La CDMX es una de las grandes capitales artísticas del mundo y su oferta de exposiciones es de las más elaboradas y reconocidas.
Lo cierto es que pocas cosas despiertan la sensibilidad, la creatividad e incluso la crítica como el arte. Se trata de una de las expresiones humanas más magníficas, que se vale de distintas técnicas, materiales y medios para estimular las entrañas de todos aquellos que celebran esta clase de creaciones tan subjetivas. Es pertinente aseverar que el arte es un aspecto coetáneo al ser humano. Difícilmente uno podría existir sin el otro, y es que esta bellísima simbiosis brinda un sentido trascendente al ser, que no se podría encontrar en cualquier otra característica propia del hemisferio derecho del cerebro.
El arte se constituye como parte esencial de la cotidianeidad de una sociedad. Y en el caso específico de la Ciudad de México, fue desde finales del siglo XVIII cuando comenzaron a erigirse los recintos museísticos. Los de esta urbe no son nada parecidos a los de otras latitudes del mundo. Alrededor de nuestra fascinante capital convergen museos clásicos, coloniales, históricos, modernos, fotográficos, filosóficos, prehispánicos, arquitectónicos, entre otros.
La realidad es que las exposiciones que se exhiben en la capital de los museos, nuestra CDMX, son profusas. Y como lo hacemos cada mes, hoy presentamos un listado con las mejores muestras que podrás hallar en la metrópoli y que estarán disponibles todo este mes que pinta increíble:
Un paseo por las artes visuales en la Colección Carlos Monsiváis
Museo del Estanquillo
Un paseo por las artes visuales en la Colección Carlos Monsiváis presenta piezas que ilustran las consideraciones escritas por Monsiváis sobre el trabajo de artistas como Angelina Beloff, Lola Álvarez Bravo, Julio Ruelas, Dr. Atl, Roberto Montenegro, Nahum B. Zenil, Vlady, José Luis Cuevas, Agustín Jiménez, Hugo Brehme, Olga Costa, Vicente Rojo, Francisco Toledo, Luis García Guerrero, Miguel Covarrubias, Gabriel Fernández Ledesma, José Chávez Morado y Leopoldo Méndez, entre otros. Curada por Miriam Kaiser, la exposición se conforma por más de 400 piezas de estos artistas modernos y contemporáneos.
Dónde: Isabel la Católica 26, Esquina con Av. Madero Col. Centro (Área 1),
Cuándo: hasta el 3 de noviembre de 2019, miércoles, viernes, sábado y domingo , 10:00 – 18:00 hrs.
Entrada libre
Leonora íntima: objetos y memorias
Casa de la Primera Imprenta de América.
El centro cultural de la Casa de la Primera Imprenta de América, en el corazón de Ciudad de México, reabrirá sus puertas tras un año de remodelaciones con una exposición dedicada a la pintora surrealista Leonora Carrington. La muestra “Leonora íntima: objetos y memorias”, que estará abierta al público del 25 de septiembre al 24 de enero, contará con más de 200 objetos personales como fotografías, agendas y cartas de la artista británica nacionalizada mexicana.
Dónde: Lic. Primo Verdad no.10, Centro Histórico de la Cdad. de México, Centro, 06010 Ciudad de México, CDMX
Cuándo: hasta el 24 de enero 2020, de martes a jueves de 11:00?17:00 y de viernes a domingo de 11:00 a 20:00
Entrada libre
B. Duck
MUMEDI
En esta ocasión el MUMEDI abrió al público la exposición fotográfica del patito de goma B Duck, misma que reúne 150 imágenes compartidas por la gente y la fotógrafa Cris García, en la que se retoma una idea que se ha realizado en distintas partes del mundo.
Esta exposición consiste en retratar al juguete en "modo aventurero" y recorriendo distintos escenarios. El Mumedi recopiló fotografías enviadas mediante una convocatoria pública y seleccionó 90 que le parecieran que retomara el espíritu turista del patito de hule y lo transformó en una exhibición junto con otros objetos relacionados con el clásico juguete.
Dónde: Mumedi, Francisco I. Madero 74, Centro.
Cuándo: Del 16 de agosto al 20 de octubre de 2019. De lunes a viernes de 10:00 a 20:00 horas. Sábado y domingo de 9:00 a 21:00 horas.
Costo: $55 pesos por persona
The Design of dissent: el diseño como postura
Casa del Lago UNAM
La exposición The Design of dissent: el diseño como postura, CENTRO continúa explorando las intersecciones del arte y el diseño; en este caso, la indagación se aborda a partir de la esfera de lo político. En dicho contexto, esta exhibición ?que se presenta por primera vez en México? consta de diversos materiales gráficos, recopilados en el libro The Design of Dissent de Mirko Ili? y Milton Glaser, que trazan una historia visual de las luchas emancipatorias desde el diseño.
