Arte y Cultura
Exhiben en Noruega al Toro Alado, un hermoso alebrije monumental oaxaqueño
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El Toro Alado es un fascinante e imponente alebrije monumental, creado por artesanos oaxaqueños, que recién llegó a Noruega.

Foto destacada: @escardoanna y  Pedro Matar

El "Toro Alado", alebrije monumental creado en tierras oaxaqueñas, llegó a Noruega.

 

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Pedro Matar, el coordinador de Relaciones Internacionales del gobierno de Oaxaca, está dando a conocer más noticias sobre el Alebrije monumental que ya ha recorrido varias ciudades de Europa, y que apenas viajó de Barcelona, España a Oslo, capital de Noruega, cuyos visitantes amanecieron con esta increíble pieza oaxaqueña.

Este alebrije monumental se llama "Toro Alado" y se instaló en Aker Brygge, un corredor comercial y turístico bastante transitado de Oslo. Se estima que el Toro pueda ser admirado por más de 100.000 personas que visitan cada mes este corredor noruego.

 

@JJLPGL

El Toro fue creado en el taller de Jacobo y María Ángeles; artesanos que se han convertido en los principales impulsores de los alebrijes de Oaxaca. Este taller se encuentra en San Martín Tilcajete, una comunidad zapoteca de los Valles Centrales, fue labrada y pintada igual que las que han sido exhibidas en el Rockefeller Center y en la sede de las Naciones Unidas en Nueva York.

El "Toro alado" llegó a Oslo, después de 5 meses de estar en suelo español en ocasión del "Primer Tianguis Internacional de los Pueblos Mágicos de México" celebrado en el mes de abril en la ciudad de Barcelona. Más tarde, la pieza fue trasladada a la calle de la Creu Coberta, en inmediaciones de la Plaza España de la capital de la comunidad autónoma de Cataluña.

 

 

El Toro está hecho de madera y pintado a mano con motivos de la cosmovisión zapoteca– El taller "Jacobo y María Ángeles", es un lugar inaugurado en 1994 por la familia Ángeles, con el objetivo de emprender y rescatar la práctica ancestral de la creación de nahuales y tonas.

La familia Ángeles busca fomentar la venta de artesanías oaxaqueñas dentro y fuera de México, aparte del uso de materiales sustentables para cuidar el planeta. Su taller es tan famoso ahora que varias de sus piezas son exhibidas en museos o colecciones privadas y públicas.

 

 

Hasta el momento Jacobo y María Ángeles cuentan con 14 colecciones, aparte de sus alebrijes individuales, que se dedican a retratar las diferentes especies de animales y diseños con los que se puede pintar o decorar estas artesanías. Dentro de sus colecciones podrás encontrar las de: Detrás de una máscara, Eterno descanso, Hermanos de la tierra, Plaga, Nómadas, Guardianes, Pelota Mixteca, y muchas más.

 

 

Asimismo, el taller también se dedica a la producción de figuras tallas en madera de copal y desde 2011 han incorporado la plata como un nuevo y la cerámica de alta temperatura dedicado a la producción, experimentación y enseñanza del oficio.

Además, desde 2008, este proyecto es de bio conservación, el cual lleva a cabo reforestaciones anualmente, la cosecha de agua y siembra de maíz nativo.

 

 

Taller Jacobo y María Ángeles

Dónde: Callejón del Olvido 9, San Martín Tilcajete, Oax.

Cuando: todo el año, lunes a domingo de 8:00 am a 6:00 pm

Entrada libre

Web

La rara cinta japonesa que adaptó Cien Años de Soledad de Gabriel García Márquez
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Conoce la rara adaptación japonesa que hizo el cineasta Shuji Terayama de Cien años de soledad de Gabriel García Márquez.

Foto destacada: Aihall

Esta rara película japonesa se inspiró en el realismo mágico de novela de Gabriel García Márquez.

 

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En 1972 se publicó la primera edición japonesa de Cien años de soledad; fue traducida por Tadashi Tsuzumi y publicada por primera vez por la editorial Shinchosha que en para los años 80 se especializó en publicar manga ?y no hicieron Cien años de soledad en ese formato, lamentablemente.

En aquella época, los editores imprimieron 4.000 copias. Después de que García Márquez ganó el premio Nobel de Literatura en 1982, el libro se convirtió en lectura obligada en las facultades y hoy se puede encontrar en cualquier biblioteca pública de Japón.

