Foto destacada José Corona
La escultura monumental del General Lázaro Cárdenas mide 25 metros y pesa 386 toneladas.
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En México existen muchas ciudades, pueblos, calles, puentes y más que le rinden homenaje al General Lázaro Cárdenas. Pero también en el resto del mundo: en Cuba hay una avenida y un parque con el nombre de Cárdenas, en Chile un auditorio, en Belgrado y Serbia está el ?etali?te Lazaro Kardenasa (Paseo Lázaro Cárdenas).
En Barcelona, La Coruña, Córdoba y Madrid, España, existen calles y monumentos dedicados a la memoria de Cárdenas por acoger refugiados después de la guerra civil española. En Praga, República Checa, existe un parque que lleva el nombre de Lázaro Cárdenas.
De hecho, existen muchos monumentos, como la escultura de 10 metros que creó el artista Humberto Peraza, o el obelisco en Guadalajara, Monterrey y Mexicali. Pero quizá no haya un monumento tan enorme como el que existe en la región de Tierra Calienta.
Se trata de un homenaje a Cárdenas emulando la estética escultural de los antiguos olmecas. Es una cabeza monumental, más grande que los moáis de la isla de Pascua, ubicada en Tlapehuala, Guerrero, un municipio enclavado entre la sierra y el río Balsas, famoso por su música tradicional, el pan de vaqueta y los sombreros artesanales que ahí se fabrican.
En este pueblo, quisieron hacer un gran homenaje al “tata Cárdenas”, aquel que decretó la expropiación petrolera y dio un gran impulso al reparto agrario, y se pensó colocarlo en la vía que cruza Tlapehuala, para que todo el mundo pudiera mirarlo.
Se eligió a Federico Canessi un escultor nacionalista surgido con la Revolución, que emulaba los pasos de Diego Rivera y David Alfaro Siqueiros. Canessi fue un artista gubernamental patriotista o patriotero, que hizo monumentos por todo el país en honor a diversos héroes locales.
El monumento a Cárdenas fue la última gran creación de Canessi. Las obras comenzaron en noviembre de 1974. La piedra de tipo basáltica fue esculpida con la ayuda de un equipo de trabajadores provenientes de la cabecera municipal de Tlapehuala, El Coacoyul y Colonia Juárez, entre otras personas.
Canessi, además, contó con la ayuda de los escultores Antonio Castellanos, Guillermo Salazar Martínez, Gustavo Cruz Reyes y Arturo García, dirigiendo la experta mano de 25 canteros profesionales.
La colosal escultura tiene 25 metros de altura y 15 de diámetro; se esculpió en una roca de cantera calculada en dos mil toneladas de peso. Fue tallada directamente sobre un monolito milenario enterrado a orillas de la carretera. La cabeza tiene veinticinco metros de altura por quince de ancho y nueve de profundidad (de la quijada a la nuca); su peso está calculado en 386 toneladas.
La obra se terminó en febrero de 1977. Se sabe que entre junio y julio el presidente José López Portillo fue a inaugurar el monumento y semanas más tarde, en agosto de 1977, Canessi falleció.
Desde febrero de 1993, frente a la cabeza se encuentra el Museo Regional Lázaro Cárdenas, el cual exhibe documentos y fotos de la actividad del general michoacano en la región, así como unas cuantas piezas arqueológicas.
Sobre cantera tallada, a modo de firma de autor, puede leerse: "México a Lázaro Cárdenas".
Monumento del Gral. Lázaro Cárdenas
Dónde: borde de la carretera Iguala-Cd. Altamirano (Km 151).
Cuándo: todo el año
Acceso libre
Foto destacada @badouali
Bedour Ali es una artista que preserva una técnica mexicana con las tradiciones de Qatar.
El Mundial de fútbol de Qatar, abrió las puertas a occidente a una cultura compleja y rica en historia, tradiciones y cultura. De todo lo que pudimos conocer en 2022, no pudimos conocer nada de la artista Bedour Ali, que revive un antiguo arte mexicano de la pintura con paja, una forma única de pintura que se remonta a la civilización azteca.
Estos cuadros son bastante curiosos, y tiene la característica de ser elaborados con productos de origen natural, y evitar utilizar materiales químicos para realizarlos. Este tipo de arte y muchas artesanías, suelen aprovechar, al menos en México, el ocotillo, una especie de pasto que se da en las faldas del volcán Popocatépetl, cera de abeja y resina. La artista qatarí debe usar algunos sustitutos, pero la esencia es la misma.
