La CDMX es una de las grandes capitales artísticas del mundo y su oferta de exposiciones es de las más elaboradas y reconocidas.
Lo cierto es que pocas cosas despiertan la sensibilidad, la creatividad e incluso la crítica como el arte. Se trata de una de las expresiones humanas más magníficas, que se vale de distintas técnicas, materiales y medios para estimular las entrañas de todos aquellos que celebran esta clase de creaciones tan subjetivas. Es pertinente aseverar que el arte es un aspecto coetáneo al ser humano. Difícilmente uno podría existir sin el otro, y es que esta bellísima simbiosis brinda un sentido trascendente al ser, que no se podría encontrar en cualquier otra característica propia del hemisferio derecho del cerebro.
El arte se constituye como parte esencial de la cotidianeidad de una sociedad. Y en el caso específico de la Ciudad de México, fue desde finales del siglo XVIII cuando comenzaron a erigirse los recintos museísticos. Los de esta urbe no son nada parecidos a los de otras latitudes del mundo. Alrededor de nuestra fascinante capital convergen museos clásicos, coloniales, históricos, modernos, fotográficos, filosóficos, prehispánicos, arquitectónicos, entre otros.
La realidad es que las exposiciones que se exhiben en la capital de los museos, nuestra CDMX, son profusas. Y como lo hacemos cada mes, hoy presentamos un listado con las mejores muestras que podrás hallar en la metrópoli y que estarán disponibles todo este mes que pinta increíble:
Queen: El origen de una leyenda
Museo Cuatro Caminos
Las fotografías de Mick Rock en las paredes de este museo, que descubren el origen de una leyenda que reunirá 120 fotografías, instalaciones de mapping, videos, cine, un bar y artículos a la venta de la banda de origen británico integrada por Freddie Mercury, Brian May, John Deacon y Roger Taylor. En esta muestra encontrarás fotos inéditas de Queen en sus inicios, sus sesiones privadas, conciertos y backstage, al igual que las portadas icónicas de los discos Queen II (1973) y Sheer Heart Attack (1974).
Dónde: Ingenieros Militares 77, Lomas de Sotelo, Naucalpan.
Cuándo: Hasta el 2 de junio 2019.
Cuánto: $150 hasta $250.
Gráfica en el exilio: Josep Renau en el periodo mexicano
Casa del Lago UNAM.
Josep Renau (1907-1982) fue uno de los artistas más importantes de la vanguardia española de los años 30. Llegó a México en 1939 durante la Guerra Civil Española y trabajó con artistas mexicanos como David Alfaro Siqueiros. La Casa del Lago exhibe la gráfica de Josep Renau en el periodo mexicano en el marco de la conmemoración de los 80 años del exilio español (1939?2019). Una exposición que presenta por primera vez en México la serie completa The American Way of Life (TAWL), considerada precursora del pop art, así como una revisión de su trabajo sobre gráfica política con carteles, grabados, fotomontajes y revistas.
Dónde: Bosque de Chapultepec Primera Seccion S/N, San Miguel Chapultepec I Secc.
Cuándo: hasta 12 de mayo de 2019
Entrada libre
David Chipperfield Architects
Museo de la Ciudad de México
David Alan Chipperfield, (Londres en 1953) abrió su estudio en 1985 y actualmente cuenta con cuatro oficinas internacionales: Londres, Berlín, Milán y Shanghái. Hasta el momento, los estudios han producido más de cien proyectos distribuidos en Europa, América del Norte, América del Sur, África y Asia. Para esta exposición han sido seleccionados 5 proyectos recientes y contiene desde bocetos y modelos relacionados con el comienzo del proceso de diseño, hasta el diseño detallado y los planos de construcción final, e incluye fotografías y películas de proyectos recientemente finalizados para mostrar el proceso de diseño como un método colaborativo e interactivo.
Dónde: José María Pino Suárez 30, Centro.
Cuándo: Hasta 12 de mayo de 2019, de martes a domingo , 10:00 – 18:00 hrs.
Cuánto: $34 50% de descuento a estudiantes, maestros e INAPAM, con credencial. Miércoles entrada libre.
Kinderwunsch
Museo de la Ciudad de México
Ana Casas Broda presenta su experiencia con la maternidad a través de la exposición Kinderwunsch, un retrato de los espacios más íntimos y personales que habitó y compartió con sus hijos durante seis años (de 2006 y 2012) y de sus vivencias como madre. El título de la muestra proviene del alemán, que se traduce como "deseo reproductivo" o "deseo de niños", y que en Austria (de donde es originaria Casas Broda) se utiliza para referirse a la infertilidad.
Dónde: Pino Suárez 30, Centro Histórico.
Cuándo: hasta 19 de mayo.
