A lo largo de su prolífica historia, el cine mexicano ha pasado por diversas etapas de las cuales algunas han resultado mejores que otras y entre las que sobresale su llamada época de oro.
Entre mediados de los años 30?s y principios de los 60?s, la industria cinematográfica mexicana pasó por uno de sus momentos más altos en cuanto a niveles de producción y calidad se refiere, obteniendo el reconocimiento a nivel internacional y un éxito considerable entre el público que acudía religiosamente a las salas de cine para ver aquellas películas que llegaron a ser tan populares, además de ser con las que alcanzaron la fama estrellas de la talla de Pedro Infante, Jorge Negrete, Dolores del Río, María Félix, Arturo de Córdoba, Pedro Armendáriz, Germán Valdés "Tin Tan", Marco Antonio Campos “Viruta”, Gaspar Henaine “Capulina”, Mario Moreno "Cantinflas" y Silvia Pinal, sólo por mencionar algunas. No cabe duda que la Época de Oro del Cine Mexicano dejó un importante legado.
Ahí está el detalle (1940)
Para la crítica especializada y el público en general, ésta es por mucho la mejor cinta de "Cantinflas". El protagonista va a casa de su novia, quien es sirvienta en una mansión, para cenar de manera gratuita y tiene que ganarse la cena cuando ella le pide que mate al perro de la familia debido a que tiene rabia.
Doña Bárbara (1943)
Bajo la dirección de Fernando de Fuentes y con María Félix y Julián Soler en los papeles protagónicos, este drama romántico se basa en la novela homónima de Rómulo Gallegos. Ésta es la historia de una mujer rica con un pasado traumático que no duda en usar a los hombres para su beneficio personal.
Los tres García (1946)
Luis Antonio (Pedro Infante), José Luis (Abel Salazar) y Luis Manuel (Víctor Manuel Mendoza) son tres primos que se la pasan peleando todo el tiempo y que sólo pueden ser controlados por su abuela, una mujer de armas tomar y con carácter fuerte a la que no le da miedo casi nada. La llegada de la prima Lupita (Marga López) causa que los tres García protagonicen una nueva pelea que esta vez es por el amor de ella.
La diosa arrodillada (1947)
María Félix y Arturo de Córdova protagonizan este filme sobre un millonario que se ve obligado a casarse con su amante luego de la muerte de su esposa bajo condiciones sospechosas. La diva mexicana se convierte en el objeto del deseo de un hombre que termina cayendo ante sus encantos.
Gángsters contra charros (1947)
Juan Orol dirige y protagoniza esta película de culto en la que el gángster Johnny Carmenta pretende a una rumbera que es pareja de un sujeto que es conocido como El Charro del arrabal, a partir de esta situación se genera un conflicto constante entre ambos personajes.
Nosotros los pobres (1947)
Este melodrama urbano marca la primera ocasión en la que Pedro Infante interpretó al emblemático personaje de Pepe el Toro, un honrado carpintero de clase baja que cautivó a muchas al cantar el tema "Amorcito corazón".
Angelitos negros (1948)
La cinta es protagonizada por Pedro Infante, quien interpreta a un padre orgulloso de su hija mulata, una niña atormentada por el racismo de su propia madre, una mujer rubia y rica que desprecia a la raza negra. Se trata de un drama que definitivamente marcó época y que en su momento dio mucho de qué hablar.
Calabacitas tiernas (1948)
Una de las comedias situacionales más divertidas de la época, protagonizada por Germán Valdés "Tin Tan", quien debe suplantar a un empresario buscado por sus acreedores. En medio de la situación, el comediante monta un espectáculo con tres bellas bailarinas que pelearán por su amor.
Salón México (1948)
Uno de los clásicos de la época, la cinta que fue dirigida por Emilio "El Indio" Fernández y fotografiada por Gabriel Figueroa. Retrata la historia de Mercedes, una joven cabaretera que debe trabajar para sostener los estudios de su hermana menor.
