Nuestra ya conocida selección mensual de exposiciones en CDMX.
Lo museos, galerías, foros y en realidad cualquier espacio que nos muestre realidades personales, co-existiendo en armonía, son símbolo de una cultura colectiva fértil, que más allá de exhibir subjetividades de entretenimiento, fungen como herramientas esenciales para la estimulación de la sensibilidad y la creatividad. Es importante no olvidar alimentarnos de estas ideas que al fin y al cabo se pueden lograr trascender; robarlas, llevarlas más allá de su origen y volverlas nuestras, como parte de una vivencia propia que está enriqueciendo nuestro palacio de cultura.
La siguiente, es una selección con algunas buenas exposiciones que intenta destacar lo mejor que puedes ver en algunos de los recintos culturales que estarán haciendo ruido durante el mes de Marzo:
El Arte de la Música / Palacio de Bellas Artes
*Hasta el 5 de junio
Desde el Museo de Arte de San Diego, la exposición Art of Music pretenderá indagar en la estrecha relación entre la música y distintas artes de todas las épocas. A través de obras de autores clave como Rufino Tamayo, Pablo Picasso, Heri Matisse, Salvador Dalí, entre otros, se entablará un diálogo visual sobre la importancia de la música como inspiración y trazo armonioso en la vida de estos autores.
Dirección: Av. Juárez, Centro Histórico, 06050 Ciudad de México
Jerome y Joel-Peter Witkin son dos gemelos artistas cuyas pinturas y fotografías, propiamente, nos exponen la mortalidad, el atrevimiento y la desesperanza al borde de la locura. La fotografía de Joel-Peter ha sido famosa por la yuxtaposición de cadáveres reales de animales y humanos dentro de escenas que mimetizan clásicos de la pintura. Por su parte, Jerome ha hecho pintura figurativa épica. Jerome destaca en su trabajo su pésame por las situaciones trágicas a las que las personas sobreviven y describe su trabajo como "relatos existenciales". Ambos artistas son maestros de la creación de narrativas en sus imágenes y comparten una extraordinaria habilidad para transportar a sus espectadores al interior de sus tétricos imaginarios.
El arte de lo efímero / Galería de la Cineteca Nacional
Se trata de una exposición que funciona como homenaje al trabajo del cineasta húngaro Gunther Gerzso. Tras 100 años de su nacimiento, la colección da a conocer más de 200 bocetos originales del libro ?El arte de lo efímero?.
Dirección: Cineteca Nacional. Av. México Coyoacán 389, Xoco.
Boris Viskin. La bellezallegará después / Museo de Arte Moderno
*Del 13 de marzo al 14 de agosto
En La belleza llegará después, Viskin se muestra revolucionado, cargado de incoherencia y esperanza. De pintura a la escultura, pasando por el relieve, el ensamblaje, el arte objeto, la instalación. De inmaterial emocional a curaduría libre. De ilusión jovial a sabiduría de la madurez. El paso del tiempo sólo está en la memoria, y de eso se trata Boris Viskin, un mexicano que expande sus recuerdos.
Dirección: Av. Paseo de la Reforma S/N, Miguel Hidalgo, Bosque de Chapultepec I
El futuro no es de nadie todavía / Museo de Arte Carrillo Gill
*Hasta el 22 de mayo
Eugenio Ampudia es en la actualidad uno de los artistas españoles más reconocidos. Su trabajo indaga, bajo una actitud crítica, sobre los procesos artísticos, el artista como gestor de ideas, el papel político de los creadores, el significado de la obra de arte, las estrategias que permiten ponerla en pie, sus mecanismos de producción, promoción y consumo, la eficacia de los espacios asignados al arte, así como sobre el análisis y experiencia de quien las contempla e interpreta. La intención final es que el público reflexione, que las obras transmitan a la cabeza, y cambien la mirada del espectador. Con esta exposición, el artista señala los aspectos no visibles de la realidad, las articulaciones invisibles del conocimiento y la ausencia. Compuesta por videoinstalación, instalación, fotografía y obra gráfica, la muestra suma más de 20 obras, cinco de ellas realizadas in situ en producción colaborativa con el Museo de Arte Carrillo Gil.