Cuánto: $34
Aurora Reyes. Una vida en el arte 1908-1985
Museo de la Ciudad de México
Aurora Reyes es una artista y poetisa mexicana, amiga entrañable de Frida Kahlo y alumna de la Academia de San Carlos, abandonó la institución para desarrollar su arte de forma autodidacta. Reyes se adentró en la pintura de caballete y en el retrato antes de ganar en 1936 el concurso para pintar Atentado a las mujeres rurales en el Centro Escolar Revolución (muy cerca de la estación del Metro Balderas), trabajo con el cual se convirtió en la primera mujer muralista mexicana.
Dónde: Pino Suárez 30, Centro Histórico.
Cuándo: hasta 19 de mayo.
Cuánto: $34
Orozco, Rivera, Siqueiros. La exposición pendiente
Museo de Arte Carrillo Gil (MACG)
La exposición pendiente reúne una serie de obras que en 1973 se presentarían con el título de Orozco, Rivera, Siqueiros. Pintura Mexicana y que, 45 años después se volvieron a reunir para celebrar el 25 aniversario del restablecimiento de relaciones diplomáticas entre México y Chile. Aquí podrás admirar piezas emblemáticas de estos tres grandes de la pintura mexicana, tanto óleos, como litografías y tintas, además de documentos como fotografías y telegramas que dan cuenta de la situación de la muestra en aquél 1973.
Dónde: Av. Revolución 1608 Col. San Ángel.
Cuándo: hasta 26 de mayo, de martes a domingo , 10:00 – 18:00 hrs.
Cuánto: $50.00 Entrada general, Entrada libre estudiantes y profesores con credencial vigente, niños menores de 12 años e INAPAM.
Transfiguración del ensueño
Salón de la Plástica Mexicana
Exposición que integra obras de distintos periodos y estilos que, sin embargo, forman una unidad en lo que el artista denominó Polimorfismos, consistentes en tableros desplegables donde es necesaria la interacción del espectador, planteando así la transfiguración de su realidad, además de la fidelidad a un realismo pictórico casi fotográfico.
Dónde: Colima 196, Colonia Roma.
Cuándo: hasta 26 de mayo, 10:00 – 18:00 hrs.
Entrada libre
Del realismo mágico al arte fantástico
Salón de la Plástica Mexicana
Exposición individual que reúne 30 pinturas y 15 estampas de diferentes periodos, que surgen del imaginario de esta prolífica creadora. Imágenes que nos transportan a un mundo de personajes enigmáticos y atemporales, habitantes de atmósferas oníricas de una gran calidad matérica.
Dónde: Colima 196, Colonia Roma.
Cuándo: hasta 26 de mayo, 10:00 – 18:00 hrs.
Entrada libre
Trauma Transit. El trauma de la expulsión y la persecución
Museo Nacional de las Culturas del Mundo
Esta muestra contiene obras del proyecto "Cartooning for Peace", una red de dibujantes que luchan por la libertad y el respecto, y se realiza en colaboración con el Centro para las Artes Perseguidas de Solingen, Alemania.
Dónde: Moneda 13 Centro Histórico. Col. Centro (Área 2).
Cuándo: hasta 26 de mayo.
Entrada libre
??? ??????
Galería RGR
??? ?????? son los vocablos en griego antiguo que dan pie al término de sincronía: la simultaneidad de hechos y fenómenos. Esta exposición reúne obras de artistas de distintas generaciones con el fin de enfatizar ciertas coincidencias en sus prácticas, sin importar las diferencias temporales que existen entre los años de la producción de las piezas. En este conjunto de obras, los trabajos producidos por artistas modernos claves en el desarrollo de la no-figuración / abstracción del arte latinoamericano e internacional (Carlos Cruz-Diez, Manuel Mérida, Francisco Salazar, Jesús Rafael Soto, Eduardo Terrazas, Victor Vasarely) se encuentran en línea con piezas de artistas contemporáneos (Elias Crespin, Patrick Hamilton, Paul Muguet) en cuanto intereses formales y una investigación de un lenguaje abstracto geométrico, la intención de reconciliar arte y tecnología, la actualización de la estética y soluciones tradicionales o indígenas así como el uso de materiales de producción industrial u objetos cotidianos.
Dónde: Gral. Antonio León 48, San Miguel Chapultepec, CDMX.
Cuándo: hasta 25 de mayo. Lun ? jue 10.30 – 18.30, viernes de 10.30 – 16:30 y Sábado de 11.00 – 16:30
Entrada libre
Construir un negocio que nunca verá su fin. María Loboda
Museo Tamayo
La artista polaca hace esculturas, instalaciones y collages que difícilmente son lo que parecen a primera vista. Solamente después de una observación más cuidadosa es que la bella e inocente superficie muestra una esencia extraña y amenazante. Sus obras tienden a tener una estética de objetos de significancia arqueológica, que se extiende desde la antigüedad hasta la realidad contemporánea.