 

 

@sanmarino

 

Así que después de esas 4.000 primeras impresiones, llegaron al país del sol naciente 96 ediciones sucesivas, con 275.000 copias impresas en 2006. Un portavoz de la editorial describió la producción como “sobresaliente”, considerando la falta general de entusiasmo de los lectores japoneses por la literatura extranjera.

Esto hizo que Cien años de soledad se insertara en la cultura japonesa y que dramaturgos, productores de cine y escritores le hayan dedicado su obra original a la obra principal de García Márquez, que algunos han descrito como una epifanía.

 

 

@sanmarino

 

Saraba Hakobune

 

@sanmarino

 

Pero de todas las adaptaciones, Shûji Terayama adaptó Cien años de soledad después de que fue aceptada la producción en 1981. El lugar elegido fue Okinawa y la salud de Terayama estaba tan mal que dirigió gran parte de la película desde una tumbona. La cinta que hizo fue la más novedosa y salió en cines en 1982.

La cinta fue llamada ?Saraba Hakobune?, donde el trabajo del escritor colombiano ha llegado a cada rincón de la Tierra y también influyó en el trabajo de Terayama, quien atravesó por varios obstáculos para lograr realizar la adaptación cinematográfica, poco antes de que García Márquez recibiera el Premio Nobel de Literatura.

 

@sanmarino

 

La película muestra el gran respeto del autor japonés por de la novela de García Márquez, así como la obra del escritor Natsuki Ikezawa, que ha dicho que sin García Márquez nunca le habría prestado atención a la literatura latinoamericana, y que sin Cien años de soledad no habría escrito su propia novela, El incidente de Navidad: la caída de Matías Guili; una novela ambientada en una isla ficticia del Pacífico llamada Navidad, que, como el pueblo de Macondo en Cien años de soledad , es un universo en sí mismo, con alegorías que intentan explicar el Japón moderno.

Pero, de nuevo, la relación más García Márquez la del poeta, cineasta y director de teatro Shuji Terayama fue la más curiosa. Ya que Teraya fue un escritor experimental. Aunque no sigue al pie de la letra la obra cumbre de Gabriel García Márquez, sí hay detalles calcados como el cinturón de castidad de Úrsula Iguarán, las peleas de gallos, el fantasma de Prudencio Aguilar atormentando a José Arcadio, los gitanos y los circos, los relojes musicales, entre otros.

 

@sanmarino

 

La película fue reeditada y proyectada en el Festival de Cannes en 1985 como obra póstuma de Terayama, con el título Saraba no Hakobune, o Adiós al Arca. El Macondo de Terayama se impregna de la cultura popular japonesa al representar situaciones como la desaparición de todos los relojes del pueblo, notas pegadas en objetos para identificarlos o una mujer castigada con un cinturón de castidad con forma de cangrejo.

Asimismo, García Márquez visitó Japón en octubre de 1990 como invitado de la Fundación Japón para inaugurar el Festival de Cine Latinoamericano, donde conoció al director de cine japonés Akira Kurosawa para ultimar detalles de una película basada en su novela, El otoño del patriarca.

 

@sanmarino

 

Saraba Hakobune es una película rara, como muchas otras películas japonesas, que no son fáciles de encontrar pero que reflejan el realismo mágico que caracterizó la obra de García Márquez. La película se estrenó en 1984 cuando Terayama ya había fallecido, pues su difusión no era tan sencilla: debieron negociar los derechos y retirar el título de ?Cien años de soledad? (y cualquier otra referencia obvia) de los créditos, aunque después se volvió a añadir.

Hoy en día, se dice que Gabriel García Marqués dejó un profundo legado en la literatura y el cine japonés, presente en las películas de animación del Estudio Ghibli, que sumergen al espectador en una realidad tan palpable que lo inducen a aceptar sin cuestionamientos hechos extravagantes o inverosímiles y en las obras de Haruki Murakami.

 

@sanmarino

 

La película es una rareza enmarcado en la escena independiente teatral japonesa de posguerra. La película ganó el premio a Mejor Director y Mejor Fotografía en el Festival de Cine Fantástico de Sitges. Por cierto, el autor de la cinta murió de nefritis el 5 de mayo de 1983 sin haber concluido las ediciones finales. Aquí te dejamos la película, subtitulada en castellano, para quien lo desee.

Enlace 1

Enlace 2

Rescatan del olvido a Los Danzantes, el invaluable mural del artista Carlos Mérida
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El mural Los Danzantes es una extraordinaria pieza de 265 metros cuadrados que rescata la cultura prehispánica y la historia de la CDMX.

Foto destacada: Cultural CDMX

El mural Los Danzantes, de Carlos Mérida es una obra poco reconocida de este gran artista.