Dirección: Av Revolución 1608, San Ángel, Álvaro Obregón
José García Narezo surrealista mestizo / Casa-Estudio Diego Rivera y Frida Kahlo
*Hasta el 3 de abril
La exposición presentará algunas de las obras del pintor surrealista, José García Narezo, uno de los grandes artistas que vinieron de España durante el exilio, y quien desapareció prácticamente del circuito visual de nuestros días. Narezo incursionó, por un lado, los lenguajes modernos de las vanguardias europeas, especialmente el surrealismo, y por otro, las técnicas de la Escuela Mexicana de Pintura a partir de 1946. La muestra está integrada por 45 pinturas de la autoría de Narezo, las cuales pertenecen a colecciones particulares y una al Museo de Arte Moderno de Toluca. También serán exhibidos 51 objetos de material complementario, entre los que figuran libros, revistas, fotografías y documentos que ilustran el desarrollo de su vida profesional y personal. Leer más?
Dirección: Av. Altavista esq. Diego Rivera S/N, Álvaro Obregón San Angeline
El hombre que vio demasiado: Enrique Metinides (1946-2016) / Fotomuseo Cuatro Caminos
*Todo Marzo
Las retrospectivas de ambas exposiciones que inauguradas el 20 de febrero, son un interesante híbrido que pretende dialogar con el espectador sobre la fragilidad humana a través del impacto, pero tratando de enaltecer la vida, de encontrar la belleza en el drama y el sufrimiento a través de un ejercicio de empatía. El hombre que vio demasiado, será la exposición que reúna las mejores fotografías del legendario Enrique Metinides, el poeta de la imagen dramática. Los retratos de Metinides navegan sobre una línea muy delgada entre la polémica de la nota roja y el arte de capturar las emociones al límite de un escenario o de un rostro. La precisión milimétrica de su presencia en los hechos y la inhibición ante el peligro le han permitido lograr quizás, las mejores fotografías de la ciudad de México al borde de la muerte.
Dirección: Calzada Ingenieros Militares 77, Lomas de Sotelo, 53390 Naucalpan de Juárez, MEX
Los vestidos e Dolores del río / Galería de la Cinética Nacional
También en la nueva galería de la Cinética. Se trata de la muestra exhibe los vestuarios que la actriz Dolores del Río utilizó en diferentes obras de teatro y filmes. La restauración corrió a cargo de José Renato Camarillo e Itala Schmelz.
"Corpus", Javier Marín / Antiguo Colegio de San Ildefonso
*Hasta el 20 de marzo
La exposición Corpus de Javier Marín intenta generar un acercamiento a la realidad del cuerpo, a la perfecta imperfección. Reúne una serie de esculturas hechas con un material u otro: barro, bronce, resinas, madera, mezcla de resina con carne seca, para develar las posibilidades donde el cuerpo se convierte en materia, en forma, en texturas que se desbordan. Leer más?
Dirección: Justo Sierra 16, Centro Histórico
Los Modernos / Museo Nacional de Arte
*Hasta 3 de abril
Esta exposición nos ofrece un panorama general sobre el desarrollo del Arte Moderno durante el siglo XX, a partir de una selección de más de 140 obras provenientes tanto del acervo del Museo de Bellas Artes de Lyon, Francia, como del Museo Nacional de Arte. Reúne a grandes pintores este periodo como Pierre Bonnard, Albert Gleizes, George Braque, Pablo Picasso, Henri Matisse, Fernand Lèger, Pierre Soulages, Francis Bacon, junto a Saturnino Herrán, Ángel Zárraga, Gerardo Murillo, Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros, José Clemente Orozco, Germán Cueto, Remedios Varo, Roberto Montenegro, entre muchos otros. Leer más?
Dirección: Calle Tacuba 8, Centro Histórico
Kostis Velonis “Part Company” y Stéphanie Janaina “Pièce de Résistance:Margot” /Casa Maauad
“Part Company” es el resultado de la residencia del artista griego Kostis Velonis en Casa Maauad curado por Andrea Torreblanca. El trabajo de Velonis evoca ideas contradictorias a través del uso de materiales simples. El artista se aproxima a la historia de la escultura del siglo 20 a través de respuestas cuidadosamente diseñados en madera, yeso, ladrillo y hormigón.
“Part Company” cuenta con una serie de esculturas, pinturas y vídeos creados durante los tres meses de residencia en la Ciudad de México y combina enfoques antitéticos de la vida en comunidad y la participación social desde dos figuras distintas del Modernismo Mexicano, el activista griego-mexicano Plotino Rhodakanaty (1828-1892) y el artista mexicano de origen alemán Mathias Goeritz (1915-1990).
