Arte y Cultura
Guía práctica para preparar un altar de día de muertos en casa
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Los colores, tonalidades, aromas y sabores pretenden entonces convertir la experiencia de la muerte en una especie de dicha para recordar a los difuntos con animosidad.

 

Consejos para crear tu propio altar de Día de muertos.

 

El Día de muertos es una increíble festividad mexicana en donde se rinde homenaje a los antepasados que nos guiaron en vida. Esta fecha se deriva de la creencia mexica que las mariposas cruzaban el Inframundo trayendo en sus alas, por una sola noche, a los espíritus de los difuntos.

De hecho, de acuerdo con el calendario prehispánico, esta fecha se consagraba al señor de los muertos, Mictlantecuchtli. A él se le brindaba una ofrenda o un altar durante cinco días –desde el 30 de octubre hasta el 3 de noviembre en el calendario gregoriano–, en la cual se rinde un pomposo homenaje a las almas de los niños el día 31 de octubre, y a los adultos a medio día del 1º de noviembre.

Desde entonces, este homenaje a la muerte, como si el pavor ante ella pudiera desaparecer con estas embelesadoras ofrendas –casi como si pudiera escoger calmar su ira por unos días–, se ha vuelto una costumbre a lo largo y ancho del país. Los colores, tonalidades, aromas y sabores pretenden entonces convertir la experiencia de la muerte en una especie de dicha para recordar a los difuntos con animosidad.

Por esta razón hemos decidido compartirte algunos consejos para crear tu propio altar de Día de muertos, y rendir un homenaje, con tu propio estilo, a la muerte y a la vida. Para ello, necesitas los siguientes elementos:

  • Flores de cempasúchil –o la “flor de veinte pétalos”–. Se dice que sus pétalos son utilizados para trazar caminos que dirigen a las almas de la entrada del hogar a la ofrenda, además de colocarse en floreros y arcos.
  • Arcos, los cuales representan la puerta que da la bienvenida a los fieles difuntos.
  • Calaveritas de azúcar o de amaranto.
  • Pan de muerto, hay de todo tipo en la ciudad, aquí algunas recomendaciones.
  • Papel picado, el cual se cree que representa al aire, uno de los cuatro elementos omnipresentes en la ofrenda.
  • Agua, que se encargará de saciar la sed de las almas viajeras. Se trata de uno de los cuatro elementos básico de la naturaleza.
  • Retrato del difunto. Un gran símbolo de reminiscencia y celebración de la vida después de la muerte.
  • Incienso o copal, el cual es otra representación del aire y guía olfativa para los fieles difuntos que “nos visitan”.
  • Color morado, pues es el tono tradicional del luto.
  • Veladoras, como la representación del fuego. Se trata de un elemento para iluminar su camino a casa.
  • Platillos y bebidas preferidas del difunto, como el mole, pozole, tequila…
  • Dulces mexicanos para las almas de los niños.
  • Frutas. Como por ejemplo, la caña, pues representa los huesos de los difuntos.

La encantadora danza del Ballet Mexicano de la Discapacidad (VIDEOS)
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El Ballet Mexicano de la Discapacidad promueve la inclusión en la danza, y permite el desarrollo de habilidades de las personas con capacidades diferentes.

Ballet Mexicano de la Discapacidad.

 

La danza es una expresión de la bondad innata del cuerpo. Por esa razón, el movimiento del Ballet Mexicano de la Discapacidad se ha alejado de las terapias convencionales para darle paso a sus propios métodos, mecanismos y exploraciones corporales ad hoc a sus posibilidad expresivas.

Es por que en el proceso creativo del Ballet Mexicano de la Discapacidad (BMD) los participantes logran una gran evolución personal, sin necesidad de las técnicas rigurosas del ballet clásico, de modo que una persona con discapacidad pueda convertirse en un bailarín profesional.

El BMD se fundó en 2009 de manera independiente y la vía pública de una zona del Oriente de la Ciudad de México, donde trabaja con regularidad y se presenta de manera esporádica. Este hermoso Ballet ofrece educación superior en el campo del arte y la danza a personas con discapacidad, además de brindar una atención personalizada a nivel cultural y artístico.