Los tres huastecos (1948)
En esta cinta, Pedro Infante se enfrenta al reto de interpretar los tres papeles protagónicos. Se trata de tres hermanos que fueron separados y criados de maneras distintas, uno es un sacerdote, otro es un militar y el último es un criminal buscado. El actor se luce interpretando a tres personajes diferentes y a cada uno le otorga un toque propio.
Aventurera (1949)
Pieza icónica del llamado "Cine de Rumberas", es protagonizada por la cubana Ninón Sevilla, quien da vida a Elena Tejero, una joven desamparada que cae en las garras de un explotador sexual y termina trabajando en una casa de citas.
Doña Diabla (1949)
Una de las cintas más recordadas de "La Doña" María Félix, quien interpreta a una mujer divorciada que conoce el poder de su belleza, sabe que los hombres pelean por ella y lo disfruta, hasta que se enamora de Adrián, un hombre vividor que se aprovecha de ella.
El rey del barrio (1949)
En esta película, "Tin Tan" interpreta a un Robin Hood de esa época que roba a mujeres millonarias. En la cinta el comediante comparte créditos con Silvia Pinal, así como con sus cómplices "Vitola" y "Marcelo".
Los olvidados (1950)
Luis Buñuel dirige esta joya del cine mexicano que llegó a ganar el premio a Mejor Director en el prestigioso Festival de Cannes, además de otros importantes reconocimientos. Con el toque surrealista característico del visionario director, este crudo relato se centra en un grupo de niños y jóvenes marginados de la Ciudad de México cuyos destinos quedan sellados por la tragedia en medio de un desinterés general de parte de los demás que están a su alrededor.
¿Qué te ha dado esa mujer? (1951)
Pedro Infante y Luis Aguilar regresan respectivamente como Pedro Chávez y Luis Macías en esta secuela de A.T.M. A toda máquina! para dar un nuevo paso en su amistad a través de una comedia musical llena de galantería, actrices bellas y canciones que siguen siendo recordadas por varios en uno que otro momento amargo.
Dos tipos de cuidado (1952)
La razón principal por la que esta cinta ha quedado grabada en la memoria colectiva es que, además de ser bastante entretenida, funcionó para reunir en la pantalla grande por primera y única vez a dos de los máximos ídolos de aquella época: Pedro Infante y Jorge Negrete. En esta comedia dos rancheros van de amigos a enemigos y viceversa debido a diversas circunstancias que se presentan en las vidas de ambos. También tiene su buena parte musical, ¿cómo olvidar ese duelo de coplas entre Jorge Bueno y Pedro Malo?
Tizoc: Amor indio (1957)
"Yo ti quero más que mis ojos, pero quero más a mis ojos porque mis ojos ti veron", si esto les suena conocido es debido a que se trata de parte de la icónica canción que es interpretada por Pedro Infante en algún momento de Tizoc en la que es una de las escenas más recordadas del cine mexicano. Se trata de la trágica historia de amor entre el indio y una mujer criolla, interpretada por María Félix. Ganó un Globo de Oro en la categoría de Película en Habla no Inglesa y su actor principal se hizo del reconocimiento en el Festival de Cine de Berlín.
La Cucaracha (1958)
Con un elenco de lujo que incluye a María Félix, Dolores del Río, Emilio “El Indio” Fernández, Pedro Armendáriz, Ignacio López Tarso, Antonio Aguilar y Flor Silvestre, se narra una historia que se lleva a cabo en medio de la Revolución Mexicana con un triángulo pasional incluido entre personajes tan fuertes como peligrosos sin importar su sexo.
Macario (1959)
Ignacio López Tarso le da vida a un indígena llamado Macario, quien protagoniza una historia que se desarrolla durante la época del virreinato de la Nueva España en plena víspera del Día de Muertos. Mientras avanza la cinta, en ésta aparecen personajes como el Diablo, Dios y la Muerte. Es la primera película mexicana en haber sido nominada al Oscar en la categoría de Lengua no Inglesa.