Dónde: Antiguo Bosque de Chapultepec, 1a. Sección Col. San Miguel Chapultepec I Sección, C.P. 11580, Deleg. Miguel Hidalgo
Cuándo: hasta el 9 de febrero 2020, martes a domingo de 10:00 a 18:00 hrs.
Entrada libre
Gandhi. El camino de la No Violencia
Museo de la Memoria y Tolerancia
La exposición "Gandhi. El camino de la No Violencia" busca explicar la vigencia de la filosofía de Gandhi en estos tiempos marcados por la intolerancia y la violencia, convirtiéndose en una tarea urgente, un llamado a la compasión y al cambio.
De ahí que el principal objetivo de "Gandhi. El camino de la No Violencia", sea mostrar los eventos y los desafíos más significativos en la vida del estadista así como los alcances de su valerosa respuesta no violenta, vehículo de logros decisivos e inspiración de los más grandes portavoces del cambio y de la lucha por los Derechos Humanos en la historia contemporánea.
Dónde: Museo de la Memoría y la tolerancia.
Dirección: Plaza Juárez | Centro Histórico. Frente al Hemiciclo a Juárez en la Alameda, a un costado de la Secretaría de Relaciones Exteriores. Ciudad de México.
Cuándo: hasta el 30 de noviembre de martes a sábado de 10:00 a 18:00 hrs.
Cuánto: $30 Estudiantes, maestros y personas con credencial INAPAM: $15
Nekrós Opsis
Museo de Geología
Nekrós Opsis, surge de la inquietud de conjuntar el quehacer artístico con la ciencia. Del latín necrosis, "el cuerpo fragmentado" aborda el andar del ser humano en la tierra como predador en una visión antropológica única, crítica y llena de matices, un mosaico de las más variadas técnicas y medios se encuentran en esta muestra, obra de diversos maestros mexicanos, explica César Oropeza Ramírez, artista visual y curador de la exposición.
Dónde: Museo de Geología UNAM
Dirección: Jaime Torres Bodet No. 176 Col. Santa María la Ribera.
Cuándo: a partir del 14 de agosto hasta el 15 de octubre de 2019. De martes a domingo, 10:00 – 17:00 hrs.
Cuánto: $30.00 Entrada general, $20.00 estudiantes, maestros y tercera edad
Born Wild, Richard Orlinski
Galería Richard Orlinski by Apollo
Hay un nuevo vecino en el 440 de avenida Presidente Masaryk, se trata de un gorila color rojo de proporciones enormes y actitud feroz que destaca entre las boutiques de lujo de una de las zonas más exclusivas de la capital porque la mitad de su cuerpo atraviesa la ventana de la recién inaugurada Richard Orlinski Galería by Apollo. La primera tienda exclusiva de arte del artista francés en Latinoamérica alberga el bestiario escultórico que lo catapultó a la fama como uno de los creadores contemporáneos más vendidos de la década.
Con influencias de personajes como Jeff Koons y Takashi Murakami, principalmente, su obra se cimenta en los colores brillantes del pop art, ángulos agudos, símbolos de la libertad y fuerza al tiempo que a través del uso de materiales industriales como resina, aluminio, mármol, piedra y bronce apunta una crítica sobre el consumismo de nuestra sociedad actual. Sus piezas están inspiradas por el concepto Born Wild y son un reflejo de lo que Richard considera la profunda conexión entre el instinto animal y la naturaleza humana.
Dónde: Presidente Masaryk 440, colonia Polanco
Cuándo: hasta 29 de diciembre de 2019, martes a jueves de 10:00 a 18:00 hrs y viernes a domingo hasta las 20:00 hrs.
Entrada libre
La colección Museo Tamayo presenta a Picasso, Miró y Seagal
Museo Tamayo
las obras aquí presentadas dan una idea de una colección de casi mil piezas del patrimonio cultural nacional que se encuentran bajo resguardo en este museo. Este es el segundo montaje de la colección permanente desde julio de 2016, cuando se estableció que las salas 3 y 4, en la planta baja del museo, se dedicarían a exponer el acervo artístico del Museo Tamayo y la obra de Rufino Tamayo.
Estos montajes de la colección buscan establecer que el acervo es una entidad viva en proceso de constante cambio y crecimiento. Al combinar obras realizadas en años recientes con obras que datan de principios del siglo XX, se escrutan algunas de las transformaciones en la historia del arte que cubre nuestro acervo, de 1927 al presente.
Dónde: Av. Paseo de la Reforma 51, Bosque de Chapultepec, Bosque de Chapultepec I Secc.
Cuándo: hasta el 15 de diciembre del 2021
Costo: $70 pesos
Otro Reino
Ago Projects
"Otro reino"es una muestra compuesta por piezas tanto inéditas como conocidas del taller de arquitectura Lanza Atelier de Isabel Abascal y Alessandro Arienzo. Asimismo, la exposición incluye cerámica neo-neo basada en accidentes urbanos de concreto de MT Objects con el fin de cuestionar la relación entre la arquitectura y los objetos en el espacio. Esta exposición forma parte del programa de diseño de AGO Projects, un espacio multidisciplinario enfocado en promover el diseño, la fotografía y la arquitectura.
