos y vestimentas prehispánicas combinadas con una amplia paleta de colores y estados de ánimo, su estilo simétrico también tiene ecos del arte indígena de las tribus del noroeste del Pacífico, con el uso de formas repetidas de las ruinas, los dioses y el arte mexicano. 

Hoy en día, las ilustraciones de Urías decoran envases de Tequila, diversas marcas de ropa, de tenis e incluso las paredes, que están pintadas con hermosas historias mexicanas y una estética que suele fusionar lo antiguo, con el presente y el futuro. El 80 por ciento de los clientes de este artista, es de Estados Unidos, Asia, Inglaterra e India.

Es una muestra de que el arte y los artistas mexicanos están utilizando su propia historia, herencia y cultura para reinventar la idea de lo mexicano. Al mismo tiempo, Urías ha trabajado con clientes como Marvel y Disney, en el diseño de personajes y ampliando su trabajo desde el arte conceptual hasta el empaque y la publicidad. 

Chuchita: la prueba arqueológica del ser humano más antiguo de Puebla
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Chuchita es la evidencia arqueológica de la cultura Olmeca y es posible verla en este lugar de Puebla. 

Fotos cortesía de Arnulfo Allende

Chuchita podría ser la evidencia de la presencia de la cultura Olmeca en Puebla. 

 

En 2010 se llevó a cabo una exploración arqueológica en La Casa del Mendrugo, en donde se descubrieron varios niveles de piso de la época colonial, una serie de basureros y lo más interesante fue que justo debajo de los niveles coloniales más tempranos, se localizó cerámica de tradición indígena con las formas, decoraciones y colores característicos de la alfarería del Horizonte Formativo.

Estos elementos hicieron que el equipo de investigadores extendiera la primera excavación, en donde se ubicaron cerca de treinta objetos como figurillas y pectorales de piedra verde, espejos de magnetita, pectorales de concha y puntas de proyectil de obsidiana que formaban parte de una ofrenda.

A dos metros de la ofrenda se localizó el entierro de Chuchita: una mujer de 1.20 m de altura y con una edad aproximada de 60 años al morir. Los antropólogos le llamaron "Chuchita", y encontraron que tenía evidencias de diversas patologías y lesiones de más de veinte años, durante el cual tuvo necesidad de cuidados y tratamiento especial. 

Asimismo, se mostró que los materiales arqueológicos estaban asociados con la cultura Olmeca, lo que permitió ubicar a Chuchita entre los años 1500 a 1200 a.n.e. Se trata de un fascinante hallazgo, ya que fue la primera vez que Puebla contacta con evidencia arqueológica de artefactos cerámicos, líticos, arquitectura y restos de población humana en un mismo contexto. 

De ahí, que el equipo de investigadores infirió que el Centro Histórico de Puebla existió como una aldea relacionada con la cultura Olmeca, ya que Chuchita es la habitante más antigua en la ciudad de Puebla que se haya encontrado hasta ahora. Tiene unos 3 mil 500 años, según los cálculos de especialistas.

Hoy en día, su osamenta reposa en un espacio subterráneo de la histórica casona, que además es restaurante y museo. El descubrimiento también arrojó que ella vivía en una comunidad a orillas del río Almoloyan o San Francisco, un valle en el que los ancestros prehispánicos practicaban la agricultura y la observación de astros.

Finalmente, se descubrieron indicios de un fuerte golpe en su cráneo; se cree, pudo estar relacionado con la muerte, aunque en una edad que ya se consideraba una mujer mayor y de respeto en la sociedad. El entierro de esta osamenta sobrevivió los siglos y también las obras de los primeros españoles en Puebla, que por fortuna fueron superficiales. Aquí te dejamos la información, por si quieres ir a visitar a Chuchita en la Casa del Mendrugo, y conocer más sobre su historia y este hermoso inmueble en Puebla.

Casa del Mendrugo 

Dónde: Calle 4 Sur 304, Puebla, Puebla. 

Cuándo: martes a domingo de 10:00 a 18:00 horas. 

Entrada libre

Página web

Jorge Monroy, el pintor que plasmó a Guadalajara con hermosas acuarelas 
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Jorge Monroy tiene una gran colección de acuarelas de los destinos más hermosos de Guadalajara. 