Dónde: Av. Paseo de la Reforma 51, Bosque de Chapultepec, Bosque de Chapultepec I Secc.
Cuándo: hasta 26 de mayo.
Dónde: Moneda 13 Centro Histórico. Col. Centro (Área 2).
Cuánto $70. Libre acceso a estudiantes, profesores y adultos mayores con credencial vigente y domingo para todo el público.
Todo menos un fantasma
Centro de la Imagen
El Seminario de Producción Fotográfica 2018 y el Programa de Fotografía Contemporánea se unen para una increíble muestra. Quince autores bajo la tutoría de Verónica Gerber Bicecci del Seminario de Producción Fotográfica 2018, y quince del Programa de Fotografía Contemporánea (PFC, 2018), bajo la tutela de Javier Ramírez Limón, que tuvo como sede el Centro Cultural Tijuana.
Dónde: Plaza de la Ciudadela 2, Centro Histórico.
Cuándo: hasta 31 de mayo, de miércoles a domingo, 10:00 – 19:00 hrs.
Entrada libre
Lucinda Urrusti: La emoción materializada y tangible.
Proyectos Monclova
Las piezas más relevantes de esta artista son las que orbitan alrededor de una de las experiencias pictóricas canónicas de la segunda mitad del siglo XX como es el informalismo. En palabras de Salvador Elizondo, el autor más heterodoxo e "informalista" de la literatura mexicana, dice: "En las pinturas de Lucinda Urrusti queda la emoción pura de plasmar sobre la tela la forma cumplida tan sólo con la materia plástica y la punta del pincel: La emoción materializada y tangible. No hay datos ni documentación geométrica; nada es abstracto; todo es concreto y real, pero nada es "realista" o demostrable?".
Dónde: Colima 55 Roma Norte
Cuándo: Hasta 01 de junio de martes-viernes de 11:00-18:00 y sábados de 11:00-16:00
Entrada libre
Rufino Tamayo en el Tamarind Lithographic Workshop
Museo Tamayo
Rufino Tamayo realizó una extensa obra gráfica en paralelo a su trayectoria como pintor. En este campo de obra impresa se expresó en todas las técnicas existentes e incluso creó una propia, la mixografía, logrando aportes para la renovación del campo del arte seriado tanto en México como en Europa y Estados Unidos. Esta muestra despliega parte de los logros alcanzados por Tamayo en el Tamarind Lithographic Workshop, un taller y laboratorio de experimentación en el que, a través de la creación, investigación, valoración y distribución de la litografía, se buscó abatir las circunstancias críticas por las que atravesó esta disciplina a finales de la década 1950 en Estados Unidos.
Dónde: Av. Paseo de la Reforma s/n, Bosque de Chapultepec I Secc.
Cuándo: hasta 02 de junio de 2019, de martes a domingo, 10:00 – 18:00.
Cuánto: $70.00 general.
SOM: Arte + Ingeniería + Arquitectura
San Ildefonso
Fundada en Chicago en 1936, Skidmore, Owings & Merrill LLP (SOM), ha desarrollado más de 10,000 proyectos en más de 50 países. La firma es famosa por sus edificios icónicos, como Lever House, Willis Tower y el edificio más alto del mundo: el Burj Khalifa, en Dubai. SOM ha colaborado con artistas como Pablo Picasso y James Turrell. La “Ingeniería de Arquitectura” ofrece una rara visión de la metodología de diseño de SOM; al explorar temas como Simplicidad + Claridad, Escala + Forma, Jerarquía + Orden, Investigación + Futuro y Eficiencia + Economía.
Dónde: Justo Sierra 16, Esquina con República de Argentina Col. Centro.
Cuándo: hasta 09 de junio de 2019, de martes a domingo , 10
Cuánto: $50.00 Descuento 50% a estudiantes y maestros con credencial vigente. Entrada gratuita a niños menores de 12 años, adultos mayores con credencial INAPAM, Programa de Membresías de San Ildefonso y Prepa Sí.
Martes entrada libre
Sumario de Fotógrafos
Museo de Arte Moderno
46 artistas de la fotografía que destacan en el enorme acervo fotográfico de la Colección del MAM, integrado por más de 800 imágenes de alrededor de 70 autores, además del legado que hizo el propio Álvarez Bravo de su valiosa colección de albúminas, ambrotipos y daguerrotipos del siglo diecinueve. Este apartado reúne 47 obras realizadas entre 1918 y 2009, de Manuel Álvarez Bravo, Tina Modotti, Antonio Caballero, Hugo Brehme, Emilio Amero, Héctor García y Nacho López, entre otros.
Dónde: Av. Paseo de la Reforma s/n, Bosque de Chapultepec I Secc.
Cuándo: hasta 09 de junio de 2019, de martes a domingo , 10:15 – 17:30 hrs.