Dónde: Reforma 382, 5º piso, Juárez
Entrada libre
Condo Mexico City, John Stezaker
Galería OMR
Como parte de Condo Mexico City 2019, OMR se complace en presentar a la Galerie Gisela Capitain (Colonia, Alemania) con una exposición de obras del reconocido artista británico John Stezaker (nacido en 1949, Worcester, Inglaterra). Cuando era adolescente, Stezaker ya había comenzado a coleccionar obsesivamente, comenzando con sellos y postales y luego pasando a fotografías y retratos publicitarios de actores; A lo largo de los años, el artista ha acumulado un archivo de miles de imágenes encontradas que sirven como material para su práctica artística. Collage por naturaleza, las obras de Stezaker yuxtaponen una imagen contra otra para crear composiciones surrealistas. Al superponer imágenes e interrumpir paisajes, sujetos y fronteras, crea mundos extraños en los que el retrato tradicional se enfrenta a lo absurdo. Los resultados finales son siempre engañosamente simples en su ejecución y extrañamente perturbadores en su sugerencia.
Dónde: Córdoba 100, Roma Norte, 06700 Ciudad de México
Cuándo: hasta 26 de octubre 2019. De martes a domingo de 10:00 a 20:00.
Entrada libre
Ecos de la Tierra
MIDE
Ecos de la Tierra conjuga los esfuerzos por visibilizar el valor de la biodiversidad y los servicios ecosistémicos para el desarrollo socioeconómico del país. La exposición resalta la importancia de acciones como la generación de conocimiento, el desarrollo de capacidades, la concientización de la sociedad y la búsqueda de financiamiento para incrementar las inversiones a favor del capital natural de México.
La conservación y el uso sustentable de la naturaleza son indispensables para el desarrollo económico del país, para el bienestar de las personas y de todos los seres vivos. El grave impacto que la humanidad ha causado en ecosistemas y especies silvestres exige que todos participemos de manera informada, activa, responsable y comprometida para restaurar, conservar y usar sustentablemente nuestra biodiversidad. Esto es lo que busca promover Ecos de la Tierra, una exposición única que reúne de manera didáctica e interactiva los elementos clave para el desarrollo sustentable.
Dónde: Calle de Tacuba 17, Centro Histórico de la Cdad. de México
Cuándo: Hasta enero 2020
Cuánto: $95
Hell de Napoleón Habéica
Galería Panteón
Esta recopilación de memorias y experiencias lleva el nombre de Hell, así como se titula el nombre de una canción de la banda de rock de la que Napoleón forma parte. The Kraken Rum demuestra su compromiso de apoyar a artistas nacionales e internacionales mediante distintas plataformas. Este año ha estado trabajado de la mano con Panteón y Pizza del Perro Negro para promover sus distintas expresiones culturales a manera de que más personas conozcan sus propuestas artísticas.
Dónde: Donceles 64, col. Centro, CDMX
Cuándo: hasta el 8 de octubre 2019 de martes a domingo de 12:00 a 19:00.
Entrada libre
Pasajero 21. El japón de tablada
Bellas Artes
Al conocido poeta y cronista mexicano se le atribuye la escritura de los primeros haiku en lengua española. Esta exhibición se propone presentar, por primera vez, parte de su colección de estampas japonesas, su archivo y biblioteca, así como su trabajo en favor de la difusión del arte de Japón en México.
Dónde: Av. Juárez S/N, Centro Histórico de la Cdad. de México,
Cuándo: hasta 13 de octubre de 2019, de martes a domingo de 10:00 a 19:00 hrs
Cuánto: $70
Los Senderistas de Rashid Johnson
Museo Tamayo
Los Senderistas se presenta una selección de pintura que tiene como eje principal la representación de la ansiedad, que comenzó como una catarsis personal de la ansiedad y progresó a ser una representación de la ansiedad colectiva. En el patio del museo, la enorme escultura llamada The Crisis es habitada por plantas, libros y esculturas de manteca de karité que estudia la apropiación de movimientos históricos anteriores como el minimalismo.
Donde: Av. Paseo de la Reforma 51, Bosque de Chapultepec, Bosque de Chapultepec I Secc
Cuándo: hasta el 10 de noviembre 2019
Cuánto: $70 pesos
Diego y Frida, 25 años en el Olmedo
Museo Dolores Olmedo
Diego Rivera y Frida Kahlo se reencuentran en las salas de El Olmedo para festejar los 25 años del recinto. Como parte de la renovación de la museografía de la colección permanente, el público podrá visitar, a partir del 7 de septiembre, Diego & Frida. 25 años en El Olmedo. Es la primera vez en la historia del museo que la obra de ambos artistas convive en las salas, ya que anteriormente se había exhibido por separado. La nueva presentación museográfica de la colección permanente, también incluye obras de Angelina Beloff y la exposición Frida ?Mi vida?, de Renate Reichert, Adquirida en 1999. Además se añaden al recorrido de la sala de Arte Popular la serie de catrinas de Moroleón, Guanajuato, y los Judas de Carmen Caballero. Diego & Frida. 25 años en El Olmedo, integrada por 27 cuadros de Rivera y 20 de Kahlo, busca que el público redescubra la figura de cada uno. Asimismo, podrán apreciar las sutiles coincidencias plásticas, incluso cuando aún no tenían relación alguna.