Dirección: Casa Maauad, Ignacio Manuel Altamirano 20, Colonia San Rafael
Y si pudiera volar? ¿qué tan alto llegaría? de Jerónimo Hagerman / El Eco
Jerónimo Hagerman ha creado para El Eco una intervención que dialoga con la arquitectura de Goeritz, convirtiendo el lugar en un sensorium; un aparato o facultad sensorial, considerado como una unidad o un todo. La particularidad de esta denominación tiene que ver no sólo con la sensación y percepción de un entorno, sino también con la interpretación de éste. Su intervención es un espacio dentro de otro, en donde la luz se hace visible por medio de reflejos. Y también ocupa un espacio la vegetación; la cual crea un ambiente tanto para la congregación de personas, como para otros visitantes: los pájaros. Ampliando así el campo para el análisis que Hagerman a lo largo de su producción ha explorado, investigando los distintos vínculos emocionales y espaciales entre un sujeto y la naturaleza.
Dirección: Museo Experimental El Eco, Calle James Sullivan 43, San Rafael
Fotos cortesía de Arnulfo Allende
Chuchita podría ser la evidencia de la presencia de la cultura Olmeca en Puebla.
En 2010 se llevó a cabo una exploración arqueológica en La Casa del Mendrugo, en donde se descubrieron varios niveles de piso de la época colonial, una serie de basureros y lo más interesante fue que justo debajo de los niveles coloniales más tempranos, se localizó cerámica de tradición indígena con las formas, decoraciones y colores característicos de la alfarería del Horizonte Formativo.
Estos elementos hicieron que el equipo de investigadores extendiera la primera excavación, en donde se ubicaron cerca de treinta objetos como figurillas y pectorales de piedra verde, espejos de magnetita, pectorales de concha y puntas de proyectil de obsidiana que formaban parte de una ofrenda.
A dos metros de la ofrenda se localizó el entierro de Chuchita: una mujer de 1.20 m de altura y con una edad aproximada de 60 años al morir. Los antropólogos le llamaron "Chuchita", y encontraron que tenía evidencias de diversas patologías y lesiones de más de veinte años, durante el cual tuvo necesidad de cuidados y tratamiento especial.
Asimismo, se mostró que los materiales arqueológicos estaban asociados con la cultura Olmeca, lo que permitió ubicar a Chuchita entre los años 1500 a 1200 a.n.e. Se trata de un fascinante hallazgo, ya que fue la primera vez que Puebla contacta con evidencia arqueológica de artefactos cerámicos, líticos, arquitectura y restos de población humana en un mismo contexto.
De ahí, que el equipo de investigadores infirió que el Centro Histórico de Puebla existió como una aldea relacionada con la cultura Olmeca, ya que Chuchita es la habitante más antigua en la ciudad de Puebla que se haya encontrado hasta ahora. Tiene unos 3 mil 500 años, según los cálculos de especialistas.
Hoy en día, su osamenta reposa en un espacio subterráneo de la histórica casona, que además es restaurante y museo. El descubrimiento también arrojó que ella vivía en una comunidad a orillas del río Almoloyan o San Francisco, un valle en el que los ancestros prehispánicos practicaban la agricultura y la observación de astros.
Finalmente, se descubrieron indicios de un fuerte golpe en su cráneo; se cree, pudo estar relacionado con la muerte, aunque en una edad que ya se consideraba una mujer mayor y de respeto en la sociedad. El entierro de esta osamenta sobrevivió los siglos y también las obras de los primeros españoles en Puebla, que por fortuna fueron superficiales. Aquí te dejamos la información, por si quieres ir a visitar a Chuchita en la Casa del Mendrugo, y conocer más sobre su historia y este hermoso inmueble en Puebla.
Casa del Mendrugo
Dónde: Calle 4 Sur 304, Puebla, Puebla.
Cuándo: martes a domingo de 10:00 a 18:00 horas.
Entrada libre
Fotos cortesía de Jorge Monroy Arte
Jorge Monroy ha registrado dejado un gran registro con tinta y papel de Guadalajara.
El artista Jorge Monroy afirma que tiene un catálogo de 250 acuarelas de Jalisco, porque parte de su intención como artista es hacer que todas las personas conozcan los rincones más lindos de esta maravillosa ciudad.