Cuánto: $65
Brassaï. El ojo de París
Museo del Palacio de Bellas Artes
Brassaï. El ojo de París acompaña a los espectadores en una odisea por la vida del street photographer; afiliado a una asociación de fotógrafos internacionales pioneros en los años 20 y 30 (entre las dos guerras mundiales). La exhibición, en el Museo del Palacio de Bellas Artes, manifiesta una visión e investigación actual sobre el diálogo multidisciplinario entre la fotografía y la hemerografía del artista que, durante décadas, con una cámara de mano y un carrete, llegó a captar la esencia de personas, objetos y espacios.
Dónde: Av. Juárez, Centro.
Cuándo: hasta 16 de junio 2019. Mar. a dom. de 10:00 a 18:00.
Cuánto: $70.
En el tiempo de la rosa no envejece el jardinero, Emilio Chapela
Laboratorio Arte Alameda
Mediante más de 15 piezas, entre videos, esculturas, objetos e instalaciones, el artista plantea una reflexión sobre la percepción del tiempo y su relación directa con los cambios en la naturaleza, el cuerpo humano y el cosmos. Esta exposición surge a partir de una exploración de los observatorios astronómicos del Instituto Nacional de Astrofísica Óptica y Electrónica (INAOE) en el volcán Sierra Negra en Puebla, y derivó hacia otros lugares como el río Usumacinta en Chiapas y Tabasco y el Volcán Iztaccíhuatl (en el Estado de México y Puebla), creando así una reflexión sobre el medio ambiente tanto terrestre como astronómico.
Dónde: Doctor Mora 7, Centro Histórico.
Cuándo: hasta 28 de julio 2019. Martes a domingo de 09:00 a 17:00.
Cuánto: $35.
Exposición Sunday de Carsten Höller
Museo Tamayo
El Museo Tamayo será el laboratorio del artista contemporáneo Carsten Höller, quien a través de esta exposición monográfica busca mostrar los ejes centrales bajo los que se rige su obra. La exhibición también tiene el objetivo de crear una experiencia colectiva para así establecer una conexión directa entre el público y las piezas. La muestra contendrá sus ya clásicas obras interactivas e inmersivas que no te querrás perder.
Dónde: Av. Paseo de la Reforma 51, Bosque de Chapultepec, I Sección.
Cuándo: hasta 30 de junio, de 10:00 a 18:00.
Cuánto: $70. Entrada libre a niños menores de 12 años, estudiantes, maestros y adultos mayores con credencial vigente; domingos entrada libre.
Ai Weiwei
MUAC
El artista y activista chino Ai Weiwei es un personaje del arte contemporáneo, una figura que constantemente ha criticado al gobierno chino y cuyo arte trasciende por su búsqueda de la libertad como derecho a cuestionarlo todo. Para celebrar 10 años, el Museo Universitario de Arte Contemporáneo de la UNAM presenta un juego de paralelismos entre China y México con la exposición Ai Weiwei. Restablecer memorias. Verás el mayor readymade histórico-político del artista: Salón ancestral de la familia Wang (2015), un templo de madera de la dinastía Ming que registra la destrucción del patrimonio cultural chino bajo la violencia de la revolución, la pérdida de la sociedad rural y la comercialización de antigüedades.
Dónde: Centro Cultural Universitario, Insurgentes Sur 3000,Ciudad Universitaria
Cuándo: Hasta 06 de octubre
Cuánto: $40
Apariencia desnuda: Koons y Duchamps
Museo Jumex
La exposición de estos dos artistas incluye un catálogo publicado por Phaidon y Fundación Jumex, y del curador Massimiliano Gioni: director artístico Edlis Neeson del New Museum de Nueva York y director de la Fundación Trussardi de Milán. Gioni ha organizado numerosas exposiciones internacionales, entre ellas la 55ª Bienal de Venecia, Berlín y ha curado varias exposiciones colectivas de artistas increíbles de todo el mundo. Tendrá una selección de las más reconocidas series de Koons como The New, Banality, Made in Heaven, Celebration, Antiquity y obras como Rabbit, Balloon Dog, Moon, Play-Doh, y Hulk.
Dónde: Blvd. Miguel de Cervantes Saavedra 303, Col. Granada.
Cuándo: del 17 de mayo al 29 de septiembre de 2019. De martes a domingo de 10:00 a 20:00.
Cuánto: $30 público nacional. Entrada gratuita a menores de 15, estudiantes, profesores, adultos mayores con credencial vigente.
Atl, fuego, tierra y viento
MUNAL
Exposición compuesta por 130 piezas, curada por Víctor Rodríguez Rangel. Se trata de la primera exposición dedicada a Gerardo Murillo, mejor conocido como Dr. Atl, en el Museo Nacional de Arte. Destacan las obras que fueron adjudicadas al MUNAL en 2007 procedentes de fondos artísticos y nacionales del INBAL. El conjunto pictórico del Dr. Atl dialoga con artistas como Eugenio Landesio, José María Velasco, Cleofas Almanza, Carlos Rivera, Joaquín Clausell, Francisco Goitia, Luis Nishizawa, Pedro Flores, Mario Almela y Jorge Obregón.