 

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Orozco, Rivera y Siqueiros son los nombres recurrentes cuando se habla de Muralismo en el país; pero Carlos Mérida (1891-1984) es una figura vanguardista en cuanto a la integración plástica entre la arquitectura, la escultura y la pintura en los murales. Además, poco valorada en el pasado plástico del país.

Este guatemalteco tenía un gran talento y sus estaban, para muchos, bastante avanzadas a su tiempo. Fue una figura apreciada por Picasso, Klee y Kandinsky, además de ser el primero en plantear lo impensable, que la herencia prehispánica y la abstracción podían integrarse en un lenguaje pictórico moderno.

 

@sovietartgallery

 

La Carrera de Carlos Mérida fue extensa, aunque a lo largo de los años, obtuvo poco reconocimiento. La razón es que Mérida conservo la nacionalidad guatemalteca, y siempre fue percibido como un extranjero hablando de temas mexicanos. Además, de que su filiación política no fue comunista, siendo un marginado de encargos políticos, a diferencia de los tres muralistas mexicanos más destacados.

La otra razón fue que los sismos, las negligencias políticas y las construcciones deficientes, incluso, los cambios en el gusto decorativo de corporativo de los clientes, hicieron que la mayoría de su obra desapareciera o cambiara de ubicación a espacios privados e inaccesibles al público.

 

@gabrielescalanted

 

Por ejemplo, su obra en el Multifamiliar Presidente Juárez, un proyecto de 4,000 metros cuadrados de murales, se derrumbó en 1985; la fachada del edificio Banobras nunca fue cuidada y sus murales en el Hotel Aristos pasaron a formar parte de colecciones privadas.

El telón Los danzantes del antiguo Cine Manacar, es una de sus obras más valoradas. Se encuentra en el lobby de la Torre Manacar, aunque fue un telón para cine que estuvo en Insurgentes Sur y Río Mixcoac. De hecho, la pista del mural se había perdido desde 1995, cuando el Cine Manacar fue desmantelado para poner en su lugar varias salas de la cadena Cinemex.

 

 

Aunque Los Danzantes es una pieza de 294 metros cuadrados con incrustaciones en madera y alusiones a la cultura maya. Fue llevado a la Torre Manacar que cuenta con 25 pisos, diseñada con trazos piramidales y contemporáneos por el arquitecto Teodoro González de León.

Lo ocurrido fue que el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (FONCA) no informó que la obra le fue donada en 1999. Tan solo uno de los proyectos de Los Danzantes en formato pequeño, que se conserva en la galería Arvil, del curador Armando Colina, está valuada en unos 40 mil dólares.

 

Cultural CDMX

 

Los Danzantes está dividido en 12 paneles, y para cada una de esas partes Mérida realizaba cuando menos cinco proyectos. Fusiona el arte con la arquitectura, a través de lo que llamó "integración plástica", su pintura abstracta además de ser crítico de arte e hizo viñetas para libros, tapices y coreografías para ballet.

Los Danzantes se hizo en 1964, donde plasmó las figuras dinámicas de unos bailarines, pintadas con colores armoniosos en pintura acrílica que puedes ver además de recorrer tiendas, restaurantes y nuevas salas cinematográficas.

 

Cultural CDMX

 

La monumental obra mide 11 metros de alto por tres de ancho, presenta a seis personajes de aspecto geométrico. Se tenía la idea de llevar la pieza al Auditorio Nacional, pero no cabía en el Auditorio. En marzo de 2016 arrancó su restauración concluyendo sus trabajos en agosto de ese mismo año, con una inversión de más de un millón de pesos.

El proceso de restauración de "Los Danzantes" fue una "tarea titánica de seis meses." Estaba lleno de polvo, tenía daños estructurales y hongo debido al almacenaje. Se hicieron muestras de laboratorio, se fumigó la obra, se eliminó el polvo suelto con brocha y aspiradora, luego la mugre adherida a la superficie con agua destilada y algodón.

Después de esta gran travesía, el mural puede ser apreciado por cualquier persona en el lobby de la torre Manacar.

 

 

Mural Los Danzantes

Dónde: Av. de los Insurgentes Sur 1457, Insurgentes Mixcoac, CDMX.

Cuándo: lunes a domingo desde las 09:00

Entrada libre

Regresa Design Week a la CDMX, la celebración que festeja al diseño en México
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Aquí todos los detalles sobre la edición 2022 de Design Week Mexico, el evento más importante de diseño en la CDMX.


En pocos días Design Week regresa a la ciudad con intervenciones estéticas a grande escala.