El ángel exterminador (1962)
Luis Buñuel dirige a un elenco encabezado por Silvia Pinal en este filme en el que un grupo de burgueses de la Ciudad de México es invitado a una cena en una mansión. Todos los invitados quedan atrapados en una habitación sin poder salir de ella por una razón desconocida y conforme avanza el tiempo las buenas costumbres quedan atrás ya que todos comienzan a comportarse de una forma más salvaje.
Fotos cortesía de INAH
Los Olmecas llegan al espacio arqueológico más grande de Canadá.
El Museo Pointe-à-Callière de Arqueología e Historia, de Canadá, estará presentanto una diversidad de piezas mexicanas, en la exposición Olmecas y las civilizaciones del Golfo de México, con el fin de celebrar la cultura y tradiciones mexicanas en el Vieux Montreal, el corazón antiguo de la ciudad cosmopolita.
Esta exhibición destaca las maravillas del México antiguo, en uno de los museos más espectaculares de Canadá, para que todos conozcan y se maravillen con las culturas mexicanas ancestrales. Se trata de un montaje que ilustra un panorama civilizatorio de más de 3 mil años, y plantear preguntas e imaginar cómo era la vida de esos hombres y mujeres que habitaron en la costa atlántica de México.
La directora ejecutiva del Museo Pointe-à-Callière, Anne Elisabeth Thibault, destacó en un boletín de prensa, que la emoción palpable en todos los colaboradores del recinto a su cargo, por recibir temporalmente los 272 objetos patrimoniales que integran a la muestra, cada uno de los cuales es testigo de la grandeza de múltiples civilizaciones de raíz olmeca.
"La colaboración entre nuestras instituciones es testimonio del compromiso compartido por promover el entendimiento intercultural, por ello, agradecemos a todos los que han hecho posible este esfuerzo. Su contribución creará, sin duda, experiencias enriquecedoras e inolvidables para nuestros conciudadanos y visitantes", expresó la Directora del Museo.
Asimismo, a dicho país del norte llegaron piezas arqueológicas y objetos etnográficos que narran parte de la historia y evolución de la cultura olmeca; que se mantiene viva en los pueblos huastecos, nahuas, totonacos, zoques y otomíes de nuestro país.
Además, se preparó un programa de actividades con recorridos guiados, conferencias y una publicación especial, realizada en colaboración con la revista Beaux-Arts, dedicada a la exposición y en la cual se ofrecerán contenidos complementarios a la misma.
Fotos cortesía de Erick Meyenberg
El artista visual Erick Meyenberg y Tania Ragasol, abordan la migración y la identidad cultural.
El artista Erick Meyenberg representa a México en la 60ª Exposición Internacional de Arte de La Biennale di Venezia con una extraordinaria videoinstalación llamada Nos marchábamos, regresábamos siempre, con la curaduría de la gestora independiente de arte contemporáneo Tania Ragasol.
Esta intervención estará disponible hasta el 24 de noviembre de 2024 en el Pabellón México en la Bienal de Venecia, en Venezia, Italia, y entabla un diálogo con más de 87 pabellones de 87 países.
Erick Meyenberg plantea un dilema fundamental con su obra, en donde parece que todos somos extranjeros donde quiera. La obra exhibe que la condición de extranjería se puede estar viviendo aun no habiendo emigrado a otro país; no sabiendo si la pertenencia en realidad está fijada por la historia, los afectos o los tránsitos que hoy en día la movilidad humana plantea. No es la geografía, la historia o el lenguaje lo que define esas construcciones, sino una realidad en la que nos movemos permanentemente.