En 1976, el periódico tapatío El Informador le pidió que cada semana entregara una acuarela con una condición: paisajes de Jalisco, en su mayoría, con lugares cercanos a la entidad. Por supuesto, para Monroy estoy fue como ganarse la lotería, ya que se combinaron sus pasiones de pintar y viajar, además de que le recibió un sueldo por hacerlo.
Después de 44 años de publicar ininterrumpidamente, cada domingo una acuarela, cuando el suplemento cultural llamado Pasaporte mostró 2 mil acuarelas del artista, de las cuales alrededor de 250 eran de lugares Jalisco. Dichas acuarelas hoy forman parte del acervo de la Fundación Carlos Álvarez del Castillo; sin embargo, el autor posee algunas copias.
Monroy es un acuarelista nacido en 1951, en Morelia, Michoacán, pero radicado en Guadalajara. Se inició en el arte, con el dibujo y la pintura y en 1968, ingresó a la Escuela de Artes Plásticas de la Universidad de Guadalajara, siendo sus maestros Tomás Coffen, Francisco Rodríguez Caracalla, Jorge Martínez y sobre todo, Alfonso de Lara Gallardo, bajo cuya guía y apoyo habría de descubrir ese género de expresión estética pleno de luminosidad y transparencia que es la Acuarela.
Para Monroy, la acuarela es la forma de expresión estética más afín a sus virtudes técnicas, y de hecho, es uno de sus más fieles exponentes. Es un pintor que dedicado, con una trayectoria de más de cincuenta exposiciones individuales, tanto en la República Mexicana, como en Estados Unidos, Sudamérica, Inglaterra y Bélgica.
Asimismo, este artista ha participado en innumerables exposiciones colectivas en nuestro Estado, en nuestro País y en el extranjero. Sus acuarelas se han venido imprimiendo con regularidad durante los últimos cuarenta años en diferentes suplementos del diario El Informador de Guadalajara. Sus pinturas y dibujos han ilustrado diversos carteles, revistas y varios libros de temas literarios.
También ha publicado “Portafolios” con reproducciones de sus mejores obras sobre los aspectos más atractivos y de mayor tradición de la ciudad de Guadalajara y otros lugares. En los últimos años, ha pintado varios murales en la Cámara de Comercio, en la Zona Arqueológica de Guachimontones en 2012 y más tarde en el Hospital Civil y en Centro Universitario de Ciencias de la Salud en año 2015.
Fotos cortesía de Galería Estilo Mexicano
La piratería de artesanías mexicanas tiene un impacto enorme en las comunidades indígenas del país.
Desde hace varios años se han tratado de combatir los miles de plagios, apropiaciones, imitaciones y piratería que ha sufrido el arte popular mexicano. Ningún estado mexicano se salva de algún plagio o de la piratería, ni las esculturas de Metepec, ni los bordados de Tenango, el barro negro de Oaxaca, ni las muñecas mazahuas o la talavera de Puebla.
Lo peor de todo es que los artesanos mexicanos son los que padecen más esta situación; ya sea porque hoy en día el mercado está repleto de artesanías Made in China, imitaciones de tianguis o incluso porque los diseños son plagiados -sobre todo excesivamente en el pasado- por diseñadores que más tarde venden sus artículos en tiendas de lujo.
A esto hay qué añadir que los artesanos no tienen piezas registradas como propiedad intelectual, derechos de autor, ni existen suficientes defensores de arte popular para tener una protección del patrimonio artesanal mexicano; sin mencionar otras tantas complicaciones que hay detrás de esto.
Asimismo, la piratería atenta contra la tradición artesanal y la cultura de México, y tiene un impacto económico sumamente grande, valorado por la Cámara Americana de Comercio (AMCHAM) en 69 millones de pesos.
Al respecto, Esperanza Ortega Azar, presidenta de la Cámara Nacional de la Industria de Transformación (Canacintra), advirtió que la delincuencia organizada moviliza más de 10 mil millones de pesos de productos de contrabando anualmente en México. La artesanía no está exenta de esta realidad. De acuerdo con la estimación más reciente, el trabajo de más de 11 millones de artesanos se ve afectada cada año, advirtieron.
Tan solo esta práctica ilegal supuso 69 millones de dólares hace una década, lo que representa 60 por ciento de las ventas totales, de acuerdo con la Cámara de Comercio, Servicios y Turismo de la Ciudad de México (Canaco).