Esta propuesta fue obra del genio David Serna, quien ha logrado posicionar al Ballet en México, como un espacio donde la discapacidad y el arte tienen voz. David se basa en las habilidades y capacidades de cada integrante, ofreciendo un tipo de danza honesta y auténtica emanada del proceso creativo y de las emociones de cada individuo.

Serna se acerca a la discapacidad de manera empírica con cada integrante del ballet, además de estudiar diversas danzas alrededor del mundo. Es así como encontró en los mudras en la danza clásica de la India gestos con las manos, incluyendo posiciones específicas con los dedos, muñeca y palmas-, una idea para desarrollar danzas artesanales para quienes se ven muy limitados en sus movimientos corporales.

Serna es miembro del Consejo Internacional de la Danza ante la Unesco. Cuenta con una academia de arte, ha creado el Coro Manos Amorosas, mujeres que “cantan” en lenguaje de señas y que son sólo las abuelas y las madres de muchos bailarines, a quienes acompañan en cada ensayo, en cada función y que están detrás de ellos.

La compañía BMD lleva más de nueve años de trabajo ininterrumpido, y es una de las pocas en el mundo en donde los bailarines son sólo personas con discapacidad, que se ha presentado en diversos recintos universitarios, tales como el MUAC, la Universidad de Chapingo y la Sala de Conciertos Elisa Carrillo. Además se ha representado a México en el Festival Internacional de Discapacidad en Colombia.

El trabajo del BMD ha influido en la inclusión social de las personas con capacidades diferentes, ya que cualquier persona que vea al Ballet consigue cambiar su concepción de la discapacidad. Aquí te dejamos otro increíble trabajo para que puedas apreciar más del arte del BMD.

La cancha más hermosa del país en el barrio que más la necesita (FOTOS)
Cristopher Garnica
All Arquitectura ha creado una vibrante cancha de fútbol y básquetbol para una de las áreas más pobres y violentas de la Ciudad de México.

La Doce es una increíble cancha de futbol y basquetbol en Valle de Chalco.

 

All Arquitectura es un despacho fundado en el 2013 especializado en Arquitectura, Interiorismo, Urbanismo e Investigación Arquitectónica, con sede en la Ciudad de México. Este asombroso despacho, además de estar comprometido con la acción social, ha obtenido grandes reconocimientos tanto nacionales como internacionales.

All Arquitectura desarrolla diseños de pequeños espacios de trabajo y vivienda, hasta hoteles y oficinas para plantas de producción. El plan a seguir de este despacho arquitectónico, es convertir a la arquitectura en un medio para fomentar el desarrollo humano y, al mismo tiempo, impulsar una cultura basada en la eficiencia y la arquitectura sustentable.

Uno de los proyectos que llevó a cabo esta filosofía de trabajo, es La Doce en colaboración con la plataforma Love.fútbol, una organización sin fines de lucro que restaura y regenera campos deportivos en áreas marginadas de ciudades de todo el mundo. En este caso, mejorar las instalaciones de Valle de Chalco, una de las ciudades con los índices de violencia más altos del Estado de México, al oriente de la ciudad. Es el hogar de muchos grupos indígenas, y un vecindario cercano a Ciudad Nezahualcóyotl e Ixtapaluca, que en conjunto forman el mega-barrio marginal más grande del mundo.

 

La Doce tuvo el patrocinio del equipo de fútbol del Reino Unido, Manchester City, All Arquitectura refrescó el deteriorado lugar para crear un espacio social para que la comunidad lo use, y Love.fútbol puso parte del dinero para el desarrollo.

La superficie de la cancha está cubierta con un patrón de tablero de ajedrez en dos tonos brillantes de azul. Los asientos de las gradas para los espectadores están protegidos por marquesinas metálicas; y un mural vibrante recorre todo el sitio detrás de los asientos. A la cancha le fue colocado un nuevo edificio con área administrativa, baños y espacio de almacenamiento, con espacio para reuniones educativas y comunitarias.

 

Además le fue agregado un patio de guijarros con equipos de gimnasio, como barras de pull-up y bolsas de ponche para hacer ejercicio al aire libre. Este principio  ha sido llevado a cabo en ciudades de todo el mundo, agregando tonos llamativos a las canchas deportivas para regenerar los barrios o como una acción  artística, y se pueden encontrar ejemplos en París , Nueva York , San Luis y la ciudad belga de Aalst .