No obstante, México ha recibido personas que han tenido que dejar sus raíces o sus orígenes por guerras, por dictaduras, por desastres ambientales o solo porque se enamoran de un país tan diverso. La poética transdisciplinar de Meyenberg, que va de lo visual al lenguaje del movimiento, que transita por las emociones y los afectos de todas las personas que nos vemos reflejadas en una mesa.
El artista creó cerámica para poder desfigurar y transfigurar esas emociones que significan en una mesa compartir los dilemas, las nostalgias, las promesas incumplidas, los sueños, los compromisos; es ahí donde México se enriquece con esta obra poética de Meyenberg y de Tania Ragasol.
Esta propuesta artística habla de la hospitalidad, reconocer que todo proceso migratorio tiene muchas capas de dolor y de pérdida, pero ante una mesa se pueden crear lazos profundos de humanidad, es en donde caben todos esos gestos casi ancestrales, primigenios, que más allá de fronteras y de nacionalidades, nos pueden unir a todos como seres humanos y en donde podemos proyectarnos. Por eso en la videoinstalación hay una mesa blanca, una especie de pantalla en donde cada uno puede proyectar sus memorias.
El trabajo de Tania Ragasol evoca de una manera poética tanto el trayecto de quien migra, de una familia de migrantes, como la posibilidad de un momento, aunque sea un instante, de pertenencia alrededor de una mesa. Es un tributo a aquellos que están por llegar a una nueva realidad de vida, es una invitación a apreciar aquello que nos parece extraño para imaginar conexiones a partir de las maneras más íntimas que tenemos en común todos los seres humanos, como puede ser un beso, un guiño, una caricia, como eso vital que nos une más allá de fronteras, coordenadas, límites.
Sin duda una videoinstalación que nos hace mirar el tema del encuentro, siendo Extranjeros por todas partes. Además, es una exposición representativa de la práctica de un artista mexicano de ascendencia alemana y libanesa, que sabe bien sobre la condición dual y en construcción identitaria del migrante como extranjero, en su tierra y fuera de ella, cuantas veces intente recuperarla. Es una instalación con esculturas de cerámica que combinan elementos de México, Italia y Albania, reflexiona profundamente sobre temas como la migración, la búsqueda de pertenencia y la perenne condición humana de buscar raíces en un mundo transitorio.
Fotos cortesía de davidmfoto
David Hanes-González retrató el box que se viven en los barrios de la CDMX.
David-Hanes González es un mexico-americano que llegó a nuestro país con el fin de conectarse con sus raíces mexicanas, en particular con el boxeo mexicano. Fue cuando descubrió el increíble impacto que tiene México en el box, cuando se propuso crear un proyecto en torno a esta cultura.
Así se cargó de su cámara, y un proyecto que era de dos semanas se convirtió en todo un proceso de dos años, con el fin de crear una conexión mucho más profunda con el país de origen de su familia. Este fotógrafo nacido en Chicago llegó a vivir a México en la pandemia y con muy poco conocimiento de español.
Para Hanes-González el estilo del boxeo mexicano es un reflejo del carácter nacional. En realidad llevó a cabo un proyecto fotográfico bastante interesante. Se trata de fotografías en blanco y negro, pero no son las clásicas fotos de Canelo, o De la Hoy en el ring. Se trata delos combates de la vida diaria, de los barrios y las comunidades capitalinas.
Y es que para muchos amateurs que comienzan en el mundo del boxeo en la Ciudad de México, es una salida única, disciplinada y dedicada para lograr subirse al ring y tener una mejor consciencia de su futuro. Se trata de un proyecto fotográfico de comunidad, evitar los clichés y registrar con su cámara algunos de los gimnasios de box, en lugares como La Merced, Tepito, la Guerrero, Tacubaya, el pueblo de Santa Fe, en la capital, y en municipios del estado de México.
Una de las imágenes favoritas que han marcado a este fotógrafo, es la del boxeador Salvador Pelón Juárez, quien aparece frente a una cruz en uno de los cerros del municipio mexiquense de Chimalhuacán.