Aunque la feria de artesanías Manos del Mundo forma a los artesanos mexicanos para que, a través del derecho de autor, protejan sus creaciones. Reconoce que actualmente hay vacíos legales. Un problema socava los cimientos de una industria centenaria: la piratería.
"Desde el delicado trabajo de los canteros de Michoacán hasta las creaciones de los artesanos wixárikas en Nayarit, la piratería ha surgido como una amenaza que pone en riesgo no solo la subsistencia de los creadores, sino también la preservación de una parte fundamental de la identidad cultural del país", afirmó la AmCham de Estados Unidos.
Para eliminar la piratería, recuerda que los artículos industrializados se ven mucho mejor confeccionados, son exactamente igual entre sí, y es posible distinguirlos, sobre todo, por su valor muy económico.
Pero toma en cuenta que al fomentar el consumo de artículos piratas, los artesanos quedan desplazados por la industria que elabora piezas de forma masiva, barata y de rápida elaboración y consumo. No permitamos que se pierdan las artesanías de nuestros pueblos, ya que son un sello que distingue a nuestro país, la identidad y cultura.
Fotos cortesía de Adidas Mx
Conoce esta campaña con artesanos mexicanos que combina arte, deportes y cultura en lienzos únicos.
Desde hace algunos años, Adidas ha lanzado algunos productos de inspiración mexicana, como sus tenis con características y diseño de la talavera mexicana. Esta ocasión lanzó otra fusión entre cultura y deportes, en donde los artesanos mexicanos tienen un papel relevante para crear piezas que celebran los juegos tradicionales latinoamericanos como los deportes modernos.
Esta colaboración única, realizada por Pentagono Art, que involucra a artesanos de Puebla, Michoacán y Oaxaca para darle vida a dos series de balones de fútbol esculpidos y tapices de lana tejida.
La serie de tapices de lana con pigmentos naturales, que fusiona la maestría artesanal mexicana con el mundo del deporte. Cada obra se despliega como una ventana abstracta a varios campos deportivos como fútbol, ??baloncesto, tenis y atletismo. La fusión de las emociones efervescentes vividas en los campos de juego se entrelaza con la pasión histórica imbuida en cada hilo.
Las alfombras son testimonios de la creatividad humana al crear historias combinando arte, deportes y cultura en un lienzo único. Los momentos efímeros se transforman en recuerdos perdurables a medida que se tejen en el tejido de la tradición.
Por otra parte, están los balones de fútbol hechos a mano, que hacen honor a los antiguos juegos de pelota azteca. Para hacer los balones, los artesanos utilizaron cuatro técnicas tradicionales, incluido el Barro Negro brillante y la Talavera ricamente detallada, incrustando en cada bola símbolos que narran historias de los deportes y la cultura aztecas, centrados en el icónico logotipo de Adidas.
Los tapices y los balones de fútbol son algo más que decorativos. Son un testimonio del rico patrimonio cultural de México y sus técnicas artesanales eternas. Al combinar lo antiguo con lo nuevo, estos artesanos preservan sus tradiciones y conectan con la cultura deportiva contemporánea, haciendo una poderosa declaración sobre la identidad y el patrimonio.
Esta colaboración resalta la belleza de la artesanía mexicana, fortalece los vínculos entre el arte tradicional y marcas globales, mostrando cómo las tradiciones locales pueden desempeñar un papel importante en los contextos modernos.
Fotos cortesía de National Museum of Mexican Arte
Carlos Cortéz Koyokuikatl fue un grabador y gran activista en los Estados Unidos.
Carlos Cortez fue un artista multidisciplinario dedicado a la poesía, grabado, fotografía, música, e incluso fue un muralista y activista político, miembro de la liga de Trabajadores Industriales del Mundo. Es un artista poco conocido en México, ya que nació en Milwaukee, Wisconsin siendo hijo de "un indio de pura sangre de México" y una madre socialista y pacifista alemana.
Además, este artista aprendió inglés, algo de alemán de su madre, pero nunca llegó a dominar la lengua de su padre; aunque en la posguerra trabajo como lavaplatos, albañil, empleado de tienda y peón en varias fábricas; hasta que se dedicó al arte como pintor autodidacta y alrededor de 1948 comenzó a enviar dibujos al Industrial Worker y a contribuir con historias ocasionales.