De hecho, algunos artistas pueden hacer réplicas de pinturas o fotografías, incluyéndome muchos detalles, sombras y colores, para hacer obras inmensas que pueden llegar a tomar meses de trabajo y dedicación. Pero este tipo de arte es bastante querido porque es muy colorido, tradicional, y artesanal.
Pero lo que distingue el trabajo de Bedour, según una entrevista hecha por The Peninsula Qatar, su capacidad para utilizar esta antigua técnica para representar la tradición local qatarí de cazar con aves depredadoras.
Según Bedour, “El arte de ‘Qash’, que en árabe significa paja, es una forma de arte 100% natural que se basa únicamente en materiales orgánicos”. Como en la tradición ateza, la paja utilizada se tiñen con pigmentos naturales derivados del medio ambiente y luego se pegan al lienzo para darle vida a la obra de arte.
“Utilizo cera de abejas y otros elementos naturales derivados de los árboles para crear una mezcla fuerte y densa que mantiene unida la obra de arte”, explica Bedour. De ese modo, va rompiendo las pajitas de colores y las presiona sobre la cera de abejas, elaborando cuidadosamente diseños e imágenes intrincados.
Una de sus obras más notables es un retrato de un ‘Saggar’ (hombre halcón). Esta obra de arte rinde homenaje a la tradición qatarí de entrenar halcones salvajes para cazar en el desierto. Además del ‘Saggar’, la colección de Bedour incluye varias obras que representan animales encontrados en el desierto, considerados símbolos nacionales de la tradición cazadora local.
Estas obras muestran la profunda conexión de la artista con sus raíces y su compromiso de preservar y celebrar la cultura qatarí. Otra de las cosas que hacen peculiares a la obra de Bedour, es que utiliza madera de árbol como lienzo, además de ramas y troncos secos, como base para los dibujos de paja.
A través de su arte, Bedour Ali está reviviendo una antigua técnica mexicana, y llamando la atención sobre el rico patrimonio cultural de Qatar.
Foto destacada Cuarto Poder
La tradición de los tapetes florales de Patambam, ya es Patrimonio Cultural de la Unesco.
Según el Centro de Estudios Mexicanos y Centroamericanos, este pueblo reunió a cuatro grupos de indígenas en torno a una zona llena de bambúes; por lo que se cree que la planta le dio el nombre al pueblo: Patamban procede de la palabra tarasca patamu, que significa "lugar de bambúes". Aunque también se dice que el sufijo an de Patamban indica que se trata de un sitio donde residía un jefe o un hombre importante, anterior a la Conquista.
Se trata de una de las ciudades que han sido inscritas por la Secretaría de Cultura del Gobierno de México en el Inventario Nacional del Patrimonio Cultural Inmaterial, debido a los increíbles tapetes elaborados con elementos naturales para la fiesta de Cristo Rey en la comunidad p?urhépecha, en un evento realizado en la Iglesia de San Francisco de Asís, localidad de Patamban, municipio de Tangancícuaro, Michoacán.
Este reconocimiento sirve para salvaguardar la tradición de elaborar tapetes que la comunidad indígena de Patamban; que se ha llevado a cabo desde hace varios años y que refleja la identidad, orgullo y creatividad de la comunidad. Año con año, la elaboración de alfombras y tapetes se lleva a cabo el último domingo de octubre de cada año, cuando la comunidad celebra la fiesta solemne en honor a Cristo Rey; así como el último domingo de noviembre, cuando concluye el año litúrgico antes del inicio del Adviento de la religión católica entre la comunidad de Patamban.
Este proceso comunitario es un gran esfuerzo de la comunidad de Patamban y ahora forma parte de la presentación ante la Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Cultura y la Ciencia (Unesco) de la candidatura multinacional para incluir la tradición de las alfombras florales y composiciones festivas de materiales naturales en la Lista Representativa del Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad, en la que participan las comunidades alfombristas mexicanas de Patamban (Michoacán), Huamantla (Tlaxcala) y Uriangato (Guanajuato); así como las de Italia, Malta, Bélgica y España.
Esta iniciativa nace de la comunidad y que reconoce la salvaguardia de una tradición que representa la identidad, el orgullo y la creatividad del pueblo purépecha. Con lo que se motiva a las infancias y juventudes por la salvaguardia de sus tradiciones. Con el reconocimiento, asimismo, la comunidad adquiere el compromiso de salvaguardar su tradición de los tapetes que desde hace 80 años celebra la fiesta en honor a Cristo Rey.