Fotos cortesía de Jorge Monroy Arte

Jorge Monroy ha registrado dejado un gran registro con tinta y papel de Guadalajara. 

 

El artista Jorge Monroy afirma que tiene un catálogo de 250 acuarelas de Jalisco, porque parte de su intención como artista es hacer que todas las personas conozcan los rincones más lindos de esta maravillosa ciudad.  

En 1976, el periódico tapatío El Informador le pidió que cada semana entregara una acuarela con una condición: paisajes de Jalisco, en su mayoría, con lugares cercanos a la entidad. Por supuesto, para Monroy estoy fue como ganarse la lotería, ya que se combinaron sus pasiones de pintar y viajar, además de que le recibió un sueldo por hacerlo.

Después de 44 años de publicar ininterrumpidamente, cada domingo una acuarela, cuando el suplemento cultural llamado Pasaporte mostró 2 mil acuarelas del artista, de las cuales alrededor de 250 eran de lugares Jalisco. Dichas acuarelas hoy forman parte del acervo de la Fundación Carlos Álvarez del Castillo; sin embargo, el autor posee algunas copias.

Monroy es un acuarelista nacido en 1951, en Morelia, Michoacán, pero radicado en Guadalajara. Se inició en el arte, con el dibujo y la pintura y en 1968, ingresó a la Escuela de Artes Plásticas de la Universidad de Guadalajara, siendo sus maestros Tomás Coffen, Francisco Rodríguez Caracalla, Jorge Martínez y sobre todo, Alfonso de Lara Gallardo, bajo cuya guía y apoyo habría de descubrir ese género de expresión estética pleno de luminosidad y transparencia que es la Acuarela. 

Para Monroy, la acuarela es la forma de expresión estética más afín a sus virtudes técnicas, y de hecho, es uno de sus más fieles exponentes. Es un pintor que dedicado, con una trayectoria de más de cincuenta exposiciones individuales, tanto en la República Mexicana, como en Estados Unidos, Sudamérica, Inglaterra y Bélgica. 

Asimismo,  este artista ha participado en innumerables exposiciones colectivas en nuestro Estado, en nuestro País y en el extranjero. Sus acuarelas se han venido imprimiendo con regularidad durante los últimos cuarenta años en diferentes suplementos del diario El Informador de Guadalajara. Sus pinturas y dibujos han ilustrado diversos carteles, revistas y varios libros de temas literarios. 

También ha publicado “Portafolios” con reproducciones de sus mejores obras sobre los aspectos más atractivos y de mayor tradición de la ciudad de Guadalajara y otros lugares. En los últimos años, ha pintado varios murales en la Cámara de Comercio, en la Zona Arqueológica de Guachimontones en 2012 y más tarde en el Hospital Civil y en Centro Universitario de Ciencias de la Salud en año 2015.

 

Las artesanías piratas son un gran daño para la cultura mexicana
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La piratería, los plagios e imitaciones suelen hacer que la verdadera tradición artesanal y la cultura de México desaparezca. 

Fotos cortesía de Galería Estilo Mexicano

La piratería de artesanías mexicanas tiene un impacto enorme en las comunidades indígenas del país. 

 

Desde hace varios años se han tratado de combatir los miles de plagios, apropiaciones, imitaciones y piratería que ha sufrido el arte popular mexicano. Ningún estado mexicano se salva de algún plagio o de la piratería, ni las esculturas de Metepec, ni los bordados de Tenango, el barro negro de Oaxaca, ni las muñecas mazahuas o la talavera de Puebla.

Lo peor de todo es que los artesanos mexicanos son los que padecen más esta situación; ya sea porque hoy en día el mercado está repleto de artesanías Made in China, imitaciones de tianguis o incluso porque los diseños son plagiados  -sobre todo excesivamente en el pasado- por diseñadores que más tarde venden sus artículos en tiendas de lujo. 

A esto hay qué añadir que los artesanos no tienen piezas registradas como propiedad intelectual, derechos de autor, ni existen suficientes defensores de arte popular para tener una protección del patrimonio artesanal mexicano; sin mencionar otras tantas complicaciones que hay detrás de esto.

Asimismo, la piratería atenta contra la tradición artesanal y la cultura de México, y tiene un impacto económico sumamente grande, valorado por la Cámara Americana de Comercio (AMCHAM) en 69 millones de pesos. 