En los años 50 aprendió el medio por el que se haría más famoso: grabado. En la Industrial Worker tenía recursos limitados para convertir sus bocetos en planchas grabadas para usar en las prensas planas que producían el papel. Cortez notó que algunos colaboradores enviaban bloques de linóleo cortados que podían usarse directamente en la prensa. No le llevó mucho tiempo dominar las técnicas de creación de grabados en linóleo. Pero pronto, casi todas las ediciones del periódico incluyeron al menos una nueva impresión suya.
Con esto descubrió que los bloques de linóleo eran un elemento básico del arte de la Revolución Mexicana, así que estudió y adoptó las técnicas y temas de artistas como José Guadalupe Posada, mezclándolos con los grabados de la socialista y expresionista alemana Käthe Kollwitz.
Cortés se identificó cada vez más con su herencia mexicana, india y campesina. A mediados de los años 60, ya tenía una larga carrera como ilustrador, escribía artículos, poemas y columnas, además de que aprendió a hacer bloques de impresión con casi cualquier trozo de madera desechado para mejorar su grabado.
Un amigo griego de Carlos, le dijo que debía conocer a su hermana en Grecia. De hecho, mantuvieron correspondencia varios años, ahorró dinero, dejó su trabajo y cruzó el océano como pasajero en un carguero para conocer a Marianna Drogitis, de la que se enamoró y se comunicaban con gestos y pocas palabras de alemán que tenían en común. Regresaron a EU en otro carguero, se casaron y se establecieron en Chicago en 1965. Marianna fue la modelo para sus xilografías, incluidos desnudos amorosos y voluptuosos.
En esa época fue cuando hizo más carteles sobre la Revolución Mexicana, en papel de la carnicería y se negó a firmar o numerar impresiones. De hecho, cuando sus carteles comenzaron a atraer la atención del mundo del arte comercial, hizo saber que si alguna vez comenzaban a venderse a precios inflados, imprimiría más para mantener el costo bajo. Incluso lo hizo como una disposición en su testamento para aquellos que tomaran posesión de sus bloques.
Asimismo, Carlos fue un mentor de una nueva generación de artistas. En 1975 ayudó a fundar el Movimiento Artístico Chicano, una de las primeras organizaciones de artistas latinos en la ciudad, además de que ayudó a fomentar el renacimiento del movimiento muralista en los Estados Unidos. También se convirtió en uno de los primeros patrocinadores del Museo Centro Mexicano de Bellas Artes, que se convirtió en el depósito de muchas de sus obras y tiene la colección más grande de su extensa producción en el mundo.
En los años 80, se dedicó a la poesía, hacía lecturas ocasionales en cafés, librerías radicales y escribió la introducción o contribuyó en varios libros. En sus últimos años, el trabajo de Carlos fue ganando reconocimiento internacional. Ilustró la novela Brassero de Eugene Nelson. Sus grabados aparecieron en varias exposiciones itinerantes y se agregaron a varias colecciones permanentes e incluso hubo algunas exposiciones retrospectivas de su obra en el Museo Palacio de Bellas Artes.
Carlos quedó devastado cuando su amada Marianna murió en 2001. El 17 de enero de 2005 Carlos falleció rodeado de amigos y escuchando música
Fotos cortesía de INAH
Los Olmecas llegan al espacio arqueológico más grande de Canadá.
El Museo Pointe-à-Callière de Arqueología e Historia, de Canadá, estará presentanto una diversidad de piezas mexicanas, en la exposición Olmecas y las civilizaciones del Golfo de México, con el fin de celebrar la cultura y tradiciones mexicanas en el Vieux Montreal, el corazón antiguo de la ciudad cosmopolita.
Esta exhibición destaca las maravillas del México antiguo, en uno de los museos más espectaculares de Canadá, para que todos conozcan y se maravillen con las culturas mexicanas ancestrales. Se trata de un montaje que ilustra un panorama civilizatorio de más de 3 mil años, y plantear preguntas e imaginar cómo era la vida de esos hombres y mujeres que habitaron en la costa atlántica de México.
La directora ejecutiva del Museo Pointe-à-Callière, Anne Elisabeth Thibault, destacó en un boletín de prensa, que la emoción palpable en todos los colaboradores del recinto a su cargo, por recibir temporalmente los 272 objetos patrimoniales que integran a la muestra, cada uno de los cuales es testigo de la grandeza de múltiples civilizaciones de raíz olmeca.