El proyecto obedece a las necesidades siempre cambiantes de una zona históricamente importante para la Ciudad y el Valle de México que a través de su gente y su carácter forma parte de una periferia siempre presente, indomable, pero con los brazos siempre abiertos. Sin más, te dejo con las hermosas fotos de Zaickz Moz.

 

 

 

 

 

 

Carteles simétricos que reinterpretan el minimalismo colorido de Luis Barragán
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Composiciones geométricas que emulan a la inmortal estética del gran arquitecto mexicano, Luis Barragán.

Luis Barragán se distinguió por resolver las necesidades de espacio habitable con sobriedad y sencillez de las formas, y esta cualidad quedó para la posteridad. La disposición de las paredes, techos, y demás elementos, siempre forman un encuadre, como un cuadro abstracto. No hay visitante de su obra que no se lleve una impresión indeleble de los colores,  la arquitectura, y los estímulos visuales que muchas veces pueden pasar desapercibidos entre su obra, pero que en los extranjeros causan un impacto inevitable.

 

 

Tal fue el caso de la diseñadora gráfica catalana Ingrid Picanyol. Después de vivir una temporada en la Ciudad de México colaborando con el impecable estudio de diseño by Futura, Ingrid quedo fascinada por la obra del reconocidísimo arquitecto mexicano, Luis Barragán.

Y en esta abstracción, consigue un algo indecible, muy mexicano; con ello nos referimos a una esencia que incluso salta prehispánica, mezclado con el color y la gracia de la biodiversidad del país, y todo ello, en espacios minimalistas, acaso lo más increíble de todo. Sus formas y evocadores espacios dan pie a la reflexión, contemplación, y claro, la inspiración y la reinterpretación.

Estos carteles hacen honor al único mexicano en ganar el Pritzker, el más importante premio de arquitectura a nivel mundial. Las formas de los pósteres recuerdan la propia casa del finado arquitecto, inmueble que ha sido declarado por la UNESCO como un patrimonio cultural de la humanidad. Las líneas contundentes que solía emplear Barragán se hacen presentes en la pieza-

 

 

 

 

 

Los hermosos sonidos del México Colonial (VIDEOS)
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Al comenzar los años de la conquista española no solo se combinó la sangre; también se mezclaron sonidos y una gran variedad de instrumentos.

La música de la época colonial.

 

La llegada de los españoles a la gran Tenochtitlan, la caída y progresiva conquista de los mexicas trajo consigo cambios radicales, nuevos artefactos y un mestizaje que a la fecha sigue presente en México. Los españoles trajeron caballos, enfermedades, armas de fuego, soldados envueltos en armaduras, nuevos ritos, costumbres y con ello nueva música, instrumentos bailes y tradiciones culturales.

Los españoles trajeron consigo, sobre todo, música religiosa; que sustituyó, poco a poco, la música profana y guerrera de los aztecas. Los españoles también trajeron una serie de instrumentos musicales desconocidos en nuestro continente y heredados a su vez de otros pueblos como el judío y/o el árabe. Pero estos nuevos instrumentos también tuvieron un fin: someter al mandato de la corona española. Y para llevar a cabo ese propósito, se tuvo que evangelizar y “civilizar” a los indígenas; pero no se pueden transformar siglos de sabiduría e historia, y lo que fue sucediendo forjó una nueva manera de ser: el mestizaje.

Como para los españoles era vital transformar a la multitud de tribus en cristianos, la evangelización fue arrasadora en los años coloniales. Se construyeron muchas iglesias, capillas, conventos y monasterios en todo el territorio, y junto con eso se enseñaba la doctrina cristiana, se bautizaba con nombres decentes a los indios y se enseñaba a cantar, tocar instrumentos y hacer misas como dios manda.

Quizá las primeras melodías que escucharon los indígenas durante la colonia, fueron los cánticos cristianos de la misa, las piezas que musicalizaban las representaciones del Nacimiento de Jesús, de los Reyes Magos, e inclusive de Santiago apóstol. También las piezas que formaban parte de las fiestas patronales que surgieron al dar nombre cristiano a los poblados.