Dónde: Av. México 5843, colonia La Noria, Xochimilco.
Cuándo: martes a domingo de 10:00 a 18:00 horas.
Cuánto: $50 pesos; público extranjero $100. Maestros y estudiantes $25. INAPAM, personas con discapacidad y menores de 6 años $5 pesos.
Martes entrada libre.
Pablo O?Higgins. Oficio gráfico
Museo Dolores Olmedo
Treinta litografías de Pablo O´Higgins integran la Colección del Museo Dolores Olmedo que nos permite conocer algunos de los temas que ocuparon la mente del artista. Los desposeídos, los olvidados, los amigos, el trabajo urbano y rural, el paisaje mexicano e incluso María, su esposa, aparecen retratados en estas litografías que, por azares del destino, permanecieron en el anonimato de una biblioteca por más de ocho años. La exposición cuenta con un espacio lúdico que recrea el proceso creativo del artista, y en el cual los visitantes podrán crear su propia obra y aprender aspectos técnicos del oficio de grabador.
Dónde: Av. México 5843 Col. La Noria, C.P. 16030, Deleg. Xochimilco México.
Cuándo: hasta 16 de diciembre de 2019, de martes a domingo, 10:00 – 18:00 hrs.
Cuánto: $20.00 donativo general, $10.00 estudiantes y maestros.
Entrada libre Los martes
Mazatlanica de Fritzia Irízar
MUAC
Este trabajo reciente de investigación de la artista mexicana, se detiene en un objeto que ha cautivado a la humanidad: la perla. Estos moluscos que han sido el eje que ha permitido a la artista trabajar en una investigación que pone en cuestión los límites entre el objeto y el sujeto, pero también entre lo humano y lo animal, explorando las tensiones sobre el valor a partir de una serie de intervenciones en la ostra, la piel y la historia.
Dónde: Museo Universitario Arte Contemporáneo. Insurgentes 3000, CU.
Cuándo: hasta 01 de enero del 2020 Miércoles, viernes y domingo de 10:00 a 18:00; Jueves y sábado de 10:00 a 20:00 horas; cerrado lunes y martes.
Cuánto: General: $40
Sinestesia Olfativa
Museo del Perfume
La exhibición se presenta como una propuesta interdisciplinaria en la cual se desarrollaron diversos acercamientos, desde las prácticas artísticas contemporáneas, en torno al fenómeno sinestésico: la respuesta de dos o más sentidos ante un mismo estímulo. Los objetos que conforman este proyecto invitan a la interacción, a descubrir asociaciones mentales y recuerdos personales, imágenes fijas o en movimiento que permiten que el recorrido sea una experiencia vívida para los visitantes.
Dónde: MUPE, Museo del Perfume
Dirección: Calle de Tacuba 12, Centro Histórico.
Cuándo: 25 de julio – 9 de febrero 2020
A partir de Julio, martes a jueves de 10:00 a 18:00, viernes a domingo de 10:00 ? 20:00. Previa reservación.
Cuánto: $70 general, estudiantes y profesores $45
Who?s Afraid of Red, Yellow and Blue
Proyectos Monclova
Esta exhibición tiene su origen en una reflexión abierta sobre las tendencias actuales que se incorporan y se extienden a la noción de pintura contemporánea. La multiplicidad de obras y métodos de trabajo que componen esta muestra hacen evidente la inestabilidad que existe en términos formales al hablar de pintura, pero al mismo tiempo, sobre cómo esta variedad deviene en múltiples reflexiones, ya no sobre el medio ?o bien el dispositivo del "cuadro"? sino sobre la expresión pictórica en sí. Nos encontramos con prácticas artísticas que han rebasado los límites del lienzo y que formulan preguntas distintas respecto a la manera en la que vemos el mundo y lo representamos. ¿Cómo entender entonces a la pintura en estas nuevas circunstancias? ¿Qué significa en realidad pintar hoy? Con esta exposición nos acercamos a tantas respuestas como sea posible con el trabajo de Elsa-Louise Manceaux, Michael Conrads, James Benjamin Franklin, Javier Areán, Sebastian Black, SANGREE y Néstor Jiménez.
Dónde: Proyectos Monclova
Dirección: Colima 55, Roma Norte., Ciudad de México.