Dónde: Tacuba 8, Centro Histórico, CDMX.
Cuándo: hasta 29 de septiembre de 2019, martes a domingo de 10:00 a 18:00.
Cuánto: $70 general.
Fotos cortesía de INAH
Los Olmecas llegan al espacio arqueológico más grande de Canadá.
El Museo Pointe-à-Callière de Arqueología e Historia, de Canadá, estará presentanto una diversidad de piezas mexicanas, en la exposición Olmecas y las civilizaciones del Golfo de México, con el fin de celebrar la cultura y tradiciones mexicanas en el Vieux Montreal, el corazón antiguo de la ciudad cosmopolita.
Esta exhibición destaca las maravillas del México antiguo, en uno de los museos más espectaculares de Canadá, para que todos conozcan y se maravillen con las culturas mexicanas ancestrales. Se trata de un montaje que ilustra un panorama civilizatorio de más de 3 mil años, y plantear preguntas e imaginar cómo era la vida de esos hombres y mujeres que habitaron en la costa atlántica de México.
La directora ejecutiva del Museo Pointe-à-Callière, Anne Elisabeth Thibault, destacó en un boletín de prensa, que la emoción palpable en todos los colaboradores del recinto a su cargo, por recibir temporalmente los 272 objetos patrimoniales que integran a la muestra, cada uno de los cuales es testigo de la grandeza de múltiples civilizaciones de raíz olmeca.
"La colaboración entre nuestras instituciones es testimonio del compromiso compartido por promover el entendimiento intercultural, por ello, agradecemos a todos los que han hecho posible este esfuerzo. Su contribución creará, sin duda, experiencias enriquecedoras e inolvidables para nuestros conciudadanos y visitantes", expresó la Directora del Museo.
Asimismo, a dicho país del norte llegaron piezas arqueológicas y objetos etnográficos que narran parte de la historia y evolución de la cultura olmeca; que se mantiene viva en los pueblos huastecos, nahuas, totonacos, zoques y otomíes de nuestro país.
Además, se preparó un programa de actividades con recorridos guiados, conferencias y una publicación especial, realizada en colaboración con la revista Beaux-Arts, dedicada a la exposición y en la cual se ofrecerán contenidos complementarios a la misma.
Fotos cortesía de Erick Meyenberg
El artista visual Erick Meyenberg y Tania Ragasol, abordan la migración y la identidad cultural.
El artista Erick Meyenberg representa a México en la 60ª Exposición Internacional de Arte de La Biennale di Venezia con una extraordinaria videoinstalación llamada Nos marchábamos, regresábamos siempre, con la curaduría de la gestora independiente de arte contemporáneo Tania Ragasol.
Esta intervención estará disponible hasta el 24 de noviembre de 2024 en el Pabellón México en la Bienal de Venecia, en Venezia, Italia, y entabla un diálogo con más de 87 pabellones de 87 países.
Erick Meyenberg plantea un dilema fundamental con su obra, en donde parece que todos somos extranjeros donde quiera. La obra exhibe que la condición de extranjería se puede estar viviendo aun no habiendo emigrado a otro país; no sabiendo si la pertenencia en realidad está fijada por la historia, los afectos o los tránsitos que hoy en día la movilidad humana plantea. No es la geografía, la historia o el lenguaje lo que define esas construcciones, sino una realidad en la que nos movemos permanentemente.
No obstante, México ha recibido personas que han tenido que dejar sus raíces o sus orígenes por guerras, por dictaduras, por desastres ambientales o solo porque se enamoran de un país tan diverso. La poética transdisciplinar de Meyenberg, que va de lo visual al lenguaje del movimiento, que transita por las emociones y los afectos de todas las personas que nos vemos reflejadas en una mesa.
El artista creó cerámica para poder desfigurar y transfigurar esas emociones que significan en una mesa compartir los dilemas, las nostalgias, las promesas incumplidas, los sueños, los compromisos; es ahí donde México se enriquece con esta obra poética de Meyenberg y de Tania Ragasol.
Esta propuesta artística habla de la hospitalidad, reconocer que todo proceso migratorio tiene muchas capas de dolor y de pérdida, pero ante una mesa se pueden crear lazos profundos de humanidad, es en donde caben todos esos gestos casi ancestrales, primigenios, que más allá de fronteras y de nacionalidades, nos pueden unir a todos como seres humanos y en donde podemos proyectarnos. Por eso en la videoinstalación hay una mesa blanca, una especie de pantalla en donde cada uno puede proyectar sus memorias.