Durante el periodo colonial (1521-1821) la música floreció en torno al ámbito eclesiástico; ya en el primer cuarto del siglo XVI comenzó a penetrar en México la música culta europea, en forma de cantos litúrgicos. Las misas se acompañaban de cantos corales en latín, obras a la manera Europea y diversos instrumentos musicales: flautas de madera, cornetos de marfil y/o madera, trompetas, chirimías (oboe antiguo), corno francés, sacabuches (trombón), bajones (ancestro del fagot), un gran número de percusiones, y por supuesto los instrumentos de cuerda: guitarras barrocas, violines, violas, raveles, arpas, salterios, y el majestuoso órgano que florecería dando bellísimos ejemplares en el continente.

Juan de Zumárraga (1468-1548), aconsejaba a los misioneros que emplearan la enseñanza de la música como una vía de acercar a los indígenas a la verdadera fe y lograr su conversión. Fray Pedro de Gante (1480-1572) fundó la primera escuela de música, en Texcoco; tres años más tarde, la institución trasladaría su sede a la Ciudad de México. En esta escuela, los indios eran instruidos en los secretos del canto llano y de la instrumentación, y los primeros alumnos difundieron sus enseñanzas a través de toda la colonia.

Veinte años después de la conquista, los indios ya componían en el idioma europeo, copiaban manuscritos y fabricaban sus propios instrumentos, a excepción de los órganos. La primera obra india que se conoce es una misa compuesta en Tlaxcala, en 1540. Además, se fundó una biblioteca de música religiosa a partir de copias de material procedente de Europa. Durante estos siglos llegaron a México compositores y músicos europeos que contribuyeron de manera decisiva a la difusión de estilos y formas musicales del Viejo Continente.

Ya en 1539 existió una imprenta en México que imprimió trece libros litúrgicos con música. En 1556 se publicó el Ordiunarium de la misa, la primera edición musical mexicana y, al parecer, de toda América. Los restantes aparecieron entre 1560 y 1589 además de las coplas, villancicos y piezas teatrales musicadas, ambientadas en la Pasión y las celebraciones de Navidad.

Muchas obras de maestros españoles de la polifonía (Cristóbal Morales, Francisco Guerrero o Tomás Luis de Victoria), se enviaban al Nuevo Mundo poco después de su publicación en la metrópolis; los archivos catedralicios de Sevilla o Toledo hacían llegar estas composiciones a las catedrales de Puebla y Ciudad de México.

Así fue que rápidamente, cientos de jóvenes indígenas darían de que hablar al mundo. Con los años, México exportaba a Europa violines y guitarras y los músicos mexicanos comenzaron a aprender también las materias propias de la usanza Española, contrapunto, armonía, solfeo, polifonía y orquestación.

En el siglo XVII, la ciudad de Puebla experimentó un extraordinario desarrollo musical, que alcanzó su punto culminante durante el obispado de Juan de Palafox y Mendoza (1639-1653), una etapa de notable prosperidad. Gutiérrez de Padilla está considerado como el más relevante de los compositores mexicanos de la centuria. Su música para doble coro incluye misas, motetes, himnos y lamentaciones. Junto a Gutiérrez de Padilla están los nombres de Francisco López Capillas o Miguel Mateo Dallo y Lana, que realizó versiones polifónicas de los villancicos de sor Juana Inés de la Cruz.

Con los años, el sincretismo musical y las diferencias y desigualdades marcas por los españoles entre blancos e indígenas, criollos y mestizos, entre la mezcla de las sangres, se derivó en algo nuevo. Aunque no se permitía tocar con huéhuetls o teponaztlis en la iglesia, fuera de éstas, las cosas se iban mezclando de manera muy singular y según la región donde se estuviera, el fenómeno sucedía distinto; hasta dar con un vihuela de mariachi y una jarana huasteca o una guitarra chamula, que si bien su origen es el mismo (la guitarra barroca) son muy distintas en cuanto a los materiales, afinación y géneros que la acompañan.

Lo mismo sucedería con arpas, violines, violas, flautas, chirimías, percusiones y demás instrumentos; y lo mismo en las zonas donde hubo más negros, la música tiene una clarísima influencia, como es el caso de Veracruz o la costa chica de Guerrero y Oaxaca, donde llegaron instrumentos como la marimba, el marimbol y nuevas percusio