Cuándo: hasta el 22 de octubre 2019
El castillo se los ladrillos rotos
Guadalajara 90210
El proyecto El castillo de los ladrillos rotos toma la forma de una exposición colectiva, donde diversos artistas intervienen un edificio que cavila entre la ruina y la construcción. Esta iniciativa en donde la curaduría se llevó a cabo por Alma Saladin, Aurélie Vandewynckele por heiwata con Daphne Lyon y Chavis Marmol con Diego Castelán Avelino, Cristina Medellin, Alejandro Marra Mejía y Othiana Roffiel, busca convertirse en una galería móvil dedicada al arte contemporáneo que explora nuevos formatos de exhibición a través de la organización de proyectos tomando como principal objetivo adaptarse a sitios específicos. Este proyecto, gracias a la colaboración de Reurbano, ha detonado dinámicas urbanas que contribuyen a la construcción de la memoria colectiva de sitios antiguos que han permanecido en silencio por mucho tiempo.
Dónde: Zamora 15, colonia Condesa
Cuándo: hasta el 26 de octubre 2019
Fotos cortesía de INAH
Los Olmecas llegan al espacio arqueológico más grande de Canadá.
El Museo Pointe-à-Callière de Arqueología e Historia, de Canadá, estará presentanto una diversidad de piezas mexicanas, en la exposición Olmecas y las civilizaciones del Golfo de México, con el fin de celebrar la cultura y tradiciones mexicanas en el Vieux Montreal, el corazón antiguo de la ciudad cosmopolita.
Esta exhibición destaca las maravillas del México antiguo, en uno de los museos más espectaculares de Canadá, para que todos conozcan y se maravillen con las culturas mexicanas ancestrales. Se trata de un montaje que ilustra un panorama civilizatorio de más de 3 mil años, y plantear preguntas e imaginar cómo era la vida de esos hombres y mujeres que habitaron en la costa atlántica de México.
La directora ejecutiva del Museo Pointe-à-Callière, Anne Elisabeth Thibault, destacó en un boletín de prensa, que la emoción palpable en todos los colaboradores del recinto a su cargo, por recibir temporalmente los 272 objetos patrimoniales que integran a la muestra, cada uno de los cuales es testigo de la grandeza de múltiples civilizaciones de raíz olmeca.
"La colaboración entre nuestras instituciones es testimonio del compromiso compartido por promover el entendimiento intercultural, por ello, agradecemos a todos los que han hecho posible este esfuerzo. Su contribución creará, sin duda, experiencias enriquecedoras e inolvidables para nuestros conciudadanos y visitantes", expresó la Directora del Museo.
Asimismo, a dicho país del norte llegaron piezas arqueológicas y objetos etnográficos que narran parte de la historia y evolución de la cultura olmeca; que se mantiene viva en los pueblos huastecos, nahuas, totonacos, zoques y otomíes de nuestro país.
Además, se preparó un programa de actividades con recorridos guiados, conferencias y una publicación especial, realizada en colaboración con la revista Beaux-Arts, dedicada a la exposición y en la cual se ofrecerán contenidos complementarios a la misma.
Fotos cortesía de Erick Meyenberg
El artista visual Erick Meyenberg y Tania Ragasol, abordan la migración y la identidad cultural.
El artista Erick Meyenberg representa a México en la 60ª Exposición Internacional de Arte de La Biennale di Venezia con una extraordinaria videoinstalación llamada Nos marchábamos, regresábamos siempre, con la curaduría de la gestora independiente de arte contemporáneo Tania Ragasol.
Esta intervención estará disponible hasta el 24 de noviembre de 2024 en el Pabellón México en la Bienal de Venecia, en Venezia, Italia, y entabla un diálogo con más de 87 pabellones de 87 países.
Erick Meyenberg plantea un dilema fundamental con su obra, en donde parece que todos somos extranjeros donde quiera. La obra exhibe que la condición de extranjería se puede estar viviendo aun no habiendo emigrado a otro país; no sabiendo si la pertenencia en realidad está fijada por la historia, los afectos o los tránsitos que hoy en día la movilidad humana plantea. No es la geografía, la historia o el lenguaje lo que define esas construcciones, sino una realidad en la que nos movemos permanentemente.
No obstante, México ha recibido personas que han tenido que dejar sus raíces o sus orígenes por guerras, por dictaduras, por desastres ambientales o solo porque se enamoran de un país tan diverso. La poética transdisciplinar de Meyenberg, que va de lo visual al lenguaje del movimiento, que transita por las emociones y los afectos de todas las personas que nos vemos reflejadas en una mesa.
El artista creó cerámica para poder desfigurar y transfigurar esas emociones que significan en una mesa compartir los dilemas, las nostalgias, las promesas incumplidas, los sueños, los compromisos; es ahí donde México se enriquece con esta obra poética de Meyenberg y de Tania Ragasol.