El trabajo de Tania Ragasol evoca de una manera poética tanto el trayecto de quien migra, de una familia de migrantes, como la posibilidad de un momento, aunque sea un instante, de pertenencia alrededor de una mesa. Es un tributo a aquellos que están por llegar a una nueva realidad de vida, es una invitación a apreciar aquello que nos parece extraño para imaginar conexiones a partir de las maneras más íntimas que tenemos en común todos los seres humanos, como puede ser un beso, un guiño, una caricia, como eso vital que nos une más allá de fronteras, coordenadas, límites.
Sin duda una videoinstalación que nos hace mirar el tema del encuentro, siendo Extranjeros por todas partes. Además, es una exposición representativa de la práctica de un artista mexicano de ascendencia alemana y libanesa, que sabe bien sobre la condición dual y en construcción identitaria del migrante como extranjero, en su tierra y fuera de ella, cuantas veces intente recuperarla. Es una instalación con esculturas de cerámica que combinan elementos de México, Italia y Albania, reflexiona profundamente sobre temas como la migración, la búsqueda de pertenencia y la perenne condición humana de buscar raíces en un mundo transitorio.
Fotos cortesía de davidmfoto
David Hanes-González retrató el box que se viven en los barrios de la CDMX.
David-Hanes González es un mexico-americano que llegó a nuestro país con el fin de conectarse con sus raíces mexicanas, en particular con el boxeo mexicano. Fue cuando descubrió el increíble impacto que tiene México en el box, cuando se propuso crear un proyecto en torno a esta cultura.
Así se cargó de su cámara, y un proyecto que era de dos semanas se convirtió en todo un proceso de dos años, con el fin de crear una conexión mucho más profunda con el país de origen de su familia. Este fotógrafo nacido en Chicago llegó a vivir a México en la pandemia y con muy poco conocimiento de español.
Para Hanes-González el estilo del boxeo mexicano es un reflejo del carácter nacional. En realidad llevó a cabo un proyecto fotográfico bastante interesante. Se trata de fotografías en blanco y negro, pero no son las clásicas fotos de Canelo, o De la Hoy en el ring. Se trata delos combates de la vida diaria, de los barrios y las comunidades capitalinas.
Y es que para muchos amateurs que comienzan en el mundo del boxeo en la Ciudad de México, es una salida única, disciplinada y dedicada para lograr subirse al ring y tener una mejor consciencia de su futuro. Se trata de un proyecto fotográfico de comunidad, evitar los clichés y registrar con su cámara algunos de los gimnasios de box, en lugares como La Merced, Tepito, la Guerrero, Tacubaya, el pueblo de Santa Fe, en la capital, y en municipios del estado de México.
Una de las imágenes favoritas que han marcado a este fotógrafo, es la del boxeador Salvador Pelón Juárez, quien aparece frente a una cruz en uno de los cerros del municipio mexiquense de Chimalhuacán.
Fotos cortesía de @joelmerinoart
Joel Merino lleva la tradición y cultura de Oaxaca a varias partes del mundo.
Joel Merino es un artista que representa a la comunidad de San Juan Copala, un municipio autónomo de Oaxaca, que siguió el ejemplo de los Zapatistas de Chiapas para abogar por su pueblo. Como muchos artistas oaxaqueños, ha tenido que superar muchos obstáculos para continuar haciendo su arte; además de llevar su talento y amor por la comunidad triqui a otro continente.
Merino se inició en la pintura de pequeño. Experimentaba con caricaturas y con el paso del tiempo desarrolló su potencial y decidió seguir en la búsqueda de técnicas y tipos de pintura, hasta que conoció a un corredor de arte, esto originó en Merino López un gran interés en la pintura clásica, y al paso del tiempo conoció otras técnicas y expresiones culturales.
Más tarde se enfocó en el grafiti, con la cual se abrió paso al mundo artístico y en el año 2014 comenzó a realizar obras de su propia autoría. La Comisión Nacional para el Desarrollo de los Pueblos Indígenas en Querétaro, fue la primera en abrirle sus puertas tras ver su trabajo, de ahí lo invitaron a plasmar su obra en la oficina de la comisión; después de esta experiencia, se interesó más por trabajar murales con la temática de su comunidad de origen.
Hoy en día, su fuente de inspiración para realizar su trabajo es su familia y su pueblo natal que engloba la cultura triqui, este tema lo ha llevado a trascender fronteras no nada más de su estado sino del país, llegando a pintar en algunos países europeos.
Sus exposiciones han pasado por algunos estados de México como lo son Querétaro, Veracruz, León, Tijuana y Oaxaca. Fuera del país se ha presentado en países europeos como Suecia, Bélgica y Francia y, en el 2017, logró conseguir dinero para poder llegar a París en busca de posicionar su obra y cultura. En la capital del arte y del amor lo recibió con los brazos abiertos y Merino consiguió realizar murales en emblemáticas calles de la ciudad luz, resaltando las costumbres, vestimenta y tradiciones de su pueblo pero sobre todo dejando en alto a su país.