Esta tradición preserva 148 metros de tapetes florales, en los que se plasman paisajes, rostros y símbolos relacionados con el Festival Internacional de Música de Morelia, adornan la calzada Fray Antonio de San Miguel en la capital michoacana, y regularmente se hace con el esfuerzo y creatividad de más de 70 artesanos de la comunidad de Tangancícuaro.
Además, se trata de una técnica ancestral y única a nivel mundial, en donde los artistas purépechas colocan cerca de 1 millón de especies de semillas y pétalos de diversas flores durante cerca de 12 horas, aunque antes tuvieron que dedicar 16 días a recolectarlos y prepararlos para ser utilizados.
Para elaborar los tapetes, es necesario elegir flores que brinden mayor duración, atravesar un proceso de recolección complejo, aprovechar bien los colores naturales de las flores, y evitar lo más posible
Foto destacada INAH
Una parte de Quintana Roo está declarada como Zona de Monumentos Históricos con construcciones de gran valor histórico.
A pesar de que Quintana Roo es un destino reconocido en todo el mundo por sus playas, también tiene una rica infraestructura patrimonial, arqueológica e histórica, en donde es posible conocer muchos lugares que fueron construidos durante la época Colonial y hasta el siglo XIX.
Además, muchos de estos destinos arquitectónicos ya han sido restaurados por especialistas y arquitectos del Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH) mismos que han aplicado criterios, materiales y técnicas vigentes en materia de restauración de bienes culturales inmuebles, con el fin de conservar la autenticidad del bien cultural, a través de diversos proyectos que han mejorado las condiciones de conservación de estas joyas históricas.
Los vestigios de la arquitectura histórica de Quintana Roo son un gran reflejo de la época colonial en la región peninsular, y un gran recordatorio de la época basada en la explotación del henequén y recursos forestales y naturales, bajo condiciones de esclavitud, que se prolongaron después de su abolición formal en la Independencia.
Asimismo, estos lugares son el recuerdo de diversos procesos históricos nacionales de Independencia, Reforma y Revolución, que se vivieron de manera diferente en la península de Yucatán, en comparación con el centro, norte y otras regiones del país. De hecho, Quintana Roo es el último estado creado en 1974, una con selva, y el último reducto máacewal de la Guerra de Castas, cuya capital ideológica y religiosa es la antigua Noj Kaaj Santa Cruz Xbalam Naj, hoy municipio de Felipe Carrillo Puerto.
El patrimonio histórico colonial de Quintana Roo, según especialistas del INAH tiene 145 monumentos históricos en el estado, que fueron construidos entre los siglos XVI al XIX, entre edificaciones religiosas, militares, haciendas henequeneras, cementerios y obras de suministro de agua, principalmente.
Del total de monumentos, 86 se ubican en Felipe Carrillo Puerto, de los cuales 30 están en la población de Tihosuco, en un área de 25 manzanas, destacando los que albergan el Museo de la Guerra de Castas y la biblioteca de la comunidad. Mención especial merece el icónico conjunto conventual del Niño Jesús, del que queda en pie, parcialmente, la iglesia, la casa cural y el cementerio, que han recibido sucesivas intervenciones por parte del INAH.
Por supuesto, de todos los lugares, la Zona de Monumentos Históricos de Tihosuco, es en donde más se concentran las construcciones de mayor valor. También, hay riqueza histórica en Sacalaca, Sabán, Tepich y Kancabchén, que conforman la Ruta de las Iglesias, ubicada en el epicentro de la Guerra de Castas, cuyas huellas dejaron templos, haciendas, conventos y otras edificaciones destruidas durante la rebelión social maya, al cual comenzó en 1847 y se prolongó por más de medio siglo.
La mayoría de estas ciudades en la zona maya de Quintana Roo fueron abandonadas desde 1860, y repobladas en la tercera década del siglo XX. En otras partes del estado también existe arquitectura histórica, como el Fuerte San Felipe de Bacalar y la Casa de la Cultura de la misma ciudad. Además, los edificios de madera tipo inglés por la influencia de Belice, de las cuales se tienen registradas 100 casas en Chetumal, 20 en Isla Mujeres y 10 en Cozumel.
En Isla Mujeres está la Hacienda Mundaca, cuyo nombre alude al apellido de su propietario de nombre Fermín, quien se dedicaba a vender esclavos a Cuba; la construcción está hecha, al parecer, con piedras de los vestigios mayas. La Hacienda Xcolumpich, a 17 kilómetros de Tihosuco, propiedad de uno de los tres líderes históricos de la Guerra de Castas, Jacinto Pat, es otra de las joyas que esperan ser visitadas para conocer mejor el pasado, admirarlo y sentirnos más orgullosos de nuestras raíces e identidad histórica y cultural.