"La colaboración entre nuestras instituciones es testimonio del compromiso compartido por promover el entendimiento intercultural, por ello, agradecemos a todos los que han hecho posible este esfuerzo. Su contribución creará, sin duda, experiencias enriquecedoras e inolvidables para nuestros conciudadanos y visitantes", expresó la Directora del Museo.
Asimismo, a dicho país del norte llegaron piezas arqueológicas y objetos etnográficos que narran parte de la historia y evolución de la cultura olmeca; que se mantiene viva en los pueblos huastecos, nahuas, totonacos, zoques y otomíes de nuestro país.
Además, se preparó un programa de actividades con recorridos guiados, conferencias y una publicación especial, realizada en colaboración con la revista Beaux-Arts, dedicada a la exposición y en la cual se ofrecerán contenidos complementarios a la misma.
Fotos cortesía de Erick Meyenberg
El artista visual Erick Meyenberg y Tania Ragasol, abordan la migración y la identidad cultural.
El artista Erick Meyenberg representa a México en la 60ª Exposición Internacional de Arte de La Biennale di Venezia con una extraordinaria videoinstalación llamada Nos marchábamos, regresábamos siempre, con la curaduría de la gestora independiente de arte contemporáneo Tania Ragasol.
Esta intervención estará disponible hasta el 24 de noviembre de 2024 en el Pabellón México en la Bienal de Venecia, en Venezia, Italia, y entabla un diálogo con más de 87 pabellones de 87 países.
Erick Meyenberg plantea un dilema fundamental con su obra, en donde parece que todos somos extranjeros donde quiera. La obra exhibe que la condición de extranjería se puede estar viviendo aun no habiendo emigrado a otro país; no sabiendo si la pertenencia en realidad está fijada por la historia, los afectos o los tránsitos que hoy en día la movilidad humana plantea. No es la geografía, la historia o el lenguaje lo que define esas construcciones, sino una realidad en la que nos movemos permanentemente.
No obstante, México ha recibido personas que han tenido que dejar sus raíces o sus orígenes por guerras, por dictaduras, por desastres ambientales o solo porque se enamoran de un país tan diverso. La poética transdisciplinar de Meyenberg, que va de lo visual al lenguaje del movimiento, que transita por las emociones y los afectos de todas las personas que nos vemos reflejadas en una mesa.
El artista creó cerámica para poder desfigurar y transfigurar esas emociones que significan en una mesa compartir los dilemas, las nostalgias, las promesas incumplidas, los sueños, los compromisos; es ahí donde México se enriquece con esta obra poética de Meyenberg y de Tania Ragasol.
Esta propuesta artística habla de la hospitalidad, reconocer que todo proceso migratorio tiene muchas capas de dolor y de pérdida, pero ante una mesa se pueden crear lazos profundos de humanidad, es en donde caben todos esos gestos casi ancestrales, primigenios, que más allá de fronteras y de nacionalidades, nos pueden unir a todos como seres humanos y en donde podemos proyectarnos. Por eso en la videoinstalación hay una mesa blanca, una especie de pantalla en donde cada uno puede proyectar sus memorias.
El trabajo de Tania Ragasol evoca de una manera poética tanto el trayecto de quien migra, de una familia de migrantes, como la posibilidad de un momento, aunque sea un instante, de pertenencia alrededor de una mesa. Es un tributo a aquellos que están por llegar a una nueva realidad de vida, es una invitación a apreciar aquello que nos parece extraño para imaginar conexiones a partir de las maneras más íntimas que tenemos en común todos los seres humanos, como puede ser un beso, un guiño, una caricia, como eso vital que nos une más allá de fronteras, coordenadas, límites.
Sin duda una videoinstalación que nos hace mirar el tema del encuentro, siendo Extranjeros por todas partes. Además, es una exposición representativa de la práctica de un artista mexicano de ascendencia alemana y libanesa, que sabe bien sobre la condición dual y en construcción identitaria del migrante como extranjero, en su tierra y fuera de ella, cuantas veces intente recuperarla. Es una instalación con esculturas de cerámica que combinan elementos de México, Italia y Albania, reflexiona profundamente sobre temas como la migración, la búsqueda de pertenencia y la perenne condición humana de buscar raíces en un mundo transitorio.