Asimismo, el pintor triqui, Joel Merino López, hizo una gira de trabajo con la comunidad migrante triqui en Estados Unidos, donde fomentó la cultura de su comunidad, San Juan Copala. Además, pudo visitar las ciudades de Albany en Nueva York, además de Chicago y Las Vegas.
Tanto las pinturas como los proyectos de Merino, resaltan a la comunidad triqui, además de dar a conocer parte de la cosmogonía de las comunidades originarias de México. Asimismo, busca que la imagen de Copala no se quede en la idea de la ropa típica, artesanías, ni las problemáticas sociales de la región, más bien espera que a través del arte con sus pinturas se dé a conocer.
Sus obras llevan títulos en el idioma triqui con traducción al español para que la gente conozca la lengua madre del artista, buscando preservarlo para las próximas generaciones.
Fotos cortesía de INAH
Estas 22 piezas pasarán a formar parte del patrimonio arqueológico mexicano.
22 piezas arqueológicas pertenecientes al patrimonio mexicano, fueron devueltas por una familia de Filadelfia, Estados Unidos, que otorgaron los ejemplares de manera voluntaria para reintegrarse a los museos mexicanos; a través del Consulado de México en Filadelfia y el Centro Cultural Mexicano (CCM).
La recepción de las piezas se realizó a través de una ceremonia, donde se reconoció a la familia Landau, quienes coleccionaban los artículos, además del trabajo de la Secretaría de Cultura federal, a través del Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH), y la Secretaría de Relaciones Exteriores (SRE).
"Leonard Landau era un amante del arte mexicano y le gustaba coleccionar piezas arqueológicas. Después de su muerte, su esposa e hijos consideramos que lo correcto era devolverlas a México y tuvimos la suerte de encontrar el Centro Cultural Mexicano de Filadelfia", señaló la familia durante la ceremonia.
Asimismo, en octubre pasado, la familia Landau decidió entregar de manera voluntaria 29 piezas al CMM, dada la posible relevancia histórica y cultural de los elementos en cuestión, el Consulado de México en Filadelfia y el CCM acordaron verificar su autenticidad ante el INAH, con el apoyo de la SRE.
En ese sentido, se llevó a cabo un dictamen de las 29 piezas y un arqueólogo del Instituto, especialista en culturas precolombinas, quien concluyó que 22 de ellas, entre las cuales destacan figuras antropomorfas y vasijas, concuerdan con artefactos elaborados por diversas culturas mesoamericanas que habitaron México entre los años 400 a.C. y 1521 d.C., por lo que se les considera patrimonio arqueológico de la nación.
Por otro lado, las otras siete piezas fueron dictaminadas como de reciente manufactura o que no se puede determinar su origen por el estado de las mismas. Tras todos los dictámenes se coordinó la entrega de las piezas, para que lleguen a México para su investigación, conservación y cuidado.
Durante la entrega de las piezas, el cónsul mexicano en Filadelfia, Carlos Obrador Garrido, resaltó la atención de esta administración a la recuperación y "rematriación" de piezas arqueológicas. "Celebramos que se haya podido concretar el retorno a nuestro país de estas 22 piezas, mismas que nunca debieron haber salido de México”, dijo Garrido.
Fotos cortesía de Ternurines México
Los Ternurines están de vuelta en toda la Ciudad de México.
El coleccionismo, la moda retro y la nostalgia han traído el regreso de los llamados Ternurines, al grado de que muchos jóvenes se han vuelto amantes de estas pequeñas figurillas.
Se trata de Sylvanian Families, unas figuras coleccionables que surgieron en Japón y, pero que en América se vendieron como Calico Critters y en México los llamaron Lindos Ternurines. Hoy en día son apreciados por niños y adultos, porque son juguetes atractivos para los menores y objetos de colección, con algunos ejemplares alcanzando altos valores en el mercado en línea.
De hecho, la línea de juguetes con el nombre de Sylvanian Families salió al mercado en 1985, y en 1993 fueron rebautizados y lanzados en los Estados Unidos como Calico Critters. La primera línea de Sylvanian Families en Japón incluía una casa, 11 muebles y 9 familias de animales, como los osos Timbertop y Evergreen, los conejos, ratones, conejos grises y los topos llamados McBurrow.
Cada familia tiene características animales realistas, como pelaje, bigotes y colas, así como su propia personalidad, ropa e historia de fondo, lo que los hace perfectos para el juego imaginativo. Forman parte de una colección que incluye juegos, muebles en miniatura e incluso vehículos de juguete para que puedas crear un mundo lleno de criaturas, casas, tiendas y transporte.