Esta propuesta artística habla de la hospitalidad, reconocer que todo proceso migratorio tiene muchas capas de dolor y de pérdida, pero ante una mesa se pueden crear lazos profundos de humanidad, es en donde caben todos esos gestos casi ancestrales, primigenios, que más allá de fronteras y de nacionalidades, nos pueden unir a todos como seres humanos y en donde podemos proyectarnos. Por eso en la videoinstalación hay una mesa blanca, una especie de pantalla en donde cada uno puede proyectar sus memorias.
El trabajo de Tania Ragasol evoca de una manera poética tanto el trayecto de quien migra, de una familia de migrantes, como la posibilidad de un momento, aunque sea un instante, de pertenencia alrededor de una mesa. Es un tributo a aquellos que están por llegar a una nueva realidad de vida, es una invitación a apreciar aquello que nos parece extraño para imaginar conexiones a partir de las maneras más íntimas que tenemos en común todos los seres humanos, como puede ser un beso, un guiño, una caricia, como eso vital que nos une más allá de fronteras, coordenadas, límites.
Sin duda una videoinstalación que nos hace mirar el tema del encuentro, siendo Extranjeros por todas partes. Además, es una exposición representativa de la práctica de un artista mexicano de ascendencia alemana y libanesa, que sabe bien sobre la condición dual y en construcción identitaria del migrante como extranjero, en su tierra y fuera de ella, cuantas veces intente recuperarla. Es una instalación con esculturas de cerámica que combinan elementos de México, Italia y Albania, reflexiona profundamente sobre temas como la migración, la búsqueda de pertenencia y la perenne condición humana de buscar raíces en un mundo transitorio.
Fotos cortesía de davidmfoto
David Hanes-González retrató el box que se viven en los barrios de la CDMX.
David-Hanes González es un mexico-americano que llegó a nuestro país con el fin de conectarse con sus raíces mexicanas, en particular con el boxeo mexicano. Fue cuando descubrió el increíble impacto que tiene México en el box, cuando se propuso crear un proyecto en torno a esta cultura.
Así se cargó de su cámara, y un proyecto que era de dos semanas se convirtió en todo un proceso de dos años, con el fin de crear una conexión mucho más profunda con el país de origen de su familia. Este fotógrafo nacido en Chicago llegó a vivir a México en la pandemia y con muy poco conocimiento de español.
Para Hanes-González el estilo del boxeo mexicano es un reflejo del carácter nacional. En realidad llevó a cabo un proyecto fotográfico bastante interesante. Se trata de fotografías en blanco y negro, pero no son las clásicas fotos de Canelo, o De la Hoy en el ring. Se trata delos combates de la vida diaria, de los barrios y las comunidades capitalinas.
Y es que para muchos amateurs que comienzan en el mundo del boxeo en la Ciudad de México, es una salida única, disciplinada y dedicada para lograr subirse al ring y tener una mejor consciencia de su futuro. Se trata de un proyecto fotográfico de comunidad, evitar los clichés y registrar con su cámara algunos de los gimnasios de box, en lugares como La Merced, Tepito, la Guerrero, Tacubaya, el pueblo de Santa Fe, en la capital, y en municipios del estado de México.
Una de las imágenes favoritas que han marcado a este fotógrafo, es la del boxeador Salvador Pelón Juárez, quien aparece frente a una cruz en uno de los cerros del municipio mexiquense de Chimalhuacán.
Fotos cortesía de @joelmerinoart
Joel Merino lleva la tradición y cultura de Oaxaca a varias partes del mundo.
Joel Merino es un artista que representa a la comunidad de San Juan Copala, un municipio autónomo de Oaxaca, que siguió el ejemplo de los Zapatistas de Chiapas para abogar por su pueblo. Como muchos artistas oaxaqueños, ha tenido que superar muchos obstáculos para continuar haciendo su arte; además de llevar su talento y amor por la comunidad triqui a otro continente.
Merino se inició en la pintura de pequeño. Experimentaba con caricaturas y con el paso del tiempo desarrolló su potencial y decidió seguir en la búsqueda de técnicas y tipos de pintura, hasta que conoció a un corredor de arte, esto originó en Merino López un gran interés en la pintura clásica, y al paso del tiempo conoció otras técnicas y expresiones culturales.
Más tarde se enfocó en el grafiti, con la cual se abrió paso al mundo artístico y en el año 2014 comenzó a realizar obras de su propia autoría. La Comisión Nacional para el Desarrollo de los Pueblos Indígenas en Querétaro, fue la primera en abrirle sus puertas tras ver su trabajo, de ahí lo invitaron a plasmar su obra en la oficina de la comisión; después de esta experiencia, se interesó más por trabajar murales con la temática de su comunidad de origen.
Hoy en día, su fuente de inspiración para realizar su trabajo es su familia y su pueblo natal que engloba la cultura triqui, este tema lo ha llevado a trascender fronteras no nada más de su estado sino del país, llegando a pintar en algunos países europeos.