Fotos cortesía de @joelmerinoart
Joel Merino lleva la tradición y cultura de Oaxaca a varias partes del mundo.
Joel Merino es un artista que representa a la comunidad de San Juan Copala, un municipio autónomo de Oaxaca, que siguió el ejemplo de los Zapatistas de Chiapas para abogar por su pueblo. Como muchos artistas oaxaqueños, ha tenido que superar muchos obstáculos para continuar haciendo su arte; además de llevar su talento y amor por la comunidad triqui a otro continente.
Merino se inició en la pintura de pequeño. Experimentaba con caricaturas y con el paso del tiempo desarrolló su potencial y decidió seguir en la búsqueda de técnicas y tipos de pintura, hasta que conoció a un corredor de arte, esto originó en Merino López un gran interés en la pintura clásica, y al paso del tiempo conoció otras técnicas y expresiones culturales.
Más tarde se enfocó en el grafiti, con la cual se abrió paso al mundo artístico y en el año 2014 comenzó a realizar obras de su propia autoría. La Comisión Nacional para el Desarrollo de los Pueblos Indígenas en Querétaro, fue la primera en abrirle sus puertas tras ver su trabajo, de ahí lo invitaron a plasmar su obra en la oficina de la comisión; después de esta experiencia, se interesó más por trabajar murales con la temática de su comunidad de origen.
Hoy en día, su fuente de inspiración para realizar su trabajo es su familia y su pueblo natal que engloba la cultura triqui, este tema lo ha llevado a trascender fronteras no nada más de su estado sino del país, llegando a pintar en algunos países europeos.
Sus exposiciones han pasado por algunos estados de México como lo son Querétaro, Veracruz, León, Tijuana y Oaxaca. Fuera del país se ha presentado en países europeos como Suecia, Bélgica y Francia y, en el 2017, logró conseguir dinero para poder llegar a París en busca de posicionar su obra y cultura. En la capital del arte y del amor lo recibió con los brazos abiertos y Merino consiguió realizar murales en emblemáticas calles de la ciudad luz, resaltando las costumbres, vestimenta y tradiciones de su pueblo pero sobre todo dejando en alto a su país.
Asimismo, el pintor triqui, Joel Merino López, hizo una gira de trabajo con la comunidad migrante triqui en Estados Unidos, donde fomentó la cultura de su comunidad, San Juan Copala. Además, pudo visitar las ciudades de Albany en Nueva York, además de Chicago y Las Vegas.
Tanto las pinturas como los proyectos de Merino, resaltan a la comunidad triqui, además de dar a conocer parte de la cosmogonía de las comunidades originarias de México. Asimismo, busca que la imagen de Copala no se quede en la idea de la ropa típica, artesanías, ni las problemáticas sociales de la región, más bien espera que a través del arte con sus pinturas se dé a conocer.
Sus obras llevan títulos en el idioma triqui con traducción al español para que la gente conozca la lengua madre del artista, buscando preservarlo para las próximas generaciones.
Fotos cortesía de INAH
Estas 22 piezas pasarán a formar parte del patrimonio arqueológico mexicano.
22 piezas arqueológicas pertenecientes al patrimonio mexicano, fueron devueltas por una familia de Filadelfia, Estados Unidos, que otorgaron los ejemplares de manera voluntaria para reintegrarse a los museos mexicanos; a través del Consulado de México en Filadelfia y el Centro Cultural Mexicano (CCM).
La recepción de las piezas se realizó a través de una ceremonia, donde se reconoció a la familia Landau, quienes coleccionaban los artículos, además del trabajo de la Secretaría de Cultura federal, a través del Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH), y la Secretaría de Relaciones Exteriores (SRE).
"Leonard Landau era un amante del arte mexicano y le gustaba coleccionar piezas arqueológicas. Después de su muerte, su esposa e hijos consideramos que lo correcto era devolverlas a México y tuvimos la suerte de encontrar el Centro Cultural Mexicano de Filadelfia", señaló la familia durante la ceremonia.