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Design Week México es una organización sin fines de lucro, cuyo objetivo primordial es crear en el país una plataforma que promueva

la cultura del diseño entre los miembros de la sociedad, a través de una semana llena de eventos.

Arquitectos, diseñadores industriales y gráficos, aficionados interioristas, estudiantes y todo el público en general está invitado a esta gran celebración, la cual se llevará a cabo del 10 al 14 de octubre. Algunas de las sedes participantes son el Museo Tamayo, el Museo de Arte Moderno, el Parque Lincoln, el Foro Cultural Chapultepec y Design House.

Se trata de un evento internacional, que se encarga de posicionar a México y a sus participantes dentro del grupo de capitales mundiales como

Londres, París, Milán, Nueva York, Los Ángeles, Sao Paulo y Buenos Aires.

El diseño, innovación, creatividad, tecnología y artesanía se hacen presentes en las distintas expresiones de arquitectura, cine, gastronomía, moda y arte. La misión de Design Week México es promover la creatividad y el diseño como valores que contribuyen al desarrollo social, económico y cultural.

Cada año, DWM cuenta con la participación de un país invitado para crear un espacio colaborativo multidisciplinario con la comunidad local e internacional.

¿Cómo y cuándo Design Week Mexico 2022?

La edición de este año de Design Week Mexico se llevará a cabo del 12 de octubre al 13 de noviembre del 2022, con un formato híbrido que incluirá tanto eventos presenciales, como proyectos digitales.

Este año, el país invitado será Brasil, para mostrar a los nuevos talentos artísticos, mientras que 

la ciudad invitada será Metepec, invitada de honor en reconocimiento al legado de su riqueza cultural y sus creadores contemporáneos.

¿Cómo será el programa de esta edición?

El programa de este año incluirá exposiciones que son una tradición dentro de este evento, como 

Inédito y Design House, sin embargo, también contará con nuevas propuestas para exponer tanto el diseño local como extranjero.

Visión y Tradición

Del 12 de octubre al 5 de noviembre, Visión y Tradición estará en el Museo Nacional de Antropología, un 

programa de residencias para promover el trabajo colaborativo entre artesanos y diseñadores con un espíritu de aprendizaje e intercambio mutuo, contado con la participación de diferentes estados de la república.

Tours de Diseño

Del 1 al 30 octubre, Tours de Diseño estará en Espacio CDMX Arquitectura y Diseño  ubicado en Chapultepec, un pequeño circuito de showrooms, talleres y tiendas de diseño mexicano, en pro de impulsar a las y los creativos mexicanos.

Inédito

A partir del 14 de octubre, Av. de los Compositores 4 será la sede de esta esperada muestra, con trabajos de un grupo de diseñadores mexicanos que exploran su fascinación con la manifestación material y el uso de diversos procesos como eje creativo. Cabe mencionar que esta es la única exposición que permanecerá hasta el 8 de enero de 2023.

Foto de Jaime Navarro

Design House

Del 14 de octubre al 13 de noviembre, Design House estará abierta en Av. Paseo de las Palmas 2045, una intervención colaborativa de una casa habitación que es restaurada y remodelada por profesionales de arquitectura, paisajismo, diseño e interiorismo.

Sin embargo, en esta edición, Design House albergará también a los Dealers del diseño, un comité de profesionales y apasionados del arte, quienes aplicarán una metodología particular para selección de showrooms y marcas que formarán parte de este evento.

Design Week México

Cuándo: 12 de octubre al 13 de noviembre del 2022.

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Programación:  designweekmexico.com/

Las sublimes fotos que Humberto Zendejas le tomó a Marilyn Monroe
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Mira algunas de las imágenes que Humberto Zendejas, "el fotógrafo de las celebridades" le hizo a la diva de Hollywood Marilyn Monroe en 1962.


Mira la galería de fotos de este fotoperiodista mexicano.

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Humberto Zendejas fue un fotorreportero independiente de las celebridades, que deambulaba por estudios de radio, cine, teatros, cabarets y centros nocturnos encontraba las imágenes que lo catapultarían a las primeras planas de diarios y revistas. Su prolífica producción se encuentra archivada en

28 000 negativos que son un verdadero acervo cultural del mundo del espectáculo de la segunda mitad del siglo XX.

Humberto Zendejas Vargas nació en el barrio de la Lagunilla de la Ciudad de México en 1933, y se inició como fotorreportero a principios de la década de 1950 y culminó en 1986. Su padre, el fotoperiodista Luis Zendejas, le enseñó  las artes del revelado y la impresión fotográfica. Publicó en diarios como

El Metropolitano, Órbita y Cine Mundial. Además, colaboró en revistas como

Venus y Su otro yo.