Al respecto, Esperanza Ortega Azar, presidenta de la Cámara Nacional de la Industria de Transformación (Canacintra), advirtió que la delincuencia organizada moviliza más de 10 mil millones de pesos de productos de contrabando anualmente en México. La artesanía no está exenta de esta realidad. De acuerdo con la estimación más reciente, el trabajo de más de 11 millones de artesanos se ve afectada cada año, advirtieron.

Tan solo esta práctica ilegal supuso 69 millones de dólares hace una década, lo que representa 60 por ciento de las ventas totales, de acuerdo con la Cámara de Comercio, Servicios y Turismo de la Ciudad de México (Canaco).

Aunque la feria de artesanías Manos del Mundo forma a los artesanos mexicanos para que, a través del derecho de autor, protejan sus creaciones. Reconoce que actualmente hay vacíos legales. Un problema socava los cimientos de una industria centenaria: la piratería. 

"Desde el delicado trabajo de los canteros de Michoacán hasta las creaciones de los artesanos wixárikas en Nayarit, la piratería ha surgido como una amenaza que pone en riesgo no solo la subsistencia de los creadores, sino también la preservación de una parte fundamental de la identidad cultural del país", afirmó la AmCham de Estados Unidos.

Para eliminar la piratería, recuerda que los artículos industrializados se ven mucho mejor confeccionados, son exactamente igual entre sí, y es posible distinguirlos, sobre todo, por su valor muy económico.

Pero toma en cuenta que al fomentar el consumo de artículos piratas, los artesanos quedan desplazados por la industria que elabora piezas de forma masiva, barata y de rápida elaboración y consumo. No permitamos que se pierdan las artesanías de nuestros pueblos, ya que son un sello que distingue a nuestro país, la identidad y cultura.

Artesanos mexicanos fusionan arte, cultura y tradición para Adidas
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La belleza de la artesanía mexicana, el arte tradicional y el deporte contemporáneo se unen en esta campaña global.

Fotos cortesía de Adidas Mx

Conoce esta campaña con artesanos mexicanos que combina arte, deportes y cultura en lienzos únicos.

 

Desde hace algunos años, Adidas ha lanzado algunos productos de inspiración mexicana, como sus tenis con características y diseño de la talavera mexicana. Esta ocasión lanzó otra fusión entre cultura y deportes, en donde los artesanos mexicanos tienen un papel relevante para crear piezas que celebran los juegos tradicionales latinoamericanos como los deportes modernos. 

Esta colaboración única, realizada por Pentagono Art, que involucra a artesanos de Puebla, Michoacán y Oaxaca para darle vida a dos series de balones de fútbol esculpidos y tapices de lana tejida.

La serie de tapices de lana con pigmentos naturales, que fusiona la maestría artesanal mexicana con el mundo del deporte. Cada obra se despliega como una ventana abstracta a varios campos deportivos como fútbol, ??baloncesto, tenis y atletismo. La fusión de las emociones efervescentes vividas en los campos de juego se entrelaza con la pasión histórica imbuida en cada hilo.

Las alfombras son testimonios de la creatividad humana al crear historias combinando arte, deportes y cultura en un lienzo único. Los momentos efímeros se transforman en recuerdos perdurables a medida que se tejen en el tejido de la tradición.

Por otra parte, están los balones de fútbol hechos a mano, que hacen honor a los antiguos juegos de pelota azteca. Para hacer los balones, los artesanos utilizaron cuatro técnicas tradicionales, incluido el Barro Negro brillante y la Talavera ricamente detallada, incrustando en cada bola símbolos que narran historias de los deportes y la cultura aztecas, centrados en el icónico logotipo de Adidas.

Los tapices y los balones de fútbol son algo más que decorativos. Son un testimonio del rico patrimonio cultural de México y sus técnicas artesanales eternas. Al combinar lo antiguo con lo nuevo, estos artesanos preservan sus tradiciones y conectan con la cultura deportiva contemporánea, haciendo una poderosa declaración sobre la identidad y el patrimonio.

Esta colaboración resalta la belleza de la artesanía mexicana, fortalece los vínculos entre el arte tradicional y marcas globales, mostrando cómo las tradiciones locales pueden desempeñar un papel importante en los contextos modernos.

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