Sus exposiciones han pasado por algunos estados de México como lo son Querétaro, Veracruz, León, Tijuana y Oaxaca. Fuera del país se ha presentado en países europeos como Suecia, Bélgica y Francia y, en el 2017, logró conseguir dinero para poder llegar a París en busca de posicionar su obra y cultura. En la capital del arte y del amor lo recibió con los brazos abiertos y Merino consiguió realizar murales en emblemáticas calles de la ciudad luz, resaltando las costumbres, vestimenta y tradiciones de su pueblo pero sobre todo dejando en alto a su país.
Asimismo, el pintor triqui, Joel Merino López, hizo una gira de trabajo con la comunidad migrante triqui en Estados Unidos, donde fomentó la cultura de su comunidad, San Juan Copala. Además, pudo visitar las ciudades de Albany en Nueva York, además de Chicago y Las Vegas.
Tanto las pinturas como los proyectos de Merino, resaltan a la comunidad triqui, además de dar a conocer parte de la cosmogonía de las comunidades originarias de México. Asimismo, busca que la imagen de Copala no se quede en la idea de la ropa típica, artesanías, ni las problemáticas sociales de la región, más bien espera que a través del arte con sus pinturas se dé a conocer.
Sus obras llevan títulos en el idioma triqui con traducción al español para que la gente conozca la lengua madre del artista, buscando preservarlo para las próximas generaciones.
Fotos cortesía de INAH
Estas 22 piezas pasarán a formar parte del patrimonio arqueológico mexicano.
22 piezas arqueológicas pertenecientes al patrimonio mexicano, fueron devueltas por una familia de Filadelfia, Estados Unidos, que otorgaron los ejemplares de manera voluntaria para reintegrarse a los museos mexicanos; a través del Consulado de México en Filadelfia y el Centro Cultural Mexicano (CCM).
La recepción de las piezas se realizó a través de una ceremonia, donde se reconoció a la familia Landau, quienes coleccionaban los artículos, además del trabajo de la Secretaría de Cultura federal, a través del Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH), y la Secretaría de Relaciones Exteriores (SRE).
"Leonard Landau era un amante del arte mexicano y le gustaba coleccionar piezas arqueológicas. Después de su muerte, su esposa e hijos consideramos que lo correcto era devolverlas a México y tuvimos la suerte de encontrar el Centro Cultural Mexicano de Filadelfia", señaló la familia durante la ceremonia.
Asimismo, en octubre pasado, la familia Landau decidió entregar de manera voluntaria 29 piezas al CMM, dada la posible relevancia histórica y cultural de los elementos en cuestión, el Consulado de México en Filadelfia y el CCM acordaron verificar su autenticidad ante el INAH, con el apoyo de la SRE.
En ese sentido, se llevó a cabo un dictamen de las 29 piezas y un arqueólogo del Instituto, especialista en culturas precolombinas, quien concluyó que 22 de ellas, entre las cuales destacan figuras antropomorfas y vasijas, concuerdan con artefactos elaborados por diversas culturas mesoamericanas que habitaron México entre los años 400 a.C. y 1521 d.C., por lo que se les considera patrimonio arqueológico de la nación.
Por otro lado, las otras siete piezas fueron dictaminadas como de reciente manufactura o que no se puede determinar su origen por el estado de las mismas. Tras todos los dictámenes se coordinó la entrega de las piezas, para que lleguen a México para su investigación, conservación y cuidado.
Durante la entrega de las piezas, el cónsul mexicano en Filadelfia, Carlos Obrador Garrido, resaltó la atención de esta administración a la recuperación y "rematriación" de piezas arqueológicas. "Celebramos que se haya podido concretar el retorno a nuestro país de estas 22 piezas, mismas que nunca debieron haber salido de México”, dijo Garrido.
Fotos cortesía de Ternurines México
Los Ternurines están de vuelta en toda la Ciudad de México.
El coleccionismo, la moda retro y la nostalgia han traído el regreso de los llamados Ternurines, al grado de que muchos jóvenes se han vuelto amantes de estas pequeñas figurillas.
Se trata de Sylvanian Families, unas figuras coleccionables que surgieron en Japón y, pero que en América se vendieron como Calico Critters y en México los llamaron Lindos Ternurines. Hoy en día son apreciados por niños y adultos, porque son juguetes atractivos para los menores y objetos de colección, con algunos ejemplares alcanzando altos valores en el mercado en línea.
De hecho, la línea de juguetes con el nombre de Sylvanian Families salió al mercado en 1985, y en 1993 fueron rebautizados y lanzados en los Estados Unidos como Calico Critters. La primera línea de Sylvanian Families en Japón incluía una casa, 11 muebles y 9 familias de animales, como los osos Timbertop y Evergreen, los conejos, ratones, conejos grises y los topos llamados McBurrow.
Cada familia tiene características animales realistas, como pelaje, bigotes y colas, así como su propia personalidad, ropa e historia de fondo, lo que los hace perfectos para el juego imaginativo. Forman parte de una colección que incluye juegos, muebles en miniatura e incluso vehículos de juguete para que puedas crear un mundo lleno de criaturas, casas, tiendas y transporte.