Estas figuras son fabricadas en Vietnam y China, pero la empresa que los produce, Epoch Co., Ltd., tiene su sede en Tokio, Japón. Dicha empresa japonesa de juguetes y juegos que existe desde 1958, y está clasificada como la tercera empresa de juguetes más grande de Japón. Se especializa en crear juguetes de alta calidad para niños que fomentan el juego imaginativo. De hecho, la línea Calico Critters es una de sus colecciones de juguetes más populares, amada tanto por niños como por padres.
Estos coleccionables surgieron de la combinación de casas de muñecas y figuras animales con un toque humano. Las primeras ediciones de los Ternurines estaban hechas de cerámica y madera. Años más tarde, los juguetes evolucionaron con el uso de plástico y metal para aumentar su durabilidad y resistencia, que suelen romper con facilidad la tela o la cerámica. Cada personaje posee su propio nombre, fecha de nacimiento y personalidad, lo que fomenta la creatividad y desarrollo de habilidades sociales y emocionales en quienes juegan con ellos.
Como muchas cosas vintage, Los Ternurines se han convertido en una sensación en redes sociales y las tendencias de compra en línea son un producto de la firma Epoch. Con casi 40 años de existencia, hay algunas figuritas que pueden llegar a valer hasta 11 mil pesos en las subastas de los coleccionistas.
Algunas figuras se han convertido en raros objetos de deseo para coleccionistas, evaluándose a precios altos en el mercado de segunda mano. La figura denominada "White Chocolate Rabbit", fue vendida en 700 dólares en una subasta en Ebay durante el año 2023.
Asimismo, los Sylvanian Families son muy populares en plataformas digitales como TikTok, donde usuarios realizan parodias y cuentan historias utilizando estas figuras. En la Ciudad de México, los aficionados a los Ternurines tienen varias opciones para comprar estos preciados compañeros:
Tianguis de juguetes de Banderas
Fan Center de Eje Central, en el Centro Histórico de la CDMX.
Cong Cha Condesa
Jugueteria Eliacim, en el Centro Histórico.
Fotos cortesía de Archivo Emotivo
El Mariachi Potosino logró hacer una gran historia en la ciudad de Chicago.
Este museo de Estados Unidos le rinde un homenaje a la historia de José Cruz Alba (1918-2002) y su viaje como inmigrante desde Durango a Chicago. Es una exposición llena de fotografías antiguas, videos, recortes de periódicos y entrevistas a familiares que muestran la trayectoria del Mariachi Potosino, que fue más que reconocido en Chicago.
La mayor parte de lo que se escribe sobre la historia del Mariachi en Estados Unidos no reconoce a los estados del Medio Oeste y a ciudades como Chicago como centros importantes de actuación del Mariachi. Pero viaje musical del Mariachi Potosino ayudó a establecer al género musical y al mismo tiempo reflejar el crecimiento de la identidad cultural mexicana en todo el país.
El Mariachi Potosino se fundó en 1958 y terminó en 2019, siendo una parte integral de celebraciones familiares, eventos comunitarios, desfiles de la ciudad, protestas y reuniones políticas en las comunidades mexicanas de Chicago y más allá. De hecho, la música de este Mariachi se convirtió en un símbolo de identidad, un referente cultural inmediatamente y un puente hacia casa.
José Cruz Alba fue un músico y activista, que conoció a Richard Nixon, a miembros del Partido Pantera Negra, Richard J. Daley y Jane Byrne. Fue el director del Mariachi Potosino por más de 60 años, y tocó en todos los rincones de Chicago; además de dar serenatas y tocar en bodas, cumpleaños, bautizos y más celebraciones.
Este Mariachi tenía seis mexicanos que tocaban en Chicago en la década de 1960. Llevaban sombreros, trajes de charros y ahora están en una galería del Museo Nacional de Arte Mexicano en Pilsen, Chicago. El Mariachi Potosino también estuvo presente en un mitin de JFK en 1960, tocaron para Robert Kennedy y muchas personalidades más.
En los años 60 en Estados Unidos, ser mexico-americano no era nada fácil, ni mucho menos lo era ser obrero toda la semana y reinventarse como mariachis los fines de semana. Es por eso que el Mariachi Potosino fue una novedad en Chicago. Aparecieron en la televisión local, y tuvieron un éxito menor en la radio regional con una canción de amor con tintes de bolero. Aunque el resto de los miembros del mariachi iban y venían, José Cruz Alba siempre fue el director.
José Cruz Alba murió en 2002, varios años después de sufrir un derrame cerebral. Es por eso que el mariachi es homenajeado en el Museo Nacional de Arte Mexicano con un nombre bastante elegante: Mariachi Potosino: The Sound of Home (Mariachi Potosino: el sonido de casa). El Museo Nacional de Arte Mexicano, se encuentra en 1852 W. 19th St., Chicago.