Asimismo, en octubre pasado, la familia Landau decidió entregar de manera voluntaria 29 piezas al CMM, dada la posible relevancia histórica y cultural de los elementos en cuestión, el Consulado de México en Filadelfia y el CCM acordaron verificar su autenticidad ante el INAH, con el apoyo de la SRE.
En ese sentido, se llevó a cabo un dictamen de las 29 piezas y un arqueólogo del Instituto, especialista en culturas precolombinas, quien concluyó que 22 de ellas, entre las cuales destacan figuras antropomorfas y vasijas, concuerdan con artefactos elaborados por diversas culturas mesoamericanas que habitaron México entre los años 400 a.C. y 1521 d.C., por lo que se les considera patrimonio arqueológico de la nación.
Por otro lado, las otras siete piezas fueron dictaminadas como de reciente manufactura o que no se puede determinar su origen por el estado de las mismas. Tras todos los dictámenes se coordinó la entrega de las piezas, para que lleguen a México para su investigación, conservación y cuidado.
Durante la entrega de las piezas, el cónsul mexicano en Filadelfia, Carlos Obrador Garrido, resaltó la atención de esta administración a la recuperación y "rematriación" de piezas arqueológicas. "Celebramos que se haya podido concretar el retorno a nuestro país de estas 22 piezas, mismas que nunca debieron haber salido de México”, dijo Garrido.
Fotos cortesía de Ternurines México
Los Ternurines están de vuelta en toda la Ciudad de México.
El coleccionismo, la moda retro y la nostalgia han traído el regreso de los llamados Ternurines, al grado de que muchos jóvenes se han vuelto amantes de estas pequeñas figurillas.
Se trata de Sylvanian Families, unas figuras coleccionables que surgieron en Japón y, pero que en América se vendieron como Calico Critters y en México los llamaron Lindos Ternurines. Hoy en día son apreciados por niños y adultos, porque son juguetes atractivos para los menores y objetos de colección, con algunos ejemplares alcanzando altos valores en el mercado en línea.
De hecho, la línea de juguetes con el nombre de Sylvanian Families salió al mercado en 1985, y en 1993 fueron rebautizados y lanzados en los Estados Unidos como Calico Critters. La primera línea de Sylvanian Families en Japón incluía una casa, 11 muebles y 9 familias de animales, como los osos Timbertop y Evergreen, los conejos, ratones, conejos grises y los topos llamados McBurrow.
Cada familia tiene características animales realistas, como pelaje, bigotes y colas, así como su propia personalidad, ropa e historia de fondo, lo que los hace perfectos para el juego imaginativo. Forman parte de una colección que incluye juegos, muebles en miniatura e incluso vehículos de juguete para que puedas crear un mundo lleno de criaturas, casas, tiendas y transporte.
Estas figuras son fabricadas en Vietnam y China, pero la empresa que los produce, Epoch Co., Ltd., tiene su sede en Tokio, Japón. Dicha empresa japonesa de juguetes y juegos que existe desde 1958, y está clasificada como la tercera empresa de juguetes más grande de Japón. Se especializa en crear juguetes de alta calidad para niños que fomentan el juego imaginativo. De hecho, la línea Calico Critters es una de sus colecciones de juguetes más populares, amada tanto por niños como por padres.
Estos coleccionables surgieron de la combinación de casas de muñecas y figuras animales con un toque humano. Las primeras ediciones de los Ternurines estaban hechas de cerámica y madera. Años más tarde, los juguetes evolucionaron con el uso de plástico y metal para aumentar su durabilidad y resistencia, que suelen romper con facilidad la tela o la cerámica. Cada personaje posee su propio nombre, fecha de nacimiento y personalidad, lo que fomenta la creatividad y desarrollo de habilidades sociales y emocionales en quienes juegan con ellos.