Estas figuras son fabricadas en Vietnam y China, pero la empresa que los produce, Epoch Co., Ltd., tiene su sede en Tokio, Japón. Dicha empresa japonesa de juguetes y juegos que existe desde 1958, y está clasificada como la tercera empresa de juguetes más grande de Japón. Se especializa en crear juguetes de alta calidad para niños que fomentan el juego imaginativo. De hecho, la línea Calico Critters es una de sus colecciones de juguetes más populares, amada tanto por niños como por padres.
Estos coleccionables surgieron de la combinación de casas de muñecas y figuras animales con un toque humano. Las primeras ediciones de los Ternurines estaban hechas de cerámica y madera. Años más tarde, los juguetes evolucionaron con el uso de plástico y metal para aumentar su durabilidad y resistencia, que suelen romper con facilidad la tela o la cerámica. Cada personaje posee su propio nombre, fecha de nacimiento y personalidad, lo que fomenta la creatividad y desarrollo de habilidades sociales y emocionales en quienes juegan con ellos.
Como muchas cosas vintage, Los Ternurines se han convertido en una sensación en redes sociales y las tendencias de compra en línea son un producto de la firma Epoch. Con casi 40 años de existencia, hay algunas figuritas que pueden llegar a valer hasta 11 mil pesos en las subastas de los coleccionistas.
Algunas figuras se han convertido en raros objetos de deseo para coleccionistas, evaluándose a precios altos en el mercado de segunda mano. La figura denominada "White Chocolate Rabbit", fue vendida en 700 dólares en una subasta en Ebay durante el año 2023.
Asimismo, los Sylvanian Families son muy populares en plataformas digitales como TikTok, donde usuarios realizan parodias y cuentan historias utilizando estas figuras. En la Ciudad de México, los aficionados a los Ternurines tienen varias opciones para comprar estos preciados compañeros:
Tianguis de juguetes de Banderas
Fan Center de Eje Central, en el Centro Histórico de la CDMX.
Cong Cha Condesa
Jugueteria Eliacim, en el Centro Histórico.
Fotos cortesía de Archivo Emotivo
El Mariachi Potosino logró hacer una gran historia en la ciudad de Chicago.
Este museo de Estados Unidos le rinde un homenaje a la historia de José Cruz Alba (1918-2002) y su viaje como inmigrante desde Durango a Chicago. Es una exposición llena de fotografías antiguas, videos, recortes de periódicos y entrevistas a familiares que muestran la trayectoria del Mariachi Potosino, que fue más que reconocido en Chicago.
La mayor parte de lo que se escribe sobre la historia del Mariachi en Estados Unidos no reconoce a los estados del Medio Oeste y a ciudades como Chicago como centros importantes de actuación del Mariachi. Pero viaje musical del Mariachi Potosino ayudó a establecer al género musical y al mismo tiempo reflejar el crecimiento de la identidad cultural mexicana en todo el país.
El Mariachi Potosino se fundó en 1958 y terminó en 2019, siendo una parte integral de celebraciones familiares, eventos comunitarios, desfiles de la ciudad, protestas y reuniones políticas en las comunidades mexicanas de Chicago y más allá. De hecho, la música de este Mariachi se convirtió en un símbolo de identidad, un referente cultural inmediatamente y un puente hacia casa.
José Cruz Alba fue un músico y activista, que conoció a Richard Nixon, a miembros del Partido Pantera Negra, Richard J. Daley y Jane Byrne. Fue el director del Mariachi Potosino por más de 60 años, y tocó en todos los rincones de Chicago; además de dar serenatas y tocar en bodas, cumpleaños, bautizos y más celebraciones.
Este Mariachi tenía seis mexicanos que tocaban en Chicago en la década de 1960. Llevaban sombreros, trajes de charros y ahora están en una galería del Museo Nacional de Arte Mexicano en Pilsen, Chicago. El Mariachi Potosino también estuvo presente en un mitin de JFK en 1960, tocaron para Robert Kennedy y muchas personalidades más.
En los años 60 en Estados Unidos, ser mexico-americano no era nada fácil, ni mucho menos lo era ser obrero toda la semana y reinventarse como mariachis los fines de semana. Es por eso que el Mariachi Potosino fue una novedad en Chicago. Aparecieron en la televisión local, y tuvieron un éxito menor en la radio regional con una canción de amor con tintes de bolero. Aunque el resto de los miembros del mariachi iban y venían, José Cruz Alba siempre fue el director.
José Cruz Alba murió en 2002, varios años después de sufrir un derrame cerebral. Es por eso que el mariachi es homenajeado en el Museo Nacional de Arte Mexicano con un nombre bastante elegante: Mariachi Potosino: The Sound of Home (Mariachi Potosino: el sonido de casa). El Museo Nacional de Arte Mexicano, se encuentra en 1852 W. 19th St., Chicago.