Foto destacada Anton Vázquez
La obra de Anton Vázquez entrelaza naturaleza, cosmogonia y cultura tzotzil.
Anton Vázquez, es uno de los artistas más destacados de la escasa escena artística chiapaneca, que en sus piezas ha logrado dejar sus profundas raíces tzotziles entre los colores y las pinceladas que nutren su obra. En un comunicado emitido por la Secretaría de Cultura, el artista originario de San Pedro Chenalhó, una comunidad ubicada en el corazón de los Altos de Chiapas, se dice que a llevado su arte más allá de su estado, interviniendo espacios con murales que narran historias de la naturaleza, la cosmogonía y las tradiciones de su pueblo.
"Cada mural en proceso es una aventura interna y externa, lleno de retos y desafíos; hay momentos de alegrías, cada avance va generando diálogos hacia la sociedad, forma parte de mi historia de vida y lo que busco transmitir", dice.
Asimismo, Anton, cuenta que desde su infancia ha estado inmerso en un entorno familiar en donde el arte y la sanación se entrelazan: “Mi madre, María Antonia, me enseñó la geometría del universo en el telar, mostrándome los símbolos que representan la naturaleza y el cosmos”, recuerda el artista, destacando cómo la enseñanza de su familia ha moldeado su visión creativa.
Esta conexión profunda con sus ancestros y su entorno natural, señala, es palpable en cada una de sus obras, donde la tradición se encuentra con la innovación. “Mi abuelo materno se distinguió en nuestro pueblo como un curandero de renombre, un hombre de profunda sabiduría que ofreció alivio a muchos a través de su conocimiento de la medicina herbolaria. Además, poseía el arte de tejer sombreros tradicionales, entrelazando la tradición en cada hilo.
"Crecí inmerso en este entorno rico en arte y sanación, donde las creaciones de mi madre y mi abuelo eran una constante. Observaba, escuchaba y absorbía con profunda admiración cómo daban vida a los colores y formas, cómo sus manos expertas tejían no solo materiales, sino también la esencia misma de nuestra cultura”, agrega.
Hoy en día, con más de 500 pinturas, 20 murales en distintos puntos del país, y participaciones en exposiciones tanto individuales como colectivas, Anton Vázquez cuenta que su participación en la residencia artística (Neo) Muralismos de México en Minneapolis, Minnesota, marcó un punto fundamental en su carrera, permitiéndole compartir la rica herencia cultural tzotzil con una audiencia internacional.
De esta manera, desde las calles de Ciudad de México hasta las galerías de Estados Unidos, Vázquez ve cada mural como “una aventura interna y externa llena de retos y desafíos… una historia de vida del artista, plasmada en las calles”.
Si quieres conocer un mural de Anton en la CDMX, puedes visitarlo en el Hostal Juárez, que ejemplifica cómo emplea el arte como un medio para embellecer y transformar espacios urbanos. Actualmente, busca que su próxima aventura lo lleve de regreso a CDMX para un mural colectivo, un proyecto que, aunque aun en etapas de planificación, promete ser otra significativa adición a su legado.
Sigue el trabajo y las exposiciones de Anton Vázquez aquí.
Fotos cortesía de INBA
Se trata de la primera retrospectiva de John Golding, un artista que vivió muchos años en México.
John Golding fue uno de los mejores pintores abstractos del siglo XX a nivel mundial, aunque es más conocido como historiador, crítico y curador de arte. Golding nació en Inglaterra, criado desde la infancia en México y fue en el contexto del vibrante arte y cultura mexicanos que comenzó su carrera como artista. La exposición explora precisamente el desarrollo del trabajo de Golding y lo ubica en el contexto del arte en México.
La curaduría de la exposición es de las especialistas invitadas Dawn Adès y Jenna Lundin y está dividida en cinco núcleos temáticos que dan cuenta de la rica y diversa trayectoria de más de 60 años del artista y develan su tránsito por el figurativismo con fuerte enfoque en el cuerpo humano, su periodo de abstracción hard-edge con lienzos en acrílico y una etapa abstracta lírica posterior, además de su evidente influencia de los autores mexicanos de su época.