Algunas de sus entregas se presentaron en las páginas de Excélsior y

El Universal. En el ocaso de su vida vendió fotografías en el bazar que se instalaba los fines de semana en la Avenida Álvaro Obregón, en la colonia Roma. La única exposición que realizó en vida fue en el año 2009, en la estación Metro Pino Suárez, titulada Tal y como era: Marilyn Monroe en México.

De su vastísima producción fotográfica para la prensa, restan solamente 28 000 negativos agrupados por tema en

1 036 sobres que cubren el periodo de 1953 a 1994. Estos materiales conforman lo que hoy se conoce como Archivo Humberto Zendejas, que se encuentra bajo la custodia de su hermano, el también fotógrafo Luis Zendejas Vargas.

José Alfredo Jiménez, Lupita Palomera, las Hermanas Huerta y Javier Solís son algunos de los nombre que retrató Zendejas, pero también se encuentra nombres como el de Gina Lollobrigida, Roman Polanski, Tony Curtis, Glenn Ford, Mauricio Garcés, Lilia Prado, Gabriel Figueroa y Emilio Fernández. Algunas tomas de las películas con el luchador Blue Demon, Germán Valdés "Tin Tan", Tere Velázquez, Armando Silvestre, Gina Romand y Noé Murayama, son las que han quedado para la posteridad, pero

sobre todo las tomas que le hizo a Marilyn Monroe.  Aquí te dejamos con una galería de fotos de Humberto Zendejas.

Comisionado por el periódico Órbita Semanal, el fotógrafo fue uno de los que registró aquel acontecimiento del jueves 22 de febrero de 1962 en el Hotel Continental Hilton, cinco meses antes de la muerte de la actriz;

18 negativos con la imagen de la sensual Marilyn forman parte del tesoro gráfico que Zendejas reunió a lo largo de seis décadas (entre los años 50 y 80) como fotorreportero y cazador de personajes del espectáculo, la cultura, los deportes y la política.

Un recorrido por los escombros irónicos de Cisco Jiménez (FOTOS)
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La obra de Cizco Jiménez explora la tensión retórica entre lo elevado y lo popular, el folclore y las masas, lo cómico y siniestro.

Foto destacada: artnet

Cisco Jiménez es un artista que explora los matices de la ironía mexicana.

 

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Cisco Jiménez lleva tres décadas de exposiciones en diversas galerías de México y el mundo. Fue un destacado grafitero en los 90 y desde entonces ha mantenido su carrera abriendo paso en Art Basel de Hong Kong, solo por mencionar uno de los lugares más destacados recientemente.  

Cizco tiene su estudio en Cuernavaca, y sus obras hacen referencia a la política latinoamericana, narcotráfico, cultura pop estadounidense y colonialismo; utilizando herramientas como la pintura, bolígrafo, arcilla y madera tallada, así como objetos desechados en la calle: zapatos viejos, juguetes de niños, sierras oxidadas. , placas astilladas, tótems religiosos baratos y boomboxes.

 

 

Cuenta con mucha obra, desde pinturas acrílicas, tejidos, hasta esculturas cinceladas a mano. Sus pinturas se desarrollan como diagramas anatómicos con vistas internas de estómagos, folículos pilosos u otros órganos. Su Triperío, pretende capturar la esencia del ser mexicano representando intestinos como si fuera un cómic con varias burbujas de alimentos que viajan a través de él con etiquetas como “chilaquiles con pollo” y “huevos con chorizo”.

En su arte se destaca tanto lo grotesco como lo impactante tienen serios propósitos estéticos. Los boomboxes son símbolos de la riqueza que los mexicanos ven al otro lado de la frontera con Estados Unidos, pero que a menudo es inalcanzable debido a las condiciones económicas en casa.

 

 

Otras imágenes y objetos recurrentes son los volcanes, las cajas de madera de los limpiabotas, réplicas de cerámica, radios, arte objeto. Asimismo, es uno activista social, desde manifestaciones callejeras hasta campañas de correo electrónico de proclamación visual, el trabajo de Cisco surgió de su ciudad pero lo expuso en el extranjero.

Sobre todo, el arte de Cisco utiliza el humor ingenioso y una amplia paleta de colores para equilibrar la acción visual de la crítica política y la malevolencia social que plaga las Américas. El humor y la paradoja como el espíritu crítico de este artista.

 

 

 

 

 

 

 

 

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