Como muchas cosas vintage, Los Ternurines se han convertido en una sensación en redes sociales y las tendencias de compra en línea son un producto de la firma Epoch. Con casi 40 años de existencia, hay algunas figuritas que pueden llegar a valer hasta 11 mil pesos en las subastas de los coleccionistas.
Algunas figuras se han convertido en raros objetos de deseo para coleccionistas, evaluándose a precios altos en el mercado de segunda mano. La figura denominada "White Chocolate Rabbit", fue vendida en 700 dólares en una subasta en Ebay durante el año 2023.
Asimismo, los Sylvanian Families son muy populares en plataformas digitales como TikTok, donde usuarios realizan parodias y cuentan historias utilizando estas figuras. En la Ciudad de México, los aficionados a los Ternurines tienen varias opciones para comprar estos preciados compañeros:
Tianguis de juguetes de Banderas
Fan Center de Eje Central, en el Centro Histórico de la CDMX.
Cong Cha Condesa
Jugueteria Eliacim, en el Centro Histórico.
Fotos cortesía de Archivo Emotivo
El Mariachi Potosino logró hacer una gran historia en la ciudad de Chicago.
Este museo de Estados Unidos le rinde un homenaje a la historia de José Cruz Alba (1918-2002) y su viaje como inmigrante desde Durango a Chicago. Es una exposición llena de fotografías antiguas, videos, recortes de periódicos y entrevistas a familiares que muestran la trayectoria del Mariachi Potosino, que fue más que reconocido en Chicago.
La mayor parte de lo que se escribe sobre la historia del Mariachi en Estados Unidos no reconoce a los estados del Medio Oeste y a ciudades como Chicago como centros importantes de actuación del Mariachi. Pero viaje musical del Mariachi Potosino ayudó a establecer al género musical y al mismo tiempo reflejar el crecimiento de la identidad cultural mexicana en todo el país.
El Mariachi Potosino se fundó en 1958 y terminó en 2019, siendo una parte integral de celebraciones familiares, eventos comunitarios, desfiles de la ciudad, protestas y reuniones políticas en las comunidades mexicanas de Chicago y más allá. De hecho, la música de este Mariachi se convirtió en un símbolo de identidad, un referente cultural inmediatamente y un puente hacia casa.
José Cruz Alba fue un músico y activista, que conoció a Richard Nixon, a miembros del Partido Pantera Negra, Richard J. Daley y Jane Byrne. Fue el director del Mariachi Potosino por más de 60 años, y tocó en todos los rincones de Chicago; además de dar serenatas y tocar en bodas, cumpleaños, bautizos y más celebraciones.
Este Mariachi tenía seis mexicanos que tocaban en Chicago en la década de 1960. Llevaban sombreros, trajes de charros y ahora están en una galería del Museo Nacional de Arte Mexicano en Pilsen, Chicago. El Mariachi Potosino también estuvo presente en un mitin de JFK en 1960, tocaron para Robert Kennedy y muchas personalidades más.
En los años 60 en Estados Unidos, ser mexico-americano no era nada fácil, ni mucho menos lo era ser obrero toda la semana y reinventarse como mariachis los fines de semana. Es por eso que el Mariachi Potosino fue una novedad en Chicago. Aparecieron en la televisión local, y tuvieron un éxito menor en la radio regional con una canción de amor con tintes de bolero. Aunque el resto de los miembros del mariachi iban y venían, José Cruz Alba siempre fue el director.
José Cruz Alba murió en 2002, varios años después de sufrir un derrame cerebral. Es por eso que el mariachi es homenajeado en el Museo Nacional de Arte Mexicano con un nombre bastante elegante: Mariachi Potosino: The Sound of Home (Mariachi Potosino: el sonido de casa). El Museo Nacional de Arte Mexicano, se encuentra en 1852 W. 19th St., Chicago.