Se trata de la primera exposición retrospectiva en México del artista inglés John Golding, "una figura de indudable relevancia en el contexto del arte moderno americano que resulta indispensable visibilizar en México, lugar donde creció y se desarrolló en una primera etapa como creador".
Calificó la muestra como un "espléndido recorrido" en el que el público podrá apreciar "las tempranas influencias del entorno mexicano que se manifiestan en su carrera, como los elementos del arte popular, entre los que se cuentan las máscaras o las escenas de la vida cotidiana en contextos rurales e indígenas de nuestro país.
Asimismo, esta exposición nos acerca a la obra figurativa y abstracta del artista inglés con creadores de la escena artística mexicana de varias generaciones, como José Clemente Orozco, Diego Rivera, Rufino Tamayo, Lilia Carrillo, Mathias Goeritz, Wolfgang Paalen o Gunther Gerzso, dejando un sólido testimonio sobre México y sus artistas.
Sin duda, se trata de una extraordinaria exposición que nos trae una mirada profunda a la obra de Golding, un artista cuya trayectoria comenzó en México, donde encontró un hogar artístico donde se inspiró de figuras como Tamayo y Rivera y de una nueva generación de artistas emergentes como Lilia Carrillo, Felguérez y Toledo, y continuó en Londres.
Finalmente, podremos ver la faceta artística de Golding, un referente fundamental en la historia del arte moderno. Además, esta exposición coincide con la celebración de los 200 años de las relaciones de amistad México – Reino Unido, y nos permiten seguir caminando juntos en temas no solo del arte y la cultura, sino también en la educación, la diversidad y la igualdad.
John Golding: De México a Londres
Dónde: Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México
Cuándo: hasta el 28 de julio del 2024; de martes a domingo, de 10:00 a 18:00 h.
Cuánto: $80 gral.
Domingo entrada libre.
Foto destacada: Artrabbit
La obra de Nina Beier, Casts, fue cancelada tras esta polémica en el Tamayo.
¿Funar o no funar a los artistas, a las expresiones, a las obras? Es uno de los dilemas del siglo XXI, y hoy en día todos formamos parte de la Comisión Funa contra todo y contra todos, y esta ocasión le tocó a la a la artista Nina Beier, cuyo performance fue funado por la queja de usuarios de redes sociales, asociaciones defensoras de derechos de animales e incluso por la Secretaría de Cultura se pronunciaron al respecto en contra de la exposición Casts por en el Museo Rufino Tamayo.
Dicho performance lleva por nombre Tragedies 2011, fue creado por la artista Nina Beier, nacida en Aarhaus, Dinamarca en 1975, que reside entre Berlín, Alemania y Nueva York, Estados Unidos; y cuya obra se dedica a criticar todo lo cotidiano, así como qué le da valor a los objetos que vemos diariamente como cajas de cartón, huevos, ropa interior y demás.
No es la primera vez que Nina viene a tierras aztecas, ya que es una artista contemporánea con gran trayectoria, pero sí es la primera ocasión que provoca gran polémica. Nina Beier presenta esculturas de leones guardianes de mármol, 2 mil 500 macetas con plantas que "conviven" con perros de porcelana, jarrones, maniquíes de niños, un hombre encadenado que fuma y varios perros recostados en alfombras, que simulan estar muertos.
Ante las fuertes críticas recibidas tanto por usuarios como por la misma Secretaría de Cultura, la directora del Tamayo, Magali Arriola y Nina Beier mandaron un comunicado al respecto sobre el gran cuidado que tienen con los perros del performance:
"El Museo Tamayo es el único museo de la Ciudad de México que tiene una relación de igualdad con su comunidad perruna", señala el comunicado y explica que el recinto "ha creado diferentes formas de participación de los perros de su comunidad dentro de las salas y una vez al año se les dedican temporadas para ellos. Entran a las salas del recinto acompañados por sus cuidadores, pero los protagonistas son los perros".
Atento comunicado: pic.twitter.com/TBuToWYLBG
? @MuseoTamayo (@museotamayo) May 26, 2024
El arte, las obras o los artistas funados siempre causarán controversia, posiciones a favor o en contra; aunque regularmente, los intentos por funar a alguien, la mayoría de las veces, le brinda más exposición; una consecuencia bien concreta de estar expuesto a ser ?funado?.
La cultura de la cancelación ha generado debates sobre si se ha convertido en una forma de censura que surge desde la comodidad de lo digital. La línea entre la rendición de cuentas y la restricción de la libertad de expresión es delgada. Explorar cómo esta cultura puede coexistir con el respeto a la diversidad de opiniones es esencial para garantizar un entorno en línea saludable y abierto.
Asimismo, a medida que la cultura de la cancelación crece, algunas plataformas están reconsiderando sus políticas de moderación, y los usuarios están adoptando enfoques más constructivos para abogar por el cambio social sin recurrir a la cancelación extrema; con el fin de encontrar un equilibrio que promueva un diálogo respetuoso y constructivo entre ambas partes.
La cancelación, cuando se utiliza de manera desproporcionada, amenaza la libertad, silenciando voces y desalienta el intercambio de ideas. Quizá, la transformación social no proviene solo de la cancelación, sino de la capacidad de aprender, crecer y comprendernos unos a otros en esta era digital.
Fotos cortesía de Jade Jagger. Con información de Alejandro Castro/El Sol de México
En varias ocasiones, Jade Jagger se ha inspirado en México para crear sus piezas.
Jade Sheena Jezebel Jagger, es la segunda hija del famoso vocalista de los Rollings Stone, Mick Jagger y su ex esposa Bianca Jagger. Jade es una ex modelo y hoy en día una gran diseñadora de joyas que recientemente pisó tierra azteca para
Jade Jagger nació en París, y su infancia coincidió con la época de la escena del arte pop neoyorquino, cuando muchos artistas, incluido Mick Jagger, fueron atraídos hacia ese lugar y hacia la figura de personajes como Andy Warhol. De hecho, el artista estadounidense fue una de las inspiraciones de Jade, quien años más tarde decidiría incursionar también en el camino del arte plástico.
A finales de los años ochenta, Jade comenzó su carrera como artista, luego de estudiar pintura en Florencia y de realizar varias exposiciones; pero su espíritu lo llevó a crear su propia línea de joyería fina, llamada Jade Inc.
Cuando inició a hacer joyas, solo estaban disponibles en las tiendas Paul Smith y poco a poco fue creciendo la lista de distribuidores, incluidos Maxfields, Bergdorf Goodman, Barneys, Collette, Browns, The Cross y La Mode, entre otros. De ahí, que Jade Inc se haya convertido en una empresa global.
Hoy en día, Jade Jagger también diseña interiores y joyas de fama mundial, además de hacer diseños de moda, alta costura y piezas de lujo que se vendieron junto con sus joyas en la primera tienda Jade Jagger que se inauguró en noviembre de 2009 en All Saints Road, en el oeste de Londres.
Recientemente, esta reconocida pintora y joyera visitó la Ciudad de México con el fin de ofrecer un exclusivo popup de arte y diseño, en la Suite Presidencial del Hotel Four Seasons, en donde presentó "Jade Jagger & Friends".
Se trató de una colección de pinturas y joyería inspiradas en el poder medicinal y psicodélico de las plantas, como adelantó en entrevista con El Sol de México: "Tengo que decir que fue la primera vez que volví a pintar en mucho tiempo correctamente, así que conseguí un nuevo estudio y como siempre me ha gustado el tema de la botánica y de las hierbas medicinales, pues comencé a jugar con esos temas? En general diría que me encanta hacer cosas hermosas, pero si miras mis trabajos encontrarás que muchos de ellos se basan en las plantas".
Según el medio, cada una de las piezas que conforman la colección "Medicine Chest" celebra las cualidades místicas y terapéuticas de las plantas medicinales a través de formas meticulosamente elaboradas, con piedras como la turquesa y el ópalo, montadas en oro blanco y enmarcadas con diamantes, mientras que sus pinturas en hoja de oro son un homenaje a dicho tema.
De hecho, una línea de joyería de Jada Inc. lleva por nombre "Zapotec": "Hice esa línea cuando estuve en Oaxaca, porque me interesaba mucho esa forma tan pura que tienen de trabajar con el oro? Quería jugar un poco con eso, pero también me sentí un poco como pirata, por el hecho de tener que viajar con esos materiales y lo que significaba, como protección y esas cosas, pero por otro lado yo quería mantenerlo lo más simple posible. En fin, espero que les haya gustado el resultado".
Además de Oaxaca, hay otros lugares que han inspirado a esta joyera. "Hace muchos años también estuve con mis hijos en San Miguel de Allende. Estuve pintando ahí, de hecho hice cosas similares a las que estoy pintando ahora, pero siempre me ha encantado México por su diversidad, ya que puedes tener la playa, pero también las colinas y la ciudad. Amo esta ciudad por todo lo que representa y he tenido varias estancias aquí".
